dal 15 dicembre 2007 al 3 febbraio 2008

Mostra
Sottoporticato
Orario: tutti i giorni, escluso lunedì 10.00 | 19.00.
ingresso libero

La mostra, attraverso installazioni, immagini, oggetti e tavole di testo, presenta un itinerario nell’affascinante e complesso mondo dei simboli della tradizione cinese. Un percorso che si snoda attraverso 8 sezioni tematiche dedicate a: il ciclo del tempo; l’architettura dello spazio; la formazione del mondo e gli eroi culturali; animali, piante e motivi vegetali; animali fantistici; esseri soprannaturali e divinità guardiane; simboli, oggetti, emblemi; le stampe per il nuovo anno. Simboli dalla forte connotazione sociale e filosofica, semplici e nello stesso tempo complesse chiavi di lettura e interpretazione della tradizione popolare, dell’arte e, più in generale, della cultura cinese.

21 novembre 2007 – 10 febbraio 2008
Loggia degli Abati

Mostra
In occasione della presentazione del nuovo libro di Maurizio Maggiani edito da Ed. Feltrinelli
“Guida sognante per perdersi a Genova”
Orario: tutti i giorni, escluso lunedì 10.00 | 19.00.
ingresso libero
martedì 20 novembre 2007 ore 18.00

La mostra è un viaggio romantico, nel quale Maggiani utilizza il suo materiale, fotografie e pensieri, per un grande racconto di immagini, parole e suoni. Ma è anche un viaggio interiore nella città di Genova, che si realizza in concomitanza con l’uscita dell’ultimo libro pubblicato da Feltrinelli del celebre scrittore.

Ci saranno blocchi di racconto.
La città delle stratificazioni, delle sovrapposizioni.
La città del viaggio al Gaslini, la città litoranea.
La città della modernità, il Ponente.
La città del “passo” tra Levante e Ponente, tra porto e acciaieria, tra Bisagno e Polcevera.
La città metafisica, la città delle luci e dei sipari.
La città delle crose, la città sopraelevata.
Sarà un racconto e non un documentario, questo è ovvio. Non ci sarà tutta Genova, ma solo la parte che possiedo, quella che porto con me, quella che mi rimane, quella ancora buona per il sogno notturno e la meraviglia diurna.

Maurizio Maggiani

19 – 28 novembre 2007
Porticato

Mostra
Mostra fotografica in previsione della giornata mondiale per la lotta all’AIDS La mostra propone una cinquantina di scatti realizzati da trenta fotografi di fama internazionale che documentano storie personali di coloro che convivono e lottano con l’HIV/AIDS e di chi sta loro vicino per dare un contributo concreto al contrasto dei pregiudizi. L’esposizione è stata realizzata grazie alla Fondazione Garrone

Tavola Rotonda
“Oltre l’AIDS. Fatti, persone, strategie, risorse”
Sala del Minor Consiglio
19 novembre 2007, ore 10.30

17 novembre 2007 – 24 marzo 2008
Appartamento del Doge
 
Garibaldi. Il Mito
Da Lega a Guttuso
 
 
 

Artisti di diverse generazioni, vissuti e operanti nella seconda metà dell’Ottocento, dai Macchiaioli toscani, ai Romantici lombardi, ai veristi napoletani e siciliani sono messi a confronto per illustrare le manifestazioni del mito di Garibaldi, ripercorrendo l’evoluzione della pittura storica e della cosiddetta pittura di genere in relazione con la popolare epopea garibaldina.
La mostra suddivisa in dodici sezioni si apre con la fondamentale presenza di Garibaldi a Roma tra il 1848 e il 1849, la fuga verso Venezia e la morte di Anita, passa poi attraverso le successive leggendarie imprese, fino alla solitudine di Caprera e all’ultima vittoriosa spedizione in aiuto della Repubblica francese.
Oltre alle eccezioni di carattere storico, legate alla rappresentazione o alla celebrazione degli eventi, è fondamentale, anche per il numero delle opere, quella dedicata alle molteplici trasformazioni dell’immagine dell’eroe.
Mentre attraverso la presenza di una straordinaria serie di bozzetti e modelli è possibile seguire l’evoluzione della scultura monumentale che ha fatto di Garibaldi il protagonista del Risorgimento, anche di tutta la storia del nostro paese, più amato, celebrato e presente nelle piazze d’Italia.
Per ricostruire i grandi avvenimenti di un’epopea unica e coinvolgente sono presenti circa centocinquanta opere di grandi artisti tra i quali: Silvestro Lega, Giovanni Fattori, Plinio Nomellini, Gerolamo Induno, Leonardo Bistolfi, Arturo Martini, Ippolito Caffi, Ettore Ximenes, Piccio e in fine Renato Guttuso con la straordinaria enorme tela della “Battaglia di Ponte dell’Ammiraglio”.

13 – 17 novembre 2007
Sottoporticato
 
 

20 ottobre – 28 novembre 2007
Cortile Maggiore

Installazione esterna

La concezione del mondo, nei tempi, è dipesa in minima parte dalle idee scientifiche: rifletteva maggiormente i bisogni morali e sociali.
Un vizio di tutte le epoche è stato quello di provare la morale che il potere di turno professava forzando la scienza in quella direzione.
 
La fisica ellenica dell’eterno ritorno fu rigettata a favore dell’evoluzione lineare a opera di alcuni teologi che all’inizio dell’era cristiana non accettarono di sottomettere la storia sacra, di stampo creazionista, alle alterne vicende di distruzione e rinascita del mondo naturale.
In breve, la natura è sempre stata identica a se stessa, ma l’uomo ha visto in essa volti diversi a seconda delle epoche. Adesso però, l’umanità, per la prima volta nella storia, si trova a dover decidere le sorti, non tanto del pianeta Terra, quanto delle condizioni che hanno reso possibile la vita, la vita umana, su questo pianeta.
Ammesso che si tratti di politica e non di etica, tale politica ha un carattere cosmico: la questione non è più di destra o di sinistra, ma la scienza in questo caso chiama la politica a agire e agire in fretta.
 
La deforestazione e l’immissione nell’aria di carbonio, prelevato dal sottosuolo, non sono che effetti, la cui causa è un atteggiamento di matrice neolitica di alterità rispetto al mondo.
In questo senso, considerando che pinksummer è una galleria di arte contemporanea, ci piace l’idea di presentare un secondo progetto di Tomas Saraceno a qualche giorno dall’assegnazione del Nobel per la pace a un politico per aver promosso la pace non tra uomini e uomini, ma tra l’umanità e la Terra, seguendo le vie indicate dalla scienza.
 
Tomas Saraceno è un positivista, il cui misticismo laico impone una visione dell’arte che esula da presupposti ludici e di piacere dei sensi in sé.
Nel lavoro di Saraceno prevalgono esigenze di operatività e di concretezza, sia in termini progettuali, sia riguardo alla sensibilizzazione attuata attraverso la conoscenza e la riflessione che le sue opere smuovono, sintetizzando una visione del mondo nel contempo scientifica, morale e estetica e anche magica, perché il mistero ha una grande influenza nell’intimità dei pensieri più razionali.
 
Einstein affermava che la cosa più bella è dimostrare il lato misterioso della vita, il sentimento profondo che si trova alla sorgente dell’arte e della vera scienza. Saraceno ha ereditato da Buckminster Fuller la concezione del mondo come sistema, in cui ogni singola parte, ogni singolo essere è legato all’altro e al tutto da una trama invisibile di relazioni, un concetto olistico che restituisce l’idea di insieme come qualcosa di sinergico, estremamente più efficace e potenziato rispetto alla semplice somma delle singole parti.
 
Ogni progetto di Tomas Saraceno è da intendersi come un’unità organica, un subsistema che si relaziona al sistema del suo pensiero restituendoci l’idea di utopia, intesa come via di fuga, non nel sogno, ma in una alternativa concreta che non deresponsabilizza il piccolo individuo di fronte alle scelte di macropolitiche scellerate.
Solo l’individuo è sufficientemente libero da non preoccuparsi di piacere ai capi, sosteneva Fuller, la cui critica all’architettura modernista fu durissima, arrivando ad affermare che lo stile internazionale introdotto in America dal Bauhaus non si preoccupava di conoscere la meccanica strutturale o la chimica, ma si limitava a convincere gli industriali a cambiare la forma delle maniglie.
Un po’ come Henri Poincaré sosteneva in “La scienza e l’ipotesi”, per sperimentare bisogna liberarsi da idee preconcette, condizione difficile considerando che lo stesso linguaggio è impastato di idee preconcette; alla stessa maniera Fuller affermava che l’architettura universale, sintesi di spazio, tempo e sviluppo, non può esistere se non liberandola dalla dipendenza dalla materia esistente.
Solo muovendo dalla progettazione dei materiali, l’architettura può compiere quella rivoluzione atta a fornire delle risposte etiche ed estetiche alla collettività che trascendano la logica del riparo e dal monumento.
In questo senso si muove Tomas Saraceno, il cui lavoro, abbattendo le barriere disciplinari e la concezione preistorica dell’uomo contro la natura, promuove l’integrazione con essa e con l’energia e le risorse che essa ci fornisce.

6 – 14 ottobre 2007
 
I grandi navigatori e la scoperta del nuovo mondo
Liguria Spazio Aperto

L’Associazione De Fabula, festeggia con la sua VI Biennale i dieci anni di attività, un lungo periodo caratterizzato dallo studio del territorio, ricerca delle tradizioni perdute, tutela del folklore locale e attenzione agli aspetti piè vari del suo artigianato artistico.
Per questo motivo, la biennale del 2007 raccoglie mostre ed iniziative finalizzate a far conoscere, unitamente ai merletti liguri, la storia e la tradizione della Liguria e la figura del grande navigatore che ha aperto le porte agli scambi con nuove culture.
 
Tra le iniziative della VI Biennale: Mostra del quadro ispirato all’opera dell’artista F. Musante “Il giovane Cristoforo gioca con le caravelle nel parco dell’Acquasola” progettato ed assemblato dall’associazione De Fabula con la collaborazione delle più importanti scuole italiane di ricamo e merletto.
Mostra di pizzi e ricami provenienti da: Francia, Belgio, Svizzera, Germania e Spagna accompagnati da una schedatura che ne definisce l’origine, la tecnica, l’area geografica e le referenti.
 
Durante tutto il periodo della manifestazione saranno presenti le insegnanti di macramé e di tombolo dell’associazione De Fabula per dimostrazioni e ateliers (a partecipazione gratuita)

Omero Barletta. Immagine Jazz / Omaggio alla Storia. Fotografie 1962/1994

17 – 29 settembre 2007
 
Mostra
Liguria Spazio Aperto

Organizzata dal Louisiana Jazz Club – Museo del Jazz di Genova, e con il patrocinio della Regione Liguria, si inaugura lunedì 17 settembre alle ore 18 presso la sala Liguria Spazio Aperto di Palazzo Ducale la Mostra “Immagine Jazz / Omaggio alla Storia” del fotografo imperiese Omero Barletta, uno dei più grandi ritrattisti italiani nel campo della musica afroamericana, collaboratore del mensile “Musica Jazz” da oltre quarant’anni.
Nel corso della serata, con rinfresco offerto agli intervenuti, si esibirà il gruppo “Stringology”.

Interessato da sempre alle cose d’America e studioso del periodo classico del jazz (splendida la foto in mostra del trombettista New Orleans Kid Thomas), Omero Barletta ha fissato con il suo obiettivo l’immagine della quasi totalità dei grandi protagonisti di questa musica: Louis Armstrong, Miles Davis, Roy Eldridge, Dizzy Gillespie, Charles Mingus, Earl Hines, sono solo alcuni dei moltissimi esempi. È rappresentato, quindi, praticamente ogni stile della ormai quasi centenaria storia del jazz.
L’ultima parte della mostra è dedicata alle immagini di New Orleans prima dell’immane tragedia seguita all’uragano Katrina: omaggio dovuto al luogo dove il jazz ha preso forma e vita.

Come ha scritto il direttore artistico del Louisiana Jazz Club, Giorgio Lombardi, Barletta ha sempre avuto la rara capacità di cogliere la vera natura umana che spesso si vela “dietro” l’immagine pubblica di ogni musicista. Le sue foto, infatti, possiedono un dinamismo, una vitalità e una sensibilità difficilmente riscontrabili. Volendo sceglierne una, tra le molte che impreziosiscono una raccolta così ricca e sontuosa, piace segnalare al pubblico quella “magica” fatta a Nizza a Michel Petrucciani: un fermo fotografico che pochi potranno dimenticare. Di Barletta, l’EDT di Torino ha pubblicato nel 1991 un libro antologico dal titolo “100 immagini di jazz”.

L’esposizione durerà fino al prossimo 29 settembre e sarà aperta tutti i giorni dalle ore 9 alle ore 19.

Per informazioni rivolgersi al
Louisiana Jazz Club – Museo del Jazz: 010/585241
info@italianjazzinstitute.com

12 luglio – 26 agosto 2007
 
Il viaggio di Hugo Pratt in una mostra itinerante. Copertine, schizzi e documenti.
Porticato

ingresso libero
 

La rivista Sergente Kirk nasceva quarant’anni fa e sulle sue pagine Hugo Pratt, con le avventure di Corto Maltese, faceva la storia del fumetto italiano. Un anniversario importante, arricchito da una nuova mostra itinerante, Kirk: le radici di Corto Maltese, snodata fra Genova e Lucca, ed estesa anche ad altre città italiane, tra cui Milano, Bologna, Mantova, Roma e Verona.
 
L’esposizione è partita da Genova, presso la Facoltà di Scienze della Formazione dell’Università, nel maggio scorso, e dopo le tappe a Lucca, Milano, Bologna, Mantova, Roma e Verona si trasferisce, dal 12 luglio fino al 26 agosto, nell’atrio di Palazzo Ducale, dove sarà visitabile con ingresso libero.
La tappa genovese, espone dodici totem, con immagini e brani che raccontano l’avventura creativa ed editoriale di Hugo Pratt, il suo percorso artistico e l’incontro con Florenzo Ivaldi, dalla cui collaborazione nacque la rivista Sgt Kirk.
 
Riproduzioni delle copertine originali di Sgt. Kirk, didascalie, fotografie, schizzi. Ma la mostra non è focalizzata solo sul noto personaggio di Pratt, ma sul vero e proprio viaggio intrapreso dal fumettista Pratt e dal suo editore Ivaldi. Il viaggio di due uomini e di una rivista centrale nel panorama del fumetto europeo”.
“La mostra ha richiesto e richiede oggi un lungo lavoro. Da un lato il recupero di materiale originale, dall’altro la produzione di nuovi progetti – spiega Gianni Bono, direttore del Museo del Fumetto e dell’immagine di Lucca – seguendo lo spirito che caratterizza la rivista: fare riferimento al passato, ma sempre con un occhio proiettato nel futuro”.

18 – 24 giugno 2007
 
Munizioniere

La chiave scelta per raccontare questo fondamentale capitolo della storia della cartografia italiana è di tipo diacronico e consente di ripercorrere, attraverso l’esposizione di alcuni tra i più significativi documenti d’epoca, lo sviluppo delle discipline geotopocartografiche, dei loro strumenti e dei loro metodi.
 
Per il tramite di tali prodotti d’ingegno, vere e proprie opere d’arte e di scienza al tempo stesso, la mostra cerca di tratteggiare la crescita professionale di quei tanti, preziosi artefici della misura e della rappresentazione del territorio, operatori silenti e sapienti, che con la rivoluzione geodetica escono da un anonimato di tipo artigianale per proporsi come specialisti di una disciplina in pieno divenire. Dall’antica tradizione operativa, il geometra, il topografo, il cartografo perfezionano il loro sapere e si affacciano verso un futuro permeato dalle tecnologie digitali e satellitari.
La misura e la rappresentazione cartografica del Paese, nelle fasi più fortemente caratterizzate da metodi scientifici, che si afferma proprio a partire dal settecento, fanno da sfondo al racconto delle sfide e dei prodigi di una professione antica e viva, oggi più che mai fortemente impegnata al servizio della collettività.
 
Con questi obiettivi, la mostra testimonia le premesse storiche della grande rivoluzione geodetica in Italia, dalla quale è scaturita la realizzazione delle prime carte geometriche, la nascita dei primi catasti geometrico-particellari, delle prime carte a curve di livello, fino alla realizzazione della monumentale carta topografica alla scala 1: 100000 e dei tanti, preziosi documenti realizzati dall’Unità ad oggi.
La mostra è curata da Andrea Cantile, Direttore della rivista “L’Universo”, edita dall’Istituto Geografico Militare.
 
 
Il Convegno collegato alla mostra, programmato nei giorni 21 e 22 giugno presso il medesimo Palazzo Ducale, si articola in quattro sessioni di lavoro, dedicate rispettivamente alla cerimonia di apertura ed al ricordo della Giornata mondiale dell’Idrografia, alle carte storiche, alla cartografia ufficiale dello Stato ed all’impatto delle nuove tecnologie per la comunicazione geografica.
 
Nell’ambito di tale convegno, apposite relazioni invitate sottolineeranno l’importanza delle carte storiche come fonti documentali, imprescindibili per lo studio del territorio e per la sua conoscenza sempre più profonda: offriranno uno spaccato sullo stato della cartografia ufficiale italiana e le sue prospettive future, attraverso l’illustrazione delle peculiarità attuali e dei progetti in corso presso l’Istituto Geografico Militare, la Direzione Centrale Cartografia, il Catasto e la Pubblicità Immobiliare, l’Istituto idrografico della Marina, il Servizio Geologico d’Italia, il Centro Informazioni Geotopografiche Aeronautiche e le Regioni; e consentiranno di aprire una riflessione sui nuovi orizzonti offerti dalle tecnologie informatiche per la comunicazione in campo geografico.
 
Parallelamente a tali eventi, sono previsti spazi didattici, per consentire agli allievi degli istituti per geometri e degli istituti di scuola superiore esperienze dirette di rilevamento, sia con strumentazioni d’epoca come la tavoletta pretoriana, sia con modernissimi apparati GPS. Ed è prevista altresì una rassegna fotografica dedicata al mondo del geometra curata dalla Consulta femminile.
 
In definitiva, il tentativo che con questi due importanti eventi si cerca di compiere è quello di mostrare ad un pubblico ampio, e non ai soli addetti al settore geotopocartogarfico, come la cartografia sia stata fortemente caratterizzata da un percorso di crescita continuo, che ha registrato momenti rivoluzionari dal punto di vista scientifico e tecnologico, e come oggi essa sia fortemente orientata a fornire strumenti imprescindibili alle istituzioni centrali e locali del Paese, al fine di sviluppare nuove tipologie di servizio pubblico, sempre più vicine al bisogno dei cittadini.

Inaugurazione

2 giugno – 1 luglio 2007
 
gli anni e il design di Gabrielle Chanel
Loggia degli Abati

La mostra è promossa dall’Università di Genova, Facoltà di Architettura, Corso di laurea in Disegno Industriale, Comune di Genova, Assessorato alla Cultura e dai Magazzini del Design, con il contributo di Regione Liguria, Provincia di Genova, realizzata da Palazzo Ducale S.p.a.
La mostra è stata fortemente sostenuta da M.Benedetta Spadolini, preside della Facoltà di Architettura e da Luca Borzani, Assessore alla Cultura del Comune di Genova.
 
I curatori il prof. Marco Condotti e l’arch. Francesca Stabilini, esplorano il periodo storico che va dal 1920 alla fine degli anni ’60 mettendo in evidenza i gusti e le mode di quegli anni qui rappresentati dal design di Gabrielle Chanel. La mostra si sviluppa in 7 sale per circa 500 metri quadrati d’esposizione dove il visitatore può, attraverso abiti, ricostruzioni video e audio, immergersi nello spirito del tempo; una sala è integralmente dedicata alle citazioni di film in cui gli abiti e i costumi sono stati realizzati da Coco Chanel nell’insolita veste di costumista.
 
Un percorso che inizia negli anni subito dopo la prima Guerra Mondiale, quando Gabrielle Chanel aveva aperto il suo salone di moda a Biarritz e grazie al suo stile, che esalta una donna dinamica e priva di etichette, stava per inaugurare un negozio in Rue Cambon 31, a Parigi e avrebbe creato nel 1921, con Ernest Beaux, lo storico profumo Chanel nº5, oltre ad altri come Cuir de Russie, Gardenia ed il nº22.
“Il nostro desiderio è di realizzare un evento che chiarisca ed esalti l’importanza del design nella moda attraverso l’osservazione dell’epoca di Coco Chanel – dichiarano i curatori – proponendo attraverso video ed immagini una lettura alternativa e parallela al mondo della moda inteso come spettacolo puramente estetico. Un evento in cui ogni abito viene contestualizzato nell’epoca con immagini e filmati e in cui i dettagli vengono messi in luce per la loro raffinatezza e valorizzati per l’arte con cui sono stati creati. Non solo abiti ma il sapore e l’arte di un’epoca”.
 
Gli anni ’20: sono quelli in cui Coco crea la sua linea di accessori scarpe, gioielli, borse, sciarpe e anche cinture da abbinare ai suoi famosi tubini neri. La mostra propone modelli che perfettamente si adattano alla nuova linea di accessori e rievocano le silouhettes proposte da Madamoiselle Chanel.
Gli anni v30 trovano una risposta anche nello stile Chanel alla crisi economica internazionale, preludio della seconda Guerra Mondiale. Coco che era stata la prima donna nel 1918 a indossare un abito unisex, un pigiama bianco di seta, si era sbizzarita a disegnare proprio pantaloni, come il modello in esposizione della fine degli anni 30 simbolo de “l’emancipazione femminile”. Mentre per la sera si vedano modelli significativi per i tagli a sbieco: uno in seta bianco e un altro in merletto verde pallido, descrivono il ritorno di una linea che segue il corpo femminile. Una moda sontuosa e preziosa che evoca il languore delle attrici hollywoodiane.
 
Tre set descrivono la moda del dopoguerra ed il rientro sulle scene di Chanel nel 1954. Un tailleur del 1955 ispirato dal “New Look” è confrontato con un “tailleur Dior” dello stesso anno. L’aspra polemica iniziata con il New Look invoglia Chanel a riprendere la sua attività all’età di 71 anni, dopo più di quindici anni di silenzio. Alla costruzione strutturata di Dior, che esaltava il corpo femminile segnando la vita ed enfatizzando il seno ed i fianchi, Chanel oppone la libertà di movimento del suo morbido tailleur. Due modelli dell’inizio degli anni ’60 dimostrano come un indumento da giorno si è adattato alla sera e anticipa la rivoluzione degli anni ’80: abiti adattabili a più occasioni per il nuovo modello di donna.
Un esempio tra mille: “la petite robe noire”, un abito semplice ed elegante che diventa un classico del guardaroba femminile.
 
Ed ecco gli anni ’60, in Inghilterra è stata lanciata la rivoluzione della Minigonna di Mary Quant: gambe scoperte linee e tagli semplici, Chanel non adatta il suo tailleur alla moda imperante rispettando la classica misura sotto il ginocchio ma propone variazioni sui tessuti.

20 maggio – 6 giugno 2007
 
Porticato 42 rosso

Bombardier Transportation è una delle più importanti realtà manifatturiere nel settore del trasporto ferroviario in italia ed è coinvolta nei più rilevanti progetti del Paese, anche nell’ambito dell’Alta Velocità.
 
Il gruppo oggi impiega circa settecento persone in Italia; di queste cinquecento a Vado Ligure (SV), nello stabilimento fondato nel 1905 e dove ad oggi sono state costruite più di 1.400 locomotive. Le restanti lavorano nel centro di ingegneria di Roma, dedicato allo sviluppo dei sistemi di sicurezza, comando e controllo per il segnalamento ferroviario.
 
Tradizione e innovazione sono per Bombardier le parole chiave utilizzate per descrivere questa particolarissima commistione di attaccamento alle radici e di tensione verso i risultati più sorprendenti.
 
Due parole che vengono spesso alla mente, scorrendo le circa quaranta immagini raccolte in questa mostra fotografica e che confermano una volta di più l’orgoglio dell’azienda nel mostrare le proprie origini culturali.
 
Immagini di operai al lavoro e preziosi reperti di fabbrica, paesaggi industriali in bianco e nero a poi i treni, protagonisti incontrastanti del filo che collega il mitico “Gigante dei Govi” dell’inizio del Novecento – la prima locomotiva elettrica italiana trifase – all’avveniristico Zefiro, il treno ad alta velocità.
 
Tradizione e innovazione dunque: non solo slogan per Bombardier Transportation, ma ancoraggio al passato glorioso del Tecnomasio Italiano, consolidamento dei successi attuali e capacità di innovare, offrendo una gamma di prodotti sempre affidabili, sicuri e senza confini per un mondo ferroviario in costante evoluzione.
 
Per maggiori informazioni su Bombardier
 
Bombardier Transportation Italy
Via Tecnomasio 2
17047 Vado Ligure (SV)

16 – 20 maggio 2007
 
Proposte di intervento per valorizzare la strada
Liguria Spazio Aperto

A cura di:
Regione Liguria – Dipartimento Pianificazione Territoriale

Dopo la presentazione del volume Aurelia & le altre (novembre 2006), il Dipartimento Pianificazione Territoriale della Regione Liguria ha messo a punto una prima serie di proposte per la valorizzazione paesistica e culturale della strada, che sono oggetto della Mostra.

Aurelia & il progetto, questo il nome della proposta, si articola in diversi filoni:
 
La strada e il paesaggio
Aurelia & i giardini
Le antiche strade
La strada e l’architettura,
 
che danno vita a progetti specifici da concordare e sviluppare con gli Enti ed i soggetti interessati.
La proposta regionale, supportata da un Accordo Quadro con la Direzione Regionale per i Beni Culturali e Paesaggistici della Liguria in corso di perfezionamento prevede interventi di varia natura, portata e livello di definizione, tra cui si segnala
 
avvio dei lavori per l’aggiornamento del vincolo paesistico sulla strada per salvaguardare le parti più belle del tracciato,
recupero di sedi stradali dismesse (sia tratti significativi, come quello della Foce della Spezia che piccoli relitti dislocati lungo la strada derivati da interventi di sistemazioni del tracciato, come l’area di Punta Murena di Alassio, o la curva presso Rovereto a Chiavari) al fine di arricchire e rendere piÙ fruibile la strada
promozione di progetti sui luoghi “simbolici” della strada (Dogane di XXM, Passo del Bracco),
 
L’elenco completo degli interventi prevede inoltre:
progettazione di un parcheggio a servizio dei Giardini Botanici Hanbury,
studio di fattibilità per la creazione di un parco archeologico e naturalistico sul Nervia in corrispondenza dei resti di Albintilium, oggi attraversati dalla strada,
recupero del vivaio Winter presso il vallone del Sasso a Bordighera,
interventi di recupero sull’antica strada che precedette l’Aurelia (strada “napoleonica” presso la Caprazoppa, strade romane nel ponente e levante genovese),
intervento di recupero paesistico della collina delle Grazie presso Chiavari, anche attraverso il riutilizzo di un tratto stradale dismesso, per il quale sarà stipulato uno specifico protocollo d’intesa con Provincia, Comune, Soprintendenza BCPA e proprietà,
promozione della progettazione dell’area della ex stazione di Albisola, collocata in fregio alla strada, per la realizzazione di una struttura dedicata alla ceramica contemporanea,
interventi di riqualificazione della vecchia e nuova Aurelia a Sarzana, anche in relazione alla creazione di un parco sull’area dei Bozi di Saudino,
valorizzazione dell’Aurelia come esposizione dell’architettura del Novecento (ma non solo) alla Spezia,
 
che configurano una sorta di “paradigma” degli interventi possibili sulla strada, progetti pilota attraverso cui sperimentare modalità di lavoro e linguaggi da applicare successivamente ad altre situazioni, cui si aggiungono altri progetti di carattere culturale come
 
una rassegna dedicata ai film, spot e documentari che hanno utilizzato o raccontato la strada
una mostra che raccoglierà i quadri dedicati alla strada
la promozione di un concorso letterario PARLAMI DI AURELIA
 
Il primo dei progetti culturali ad essere attivato è un concorso letterario nazionale “…parlami di Aurelia” promosso dalla Regione Liguria e affidato a Diabasis edizioni per la selezione di 10 racconti inediti che saranno pubblicati in un apposito volume nella primavera del 2008. La giuria sarà presieduta da Nico Orengo. Attraverso lo strumento del Concorso ci si propone di rilanciare l’interesse sulla strada, di verificare al sua capacità di generare e accompagnare storie, di essere ancora la vetrina su cui si svolge la vita della Liguria. Il Bando di concorso è scaricabile dal sito internet della Regione Liguria www.regione.liguria.it

14 – 30 maggio 2007
 
Esposizione di ardesie e marmi bianchi e colorati
Porticato

25 aprile – 31 agosto 2007
 
Parole degli occhi
Giorgio Bergami 50 anni di fotografia
Sottoporticato

Molti certo sanno dell’importanza dell’attività di Giorgio Bergami nel panorama fotografico italiano, ma pochi hanno avuto la possibilità di cogliere nel suo insieme l’enorme quantità di lavoro da lui svolta in Italia e all’estero in cinquant’anni.
Per il settantesimo compleanno di Giorgio Bergami, (2007) un comitato, composto da diverse personalità della cultura italiana ha deciso di organizzare una mostra dei suoi lavori, per sottolineare pubblicamente l’importanza e la qualità della sua attività cinquantennale di fotografo e di regista cinematografico.
Il Comitato composto da Gino Paoli, Tonino Conte, Emanuele Luzzati, Renzo Piano, Ennio Poleggi, Maurizio Maggiani e da Franco Sborgi vuole proporre nella sua sequenzialità storica tutta l’attività di Bergami, presentandone una visione certo non completa, ma indubbiamente rappresentativa della ricchezza di esperienze e di visioni: un vero e proprio diario del tempo di cui l’occhio fotografico di Bergami è critico testimone.
Diverse sono state le mostre in cui è stato presentato il suo lavoro, ma si trattava per lo più di rassegne dedicate ad un singolo tema : è costume infatti di Giorgio Bergami, una volta portata a temine una ricerca (per lo più svolta attraverso lo scatto di migliaia di fotogrammi, quasi una sorta di diario visivo ininterrotto), proporre pubblicamente – di volta in volta attraverso una mostra, un libro, un film, una multivisione, ecc. – quello che è il senso stesso del lavoro condotto attraverso la scelta di immagini che divengono per se stesse fortemente rappresentative della intensa dimensione partecipativa e di attenzione che sta dietro la sua attività .
La foto di Bergami, infatti, è una foto essenzialmente testimoniale che, pur nell’estrema padronanza del mezzo, sa restituire l’impatto immediato dell’immagine, del fatto. La sua è una visività di tempi rapidi, in cui certo concorre l’esperienza cinematografica, oltre che la frequentazione con la foto di agenzia: è ben nota infatti la sua formazione all’interno di una grande agenzia di reportage come la Publifoto, di cui divenne titolare della sede genovese.
 
La mostra si articola secondo varie fasi tematiche e cronologiche che hanno caratterizzato il percorso della sua attività lavorativa:
 
• Il fotoreporter che ha fissato le immagini dei divi e delle personalità della cultura, da H. Bogart alla Callas, da Ingrid Bergman a Toscanini.
• Il fotografo d’industria: un documento fondamentale di un’epoca industriale che vede svolgersi il grande mito dell’acciaio, con l’Italsider, la SIAC, ecc. o quello dei grandi transatlantici, dall’Andrea Doria alla Raffaello.
• Il grande fotografo sociale che testimonierà tanto le lotte degli anni Sessanta, quanto il crescere di una città senza limiti. Ne nasceranno le famose foto sulla speculazione edilizia (un esemplare multivisione sul tema costituì una sezione centrale della mostra Immagine per la città del 1972, oltre a dar vita a noti libri fotografici).
• la fotografia sociale che si tradurrà anche nelle note e drammatiche inchieste visive sull’handicap (Handicappati non solo si nasceva si diventa, 1969), sui carceri minorili (1968-1969), il “libro bianco sui manicomi liguri”(1971): inchieste che, per la loro drammatica immediatezza antiretorica, contribuiranno non poco a far sì che dalla evidenza della denuncia si giungesse ad un grande dibattito pubblico sulla riforma di tali istituzioni.
• il grande impegno con il teatro, che lo ha visto collaborare con Luzzati, Trionfo, Bignardi, Squarzina, ecc. in una stretta interrelazione con il lavoro dei registi e degli attori.
• i grandi reportages degli anni novanta; da quello sulle grandi trasformazioni di Pechino a quelli su Cuba. In particolare in mostra quelli su Sarajevo assediata durante la guerra dei Balcani, che diede vita ad una mostra itinerante, di grande impatto, patrocinata dall’ONU.
• l’attività cinematografica, che va anch’essa dal reportage alla regia di film a tema, come il giallo per Rai 2 Il viaggio difficile, oppure, già nei primi anni Settanta, cortometraggi come Gli occhi di una città: Genova alla finestra, che ottenne particolare successo e fu premiato dal Ministero dello Spettacolo; o, ancora, quelli di carattere antropologico, realizzati in collaborazione con l’Università di Cosenza (Noi Tabarkini, Strombolani di Stromboli, ecc.).
 
Accanto all’attività creativa, di cui si può dare solo un accenno, va ricordata la particolare attenzione che Bergami ha dato alla didattica, dalla collaborazione con gli enti pubblici per fornire una informazione immediata, destinata ai giovani, all’insegnamento vero e proprio: da quello svolto per anni presso l’Accademia Ligustica, fino a quello tenuto a tutt’oggi presso il DAMS della Facoltà di Lettere dell’Università di Genova.
L’esposizione che gli è dedicata non è solo un doveroso omaggio a un lavoro così complesso, di tale qualità e di grande impegno testimoniale, ma anche il riconoscimento alla qualità di una personalità che ha segnato e tuttora segna la storia della fotografia italiana, attraverso l’occhio anticonvenzionale di un grande fotografo.

13 – 27 aprile 2007
 
Opere dal 1975 al 2005
Liguria Spazio Aperto

Flavio Brolis è nato a Genova nel 1954. Ha frequentato il Liceo Artistico Statale e l’Accademia di Belle Arti di Brera a Milano. Ha insegnato discipline pittoriche presso il Liceo Artistico Barabino di Genova dal 1975 al 2005, anno della sua scomparsa.
 
Parallelamente a una stimata attività didattica, ha intrapreso un percorso pittorico che si snoda intrecciando la tradizione figurativa e la sua rilettura in una chiave postmoderna.
 
Il Liceo Artistico Klee-Barabino intende con questa esposizione far conoscere alla cttà trent’anni di pittura di un artista poco noto al pubblico, ma che riteniamo possa arricchire il patrimonio umano e culturale della nostra regione.
 
 
Inaugurazione 12 aprile ore 17.00
Sarà presente:
Fabio Morchio, Assessore alla Cultura Regione Liguria
 
Interverranno:
Vincenzo Cirone, Dirigente scolastico Istituto Duchessa di Galliera
Silvio Ferrari, Università di Genova
Emilio Mattei, Dirigente Scolastico Liceo Artistico Klee-Barabino
 
 
Liceo Artistico Klee-Barabino
Con la collaborazione di:
Regione Liguria
Fondazione Regionale Cristoforo Colombo

Budapest 1956. Una battaglia per la Libertà

3 – 13 aprile 2007
 
Atrio

Che cosa spinge un popolo a scendere in piazza nell’Europa martoriata, da poco uscita da una guerra terribile? Le difficoltà della vita, la fame, la povertà, la mancanza di lavoro, la fatica di ricostruire un tessuto sociale e civile erano comuni in tutti i paesi d’Europa. E la prima parte di questa mostra fa capire che la situazione in Ungheria non era apparentemente peggiore di altre. Allora, di che si tratta?
Nel cuore dell’uomo c’è qualcosa di più importante dell’aspirazione a un maggiore benessere. È l’anelito della libertà, il bisogno di dare il nome alle cose, di distinguere il vero dalla menzogna, l’esigenza di mettere in gioco se stessi in un giudizio sulla realtà, il desiderio di partecipare al bene comune, di costruire insieme una società più giusta e umana.
La rivoluzione di Budapest è una delle grandi testimonianze rese alla libertà nel secolo scorso. Una rivoluzione per sottrarsi alla cappa di un controllo soffocante su ogni espressione di pensiero, realizzata attraverso una burocrazia opprimente. Ricordarla oggi, a cinquant’anni di distanza, non significa solo riproporre il racconto di un particolare evento storico, ma il grido che è in ogni uomo, in ogni tempo. E il valore di questo richiamo resta quanto mai valido soprattutto in un Occidente sempre più intorpidito e disposto ad “accontentarsi” di un benessere materiale che pure mostra sempre più evidente la debolezza delle sue fondamenta.
 
Tutto sarà raccontato grazie ai capolavori del fotografo Erich Lessing. Nato a Vienna nel 1923, fotografa la Seconda Guerra Mondiale al seguito dell’esercito inglese. Ha lavorato principalmente per Life, Paris Match, Picture Post, Epoca e Quick Magazine, documentando gli avvenimenti politici nell’Europa del dopoguerra e soprattutto gli eventi dei paesi comunisti che stavano nascendo in quel periodo. Ha ricevuto l’American Art Editor’s Award per il suo lavoro sulla Rivoluzione Ungherese del 1956 e il Prix Nadar per il suo libro sull’Odissea nel 1966.
Budapest 1956: reportage fotografico di Erich Lessing

Alcune pieghe della storia rimangono per molto tempo nel silenzio. È successo anche alla rivoluzione di Budapest nel 1956, la prima vera ribellione al potere sovietico. Lo scorso ottobre, in occasione del cinquantesimo anniversario Lajos Pintér ha ricordato al Centro Culturale Europeo i tredici giorni di speranza soffocati nel sangue dall’armata rossa.

Martedì 3 aprile un altro evento commemora la rivoluzione fallita. A Palazzo Ducale, i ragazzi della Consulta Provinciale degli Studenti di Genova, organizzano la mostra fotografica Budapest 1956, con le foto di Erich Lessing, testi e documenti dell’epoca. L’esposizione è stata allestita nell’Atrio del palazzo, sarà visitabile fino al 13 aprile, dalle 9.00 alle 18.00.

Lessing, fotografo viennese di origine ebraica, nel dopoguerra dedicò gran parte della sua attività a raccontare i paesi rimasti nell’orbita dell’Unione Sovietica. Era nella capitale ungherese quando la popolazione insorse.

Non era un paese alla fame l’Ungheria. Le ragioni della rivolta non vanno ricercate nella miseria, ma altrove. «L’oppressione era lì, una presenza costante – dice Sandro Chierici, il curatore – la ribellione venne da un profondo desiderio di libertà». Geza Mihalyi, testimone diretto di quegli eventi e membro della resistenza, aggiunge che: «i russi dello zar avevano già combattuto contro il popolo ungherese nell’Ottocento, durante la guerra con l’Austria. E dopo la seconda guerra mondiale si rivelarono occupanti particolarmente crudeli». L’ostilità non era dunque roba recente, affondava le radici nel movimento di liberazione di Kossuth.

Accanto alle foto, i documenti completano il quadro. Ci sono testi letterari (Sándor Márai, per esempio), stralci di comunicati delle poche radio libere ungheresi dell’epoca, e alcune testimonianze dall’Italia. Come quella del cardinale Montini, che diventerà Papa Paolo VI: «il quale capì l’importanza di quell’evento e sostenne gli insorti», dice Sandro Chierici. Su un altro pannello, un articolo di Pietro Ingrao dall’Unità del 25 ottobre 1956, il quale descrive i ribelli come controrivoluzionari e appoggia l’intervento sovietico: «un intervento lucido, ma che evidenzia l’errore in cui incappò la sinistra di allora», continua il curatore.

Budapest 1956 segue la precedente iniziativa della Consulta, una mostra sulla resistenza al nazismo della Rosa Bianca.
Tratto da Focus On N.14, 04/04/2007
vedi l’archivio di Focus On

23 – 25 marzo 2007
 
Rolli Contemporanei.
I Palazzi dei Rolli ospitano l’arte contemporanea
Genova

Lo Studio Palma Vannicola espone a Palazzo Ducale
OVERSIZEpunto 2
Installazione luminosa composta da una serie di elementi verticali di circa 5 metri uniti da elementi di collegamento superiore. Dimensione: 5×5 mt, 2007

Studio Palma Vannicola: Paola Palma e Carlo Vannicola con Stefano Grande, Chiara Scaldaferri, Agnese Sironi, Gabriele Vescovi.

“ROLLI CONTEMPORANEI”: i Palazzi dei Rolli, divenuti recentemente patrimonio dell’Unesco e dell’Umanità ed elemento di forte attrazione della città, saranno sede espositiva eccezionale per l’Arte Contemporanea.
 
Da venerdì 23 a domenica 25 marzo 2007, i Palazzi dei Rolli genovesi, storicamente destinati ad accogliere gli ospiti illustri in visita alla città, accoglierannoun ospite illustre dei nostri giorni: installazioni site specific d’arte contemporanea attraverso un percorso espositivo nel centro storico di Genova.
Le installazioni all’interno dei Palazzi saranno a cura dellegallerie di Arte moderna e Contemporanea del centro storico di Genova e di alcune associazioni culturali. L’operazione è resa possibile grazie all’inedita collaborazione creatasi tra le istituzioni cittadine, le gallerie e l’Associazione dei proprietari dei Palazzi dei Rolli (Ass. “Rolli della Repubblica Genovese”) che hanno raccolto il testimone dei loro antichi predecessori, ereditando la cultura dell’accoglienza, e vogliono rendersi partecipi nella valorizzazione di questi palazzi monumentali.
 
I Rolli di Genova – o più precisamente Rolli degli alloggiamenti pubblici – erano, al tempo dell’antica Repubblica di Genova fondata da Andrea Doria nel XVI secolo, le liste dei palazzi e delle dimore eccellenti delle famiglie nobili che ambivano ad ospitare le alte personalità in visita alla città. I Rolli costituiscono un unicum dei palazzi più prestigiosi del centro storico genovese, specialmente lungo le antiche Strade Nuove (oggi via Garibaldi e via Balbi).
 
I Palazzi dei Rolli ospiteranno installazioni di Arte Contemporanea di artisti del panorama nazionale contemporaneo, realizzando una proposta espositiva che consente pienamente la compenetrazionetra antico e moderno, classico e innovazione.
 
Tra gli artisti in esposizione saranno presenti: Matteo Basilè, Carlo De Meo, Andrea De Pascale, Lino di Vinci, Maurizio Dusio, Daniele Ferrarazzo, Mauro Ghiglione, Schang Hutter, Pier Paolo Koss, Fulvio Magurno, Maurizio Nazzaretto, Silvia Rizzo, Antonello Ruggieri, Claudia Schmacke, Giovanna Torresin, Cesare Viel. Lo Studio Palma Vannicola, realizzerà nel porticato di Palazzo Ducale.
 
Il progetto ha il duplice obiettivo di far conoscere e valorizzare i Palazzi storici dei Rolli e allo stesso tempo promuovere l’Arte contemporanea, in generale, e nello specifico, giovani talenti a Genova.
«Genova, in questi ultimi due anni, ha puntato molto sulla promozione dell’Arte Contemporanea, realizzando proposte culturali relative sia a presenze significative sia a giovani artisti. La contaminazione diventa elementosimbolico per Genova che intende valorizzare la storia e i talenti contemporanei. Una contrapposizione che determina un valore aggiunto per la città.»
(Luca Borzani – Assessore alla Cultura del Comune di Genova)
 
Per seguire l’esposizione, che si svilupperà attraverso il centro storico e nei Palazzi dei Rolli, pubblici e privati, è previsto un percorso consigliato e stampato su pieghevoli distribuiti in città.
 
Alcuni studenti del Liceo Scientifico Cassini, sono stati coinvolti nella giornata di domenica, per il servizio di accoglienza.
 
 

Scheda Palazzi e installazioni
 
1 PALAZZO DE MARINI CROCE – Piazza de Marini 1
artista
Claudia Schmacke
Higgs Ocean
installazione
dimensioni variabili, anno 2007
courtesy REBECCA CONTAINER GALLERY in collaborazione con il Goethe Institut di Genova
 
2 PALAZZO AMBROGIO DI NEGRO – Via S. Luca 2
artista
Lino di Vinci
Fiesta!
Video installazione grafica sonora
courtesy GALLERIA ARTRE’
 
3 PALAZZO BRANCALEONE GRILLO – Vico Mele 6
artista
Maurizio Nazzaretto
Barrage
Installazione
tela con inserti spago e ferro
dimensioni 3,40 X 2,10
2007
courtesy Associazione Manifatture
 
4 PALAZZO GIÒ BATTA GRIMALDI – Vico S. Luca, 4
artista
Maurizio Dusio
Ohnezeit
tecnica mista su tela
cm 360 x 290
2006
Maurizio Dusio
Ohnezeit
tecnica mista su tavola
cm 50 x 50
2007
courtesy GALLERIA IL VICOLO
 
5 PALAZZO DI BERNARDO E GIUSEPPE DE FRANCHI – Piazza della Posta Vecchia 2
artista
Fulvio Magurno
Pitture
30 c-print cad. cm 35 x 45
2002
courtesy GALLERIA MARCO CANEPA
 
6 PALAZZO DI AGOSTINO DE FRANCHI – Piazza della Posta Vecchia 3
artista
Silvia Rizzo
Progetto incompiuto
telone da camion
Tela con riferimento agli affreschi del Luca Cambiaso in loco
dimensioni 4,50X2,50 2 elementi
2007
courtesy Associazione C.I.R.C.E.
 
7 GALLERIA DI PALAZZO SPINOLA – Piazza di Pellicceria 1 artista
Matteo Basilè
GR. Per grazia ricevuta
video
2007
courtesy GALLERIA GUIDI & SCHOEN con il supporto tecnico di Soundcage
 
8 PALAZZO PINELLI PARODI – Piazza Pinelli, 2
artista
Andrea De Pascale
Arteoreperti
Installazione
courtesy ASSOCIAZIONE CULTURALE SATURA
 
9 PALAZZO NICOLÒ LOMELLINI – Piazza Nunziata 5
artista
Giovanna Torresin
Body Guard
installazione n. 6 stampe lambda montate su forex
2004-2005
courtesy ASSOCIAZIONE OCCHIO! con il supporto tecnico di TEKNOPLAST-Torino
 
10 PALAZZO TOBIA PALLAVICINO – Via Garibaldi 4
artisti
Mauro Ghiglione, Daniele Ferrarazzo, Antonello Ruggieri, Mauro Ghiglione
Remember
Installazione: due fotografie su telaio cm. 150 x 180 ciascuna, bombole di ossigeno, valigie di cartone.
Daniele Ferrarazzo
Il lamento di Tommasina
Installazione: tappeto poggiante su un supporto, due sedie, abiti, suono registrato.
L’installazione prevede una performance che verrà ripetuta nei tre giorni alle ore 18.00
Antonello Ruggieri
Ombre Permanenti
Installazione: due tappeti di gomma industriale e pittura a olio di cm. 240 x 160 ciascuno
courtesy GALLERIA UNIMEDIAMODERN
 
11 PALAZZO GIOVANNI SPINOLA – Via Garibaldi 5
artista
Carlo de Meo
‘QUELLO DELLE SEDIE’
installazione
resina poliestere dipinta, materiali vari
dimensioni variabili
2006
courtesy GALLERIA ANDREA CIANI in collaborazione con BAD Museum, Calandrino (Na)
 
12 PALAZZO NICOLOSIO LOMELLINI – Via Garibaldi 7
artista
Pier Paolo Koss
Light of shadows
installazione e video 2007
creazione musicale Andrea Mazzone
courtesy GALLERIA CERRUTI ARTE con il supporto tecnico di CDaudiovideo
 
13 PALAZZO DI NICOLO’ GRIMALDI (Tursi) – Via Garibaldi 9
artista
Schang Hutter
Cosa c’è? niente, solo guerra!
scultura in legno altezza 175 cm
2007
courtesy GALLERIA STUDIO 44
 
15 VIA S.LORENZO
artista
Cesare Viel
Domande per il corpo
installazione e intervento audio
7 striscioni in pvc, 100×600 cm ognuno
2006
courtesy PINKSUMMER con il supporto tecnico di Pitto P.Zeta
 
 

Genova: le Strade Nuove e il Sistema dei Rolli – Sito iscritto nel Patrimonio dell’Unesco nel luglio 2006
 

 

“Rolli Contemporanei. I Palazzi dei Rolli ospitano l’arte contemporanea”
Con il Patrocinio del:
Comune di Genova Assessorato alla Cultura
Con il sostegno di:
Rotary International Distretto 2030 Commissione Distrettuale Centro Storico
Goethe Institut- Genua per l’installazione di ClaudiaSchmacke
In collaborazione con
BAD Museum, Clandrino (NA) per l’installazione di Carlo De Meo
Sponsor tecnici:
CDaudiovideo Genova, Pitto P.Zeta Genova, Soundcage Genova,TEKNOPLAST Torino
 
Ufficio stampa:
arte e comunicazione
Salita Maggiolo di Nervi 6
16167 GENOVA
tel.. 010.4040458
Silvia Caprari tel. 347.5011570
silvia.caprari@artecomunicazione.com
Federica Titone tel. 349.4503002
federica.titone@artecomunicazione.com
info@artecomunicazione.com

7 marzo – 1 aprile 2007
 
Loggia degli Abati

Il 6 marzo ore 18.00 inaugurazione della mostra fotografica dell’antropologa e scrittrice polacca Monika Bulaj, con l’intervento della fotografa
 
 
Genti di Dio è un viaggio alla ricerca delle frontiere interne dell’Europa, dei confini immateriali, delle fedi. Ed è anche il nome del progetto più importante dell’antropologa e scrittrice di origine polacca Monika Bulaj, grazie al quale ha vinto nel 2005 il Grant in Visual Arts da parte della European Association for Jewish Culture. Il Centro Culturale Europeo ha deciso di portare a Genova le immagini del suo reportage – frutto di un viaggio durato dieci anni, dal 1985 al 2005. Viaggiatrice delle periferie d’Europa, la Bulaj esplora mondi in bilico fra cristianesimo, islam ed ebraismo, cattolicesimo e ortodossia. La mostra si spinge lontano, oltre il mondo carpatico, arriva ai confini del Mar Caspio, scende lungo il Bosforo, si addentra nella Istanbul più segreta, risale sui monti della Bulgaria dove suonano le zampogne, si perde tra Tibisco e Danubio nella terra dove vivono gli zingari narrati dai film di Kusturica, risale a Nord verso l’Ucraina occidentale, nei monasteri dove sopravvive l’ortodossia più antica, più passionale, più radicata al grembo della grande madre Russia. Luoghi di fede passionale, mistica.
 
Monika Bulaj è nata a Varsavia nel 1966. Fotografa e scrittrice, pubblica reportage sui confini estremi delle fedi e scrive sceneggiature per documentari. Collabora a D-La Repubblica, Io Donna-Corriere della Sera, National Geographic, East, Courrier International, Gazeta Wyborcza, Internazionale, GEO. Ha pubblicato i libri Libya felix (Bruno Mondadori), Donne, storie (Alinari), Gerusalemme perduta con Paolo Rumiz (Frassinelli), e Figli di Noè (Frassinelli). È regista, fotografa e sceneggiatrice del film documentario Figli di Noè, prodotto da Lab80 FILM. Frassinelli ha appena pubblicato Rebecca e la pioggia, e sta pubblicando il suo nuovo volume Genti di Dio, viaggio nell’altra Europa.
 
 
“Foreste infinite e cavalli nel grano, stelle e lumini, rigagnoli nella neve, villaggi e formazioni di oche al tramonto, icone nella penombra, profumo di betulla e incenso, canzoni di pastori e battellieri, biascicar di preghiere, treni che si fermano in mezzo al nulla, cimiteri di popoli dimenticati o scomparsi, fiumi sotto la Luna. Periferie incantate, segnate dalla Storia. Non sono solo le periferie d’Europa. Sono anche le periferie delle fedi. Periferie speciali, dove i monoteismi oggi in conflitto generano – a sorpresa – terreni di coabitazione. Fedi passionali e fedi popolari, radicate al territorio, all’anima delle acque, dei boschi, alla tomba di un profeta o di un santo. Ma capaci, anche, di travolgere le frontiere implacabili delle confessioni”.
 
Monika Bulaj
 

 
La mostra fotografica Genti di Dio di Monika Bulaj, organizzata dal Centro Culturale Europeo a Palazzo Ducale – Loggia degli Abati
 
«L’Europa orientale è un mondo vicinissimo e sconosciuto». Introduce così, Monika Bulaj, il senso di un lavoro durato circa dieci anni, durante i quali ha viaggiato tra il Baltico e il Mar Nero, attraversando frontiere, paesi, lande sterminate, usanze, costumi e fedi.
 
La mostra Genti di Dio, organizzata dal Centro Culturale Europeo, raccoglie il frutto dell’itinerario materiale e spirituale dell’antropologa, scrittrice e fotografa di origine polacca, che vive e lavora a Bergamo. Le immagini si potranno vedere a Palazzo Ducale – Loggia degli Abati, fino all’1 aprile 2007.
 
«L’Europa Orientale – continua Bulaj – è un mondo povero eppure grandioso nella sua bellezza. I giornali non ne parlano. [...] È un labirinto di meraviglie, troppo complesso per un mondo mediatico che banalizza e semplifica».
 
Camminando a piedi, ha iniziato il percorso dalla sua Polonia, «tra contadini, pentecostali e carismatici, capaci di rompere, nell’estasi, ogni barriera di lingua e cultura».
 
Sono terre in cui il tempo si è fermato. A stare lì sembra che il Muro di Berlino sia ancora in piedi, ritto, con il suo fardello di conflitti e divisioni. Eppure, là si trovano intrecci inaspettati di culture, usanze, religioni: «fedi passionali, che i chierici dell’Islam, del Cristianesimo o dell’Ebraismo bollano spesso come superstizione».
 
Le suggestioni non si limitano ai paesaggi. Anche le persone riservano sorprese, figure che sembrano uscite da un film di Kusturica, un racconto di Borges, un romanzo di Marquez. «Ho conosciuto un poeta che sapeva a memoria il Capitale di Marx, costruiva aspirapolveri per le mucche e aspettava l’arrivo di Messia alla fine dei tempi», dice Monika.
 
Ma la strada percorsa dalla Bulaj è lastricata da persecuzioni, tormenti, sofferenze senza fine. Come quelle che hanno dovuto subìre i Rom, i Lemki (o Ruteni), gli Armeni, i Rodopi bulgari.
 
Perché Genti di Dio? È la stessa fotografa a spiegarlo: «La chiesa cristiana d’oriente è un’inesausta fonte di spiritualità. Nonostante le sue gerarchie si siano fortemente compromesse col comunismo e col nazionalismo spinto, essa emana, a livello popolare, una forza magica di grande attrazione. [...] Mormorar di preghiere, baci su libri, icone, reliquie, croci. Girare sulle ginocchia intorno a montagne sacre. Prostrazioni, processioni, pellegrinaggi. Il bisogno del sacro. Intemperante, smodato. Fatto di anima e corpo».

3 marzo – 8 luglio 2007
 
Appartamento del Doge, Palazzo Ducale
Sezione a Palazzo Rosso, Via Garibaldi 18

In collaborazione con il Blanton Museum of Art di Austin, Texas.
 
A cura di Piero Boccardo, Franco Boggero, Clario Di Fabio, Lauro Magnani, con la collaborazione di Jonathan Bobe

Luca Cambiaso, è senza dubbio l’artista ligure internazionalmente più noto, grazie alla complessità della sua esperienza artistica, alla sua qualità di disegnatore e soprattutto alla sua opera all’Escorial che ne conferma la notorietà nel panorama del tardo Cinquecento europeo.
 
Il carattere di esemplarità del pittore ligure nel suo rapporto con i grandi maestri del Cinquecento – Michelangelo, Correggio, Tiziano – e la sua dimensione europea, sono i presupposti di questa importante iniziativa espositiva che, a distanza di 50 anni dell’ultima mostra monografica, offre al pubblico una ampia selezione di opere che rivelano in modo completo le scelte del pittore e che permettono di seguirne l’itinerario artistico dall’esperienza giovanile fino all’attività per la corte spagnola.
 
Contemporaneamente al rivelarsi dell’attività dell’artista, Genova vive un momento di formidabile sviluppo del suo ruolo economico e politico, inserita in un circuito che lega i grandi centri del potere europeo. Cambiaso opera proprio in quel momento di eccezionale protagonismo della città, agli inizi della stagione nella quale l’aristocrazia genovese vuole e riesce a mostrare il ruolo internazionale raggiunto: lo testimoniano l’eccezionale sviluppo edilizio con la diffusione di una originale tipologia di palazzi e di ville, recentemente riconosciute dall’UNESCO Patrimonio Mondiale dell’Umanità, e la coeva necessità di esprimere una grande decorazione che attraverso iconografie appropriate dichiarasse la ‘virtù’ della classe dominante.
A Palazzo Ducale, lo spazio espositivo è articolato in una sequenza di sezioni che ripercorrono cronologicamente l’esperienza pittorica di Luca Cambiaso. A partire dal contesto degli anni Trenta del Cinquecento con la presenza dell’insegnamento dei grandi maestri, l’attenzione punta sempre più sullo specifico della vivace sperimentazione dei modi del pittore ligure: le tavole del primo periodo, i soggetti profani, i celebri notturni, le grandi pale d’altare, l’attività di frescante – testimoniata in mostra da una serie di studi e prove grafiche di grande valore, accanto a tre proiezioni tutte dedicate ad alcuni dei più importanti cicli decorativi per le dimore dell’aristocrazia e per le rinnovate forme della comunicazione religiosa – fino alla presenza in Spagna.
 
Una ricca campionatura dell’opera grafica è esposta nelle sale di Palazzo Rosso, dove è inoltre possibile ammirare altre interessanti opere a olio.
 
Percorsi cambiaseschi
In occasione della mostra da Palazzo Ducale partono diversi itinerari alla scoperta di Chiese e Palazzi che documentano l’attività di Cambiaso per la committenza locale e il fiorire dell’architettura e della grande decorazione a Genova nel periodo del suo massimo splendore.
Per informazioni e prenotazioni tel. 0105574004.

La mostra

La mostra Luca Cambiaso. Un maestro del Cinquecento europeo, ospitata dal 3 marzo all’8 luglio 2007 nella doppia sede di Palazzo Ducale e Palazzo Rosso, offre la possibilità di ripercorrere, alla luce dei più recenti studi, l’esperienza pittorica di un artista emblematico del secondo Cinquecento e la sua nota qualità di valentissimo disegnatore fino alla conclusione della sua attività alla corte spagnola di Filippo II. Un prestigioso incarico che conferma il ruolo di assoluto protagonista giocato dal Cambiaso nel panorama del tardo Cinquecento europeo.

L’iniziativa, cronologicamente successiva ai festeggiamenti dell’anniversario cambiasesco (1585-1985) svoltisi a Moneglia, è concepita come ideale approfondimento dell’esposizione americana svoltasi ad Austin presso il Jack Blanton Museum of Art, ed è curata da Piero Boccardo, Franco Boggero, Clario Di Fabio, Lauro Magnani, con la collaborazione di Jonathan Bober. Grazie ad un’ampia selezione di opere, le scelte del pittore sono presentate in maniera completa, consentendo di seguirne l’itinerario artistico dall’esperienza giovanile fino alla partenza per la Spagna.
I duecento oggetti esposti tra dipinti, disegni, sculture, arazzi e miniature vantano provenienze da tutto il mondo, si contano infatti: le Gallerie fiorentine, la Pinacoteca di Brera, la Galleria Sabauda, il Polo Museale romano, il British Museum, il Museo del Prado, il Monastero Reale di San Lorenzo dell’Escorial, il Louvre, la Gemäldegalerie di Berlino, l’Albertina, la National Gallery di Edimburgo, il Blanton Museum di Austin, il New Orleans Museum of Art, il Princeton University Art Museum.
 
La prima delle quindici sale in cui la mostra si articola si apre con un autoritratto nel quale l’artista si raffigura nell’atto di dipingere il padre Giovanni, spunto per evocare immediatamente gli anni trenta del Cinquecento e, dunque, l’imprescindibile lezione dei grandi maestri del secolo, chiamati in gioco, nelle stanze immediatamente successive, da dipinti e disegni di straordinaria efficacia e forza esemplificativa. Sullo sfondo, la proiezione degli affreschi realizzati insieme al padre Giovanni nel palazzo di Antonio Doria (oggi sede della Prefettura), escamotage per richiamare in mostra la grande fortuna di frescante dell’artista. Nelle prime sale si trovano le tavole giovanili – tra cui spiccano l’Adorazione dei Magi della Sabauda e l’Adorazione dei pastori di Brera –, accanto a dipinti che presentano l’ambiente pittorico genovese in cui Cambiaso, console dell’arte della pittura nel 1550, operava. Il tema della Vergine con il Bambino, continuamente frequentato nella produzione cambiasesca, è portato in mostra attraverso numerosi quadri, alcuni mai mostrati in Italia prima d’ora, e un’inedita scultura recentemente riscoperta, a testimonianza dell’attività scultorea dell’artista. Nel grande salone dell’Appartamento del Doge una decina di pale d’altare illustrano la fortuna della sua produzione religiosa: dipinti su tavola di grandissima qualità, dai colori vivaci, dalla materia pittorica stesa con piacevolezza e libertà di tocco: è qui che si possono trovare le inconfondibili sigle cambiasesche. Parallelamente, diverse tele di soggetto profano – fra le quali le magnifiche Venere e Adone di Parigi e Venere e Amore sul mare della Borghese – ricreano, in un ambiente raccolto, il gusto antiquariale e raffinato dell’artista e dei suoi committenti, proprietari dei grandi palazzi e delle ville alessiane che cominciavano a moltiplicarsi in città.
 
Centro del percorso è la sezione dedicata alla rievocazione delle sensibilità correggesche, tanto care al Cambiaso. A partire dalla straordinaria Madonna della chiesa della Cella e attraverso il Riposo dalla fuga in Egitto dell’Accademia e la tela del Battesimo della chiesa di Santa Chiara, è possibile comprendere quanto la pittura cambiasesca si sia ispirata alla lezione emiliana, sapendone ricavare un’interpretazione personale, ricca di colti rimandi e riflessi.
 
Accanto a questo fondamentale riferimento è presentata la collaborazione con Giovan Battista Castello, il Bergamasco. Lo stretto rapporto tra i due si esplicita attraverso disegni, dipinti, arazzi, tra tutti i magnifici fogli del British Museum, preparatori per gli affreschi della volta della navata centrale della chiesa di San Matteo. Qui si trova anche la seconda proiezione dedicata alle grandi scene de Il Ratto delle Sabine di Villa Cattaneo Imperiale e il Ritorno di Ulisse del Palazzo Grimaldi della Meridiana (1565 ca.). La sezione dedicata alle tele profane della maturità offre uno spaccato significativo della produzione dalla metà degli anni sessanta agli anni settanta: dall’amore di Venere e Adone, alla figura di Lucrezia, al tema di Diana e Callisto, all’allegoria della Vanitas. Opere in cui l’artista rivela una matura considerazione delle suggestioni venete, da Tiziano a Veronese, per arrivare alla sezione dei celebri “notturni”: Cambiaso predilige atmosfere notturne con lumi di candela o bagliori di torce.
Notissima la Madonna della candela di Palazzo Bianco e la celeberrima tela con Cristo davanti a Caifa, opere che sottolineano la fortuna di questa produzione, apprezzata notevolmente anche nel XVII secolo, evocato ancora nelle stanze successive dedicate al soggetto dell’Ecce Homo e alla Carità, nella duplice interpretazione del Cambiaso e dello Strozzi.
Infine nella Cappella del Doge sono esposti cinque dipinti religiosi, segni della produzione più tarda, come la grande e drammatica tela della Deposizione per la chiesa di Santa Chiara, dove l’artista, attraverso una pittura rapida e semplificata, giunge ai vertici di una concentrata spiritualità e un’espressione patetica di grande efficacia.
L’ultima sala, che chiude la mostra di Palazzo Ducale, rievoca l’attività spagnola (1583-1585). Un inedito dipinto proveniente da Tarragona costituisce un significativo esempio della produzione di quegli ultimi anni con l’Incoronazione della Vergine in analogia con uno dei temi trattati sulla volta della basilica di San Lorenzo all’Escorial, proiettata sull’ultima parete del percorso.
 
La mostra continua in alcune sale di Palazzo Rosso dove è esposta una straordinaria selezione di disegni provenienti dai maggiori musei del mondo. Formidabile la presenza di oltre una cinquantina di fogli del Cambiaso a sottolineare un aspetto fondamentale dell’opera dell’artista che, come disegnatore, godette di una continua fortuna presso le raccolte di tutta Europa. Tra tutti merita particolare attenzione il famoso Studio di figure proveniente dal Gabinetto Disegni e Stampe degli Uffizi. Accanto ai disegni ancora significative tele del pittore, alcune di nuova acquisizione attributiva, poste in relazione con opere dei suoi discepoli: Lazzaro Tavarone, Orazio Cambiaso, Giovanni Battista Castello il Genovese, Giovanni Battista Paggi, Francesco Spezzino e artisti seicenteschi particolarmente sensibili alla sua opera, come Giulio Ansaldo e Andrea Benso. L’esposizione a Palazzo Rosso offre un’esauriente campionatura, utile ad inquadrare il linguaggio grafico dell’artista e costituisce una rassegna mai prima d’ora raccolta in un’unica mostra.
 
Anna Manzitti
 
 

Palazzo Ducale attraverso i secoli
Alla fine del 1200 Genova, non disponendo di una sede stabile per il Governo che si riuniva nelle dimore private dei suoi membri, acquista il Palazzo di Alberto Fieschi. La posizione strategica è ideale per il Palazzo Pubblico, ampliato accorpando gli edifici limitrofi, e dal 1339 designato ufficialmente come Palazzo Ducale. Nel 1600 nasce l’esigenza di una sede governativa che rappresenti degnamente lo splendore della Repubblica di Genova. Andrea Vannone è incaricato di progettarne il rifacimento: il risultato è una reggia grandiosa, difesa come una fortezza dalla cortina che chiudeva a sud l’attuale Piazza Matteotti. Un terribile incendio distrugge nel 1777 i Saloni, ricostruiti in forme neoclassiche da Simone Cantoni. Nell’800, demolita la cortina, il Palazzo diviene sede di uffici comunali e poi del Tribunale.
 
Palazzo Ducale oggi
L’imponente ristrutturazione degli anni ‘80 trasforma il Ducale in un grande e moderno spazio espositivo e congressuale, funzionale per eventi socioculturali, di spettacolo e di comunicazione. Nel Palazzo trovano posto anche biblioteche, archivi, ristoranti, bar e attività commerciali. Fra i grandi eventi internazionali, Palazzo Ducale ha ospitato nel 2001 il vertice G8 e organizzato nel 2004 le principali manifestazioni culturali di Genova Capitale europea della Cultura.
 
Alcune delle sale più prestigiose del palazzo sono disponibili per l’organizzazione di eventi. email: eventi[AT]palazzoducale[PUNTO]genova[PUNTO]it
 
Palazzo Rosso – Musei di Strada Nuova
Nella lussuosa cornice della casa museo, allestita da Franco Albini, e affrescata dai maggiori pittori del Seicento ligure, è esposta la ricca quadreria che comprende dipinti raccolti nell’arco di più di due secoli dalla famiglia Brignole-Sale. Tra gli artisti esposti nella galleria del nobile genovese: Veronese, Guercino, Guido Reni, Strozzi, Grechetto, Carbone, Van Dick, Dürer e molti altri ancora. Palazzo Rosso insieme a Palazzo Ducale è sede della mostra dedicata a Luca Cambiaso. Opere dell’artista si trovano anche nella Pinacoteca di Palazzo Bianco.
 
I Musei di Strada Nuova
Palazzo Rosso Via Garibaldi 18
Palazzo Bianco Via Garibaldi 11
Palazzo Tursi Via Garibaldi 9
 
Orario
Da martedì a venerdì 9-19
Sabato e domenica 10-19
 
Prezzi biglietti
Musei di Strada Nuova
(Bianco, Rosso e Tursi):
Intero 8,00 euro
Ridotto 6,00 euro
Musei di Strada Nuova + mostra Luca Cambiaso:
Intero 14,00 euro
Ridotto 12,00 euro
 
Biglietteria e Informazioni
Bookshop Musei di Strada Nuova
tel. 010.2759185
biglietteriabookshop@comune.genova.it
museidistradanuova@comune.genova.it
directmarketingmusei@comune.genova.it
www.museigenova.it
 

Luca Cambiaso a Moneglia
 
Convegno di studi
11 maggio
Antico Oratorio dei Disciplinanti
‘Luca Cambiaso. Ricerca e restauri’
Organizzato dal Comune di Moneglia in collaborazione con il Ministero per i Beni e le Attività Culturali.
Informazioni: tel. 0185.490576
info@prolocomoneglia.it
Per maggiori informazioni
 
14 aprile – 8 luglio
Chiesa di Santa Croce
Via Vittorio Emanuele 147
Esposizione dell’opera di Luca Cambiaso ‘La Pentecoste’ di proprietà dei Musei di Strada Nuova di Genova.
Orario: 9-19 tutti i giorni
 
Luca Cambiaso a Chiavari
 
Santuario di Nostra Signora delle Grazie
Via Aurelia 43
L’edificio fu costruito intorno al 1430. Nella controfacciata è presente il Giudizio Universale, affresco realizzato da Luca Cambiaso nella metà del XVI secolo.
 
 

Catalogo della mostra
Silvana Editore

15 febbraio – 11 marzo 2007
 
Jeune Création Européenne – giovane creazione europea
Sottoporticato – Piazza Matteotti 9

(Francia Montrouge, Lituania Klaìpeda, Austria Salzburg, Italia Genova, Spagna L’Hospitalet, Portogallo Amarante)
Sessanta giovani artisti europei presentano le loro opere al salone itinerante di arte contemporanea

Il Salone della Jeune Création Européenne , nato nel 2000 in collegamento con il Salon d’Art Contemporain de Montrouge e da cui quest’anno per la prima volta si separa, ospita una selezione della giovane creatività europea allo scopo di sottolineare le tendenze artistiche emergenti e di presentarle in una mostra itinerante che parte dalla Francia per poi far tappa in tutti i paesi associati: Lituania, Austria, Italia, Spagna, Portogallo.
L’adesione della Lituania, da questa edizione 2006-2007, conferma le intenzioni del Salone di ampliare ulteriormente il panorama della giovane arte europea coinvolgendo anche i Paesi di recente ingresso nell’Unione Europea.
L’iniziativa, già presente a Genova nel 2006, si inserisce nel più generale contesto di attenzione alla ricerca giovanile segnato dall’apertura dello spazio BAG, di cui rappresenta un ulteriore sviluppo a livello europeo.
I criteri di selezione delle opere sono incentrati sul concetto di “decouverte” – “rivelazione” di 10 giovani artisti per ogni paese che si esprimono attraverso tutti i possibili linguaggi artistici, dalla pittura ai media tecnologici.
Tra le opere di pittura Leonard Sherifi, adotta soluzioni cromatiche e gestuali di grande impatto emozionale, Timothee Mahuzier elegge a icone universali le scarpe da ginnastica, Catarina Leitao presenta una serie di disegni che evocano personaggi, oggetti e paesaggi utopici.
Tra le opere di fotografia Christian Lartillot mescola citazioni secentesche e prospettive urbane, Angelo Spina espone una serie di scenari da day after e Fabio Niccolini compone una straniante cartolina in Saluti da Genova.
Tra i video Rui Calcada Bastos inventa una valigia specchiante per riflettere la città in video e fotografia, nei frames di Luca Tornatola affiorano volti tra la folla, icone di disagio, la video-installazione di Beatriz Albuquerque parte dallo studio della luce in Caravaggio, computer art a tematica anti-militarista per Miguel Soares.
Tra le installazioni, Alex Bellan espone Wheelbarrow, carretto di legno con cui trasportare il cielo, Stephanie Winter presenta una genealogia composta da oggetti della vita quotidiana, Goda Venslovaite si offre di proteggere i desideri degli spettatori nelle sue borse appese al soffitto. Pur nella grande varietà di contenuti e messaggi, sembra emergere un elemento comune nella presa di distanza dai miti e dai riti della modernità che si ripropone nella ricerca di un’identità incerta, insidiata dai fantasmi dell’omologazione, ironicamente evocati dai cloni di Stefano Buro, vincitore dell’edizione 2005 del Salon.
La selezione dei 10 artisti italiani è stata curata dal Museo d’Arte Contemporanea di Villa Croce di Genova in collaborazione con l’Accademia Ligustica di Belle Arti e con il GAI, circuito dei Giovani Artisti Italiani, network nazionale di cui Genova fa parte, che riunisce 40 comuni con la finalità di sostenere la creatività giovanile.
 
 
Elenco artisti
 
Austria
Daniel Domig, Fabian Fink, Georg Frauenschuh, Bertram Hasenauer, Nabila Irshaid, Markus Kircher, David Moises (vincitore dell’edizione 2006 del Salon), Rita Nowak, Christian Schwarzwald, Stephanie Winter.
 
Francia
Clementine B, Rebecca Bournigault, Sandrine Commarmond, Gregoire Faugeras, Nicolas Kuligowski, Christian Lartillot, Yann Le Crouhennec, Timothee Mahuzier, Samuel Richardot, Zhe Fan.
 
Italia
Alex Bellan (Padova), Elisa Capalbo (Genova), Claudia Collina (Modena), Simone Martinetto (Torino), Fabio Niccolini (Genova), Marco Pagnotta (Perugia), Laura Santamaria (Milano), Leonard Sherifi (Genova), Angelo Spina (Catania), Luca Tornatola (Genova).
 
Lituania
Dovydas Augaitis, Rita Budvytyte, Joana Deltuvaite, Jurgis Malinauskas, Andrius Petkus, Julius Rakevicius, Kristina Samoskaite, Gytis Skudzinskas, Darius Vaicekauskas, Goda Venslovaite.
 
Portogallo
Beatriz Albuquerque, Rui Calcada Bastos, Nuno Cera, Catarina Leitao, Ines Lousinha, Ana Pereira, Isaque Pinheiro, Joana Rego, Miguel Soares, Nuno Sousa Vieira.
 
Spagna
Maria Ardiaca, Esther Carbonell, Xavier Alias, Luz Broto, Bettina Brotons, Monica Febrer, Enric Font, Marta Fontana Forcadell, Jordi Morell, David Moreno, Marti Sola.
 
 
mercoledì 7 marzo – convegno
Laboratori per la creatività giovanile. Esperienze a confronto.
Palazzo Ducale Sala Camino
h10.00 – 13.00; 15 –17.30

18 gennaio – 8 febbraio 2007
 
Liguria Spazio Aperto

La mostra si snoderà attraverso uno stimolante percorso visivo, che porterà il visitatore in Territorio indiano per incontrare virtualmente i nativi nordamericani contemperai nel loro quotidiano e nei momenti sociali e rituali.
 
Attraverso l’esposizione di fotografie di Naila Clerici, di manifesti stampati dagli stessi Indiani in varie occasioni, di oggetti d’arte e d’artigianato, verranno descritte, le attuali condizioni di vita nelle riserve e nelle aree urbane del Nordamerica; le questioni legate al controllo delle risorse naturali ed energetiche sui territori indiani; le problematiche ambientali, che spesso vedono contrapposte numerose nazioni indigene, grosse compagnie internazionali ed i governi dei loro paesi, le nuove potenzialità imprenditoriali. La mostra non vuole però informare solo sulle tematiche di carattere politico ed economico, ma anche mettere in rilievo la vivacità culturale del “Grande Popolo” che si manifesta nella preservazione delle tradizionali danze, i powwow, e nell’autogestione di musei e centri culturali. L’intensità dello sguardo dei moderni eroi indiani, squisitamente colta nei ritratti, coinvolgerà i visitatori in una scoperta dell’America “rossa”. In ognuno di quegli sguardi dimora una storia da ascoltare o da immaginare.
 
Inaugurazione
 
Giovedì 18 gennaio ore 10.00

10 – 28 gennaio 2007
 
Manifestazioni in occasione del
“Giorno della Memoria”
Disegni da Mathausen e Gusen.
La Testimonianza di Germano Facetti e Lodovico Belgiojoso
Loggia degli Abati

17 dicembre 2006 – 15 febbraio 2007
Pinksummer – Palazzo Ducale – Piazza Matteotti 28R
 
Orario: dal Martedì al Sabato dalle 15 alle 19.30
 
ingresso su appuntamento
 
Inaugurazione sabato 16 dicembre 2006, h. 18.30
 
La terza mostra di Stefania Galegati da pinksummer è costituita da due video, un’installazione di scritte proiettate a muro, da alcune fotografie tratte dai quaderni delle presenze che si trovano talvolta nelle gallerie d’arte e poi da un librino, attorno al quale, come spiega Galegati di seguito, orbita l’intera mostra: è una storia d’amore per e-mail tra un’artista e un collezionista; una storia intima. Sono lavori che muovono da un’attitudine che potrebbe essere definita la patologia del turista in differita estesa alla quotidianità, una sorta di nevrosi della registrazione che finisce per posticipare il godimento della vacanza al ritorno a casa, quando nell’intimità si riesce finalmente a far propria la vita srotolandone le immagini. Il concetto di intimità viene sviluppato da un progetto prismatico, le cui facce sono collegate da sottili rimandi che muovendo dall’individuale riflettono il collettivo. Il sé sembra ritrovarsi nelle manifestazioni del mondo, e il mondo trova un unico corpo nelle vibrazioni prodotte dalla gente e con esso una sua metafisica elementale. Il sistema dell’appunto, del lavoro per caso ne costituisce la dinamica coerente alleggerita dall’a priori della struttura. Rispetto al comunicato stampa abbiamo scelto di riportare semplicemente alcune e-mail che ci siamo scambiate con l’artista in fase di preparazione della mostra: un”comunicato stampa per caso” è spontaneo e colloquiale.
 
COMUNICATO STAMPA
Ci racconti, con un pò di urgenza, la mostra che hai in mente per pinksummer.
Nella mostra da pinksummer vorrei mettere tutta una serie di appunti per caso. Si tratta di una linea che il lavoro ha preso negli ultimi due anni e che fino a ora ho rifiutato di esporre come lavoro vero e proprio… materiale che usavo più per eventi o serate. Ha un peso diverso, nel senso che sono appunti presi in giro, ma pian piano hanno cominciato a diventare parte fondamentale del lavoro, probabilmente sono stata condizionata dal fatto che sono una zingara, ma anche dalla necessità di appropriarmi del mondo in una maniera maniacale e restituirlo facendo da filtro. Insomma, quello che consideravo lavoro vero e proprio si è avvicinato talmente tanto a questa attitudine, e quello che è cominciato come appunti si è spostato così tanto verso il lavoro vero e proprio che ora non riesco più a distinguerli. Il progetto avrà diverse forme, avevo anche cominciato dei quadri, ma poi ho capito che devo mettere solo il libro (vedi oltre)… i quadri distoglierebbero l’attenzione dalla “realisticità” di tutte le altre cose. I video e le foto delle scritte serviranno a dare contesto e “veridicità” al libro.
Comunque, vi racconto i lavori: sono video che prendo 24 ore su 24 dovunque io sia e che, in genere, monto ogni 4 – 5 mesi e aggiungo poi la musica. Ognuno acquisisce il suo carattere, che cambia a seconda del mio essere filtro del mondo, a seconda della situazione di vita in cui mi trovo etc. Mostrerei quello fatto principalmente in Argentina, (ma anche Italia, NewYork e Berlino). Si chiama “L’ora del Sud”, ed è diretto a situazioni in cui si sente la necessità di affidarsi a qualcuno o a qualcosa. Sto finendo di montare ora un video che si chiama “Implosion”, è molto ironico, un po’ stupido quasi. Sono situazioni legate a riti e abitudini collettive, una specie di superficie che avvolge il mondo. C’è tanta Italia del calcio, ho raccolto tutte le magliette con scritto Italia in tutto il mondo, e tante chiese assurde. In tutto ciò si sente il caldo.
E’ difficile descrivere questi video senza vederli. (magari uno mostrato a monitor e uno proiettato)
Vorrei poi mostrare le foto delle scritte come diapositive. Le potete vedere sul sito http://www.galegati.net/sito/special/notes/frascati.html
Ne ho molte, devo selezionarle ben bene. (quindi magari mettere due proiettori di quelli con il caricatore tondo).
Ci sarà una cosa che ho appena cominciato a fare: sono raccolte di foto delle firme dei libri delle gallerie, che qui (New York) si trovano in tutte le gallerie e tutti firmano e fanno anche commenti assurdi. Sono messe insieme a patchwork e il lavoro si chiama “Interesting Congratulation”. Vorrei stamparle, non tanto grandi 40 x 50 o 30 x 40, non so ancora, è una cosa ancora un po’ fresca… ci potete trovare la firma di John Baldessarri di fianco a Fire your curator e Andy Warhol…
Una cosa a cui tengo moltissimo è una specie di libricino: è anch’esso un lavoro per caso perché me lo ha passato un’amica, ho cambiato nomi e luoghi… comunque e’ una raccolta di email di una storia d’amore via internet fra un’artista e un collezionista. Ve lo allego. {{{attente tutte le persone che lo hanno letto non sono riuscite a fare altro tutto il giorno.}}}
Siccome non vorrei dargli il carattere del libro, lo stamperò formato a4 e pinzato, vorrei farne una larga distribuzione a basso costo. (Ho anche trovato una traduttrice per farlo in inglese, e al tipo di Printed Matter l’idea è piaciuta molto, ma questo è un altro discorso…) Mi piace che il librino non venga ‘percepito’ in galleria, è una cosa che uno si porta a casa per leggerlo poi.
Questo è più o meno quanto. Ho un po’ paura sul come gestire lo spazio. Anzi appena vi capita mandatemi la piantina della galleria… in effetti mi basta sapere quanti metri per quanti… Vorrei che saltasse fuori una mostra quasi esageratamente generosa di immagini e suoni, ma allo stesso tempo fatta di leggerezza. Cosa ne pensate?
Ah, poi pensavo all’invito, vorrei mettere un’immagine di Garibaldi, un’altra cosa che ho cominciato a fare, è una raccolta delle immagini delle statue di Garibaldi in giro per il mondo. Ne ho una molto bella di quello lì fuori da voi… ve la allego leggera.
un abbraccio a tutte e due
 
In mostra dunque due video “L¹ora del Sud” e “Implosion” (visti ieri) uno su monitor e uno proiettato poi carousel x scritte e foto di album firme delle gallerie. (Sono 10, 27 x 36 cm. ho fatto una prova di stampa ieri per vederle appese e mi sembra una buona dimensione) e poi librino storia d¹amore tra collezionista e artista. Non vediamo l’ora di vederla installata” io non vedo l’ora di installarla!!!
Era tanto che non dormivo la notte pensando a una mostra.
L’idea della gommapiuma per sedersi non ci dispiace, il librino come lo presenterai, hai bisogno di un supporto?
Veramente non so ancora… dipende un pò anche dall’effetto del resto dello spazio come interagisce tutto, ma si può decidere all’ultimo minuto se metterli tutti a terra e magari una stampata appesa al muro così che uno può leggersi qualche frase in qua e in là come preview… oppure su un tavolino… in ognuno dei due casi pensavo che ci vorrebbe per l’opening una persona che si occupa della distribuzione… se Nelda avesse voglia… in ogni caso lo terrei al centro dello spazio. È un pò il fulcro più intimo intorno a cui gira tutta la mostra e attraverso cui si connettono le altre cose. Le dia delle scritte come scrittura, come gesto liberatorio e non solo, fanno un po’ da tramite fra il libro e i video che invece sono più aperti al mondo e meno specifici, ma hanno molti rimandi. Nell’altra direzione le stampe con le firme, che sono un po’ come un sorriso, l’ironia del piccolo inconsapevole mondo dell’arte, la necessità e la ricerca del gossip ma anche quella di lasciare il proprio nome come presenza e anche una sorta di limite fra realtà e fiction, vedrete come tante sono sottili prese per il culo del sistema di per se. Io di fatto ho rubato tutto, in questo caso, mi sono limitata a mettere insieme. Quel che dicevo all’inizio era che il libro è il centro essendo il più delicato: te lo porti via e lui ti porta nell’intimità di due persone reali.
Cosa vuol dire “sono una zingara”?
Vuol dire che non ho casa. L’unica che ho qui a New York è la living room di una casa superaffollata, vuol dire che non ho intimità, mai da due anni… e che ciò probabilmente ha condizionato il lavoro.
“Si tratta di materiale non nato come opera d’arte, ma in che senso affermi che si è avvicinato talmente al tuo lavoro che ne hai voluto fare una mostra.” Essendo materiale ‘rubato’ e poi editato da me, è più vicino all’atteggiamento della fotografia… è un limite molto sottile che forse non mi va neanche di andare a comprendere. Ho sempre pensato all’arte in una maniera più purista, come qualcosa che si dovesse astrarre dal mondo, che si dovesse liberare fisicamente dall’immagine del mondo. Qui forse il risultato è uguale ma il metodo è diverso. Questa mostra è la mia vita quotidiana dell’ultimo anno e mezzo: è accaduto che tutte le cose che mi circondano in una maniera fisica siano diventate materiale su cui lavorare, e il lavoro viene fatto in postproduzione: è come andare a raccogliere le mele per farne una marmellata o una torta o whatever, o invece andare a raccogliere la mela, osservarla, e magari decidere di esporla in un museo per una qualche ragione… scusate l’esempio stupido non è neanche tanto riuscito bene…
Come se invece di rubare le idee dal mondo ne rubassi la fisicità. Non mi è ancora chiaro tutto ciò, per cui forse vi sembrerà confuso questo discorso, a me un po’ confonde, ma credo solo sia perché non ho ancora visto la mostra… ma in sostanza è il metodo di lavoro che mi sembra si sia alleggerito, è diventato quotidiano e mescolato alla vita in maniera quasi indistinguibile per me. Se sono in giro senza camera, ormai mi sento male, come se avessi un terzo occhio che mi segue sempre.
Quando affermi (nella vecchia e-mail) che ti rifai a quei momenti in cui c’è bisogno di affidarsi a qualcuno o a qualcosa credi che alcuni fenomeni di massa, quali calcio o eventi storici tipo i funerali di Giovanni Paolo II, producano vibrazioni emotive simili a quelle indotte dalla psicologia del rituale, e in questo senso sono in qualche modo da intendere come ricerca metasensibile: l’umanità in poche parole cerca dove può, dove riesce, la sua metafisica?
Si, questo si è evidente. È un pò come avere una visione in cui tutto è chiaro e semplice, come succede se pensi il mondo come a un’astronave o come a Gaia (B. Fuller e Asimov, sempre rubo!)… Il mettermi dietro a una camera vuole essere questo stesso atteggiamento di distanza rispetto alle cose. Sembra un contrasto rispetto alla ‘ricchezza’ in termini di quantità di immagini della mostra, ma è come prendere distanza dalle cose per esserne parte integrante. Il metodo è opposto ma le intenzioni sono le stesse nei quadri delle architetture degli zoo. Ho un’altra citazione bella, ora ve la cerco. Sentite che bella. “Dalle parti di Miano, poco distante da Scampia, c’erano una decina di Visitors. Erano stati chiamati a raccolta. Uno spiazzo davanti a dei capannoni. C’ero finito non per caso ma con la presunzione che sentendo l’alito del reale, quello caldo, quello più vero possibile, si possa arrivare a comprendere il fondo delle cose. Non son certo sia fondamentale osservare ed esserci per conoscere le cose, ma è fondamentale esserci perché le cose ti conoscano”. Viene da questo libro di Saviano sulla camorra, pare che in Italia sia diventato famosissimo negli ultimi mesi…
Spesso quando parli del tuo lavoro nomini l’assurdo, intendi quei momenti strani in cui un mondo meno denso, ma non meno reale si rivela. Stiamo cercando di vedere il movente di questo progetto, rispetto anche a quello che è il tuo lavoro, o almeno a quello che crediamo che sia e che ci piacerebbe che fosse: una forma di evocazione o meglio di rivelazione di un magnetismo, di un’energia sottile e potente che nel tuo disegno arriva sempre per fare inciampare una natura o meglio una esistenza da cui la spiritualità è stata bandita.
È molto bella questa ultima frase. Mi pare che centriate appieno le intenzioni. Aggiungo che mi piacerebbe dare a questa mostra una forma un po’ astratta in cui ci sono delle linee che ritornano in ogni cosa con un’attenzione diversa. Ci sono dei rimandi e riferimenti continui fra ognuno di questi lavori che vorrei lasciare scoprire pian piano. Come se si trattasse di un secondo montaggio oltre a quello dei singoli lavori. E i rimandi sono tanti, sia per similarità sia per contrasto: mettere insieme il parco giochi a tema della Terra Santa con la madre nordamericana che non è in grado di spiegare alla figlia che cosa sia successo alle madri di Plaza de Mayo. La follia dell’inventarsi un credo e una fiducia in un evento sportivo, tanto quanto il jazzista che sputa l’anima sulla batteria, tanto quanto l’inventarsi un possibile amore digitale a distanza e viverlo come se fosse vero… non riesco ad estrapolare un’idea generale dietro a tutto ciò, ma quando collego tutte le cose insieme mi salta fuori un’immagine chiara. Come un groviglio di nodi che va a formare una palla, se stai distante vedi una palla se ti avvicini vedi solo corda annodata… allora vi allego il librino, ci vediamo prestissimo
Ancora una cosa: Garibaldi.
Garibaldi non è un lavoro. non so che farci, un invito intanto. Sto raccogliendo tutte le statue di Garibaldi nel mondo. Parla dell’italianità nello stesso modo del video “Implosion”. Mi interessa il fatto che fosse un rivoluzionario involontario. Lui in fondo voleva solo combattere, ma ha fatto l’Italia. Mi piace raccogliere cose con cui non so cosa fare, ma sono tutte cose che mi porteranno da qualche altra parte. Nei due video che ci sono in mostra, c’è rispettivamente Garibaldi in Plaza Italia a Buenos Aires, e quello di Washington Place a NYC. Nelle diapo delle scritte c’è una targa nel mio paese (Bagnocavallo) messa quando Garibaldi passo da lì, in fuga, ma festeggiato come un eroe, dai romagnoli.
Col mio amico Marco pensiamo da tanto di farci una tshirt, come quelle di Che Guevara…

10 dicembre 2006 – 10 gennaio 2007
Liguria Spazio Aperto
 
ingresso libero
 
Orario: 9-19 tutti i giorni

10 dicembre 2006 – 10 gennaio 2007
Palazzo Ducale
 
Preziose sculture di radici di pino cembro dell’artista Marco Nones della Val di Fiemme
 
ingresso a offerta libera
il ricavato sarà devoluto alla Campagna Mondiale Lions Sight First II
 
Orario: 11.00 – 19.00 tutti i giorni tranne il lunedì

24 novembre 2006 – 30 gennaio 2007
Sottoporticato
 
Le opere di Gardella sostanziano difatti una concreta riflessione disciplinare, nella quale si può cogliere il tentativo di interpretazione del contesto urbano attraverso il progetto di architettura. In questa chiave di lettura ogni edificio, e in generale l’intera opera gardelliana, acquista una straordinaria rilevanza in relazione alla capacità di incidere e trasformare la città in un reciproco scambio tra gli elementi della costruzione dell’architettura e la morfologia urbana.
Le diverse sezioni della mostra illustrano le città dove l’architetto ha operato nel corso della sua lunga carriera, individuandone il fulcro caratterizzante nel rapporto tra architettura e contesto urbano.
Alessandria, Milano, Genova e Venezia emergono come i luoghi privilegiati di una produzione ampiamente diffusa sul territorio italiano. Queste città mostrano i segni di stratificazioni e memorie, culturali e fisiche, che l’architetto interpreta ben oltre i confini di un ritrovato rapporto tra architettura contemporanea e “preesistenze ambientali”.
Le città e la loro storia costituiscono quindi, nell’ipotesi della mostra, lo scenario di una riflessione progettuale che, partendo da istanze disciplinari convenzionali e condivise, muove verso un territorio del tutto originale, quanto culturalmente legittimato.
 
Informazioni utili
Orari: aperta tutti i giorni escluso il lunedì ore 9.00-19.00
Prezzi:
intero € 7,00
ridotto € 5,00
scuole € 3,00
Direzione scientifica:
Rafael Moneo
Cura e coordinamento:
Marco Casamonti
Progetto di allestimento:
Marco Casamonti – Archea Associati con Eleonora Burlando e Riccardo Miselli
Comitato scientifico:
Gloria Bianchino, Marco Casamonti, Aurelio Cortesi, Bruno Gabrielli, Iacopo Gardella, Rafael Moneo, Antonio Monestiroli, Giorgio Pigafetta, Franz Prati, Michela Rosso, Luciano Semerani, Benedetta Spadolini
Curatori stanze:
“Prologo” a cura di Michela Rosso;
“Alessandria” a cura di Marco Casamonti con Guido Montanari;
“Milano” a cura di Antonio Monestiroli con Federico Bucci e Stefano Guidarini;
“Genova” a cura di Bruno Gabrielli con Simona Gabrielli;
“Venezia” a cura di Luciano Semerani con Antonella Gallo;
“Vicenza” a cura di Daniele Vitale con Angelo Lorenzi
Catalogo:
Electa, Milano
Organizzazione:
DIPARC (Dipartimento di Progettazione e Costruzione dell’Architettura), Palazzo Ducale
Segreteria organizzativa:
DIPARC, Eleonora Burlando, 0102095867, 3393903606
 
Sezioni della mostra
Le sezioni della mostra, affidate a diversi curatori, sono così individuate:
1 Prologo
La trasmissione di un sapere: la genealogia degli ingegneri e degli architetti della famiglia Gardella. a cura di Michela Rosso
Il nome di battesimo di Ignazio Gardella è Mario. Ancora studente inizierà a firmarsi col nome del bisnonno, una scelta che mostra la volontà di tracciare una propria personale genealogia, selezionando attentamente alcuni elementi della propria storia famigliare e legandosi idealmente alla figura dell’architetto genovese allievo e collaboratore di Carlo Barabino. La ricostruzione tentata di una tradizione radicata nella storia famigliare consente di rivedere una lettura consolidata del lavoro di questo architetto, alla luce cioè di un diverso concetto di tradizione, sostanziato dall’eredità culturale che si tramanda di padre in figlio. Un tema strettamente intrecciato alle strategie di rappresentazione dell’architetto e del suo lavoro, di cui sono testimonianza, oltre ai progetti e alle realizzazioni, i libri della biblioteca di famiglia come i ritratti, le sculture, le fotografie, i diari e gli appunti.
2 Alessandria
Casa Borsalino (1948-52), Dispensario antitubercolare (1933-38). a cura di Marco Casamonti con Guido Montanari
Alessandria come tappa fondamentale nel percorso progettuale di Gardella, rappresenta il luogo nel quale l’architetto matura la ricerca di nuove forme espressive modulate e relazionate al fervore culturale del razionalismo italiano intorno agli anni trenta. Su queste istanze l’architetto innesta elementi della tradizione locale che si intrecciano al rigoroso vocabolario del Moderno – come nel Dispensario antitubercolare – o modificano la consuetudine morfologica del”palazzo di città” che – nella Casa Borsalino – assume, con il grande aggetto di copertura e l’estroflessione della superficie di facciata, il ruolo assegnato storicamente ai movimenti della plastica ornamentale.
La struttura urbana di Alessandria si rivela conseguentemente come un sistema remoto di referenze che suggeriscono strategie alternative di intervento e quindi territorio nel quale sperimentare nuovi approcci progettuali verificati, attraverso il cantiere, nell’opera costruita.
3 Genova
Casa di Colombo (1955), Facoltà di Architettura (1975-89) a cura di Bruno Gabriell con Simona Gabrielli
La centralità dell’apporto di Gardella a Genova deve essere conosciuta attraverso una rivisitazione del clima culturale di questa città negli anni cinquanta e sessanta, quando Caterina Marcenaro, direttore dell’Ufficio Belle Arti del Comune chiamò a lavorare a Genova Franco Albini e Gardella, attraverso Giovanni Romano. Un racconto per frammenti attraverso un’insieme di immagini inedite, documenti e testimonianze e la scelta di due progetti significativi: uno, inedito e curioso, riguarda la Casa di Colombo (1954) e il secondo, assai noto è il Piano Particolareggiato di San Silvestro-San Donato (1968) dal quale nasce il progetto del Complesso della Facoltà di Architettura. A corollario altri progetti di Gardella a Genova e in Liguria.
4 Milano
Torre in Piazza del Duomo (1934), Casa al Parco (1947-48), Palazzo per Uffici Alfa Romeo, Arese (1968-72) a cura di Aurelio Cortesi e Antonio Monestiroli con Federico Bucci, Francesco Fallavolita e Stefano Guidarini
La sezione presenta un approfondimento dedicato al lavoro di Ignazio Gardella, nel contesto milanese e lombardo, attraverso un punto di vista critico organizzato in due parti. Nella prima, al centro della sala, sono esposti i materiali relativi a tre opere “manifesto” dell’architetto, che rappresentano tre diversi periodi della sua lunga carriera: il progetto per la torre in piazza del Duomo (1934), la Casa al parco (1947-48) e il palazzo per uffici dell’Alfa Romeo a Arese (1968-72).Mentre la seconda parte, collocata lungo il perimetro della sala, intende dimostrare – attraverso un confronto con le opere di altri maestri della stessa generazione, come Albini, i BBPR, Luigi Figini e Gino Pollini – il ruolo fondativo di Gardella nella cultura architettonica milanese.
5 Venezia
Casa alle Zattere (1953-62) a cura di Luciano Semerani con Antonella Gallo
La prima Casa delle Zattere è analoga alla Casa del Parco di Milano ma, a Venezia, Gardella si incontra con la luce riflessa nell’acqua, il cromatismo dei materiali, l’ornamento nei dettagli, l’orizzonte urbano veneziano. Il primo tema è La facciata. Poi L’ornamento, in quanto materia (la pietra, il coccio pesto), colore, paradosso statico, che esalta il “mestiere” dell’architettura italiana. L’architettura del limite, che a Venezia partecipa di veri e propri “interni urbani”; infine La Scuola, che è il cosmo in cui Gardella si confronta con Carlo Scarpa, Bruno Zevi, Giuseppe Samonà, sono gli altri temi della sezione.
6 Epilogo
Vicenza ed il Teatro Civico (1969-80) a cura di Daniele Vitale con Angelo Lorenzi
L’ultima parte della mostra si occupa del progetto di Gardella per il teatro di Vicenza, elaborato nel 1969 per un concorso a inviti e trasformato in progetto esecutivo nel 1980, ma alla fine per alterne vicende non realizzato. È uno dei progetti più significativi di Gardella, nel quale l’architetto mostra la sua singolare capacità di rinnovarsi e proporre nuove direzioni di ricerca. Lo si può idealmente contrapporre alla casa alle Zattere di Venezia, alla quale nella mostra viene visivamente affrontato. La casa di Venezia aveva rappresentato una prova di grande abilità, ma anche un vicolo cieco, per il suo risolversi in esercizio raffinato e virtuosistico teso a riassumere e a riproporre i caratteri della città. Il teatro si costituisce invece in termini di grande assolutezza, fondandosi su un’idea elementare risolta in volume e in geometria: un quadrato diviso sulla diagonale in due metà di diversa altezza. Testimonia un ritorno a quella aspirazione a un’ideale classicità che Gardella aveva sperimentato fin dai suoi esordi.
Itinerario minimo: dieci opere da non perdere:
Dispensario Antitubercolare (1933-38), con L. Martini e Laboratorio Provinciale di Igiene e Profilassi (1933-39), con L. Martini
Alessandria, via Don Gasparolo
Padiglione d’Arte Contemporanea (1947-54)
Milano, via Palestro 14, T 02.783330
Casa Tognella detta “Casa al Parco” (1947-48), con L. Ghiringhelli;
Milano, via Paleocapa 5 angolo via Jacini
Casa di abitazione ai giardini d’Ercole (1951), con A. Castelli Ferrieri, R. Manghi
Milano, via Marchiondi n. 7 – 20122 Milano
Casa di abitazione per impiegati della Borsalino (1948-52)
Alessandria, via Cavour 63
Terme Regina Isabella (1950-55), con E. Balsari Berrone
Ischia, Lacco Ameno, Piazza Santa Restituta 1
Casa di abitazione Cicogna detta “Casa alle Zattere” (1953-58)
Venezia, Fondamenta alle Zattere e Calle dello Zucchero
Mensa Olivetti (1953-59)
Ivrea (TO), via Guglielmo Jervis 77
Palazzo degli Uffici Tecnici dell’Alfa Romeo (1968-72), con A. Castelli Ferrieri, J. Gardella
Viale Alfa Romeo 20020 Arese (MI)
Sede della Facoltà di Architettura di Genova (1975-89), con Mario Valle Engineering
Genova, Stradone Sant’ Agostino 37, T 010.2095904
 

GE900. 1926 – 2006 ottant’anni della Grande Genova

 
11 novembre 2006 – 30 giugno 2007
Archivio Storico Comune di Genova
 
ingresso libero
 
Orario: martedì, mercoledì, giovedì 9.00–12.30/14.00–17.00; ven. 9.00-12.30.
Info 010 5574808
 
Galleria fotografica dell’Archivio Storico
 
Sezione
“Dagli antichi borghi e città alla grande Genova: archivi di 26 comuni”

“I Comuni di Apparizione, Bavari, Bolzaneto, Borzoli, Cornigliano Ligure, Molassana, Nervi, Pegli, Pontedecimo, Prà, Quarto dei Mille, Quinto al Mare, Rivarolo Ligure, San Pier d’Arena, San Quirico, Sant’Ilario Ligure, Sestri Ponente, Struppa e Voltri sono riuniti nell’unico Comune di Genova.”

Regio decreto-legge 14 gennaio 1926 n. 74, art. 1.

Fu nel 1926 che Genova raggiunse l’attuale estensione, risultato dell’unione di 20 comuni fino a quel momento autonomi, da Voltri a Sant’Ilario lungo la costa e, risalendo le vallate del Polcevera e del Bisagno, fino a Pontedecimo e a Struppa.

La città moderna si costruisce con l’annessione delle municipalità, del genovesato segnando anche simbolicamente una cesura improvvisa con antiche tradizioni e vocazioni. La coincidenza tra la perdita delle libertà, civili per il consolidamento del regime fascista e quella delle autonomie municipali costituisce la radice della dimensione pluricentrica della città.

Con allestimenti di un’unica mostra in nove sedi da Voltri a Nervi e in Valpolcevera e Valbisagno – in collaborazione con le Circoscrizioni e le Divisioni Territoriali, legati da una rete di reciproci rimandi e visitabili nell’ordine che si vuole – si offre un’occasione per ripercorrere lo sviluppo della città e conoscerne il patrimonio distribuito negli antichi comuni, da considerare non come periferie indifferenziate ma da valorizzare come centri dalle precise identità tuttora riconoscibili, proiettati verso il futuro.

Senza la pretesa di trattare in modo completo un argomento tanto vasto, si è scelto di presentare alcuni casi emblematici come stimolo e provocazione a esplorare, scoprire e approfondire autonomamente, approfittando anche di ciò che musei e biblioteche mettono a disposizione.

Una serie di pieghevoli con mappe, testi e immagini – ciascuno in distribuzione presso la rispettiva sezione e utilizzabili anche per l’accesso a condizioni di favore ai musei suggeriti (si ricorda la gratuità, per i residenti nei giorni festivi e la possibilità di abbonamento annuale) – costituiscono nel loro insieme una sintetica guida generale, con indicazioni per gli opportuni approfondimenti.

Sedi mostre:

Scarica il depliant (pdf)

COMUNI DI PEGLI, PRÀ, VOLTRI
Voltri – Biblioteca Benzi, piazza Odicini 10
18/11/06 > 31/01/07
lunedì, mercoledì, venerdì 14–18,30
martedì e giovedì 9.00–11.30/14.00–18.30

COMUNI DI CORNIGLIANO LIGURE, SESTRI PONENTE, BORZOLI
Sestri Ponente – Ex Manifattura Tabacchi, via Soliman 7
18/11/2006 > 5/01/07
dal lunedì al venerdì 9.00–12.30/15.00–18.30

COMUNE DI SAN PIER D’ARENA
Sampierdarena – Centro Civico Buranello, via Daste 8A
18/11/2006 > 31/01/07
dal lunedì al sabato 9.00–13.00/15.00–18.30

COMUNI DI RIVAROLO LIGURE, BORZOLI, BOLZANETO, SAN QUIRICO, PONTEDECIMO
Bolzaneto – Teatro Govi, via Pastorino 25
2/12/06 > 31/01/07
dal lunedì al venerdì 9.00–12.00/15.00–18.00
chiusa dal 22/12/06 al 7/01/07

COMUNE DI GENOVA
Dalla città antica alla Grande Genova
Palazzo Ducale – Cortile Maggiore
11/11/2006 > 31/01/07
dal martedì, al sabato 9.00–12.30/15.00–18.30

COMUNE DI GENOVA
Dagli antichi borghi e città alla
Grande Genova: archivi di 26 comuni
Palazzo Ducale – Archivio Storico del Comune
11/11/2006 > 30/06/07
martedì, mercoledì, giovedì 9.00–12.30/14.00–17.00
venerdì 9.00–12.30

COMUNE DI GENOVA
“Frazioni a levante del Bisagno”
San Fruttuoso – Villa Imperiale, Biblioteca Lercari
11/11/2006 > 31/01/07
dal lunedì al venerdì 9.00–18.00

COMUNI DI MOLASSANA, STRUPPA, BAVARI
Molassana – Biblioteca Saffi, via Molassana 151r
18/11/2006 > 31/01/07
lunedì, mercoledì, venerdì 14.00–18.30
martedì e giovedì 9.00–11.30/14.00–18.30

COMUNI DI QUARTO DEI MILLE, QUINTO AL MARE, NERVI, SANT’ILARIO LIGURE, APPARIZIONE, BAVARI
Nervi – Ex Municipio, piazza Duca degli Abruzzi
18/11/06 > 31/01/07
dal lunedì al giovedì 9.30–12.30/ 14.00–16.30
venerdì e sabato 9.30–12.30

Convegno di studi “La Grande Genova 1926-2006″
Sala del Minor Consiglio
28 – 30 novembre 2006

28 novembre
ore 9.30 “Le grandi città in Europa e in Italia: un approccio storico”
ore 15.00 “La Grande Genova: le premesse”

29 novembre
ore 9.30 “La Grande Genova: la realizzazione del 1926 e le esperienze coeve italiane”
ore 15.00 “La Grande Genova nel lungo periodo”

30 novembre
ore 9.30 “I sistemi museali, archivistici e bibliotecari della Grande Genova”
ore 15.00 “L’attualità. Tavola rotonda sul progetto dei nuovi municipi”

Nella gola dell’eone

7 – 30 novembre 2006
Liguria Spazio Aperto
 
ingresso libero

Russia & URSS. Arte, Letteratura, Teatro 1905 – 1940

26 ottobre 2006 – 21 gennaio 2007
Appartamento del Doge
 

Curata da Giuseppe Marcenaro e Piero Boragina, questa mostra, l’evento espositivo più importante dell’autunno genovese, è dedicata ai processi estetici russi lungo la prima metà del Novecento, e vuole sottolineare, per mezzo di dipinti, sculture, fotografie, manoscritti di letterati e scenografie teatrali, le varie tensioni creative che hanno determinato il panorama artistico della Russia del tempo, che rappresenta un unicum per la sua evoluzione estetica, sociale e politica.
Il 1905, con il tentativo rivoluzionario, è il punto di partenza ideale per illustrare un periodo in cui le forti tensioni portarono gli intellettuali da un lato a sottolineare le istanze sociali, dall’altro a sviluppare un radicale cambiamento estetico, dando luogo alle straordinarie esperienze dell’avanguardia.
Senza tuttavia dimenticare che, nel medesimo tempo, una parte di letterati e artisti, pur impegnati nella discussione sociale ed estetica, proseguivano creando opere assimilabili alla grande tradizione verista russa dell’Ottocento.
Gli “stili” si fronteggiavano dando quindi luogo ad un autentico combattimento espressivo. Il tempo è quello in cui Larionov, Goncharova, Tatlin, Popova, Rodchenko, Malevich – per citare alcuni dei nomi emergenti – fronteggiavano i “tradizionalisti” come Kustodiev, Korovin e molti altri, che continuavano a dipingere come se il vento dell’avanguardia non li riguardasse.
Ciò che avviene a Mosca e a San Pietroburgo con eccezionale vivacità, richiama i grandi combattimenti estetici che si stanno svolgendo nel resto d’Europa. D’altra parte sono gli anni in cui, con le nuove consapevolezze sociali, si sta predisponendo il grande atto rivoluzionario che sconvolgerà il paese.
Tra le varie espressioni artistiche non vi è una così netta separazione e, nell’ambito russo, i confini fra pittura e letteratura, in alcuni casi, sembrano confondersi. In letteratura dal simbolismo, con le varie tendenze, si passa velocemente alle estreme esperienze dell’avanguardia.
Nella mostra quindi sono ricordati con ritratti, volumi e manoscritti, personaggi come Blok, Belij Kamenskij, Krucenych, Majakovskij, Acmatova, Cvetaeva e tutta la costellazione di amici e collaboratori che ruotarono attorno a loro.
Non può mancare il teatro che, coagulo di letteratura e arti visive, rappresenta l’incontro tra le varie forme espressive. In questo ambito vi sono accenni ai Balletti Russi di Diaghilev, agli artisti che in vario modo collaborarono con il teatro producendo scenografie e costumi: Bakst, Serov, Benois, Exter, Larionov, Goncharova, Tatlin, Malevich e, infine, il teatro più propriamente innovatore di Meirechold e Majakovskij.
Il variegato mondo dell’espressione artistica e letteraria andò evolvendosi ancora di più nel procedere degli anni, anche durante la Rivoluzione d’Ottobre e oltre, dando luogo a movimenti, gruppi, e “scuole” in continua ricerca di un senso espressivo nell’ambito di un più ampio dibattito politico. La convivenza tra avanguardia e realismo classico anima in quegli anni il grande dibattito su come avrebbe dovuto essere rappresentata la nuova realtà sociale e umana attraverso le arti.
La mostra sottolinea la conseguente crisi dell’arte in rapporto al veloce procedere della nuova società che si stava formando nella Russia Sovietica. Fino a quando nel 1932 con Atto Ufficiale il potere stabilizzato determinò una vera e propria Arte di Stato che si manifestò con uno “stile” assolutamente estraneo tanto alle avanguardie quanto al realismo classico, producendo opere che vengono indicate come Realismo Socialista, presentate nella sezione conclusiva.
Molti furono gli artisti che, dopo aver operato ai vertici dell’avanguardia, adottarono il nuovo stile. Emblematico l’esempio di Malevich che dal Quadrato nero del 1913, nei primi anni Trenta sviluppò una pittura del tutto coerente a quanto imposto dal potere, producendo opere assolutamente figurative.
Fra i maggiori musei che partecipano alla realizzazione della mostra figurano la Galleria Tretyakov di Mosca, il Museo di Belle Arti di Ekaterinburg, il Museo di Storia Contemporanea di Mosca, il Museo Statale di Storia di Mosca, il Museo Statale di Letteratura di Mosca, il Museo Statale Maiakovskij, il Museo Statale Teatrale Centrale A.A. Bakhrushin, il Museo Statale del Teatro e della Musica di San Pietroburgo, il Museo Statale della Storia di San Pietroburgo.
 
Informazioni per visitatori con disabilità
Tel: 010 542098 – www.terredimare.it
Informazioni e Prenotazioni
Tel: 0105574004
EMail: palazzoducale@palazzoducale.genova.it
Orario
Dalle 9 alle 19 tutti i giorni.
Lunedì chiuso.
La biglietteria chiude mezz’ora prima della mostra.
Aperto nelle festività.
Prezzo del biglietto
Intero € 8,00, ridotto € 6,00, scuole € 3,00
Biglietto Unico Mostra + Acquario di Genova.
Riduzione reciproche con Teatro Carlo Felice, Festival della Scienza.
Prevendita on line www.ticketone.it
Riduzioni
Associazione Amici di Palazzo Ducale,
possessori Card Musei di Genova e abbonamento annuale AMT,
Carta Rossa Skira Club, Soci Touring Club Italiano, Soci Coop Liguria, FAI e tutti gli aventi diritto.
Visite guidate
Individuali: sabato ore 16.30
Gruppi: solo su prenotazione tel 0105574004, fax 010562390
EMail: biglietteria@palazzoducale.genova.it
Servizi
Guardaroba gratuito, carrozzelle per disabili, bookshop, ristorazione.
Catalogo Skira, www.skira.net
 
Attività didattiche per le scuole
Studenti Ciceroni al Ducale
Appuntamenti con gli insegnanti
giovedì 26 ottobre, ore 16.00
Palazzo Ducale, Spazio Didattico
“Proposte di laboratorio a confronto”
L’incontro è riservato agli insegnanti fino a esaurimento posti.
È necessaria la prenotazione al numero di tel. 010 5574022
lunedì 30 ottobre, ore 16.00
mercoledì 8 novembre, ore 16.00
“Visita guidata alla mostra”
a cura di Giuseppe Marcenaro e Piero Boragina
L’incontro è riservato agli insegnanti fino a esaurimento posti.
È necessaria la prenotazione al numero di tel. 010 5574022
Laboratori
Tutte le proposte prevedono una breve visita in mostra (30’ ca.), funzionale allo svolgimento del laboratorio.
“Officina costruttivista”
conduce Alessandra Agresta
Giocare con lo spazio costruttivista per creare un modellino scenico, prendendo spunto dalle numerose opere in mostra; dai dipinti d’avanguardia ai bozzetti di costume e scenografia teatrale.
Consigliato per il II ciclo elementare e per la scuola secondaria di I grado
In programma il “martedì ore 9.30 e 11.00″
Durata media dell’intera attività: 1h30
“Su il sipario”
conduce Arianna Musso
Una serie di esercizi di recitazione per imparare i movimenti, la gestualità e le tecniche espressive dei diversi stili del teatro russo, dalla tradizione all’avanguardia. A questo proposito, particolare attenzione è dedicata alla Biomeccanica di Mejerchol’d. Un funzionale, ma divertente, “allenamento” collettivo per far cimentare i ragazzi nella messa in scena di una storia. Consigliato per il II ciclo elementare e per la scuola secondaria di I grado
In programma il “mercoledì ore 9.30″
Durata media dell’intera attività: 2h
“Colori in frantumi”
conduce Valentina Fiorini
Materiali riflettenti, acetati colorati, piccolissimi frammenti geometrici e un cilindro di cartone per costruire, in un gioco originale e sempre nuovo, un caleidoscopio in cui rivivere le suggestioni di alcune opere costruttiviste.
Consigliato per la scuola materna e il I ciclo elementare
In programma il “venerdì ore 9.00 e 10.45″
Durata media dell’intera attività: 1h30
Percorsi guidati in Mostra
“Vento d’avanguardia”
conduce Claudia Bergamaschi
Un percorso per stimolare nei ragazzi i confronti tra le opere della tradizione, le nuove esperienze d’avanguardia e l’arte di Stato. Rudimenti culturali per conoscere, comprendere, discutere e lasciarsi affascinare da quegli esili confini tra arte, musica, letteratura e teatro che si sviluppano e si contaminano in Russia dal 1905 al 1940. Consigliato per la scuola secondaria di I e II grado
In programma il “giovedì ore 9.00 e 11.00″
Durata media dell’intera attività: 1h30
 
I sabati per le famiglie
Tutti i sabati pomeriggio, per i bambini dai 5 agli 11 anni, appuntamento alle ore 16.00 con atelier creativi, animazioni, letture animate.
Calendario delle attività
28 ottobre
“Sagome Danzanti*”
conduce Alessandra Agresta
04 novembre
“Za–Zaum! Si va in scena”
conduce Mauro Speraggi
11 novembre
“C’è la slitta ma manca la neve”
conduce Gek Tessaro
18 novembre
“E cammina …. cammina: in viaggio con le fiabe”
conduce Lucia Tringali
25 novembre
“Ti Propp-ongo una fiaba*”
conduce Arianna Musso
02 dicembre
“Desideri manifesti”
conduce Mauro Speraggi
09 dicembre
“Un uovo da Re*”
conduce Alessandra Agresta
16 dicembre
“C’è la slitta ma manca la neve”
conduce Gek Tessaro
23 dicembre
“Lanterne magiche*”
conduce Alessandra Agresta
30 dicembre
“Colori in frantumi*”
conduce Valentina Fiorini
06 gennaio
“Sagome Danzanti*”
conduce Alessandra Agresta
13 gennaio
“Ti Propp-ongo una fiaba*”
conduce Arianna Musso
Informazioni /prenotazioni: tel. 010 5574004 – fax 010 562390
email: biglietteria[AT]palazzoducale[PUNTO]genova[PUNTO]it
Durata: I laboratori hanno inizio alle ore 16,00 e durano 1 h 30 circa
Destinatari: bambini dai 5 agli 11 anni
Costo: bambini € 6,50;
adulti accompagnatori (massimo due) € 6,00.
Importante! I laboratori che recano l’asterisco* sono disponibili, su richiesta, anche per le scuole materne ed elementari.
 
Attività collaterali
Conferenze
martedì 10 ottobre, ore 17.00
Palazzo Ducale, Sala del Minor Consiglio
Giuseppe Marcenaro e Piero Boragina
“Russia & URSS. Arte, letteratura, teatro 1905 – 1940.
Introduzione alla mostra”
giovedì 9 novembre, ore 17.00
Palazzo Ducale, Sala del Minor Consiglio
Silvia Burini
“Elementi di pittura russa dal 1905 al 1940: una panoramica”
martedì 14 novembre, ore 17.00
Palazzo Ducale, Sala del Minor Consiglio
Stefano Garzonio
“Poesia russa del primo Novecento: paesaggio con figure”
martedì 21 novembre, ore 17.00
Palazzo Ducale, Sala Liguria Spazio Aperto
Gianpaolo Gandolfo
“Il futuro ha un cuore antico. Vecchio e nuovo nella Russia Sovietica”
lunedì 4 dicembre, ore 17.30
Palazzo Ducale, Sala del Minor Consiglio
Aldo Viganò
“URSS anni Venti: dai film al cinema”
mercoledì 6 dicembre, ore 17.30
Auditorium Eugenio Montale
“Da Petipa a Bourmeister.
La coreografia in Russia tra ‘800 e ‘900: Il lago dei Cigni”
Conversazione a cura di Elvira Bonfanti
martedì 19 dicembre, ore 17.00
Palazzo Ducale, Sala del Minor Consiglio
Hans Ottomeyer
“Arte e propaganda”
Musica e danza
venerdì 10 novembre, ore 21.00
Palazzo Ducale, Salone del Maggior Consiglio
“Aspettando Diaghilev”
Spettacolo di danza a cura di Associazione Fokine – Balletto di Puglia. Coreografie di Michel Fokine e Vaslav Nijinsky; testi dal diario di Nijinsky. Estratti da L’Après Midi d’un Faune, Petrouchka, La Morte del cigno, L’Uccello di Fuoco con Toni Candeloro (Vaslav Nijinsky), Oxana Chicenko (Anna Pavlova)
Informazioni/Prenotazioni: tel. 010 5574004
EMail: biglietteria[AT]palazzoducale[PUNTO]genova[PUNTO]it
Ingresso: euro 14,00 intero, euro 12,00 ridotto.
Il biglietto dà diritto all’ingresso in mostra, anche in altra data
lunedì 13 novembre, ore 21.00
Teatro Carlo Felice
“Trio Tchaikovsky” Musiche di Šostakovic, Cajkovskij.
A cura di GOG Giovine Orchestra Genovese
Informazioni/Prenotazioni: GOG – tel. 010 2510078
Ingresso: euro 25,00 platea, euro 15,00 galleria
martedì 19 dicembre, ore 21.00
Palazzo Ducale, Sala del Minor Consiglio
“Serata musicale”
Concerto a cura del Conservatorio di Musica Niccolò Paganini
Cinema
martedì 5 dicembre, ore 21.15
Cinema America, Via Colombo 11
“Il musical sovietico”
Proiezioni e spunti di lettura. A cura del Cineforum Genovese
Informazioni: info@cineforumgenovese.it
Teatro
venerdì 24 novembre, dalle ore 17.00 alle 18.30
“Drammaturgia e rivoluzione a confronto”
Palazzo Ducale, Appartamento del Doge
A cura della Scuola di recitazione del Teatro Stabile di Genova. Regia di Anna Laura Messeri
lunedì 27 novembre, ore 21.00
Auditorium Eugenio Montale
“Ti saluto, mio secolo crudele”
Rievocazione illustrata con canzoni d’epoca e letture a cura del Teatro dei Sensibili con Guido Ceronetti
mercoledì 29 novembre, ore 17.00
Palazzo Ducale, Sala Liguria Spazio Aperto
“Siamo fragili spariamo poesia”
Letture di poeti del mondo nel XX secolo a cura del Teatro dei Sensibili con Guido Ceronetti e Elena Ubertalli
mercoledì 13 dicembre, ore 17.30
Teatro della Corte, Foyer
“Dedicato a Anna Achmatova e Marina Cvetaeva”
Recital di letture a cura di Avgusta Dokukina Böbel e Carla Peirolero
Atelier per adulti
martedì 17 e 24 ottobre, ore 15.00/19.00
Palazzo Ducale, Spazio Didattico
“Il palcoscenico russo”
Laboratorio di spazio scenico a cura di Guido Fiorato
Iscrizione: euro 50,00 intero; euro 30,00 ridotto.
Il costo è comprensivo dei materiali
mercoledì 15, 22 e 29 novembre, ore 15.00/18.00
Palazzo Ducale, Spazio Didattico
“Arte, moda e teatro”
Un percorso teorico – pratico ispirato ai costumi del teatro russo e attualizzato nelle tendenze della moda contemporanea a cura di Francesca Bavassano e Gemma Bizzocoli.
Iscrizione: euro 50,00. Il costo è comprensivo dei materiali
Per entrambi i programmi è necessaria la prenotazione
al numero di tel. 010 5574022, EMail: didattica[AT]palazzoducale[PUNTO]genova[PUNTO]it
Mostre collaterali
Palazzo Ducale, Loggiato Maggiore
“Genova e Russia. 300 anni di rapporti diplomatici”
A cura di: Comune di Genova, Consolato Generale della Federazione Russa, Università di Genova, Fondazione Regionale Cristoforo Colombo, Palazzo Ducale SpA
Attraverso documenti, immagini e pannelli didattici, la storia delle relazioni internazionali dall’età di Pietro il Grande ai giorni nostri.
Ingresso libero

Cristoforo Colombo Ammiraglio del Mare Oceano

11 – 29 ottobre 2006
Liguria Spazio Aperto
 
orario: tutti i giorni dalle ore 9.00 alle ore 19.00
ingresso libero

La via della scrittura e l’arte della calligrafia cinese

15 settembre 2006 – 15 ottobre 2006
Loggia degli Abati
 
orario: tutti i giorni dalle ore 9.00 alle ore 19.00
ingresso libero

La mostra presenta, attraverso opere, installazioni, video, fotografie, testi e tavole didattiche, le caratteristiche e l’evoluzione della scrittura e dell’arte della calligrafia cinesi.
Articolata in sezioni tematiche, la mostra documenta:
1 le forme della scrittura;
2 la formazione degli ideogrammi;
3 i materiali per la scrittura e la calligrafia;
4 la filosofia e la “via” della scrittura;
5 l’arte della calligrafia attraverso i secoli;
6 la calligrafia nell’arte contemporanea.
 
Cura e direzione scientifica:
Dipartimento di Studi Asiatici/CELSO in collaborazione con Accademia Nazionale Cinese d’Arte di Hangzhou, Archivio Nazionale Cinese per le Arti Contemporanee Kongmiao Zhongguo Dangdai Yishu Diantang.

Inaugurazione:
15 Settembre – ore 17.30

Conferenza Stampa:
14 Settembre – ore 11 – Sala Camino – Palazzo Ducale

Enti promotori
Regione Liguria
Provincia di Genova
Comune di Genova
CELSO/DSA Dipartimento di Studi Asiatici
Camera di Commercio di Genova
Palazzo Ducale S.p.A
con il Patrocinio di
Ministero per i Beni e le Attivit’ Culturali
Ambasciata della Repubblica Popolare Cinese
 
Rassegna sulla
“Cina”
I volti della tradizione
Le prospettive per il futuro
Cultura, Arte, Storia, Economia
settembre 2006 – ottobre 2007

Programma di manifestazioni dedicate all’arte, alla cultura cinese ed all’incontro tra la civiltà occidentale e la Cina attraverso i secoli, realizzato a cura del Dipartimento di Studi Asiatici – Istituto di Studi Orientali/CELSO, in collaborazione con le Istituzioni Regione Liguria, Provincia di Genova e Comune di Genova, con il Patrocinio del Ministero Italiano per i Beni e le Attività Culturali e dell’Ambasciata della Repubblica Popolare Cinese in Italia, con il contributo scientifico dell’Università degli Studi di Genova, dell’Università di Torino, dell’Università di Macerata, dell’Archivio Nazionale Cinese per le Arti Kongmiao Zhongguo Dangdai Yishu Diantang e con il contributo tecnico organizzativo di numerosi Musei ed Istituzioni italiani e cinesi per il prestito delle opere e la realizzazione del programma di iniziative collaterali. Realizzato nel contesto di visibilità e prestigio internazionale dell’anno dell’Italia in Cina ed inaugurato in occasione del viaggio della delegazione ufficiale della Regione Liguria.

Vengono presentate, in un programma articolato nell’arco di quattordici mesi (dal 15 Settembre 2006 al 31 Ottobre 2007), una serie di grandi mostre che porteranno grande valore provenienti dalla Cina e dalle collezioni dei principali Musei italiani, installazioni, fotografie, oggetti, documenti, tavole didattiche e video, accompagnate da diverse sezioni espositive minori e da un ricco calendario di eventi ed iniziative collaterali che comprende spettacoli, concerti, rassegne cinematografiche, programmi di ricerca, convegni, seminari e cicli di conferenze dedicati a temi di Economia, Storia Contemporanea, Arte, Scienza e Filosofia tra tradizione e modernità, affidati a docenti, linguisti, storici, responsabili di Istituzioni scientifico-culturali, artisti e ricercatori di chiara fama a livello nazionale ed internazionale.

Mostre
“Le arti e la cultura cinese”
dalla tradizione classica al contemporaneo

Conferenze
“Obiettivo Cina”
storia, filosofia, scienza, arti, economia

Seminari
“Il paese di mezzo”
lingua, economia, storia, filosofia, arti

Spettacoli
“Ombre del drago”
cinema, musica, teatro

Ricerca
“La via della seta”
ricerca, materiali, didattica

Enti promotori
Regione Liguria
Provincia di Genova
Comune di Genova
CELSO/DSA Dipartimento di Studi Asiatici
Camera di Commercio di Genova

Con il Patrocinio di Ministero per i Beni e le Attività Culturali
Ambasciata della Repubblica Popolare Cinese

In collaborazione con
Archivio Nazionale Cinese per le Arti
Kongmiao Zhongguo Dangdai Yishu Diantang
Università degli Studi di Genova
Università di Torino
Istituto Matteo Ricci per le relazioni con l’Oriente
Università di Macerata
Museo Popoli e Culture – Milano

Cura e direzione scientifica
CELSO/DSA Dipartimento di Studi Asiatici
Progetto grafico, allestimenti e direzione tecnica Sôsho

Mostre
Opere originali provenienti dalla Cina e dalle collezioni dei principali musei italiani, installazioni, fotografie, oggetti, documenti, tavole didattiche e video.

MATTEO RICCI
L’Europa alla corte dei Ming
La mostra, che presenta una selezione di opere d’arte, oggetti e documenti storici, ricostruisce attraverso l’opera di Matteo Ricci (Macerata 1552 – Pechino 1610) in Cina il primo incontro significativo ed in qualche modo duraturo tra civiltà occidentale e cinese tra la fine del XVI e gli inizi del XVII secolo. Divisa in sezioni tematiche, la mostra presenta: 1/la formazione europea di Ricci; 2/carte geografiche e strumenti scientifici; 3/documenti di vita quotidiana della corte cinese e delle case dei mandarini; 4/l’incontro con le religioni cinesi; 5/scrittura e libri; 6/strumenti musicali cinesi e strumenti occidentali introdotti in Cina; 7/medicina e farmacologia cinese. Cura e direzione scientifica: Istituto Matteo Ricci per le relazioni con l’Oriente, Università di Macerata, con il Patrocinio del Ministero per i Beni e le Attività Culturali e il contributo tecnico organizzativo di Musei ed Istituzioni italiani e cinesi per il prestito delle opere.

LA VIA DELLA SCRITTURA
e l’arte della calligrafia cinese
La mostra presenta, attraverso opere, installazioni, video, fotografie, testi e tavole didattiche, le caratteristiche e l’evoluzione della scrittura e dell’arte della calligrafia cinesi. Articolata in sezioni tematiche, la mostra documenta: 1/le forme della scrittura; 2/la formazione degli ideogrammi; 3/i materiali per la scrittura e la calligrafia; 4/la filosofia e la “via” della scrittura; 5/l’arte della calligrafia attraverso i secoli; 6/la calligrafia nell’arte contemporanea.
Cura e direzione scientifica: Dipartimento di Studi Asiatici/CELSO in collaborazione con Accademia Nazionale Cinese d’Arte di Hangzhou, Archivio Nazionale Cinese per le Arti Contemporanee Kongmiao Zhongguo Dangdai Yishu Diantang.

CINA PERDUTA
nelle fotografie di Leone Nani
La mostra presenta lo straordinario reportage realizzato tra il 1903 e il 1914 in Cina da Leone Nani, missionario e fotografo. Una raccolta di fotografie unica sia per il valore storico-documentario sia per quello artistico. Immagini inedite che riportano alla luce la memoria delle persone, dei luoghi, delle tradizioni e della cultura di un impero scomparso. La mostra è completata da una serie di oggetti cinesi risalenti agli inizi del Novecento, documentati anche nelle immagini, e da alcuni oggetti appartenuti a Leone Nani. Cura e direzione scientifica: Museo dei Popoli e delle Culture PIME, Dipartimento di Studi Asiatici/CELSO.

IL DRAGO E LA FENICE
Viaggio nell’universo dei simboli della tradizione cinese
La mostra, attraverso immagini e tavole di testo, presenta un itinerario nell’affascinante e complesso mondo dei simboli della tradizione cinese. Un percorso che si snoda attraverso otto sezioni tematiche dedicate a: 1/il ciclo del tempo; 2/l’architettura dello spazio; 3/la formazione del mondo e gli eroi culturali; 4/animali, piante e motivi vegetali; 5/animali fantastici; 6/esseri soprannaturali e divinità guardiane; 7/simboli, oggetti, emblemi; 8/le stampe per il nuovo anno. Simboli dalla forte connotazione sociale e filosofica, semplici e nello stesso tempo complesse chiavi di lettura e di interpretazione della tradizione popolare, dell’arte e, più in generale, della cultura cinese
Cura e direzione scientifica: Dipartimento di Studi Asiatici/CELSO.

OMBRE ELETTRICHE
Manifesti per il cinema cinese [1934-2006]
Articolata in tre sezioni tematiche [1/il cinema degli albori e lo “star system” cinese; 2/il cinema come strumento di educazione e di propaganda: dalla fine degli anni Trenta alla Rivoluzione Culturale; 3/il cinema della “nuova Cina”, tra tradizione e modernità] la mostra ripercorre settanta anni di cinema cinese attraverso le immagini dei manifesti cinematografici. Cura e direzione scientifica: Dipartimento di Studi Asiatici/CELSO in collaborazione con Università di Torino, Archivio Nazionale del Cinema-China Film Archive di Pechino.

LA FORMA DELLA MUSICA
Strumenti e tradizioni musicali in Cina
La mostra, concepita come un viaggio alla scoperta della musica cinese, presenta una selezione di strumenti musicali della tradizione, accompagnati da testi e tavole didattiche, un percorso didattico che ricostruisce la storia della musica cinese, illustrando i generi, l’estetica ed i sistemi musicali, ed una serie di “itinerari sonori” dedicati alle tradizioni musicali in Cina. Cura e direzione scientifica: Dipartimento di Studi Asiatici/CELSO e Echo Art – Museo delle Musiche dei Popoli.

L’ESERCITO DI TERRACOTTA
Progetto multimediale per l’arte contemporanea
Mostra accompagnata da una grande opera-installazione progettata in collaborazione con Sosho International e coordinata dall’artista cinese Qikai Zhang, già vincitore della Biennale Internazionale d’Arte Contemporanea ASIART Asian Contemporary Art 1999.

Conferenze

OBIETTIVO CINA
Storia, filosofia, scienza, arti, economia
Ciclo di conferenze affidate a docenti universitari, ricercatori e direttori di musei ed Istituzioni scientifico-culturali, aperte al pubblico e dedicate a temi di Economia, Storia Contemporanea, Arte, Scienza, Filosofia tra tradizione e modernità.
Cura e direzione scientifica: Dipartimento di Studi Asiatici/CELSO in collaborazione con Università di Torino, Università degli Studi di Genova, Università di Venezia, Istituto di Studi Economico-Sociali per l’Asia Orientale, Università di Milano, Università di Macerata, ISIAO Istituto Italiano di Studi per l’Africa e l’Oriente, Camera di Commercio Italo-Cinese e con il contributo scientifico di docenti e ricercatori di Istituzioni cinesi ed europee.

Seminari

IL PAESE DI MEZZO
Lingua, economia, storia, filosofia, arti
Sezione 1/ “Le arti e la cultura cinese”
Seminari di approfondimento aperti al pubblico, sull’Arte, la Storia, la Filosofia, la Letteratura e le Tradizioni della Cina, affidati a docenti, linguisti, storici, ricercatori e responsabili di Istituzioni scientifico-culturali.
Sezione 2/ “Lingua ed economia”
Corso introduttivo di Lingua Cinese per le aziende e Seminari su Business e comportamento sociale – Obiettivo Cina per responsabili di aziende ed operatori economici, affidati a docenti, economisti, linguisti, storici, e ricercatori.

Spettacoli

OMBRE DEL DRAGO
Cinema, musica, teatro
Sezione 1/ “Ombre elettriche – Il cinema cinese dagli esordi ai maestri contemporanei”
Rassegna cinematografica realizzata in collaborazione con Università di Torino.
Sezione 2/ “Spettacoli e concerti”
Concerti di musica tradizionale cinese e spettacoli in collaborazione con Archivio Nazionale Cinese per le Arti Contemporanee Kongmiao Zhongguo Dangdai Yishu Diantang.

Ricerca

LA VIA DELLA SETA
Ricerca, materiali, didattica
Programmi di ricerca, programmi per le scuole, attività didattiche legate alle diverse sezioni espositive, programmi di formazione per insegnanti, realizzazione di materiali sui temi proposti nelle Conferenze ed attraverso i Seminari, elaborazione di materiali tecnico-scientifici per le aziende e gli operatori economici partecipanti alla sezione Lingua ed economia.
Cura e direzione scientifica: Dipartimento di Studi Asiatici/CELSO con il contributo di docenti e ricercatori di Università ed Istituzioni culturali.

I Sessant’anni della Sampdoria

16 giugno – 12 luglio 2006
Munizioniere
 
Ingresso libero
 
Orario: tutti i giorni escluso il lunedì ore 10-12.30/17-21

La domenica, arabo
di Vincenzo Cottinelli

15 – 25 giugno 2006
Porticato, Spazio Didattico
 
Ingresso libero
Orario: tutti i giorni dalle ore 17.00 alle ore 23.00
Informazioni tel. 0105574004 – 0105702715
stampe fotografiche gentilmente offerte da Riello Group

Settant’anni di AMGA 1936 – 2006

8 – 25 giugno 2006
Cortile Maggiore
 
Ingresso libero
Orario:
da martedì a venerdì ore 15-19
sabato e domenica ore 9-19
lunedì chiuso
Una storia di uomini e strumenti, raccontata attraverso reperti del Museo dell’Acqua e del Gas raccolti dalla Fondazione AMGA
Sono passati esattamente 70 anni da quando, nel 1936 il Comune di Genova costituì l’Azienda Municipalizzata Gas e Acqua. Da allora molte cose sono cambiate e oggi AMGA, non più “Municipalizzata” ma “Mediterranea” è un importante operatore di dimensioni nazionali.
La mostra “Settant’anni di AMGA a Genova” non vuole essere un semplice e nostalgico ricordo del passato ma piuttosto un’occasione per illustrare, attraverso oggetti e immagini, la storia di un’azienda che è riuscita, attraverso i diversi corsi storici e i cambiamenti economici, a mantenere una forte vocazione al servizio pubblico e a dare un contributo importante alla vita dei genovesi, affrontando nel contempo le sfide al rinnovamento offerte dall’evolversi dei mercati.
Gli oggetti esposti sono solo una parte di quelli raccolti in questi ultimi anni dalla Fondazione AMGA, attraverso un metodico lavoro di ricerca di documenti, materiali, fotografie, attrezzature che ha coinvolto il personale dell’AMGA, i pensionati e le loro famiglie.
La raccolta è permanentemente esposta presso il Museo dell’Acqua e del Gas presso l’Officina di Gavette a Genova, visitabile su appuntamento.

XIX. I secoli della modernità
1886-2006. Un giornale, una storia. Il Secolo XIX in 120 anni

6 – 26 maggio 2006
Loggia degli Abati
 
Ingresso libero

Orario:
aperta tutti i giorni escluso il lunedì dalle ore 9 alle ore 19
giovedì fino alle ore 22
Lunedì chiuso

Sono gradite le visite (libere) di gruppi scolastici o altri gruppi organizzati
Per organizzare al meglio la visita dei gruppi, si prega di contattare il n. 0105388307
Dietro, dentro e attorno alla notizia.
Un itinerario in 7 tappe
Sala 1: presentazione della mostra e bookshop
Sala 2: 1886 – 1914: da F. Macola a M. Fantozzi
Sala 3: 1914 – 1945: da M. Fantozzi a U.V. Cavassa
Sala 4: 1946 – 1968: la direzione di U.V. Cavassa
Sala 5: 1969 – 1981: da P. Ottone a M. Tito
Sala 6: 1981 – oggi: da T. Giglio a L. Vaccari
Sala 7: Sala multimediale

Genova. Fiori sulla città

21, 22 e 23 aprile 2006
Munizioniere
 
Venerdì 21 aprile torna a Genova, nell’ambito di Euroflora 2006, il Concorso Internazionale di Decorazione Floreale.
150 partecipanti dall’Italia e dal mondo. 15 i paesi stranieri rappresentati.
A Palazzo Ducale le composizioni floreali saranno esposte al pubblico fino a domenica 23 aprile.
Venerdì 21 aprile, nella splendida cornice di Palazzo Ducale, si svolgerà il Concorso Internazionale di Decorazione Floreale “Genova, Fiori sulla Città”, giunto quest’anno alla sua quinta edizione.
Quasi 150 concorrenti fra professionisti, insegnanti, dimostratori e semplici amatori, provenienti da tutta Italia e da oltre 15 paesi stranieri, fra cui Francia, Canada, Belgio, Irlanda, Sud Africa, Russia, Stati Uniti e Argentina – trasformeranno il Munizioniere di Palazzo Ducale in un vero e proprio atèlier di arte floreale.
Le partecipanti avranno circa quattro ore di tempo (dalle 7.30 alle 12.00) per disporre in modo artistico ed armonioso fiori, foglie, frutti ed altri elementi di piante, seguendo regole ben precise sulla base di un tema scelto fra nove categorie tematiche: Curve e Volumi, Notturno sul mare, Dalla Natura alla Tavola, Giochi di Piani, Giardino all’Italiana, Tendenza Contemporanea, Fascino del Chiaroscuro, Invita chi Vuoi, Cristoforo Colombo “Il Nuovo Mondo”.
Le composizioni floreali saranno valutate da una Giuria Tecnico/Scientifica, formata da giudici internazionali, e da un Comitato d’Onore. Madrina della manifestazione sarà Maria Teresa Verda Scajola.
Dopo la premiazione – che si svolgerà venerdì 21 aprile alle ore 18.45 presso la Sala del Minor Consiglio di Palazzo Ducale – le composizioni floreali saranno esposte al pubblico fino a domenica 23 aprile, costantemente curate dalle loro creatrici, che avranno il compito di mantenerle fresche e floride per tutta la durata della manifestazione.
Fanno parte della Giuria Tecnica: Jacqueline Bogrand (S.N.H.F. Francia), Rosnella Cajello Fazio (I.I.D.F.A. E.D.F.A. Sanremo), Giovanna Cozzi (E.D.F.A. Sanremo), Erina Calcagno (I.I.D.F.A. E.D.F.A. Sanremo), Carla Falciola (E.D.F.A. Imperia), Mit Ingelaere (BFAS – Belgio), Maria Rosa Oddone (E.D.F.A Roma), Maria Pasinetti (E.D.F.A. Bergamo), Rosine Sanmori (Garden Club de Monaco – Francia). Compongono la Giuria d’Onore: Andrea Fustinoni, presidente del FAI Liguria; Lorena Lombroso, giornalista di Giardinaggio del Sole 24Ore; l’Ambasciatore Maurizio Moreno, Rappresentante Permanente dell’Italia presso la NATO; lo stilista Andrea Odicini; il Principe Domenico Pallavicino e la Professoressa Maria Teresa Verda Scajola.
A Palazzo Ducale, una serie di eventi collaterali arricchiranno ulteriormente l’evento: venerdì 21 aprile alle ore 17.45 la presentazione del nuovo libro di Rosnella Cajello Fazio “Il Colore nell’Arte dei Fiori”; sabato 22 aprile alle ore 17.00 la Conferenza sull’Arte Floreale Astratta, tenuta dalla belga Mit Ingelaere-Brandt, membro della giuria; il Workshop “Inventare e Costruire” di Loly Marsano e Gin Rebaudi, sabato 22 o domenica 23 aprile dalle 9.30 alle 12.30, e la mostra “Tempi Moderni 1906-2006″.
“Genova, Fiori sulla Città” è un’iniziativa promossa da E.D.F.A. (Ente Decorazione Floreale per Amatori), organismo esecutivo dell’IIDFA (Istituto Italiano di Decorazione Floreale per Amatori) che, con appositi corsi, porta gli allievi alla conoscenza completa della materia.
L’edizione 2006 di Fiori sulla Città si svolge con il patrocinio e il sostegno di Regione Liguria, Provincia di Genova, Comune di Genova – Palazzo Ducale, Comitato Nazionale per le Celebrazioni di Cristoforo Colombo, Banca Carige, Ikea, STC spa, FAI e “Andrea Morando”.
Ingresso: Il costo del biglietto di ingresso è di 5 euro (4 euro ridotto).
Orari per la visita:
venerdì 21 aprile dalle 20 alle 22;
sabato 22 aprile dalle 10 alle 22;
domenica 23 aprile dalle 10 alle 19.

Tempo Moderno. Da Van Gogh a Warhol.
Lavoro, macchine e automazione nelle Arti del Novecento

14 aprile – 30 luglio 2006
Appartamento del Doge
 
Il racconto delle vicende della modernità – il “tempo moderno” del titolo – attraverso il tema del lavoro nelle arti del Novecento è il presupposto della mostra curata da Germano Celant con Anna Costantini e Peppino Ortoleva per Palazzo Ducale di Genova in occasione delle celebrazioni del Centenario della fondazione della Confederazione Generale Italiana del Lavoro, CGIL.
Il soggetto del lavoro percorre tutto il XX secolo e attraverso lo sguardo di pittori, scultori e fotografi, grafici e cineasti, pone il problema della condizione degli esseri umani nella società industriale e post-industriale.
Da quando il ritmo della macchina è diventato l’orologio dei comportamenti degli esseri umani – come ci ricorda l’eroe del film di Charlie Chaplin alle prese con i tempi forsennati della catena di montaggio, a cui il titolo della mostra rende omaggio – il “tempo moderno” ha investito l’arte dell’ultimo secolo sia arricchendola di nuovi contenuti, temi, soggetti, sia modificandone il linguaggio.
La mostra è costituita da un itinerario di dipinti, fotografie, sculture, video, oggetti e film che, isolando alcuni soggetti specifici e centrali, mette in parallelo e in contemporanea, quasi a dimostrare l’enorme salto storico e produttivo, la visione del mondo del lavoro di cento anni fa e dell’oggi. Un confronto drammatico e spettacolare che, sala per sala, mette in evidenzia il cambiamento della società e del ruolo della persona rispetto alla macchina.
Le tappe di questo confronto tra memoria e attualità iniziano con il nuovo paesaggio industriale che diventa soggetto pittorico e gli artisti che raccontano, molto spesso attraverso la fotografia, il luogo del lavoro di oggi: la città “nera” dei fumi delle ciminiere della rivoluzione industriale e la fabbrica automatizzata, asettica e globalizzata di oggi, uguale in Occidente come in Cina. Oppure il porto degli uomini, i famosi camalli, addetti al carico e allo scarico manuale delle merci e quello delle infinite e ordinate distese di container, luoghi metafisici segnati dall’assenza dell’essere umano, che costituiscono le banchine odierne.
L’esposizione prosegue, sempre utilizzando il taglio inedito del dialogo tra ieri e oggi attraverso linguaggi tradizionali (pittura e scultura) e attuali (fotografia e video), contrapposti per evidenziare la diversa prospettiva temporale, gettando uno sguardo sugli uomini e le donne – ma anche i bambini, ieri come oggi – che da sempre sono i protagonisti del lavoro: agricoltori e artigiani, operai, tecnici e impiegati, spesso esaltati dalla retorica del potere, disoccupati o sfruttati ma anche eroi, volontari o involontari, delle lotte per la conquista di migliori condizioni di vita. Una galleria di volti e di corpi di ieri e di oggi che, nonostante una presunta “smaterializzazione” del lavoro, ancora ci racconta qualcosa della vita di ognuno di noi.
Ma il mondo del lavoro, ieri come oggi, è anche un mondo di oggetti e poi di meccanismi a cui l’arte del Novecento – le Avanguardie storiche dei primi decenni e quelle degli anni Sessanta, in particolare – ha guardato con grande interesse, trasformandoli in soggetti a se stanti delle proprie opere e vedendo il corpo umano stesso come un essere-macchina.
L’essere umano della modernità vive in una società di massa, caratterizzata dalla tendenza a un’assoluta omogeneizzazione di comportamenti e idee. Anche in questo contesto, la questione del lavoro è centrale: la meccanizzazione e poi automazione del lavoro lascia immaginare l’utopia della liberazione del lavoro, che però nel mondo reale si capovolge in disoccupazione e sottoccupazione.
Lo sciopero e le manifestazioni sono parte integrante della storia del lavoro e dei lavoratori del Novecento: la mostra proverà a documentare come gli artisti hanno raccontato in immagini, in passato e nell’attualità, la vicenda di queste espressioni di lotta per l’affermazione dei propri diritti.
Parte integrante della mostra è costituita dall’intervento audiovisivo, articolato in alcuni montaggi che accompagneranno le sale del piano nobile di Palazzo Ducale. Il cinema infatti, e poi i media che ne hanno in parte continuato l’opera (la televisione e il video, fino all’audiovisivo digitale), hanno sia documentato le trasformazioni del lavoro, entrando nei luoghi del lavoro stesso come misuratore di tempi e movimento e fissando voci e immagini di lavoratori e imprenditori; sia interpretato il mutare della condizione personale e collettiva dei produttori e delle produttrici.
Saranno presenti in mostra, tra gli altri, gli artisti Peter Alma, Hans Baluschek, Vladimir Baronoff-Rossiné, Sándor Bortnyik, Edward Burtynsky, Alexander Deineka, Fortunato Depero, César Domela, Nicolaj Dormidontov, Frederick W. Elwell, Max Ernst, Philip Evergood, Conrad Felixmüller, Otto Griebel, Carl Grossberg, Florence Henri, William Hyde, Gustav Klucis, Eugène Laermans, Fernand Léger, Alice Lex-Nerlinger, Oskar Nerlinger, Plinio Nomellini, Viktor Perel’man, édouard Pignon, Ivan Puni, Serafima Rjangina, William P. Roberts, Ben Shahn, Georg Scholz, Graham Sutherland, Vladimir Tatlin, Karel Teige, Giulio Turcato, Petr Vil’iams, Marianne Werefkin; i fotografi Margaret Bourke-White, Tano D’Amico, Walker Evans, Lewis Hine, Tina Modotti, Enzo Nocera, Federico Patellani, Jacob A. Riis, Alexander Rodchenko, August Sander, Adriano Tournon; i film, i documentari, i corto metraggi di Michelangelo Antonioni, Frank Capra, Charlie Chaplin, René Clement, Vittorio De Sica, Ugo Gregoretti, Fritz Lang, Louis Lumière, Mario Monicelli, Arthur Penn, Gillo Pontecorvo, Jean Renoir, Walter Ruttmann, Paul Schrader, King Vidor, Jean Vigo, Andrzej Wajda, Wim Wenders, Billy Wilder.
La mostra, il cui progetto grafico e di allestimento è curato da Pierluigi Cerri, è corredata da un catalogo, edito da Skira, Milano, che si propone non solo di accompagnare e illustrare la selezione delle opere esposte ma anche come una pubblicazione esauriente sull’argomento, attraverso una ricca scelta iconografica e i contributi di studiosi italiani e stranieri.
 

Informazioni per visitatori con disabilità
+39 010 542098 – www.terredimare.it
Per informazioni, 0105574004
www.tempomoderno.it
www.palazzoducale.genova.it
www.100annicgil.it
Orario
Dalle 9 alle 19 tutti i giorni escluso il giovedì dalle 9 alle 22.
Lunedì chiuso.
La biglietteria chiude mezz’ora prima della mostra.
Aperto nelle festività.
Prezzo del biglietto
Intero € 8,00, ridotto € 6,00, scuole € 3,00
Biglietto Unico Mostra + Acquario di Genova.
Intero € 18.00, gruppi € 15.00, scuole e bambini 4 – 12 anni € 9,00
Biglietto Unico Mostra + Galata Museo del Mare
Intero € 15,00, gruppi € 12,50, Scuole e bambini dai 4 ai 12 anni: € 6,00
I possessori del biglietto di Euroflora hanno diritto all’ingresso ridotto.
Sconti reciproci con la Fondazione Teatro Carlo Felice.
Prevendita on line www.ticketone.it
Riduzioni
Associazione Amici di Palazzo Ducale,
possessori Card Musei di Genova e abbonamento annuale AMT,
soci Touring Club Italiano, Soci Coop Liguria, Tesserati CGIL
e tutti gli aventi diritto.
Visite guidate
Individuali: sabato ore 16.30
Gruppi: solo su prenotazione, 0105574004, 010562390 fax
EMail: biglietteria[AT]palazzoducale[PUNTO]genova[PUNTO]it
oppure compilando l’apposita scheda
Proposte di visita mostra+città
Etlim Travel Tour Operator, 0183273877, info@etlimtravel.it
Happy Tour, 0105955864, incoming@happytour.it
Incoming Liguria, 0102345666, info@incomingliguria.it
Macramé Viaggi, 0105959779, macrame@split.it
Merion-European Cultural Tours, 010582244,
info@merion-culturaltours.com
Servizi
Guardaroba gratuito, carrozzelle per disabili, bookshop, ristorazione.
Catalogo Skira, www.skira.net
 
Attività didattiche
Approfondimenti
Un ciclo di conferenze, tenute da esperti, docenti e artisti, dedicate all’arte, alla storia, alla musica e al teatro, per meglio comprendere le tematiche della mostra, approfondire la conoscenza del Novecento e offrire un supporto ai ragazzi che si apprestano alla preparazione dell’esame di stato.
martedì 11 aprile
Palazzo Ducale, Salone del Minor Consiglio, ore 17.00
Francesco Poli, “Progresso e modernità tra mito e critica”
mercoledì 19 aprile
Salone del Minor Consiglio, ore 18.00
“Genova internazionale: una capitale della grande industria”
Presentazione del video realizzato dalla Fondazione Ansaldo
a cura di Marco Salotti
mercoledì 3 maggio
Palazzo Ducale, Salone del Minor Consiglio, ore 17.00
Stefano Verdino, “Il racconto della poesia: il Novecento tra Europa e Italia”
martedì 9 maggio
Palazzo Ducale, Salone del Minor Consiglio, ore 17.00
Marco Doria, “Crescita e crisi nell’economia del Novecento”
martedì 16 maggio
Palazzo Ducale, Salone del Minor Consiglio, ore 18.00
Antonio Medici, “Le avventure del lavoro nel cinema del Novecento”
martedì 23 maggio
Facoltà di Economia, Via F.Vivaldi (Darsena), ore 17.00
Paola Massa, “Il lavoro femminile tra Otto e Novecento”
La conferenza sarà preceduta da un breve percorso nella mostra
“Con quelle facce un pò così…
Porto, darsena, industria. Lavorare a Genova”,
allestita nell’atrio della facoltà
giovedì 25 maggio
Palazzo Ducale, Salone del Minor Consiglio, ore 17.00
Giovanni De Luna, “Il Novecento: un’interpretazione storiografica”
mercoledì 31 maggio
Palazzo Ducale, Salone del Minor Consiglio, ore 18.00
Gianmarco Veruggio, Fiorella Operto,
“L’automazione dalla rivoluzione industriale alla roboetica”
Visite guidate per gli insegnanti
giovedì 20 aprile, ore 17.00
mercoledì 26 aprile, ore 16.00
Visita guidata alla mostra
Appuntamento di fronte alla biglietteria di Palazzo Ducale
Solo su prenotazione al n. tel. 010 5574022
Proposte didattiche per le scuole
LABORATORI:
“Robot TM06″
conduce Alessandra Agresta
Nelle opere di Léger, Depero, Kupka e Tinguely – alcuni degli artisti presenti in mostra – i paesaggi, le persone e gli oggetti spesso sono rappresentati in maniera originale attraverso elementi meccanici, geometrie spigolose, superfici sovrapposte e bizzarri assemblaggi.
L’analisi di questi particolari, unita a un racconto sulle tematiche espresse dalla mostra, forniscono gli elementi per una creativa attività di costruzione.
In atelier, infatti, i ragazzi si potranno divertire rovistando tra materiali di riciclo, tappi, molle, utensili, alla ricerca dei “pezzi giusti” per creare un piccolo “robot” prendendo spunto dai dipinti e dalle fotografie esposte in mostra.
Laboratorio consigliato per la scuola elementare e secondaria di I grado
Durata media: 1h45′(comprensiva di breve percorso guidato in mostra)
In programma il martedì alle ore 9.00 e alle ore 11.00
“Il mondo sonoro delle macchine”
conduce Lorenzina Massa
Fortunato Depero, in un celebre disegno del 1933, raffigura alcuni uomini al lavoro all’interno di una fabbrica surreale.
Il titolo, “Cantiere sonoro”, evoca subito suggestioni musicali riferite al ritmo del lavoro e al rumore della produzione.
L’opera offre l’occasione per parlare delle musiche composte in occasioni di eventi importanti come il Ballo Excelsior (Esposizione industriale di Milano, 1881) o per i film a sfondo industriale come Le Ballet Mecanique di Léger; ma soprattutto è lo stimolo per mettere a confronto musiche famose, canzoni popolari che hanno accompagnato la fatica del lavoro e il rumore prodotto dalle macchine.
I piccoli partecipanti conosceranno, ascolteranno e confronteranno mondi sonori così diversi, per mettersi poi all’opera nel tentativo di dar vita a una composizione musicale originale.
Laboratorio consigliato per la scuola materna ed elementare
Durata media: 1h 30′
In programma il mercoledì alle ore 9.00 e alle ore 11.00

PERCORSI GUIDATI IN MOSTRA

“Ingranaggi di parole”
conduce Stefania Costa
Naturalismo, avanguardie, neo-realismo…
velocitè, macchine, automazione
fabbriche, porti, miniere…
artigiani, contadini, impiegati, operai…
non sono parole in libertà, ma un “ingranaggio” di parole dedicate al tema del lavoro e dell’arte del Novecento da raccontare e analizzare per capire, attraverso le opere presenti in mostra, come gli artisti cambiano il modo di rappresentare il lavoro e i lavoratori tra la fine del XIX e il XX secolo.
Su questa idea si sviluppa una delle attività pensate per le scuole secondarie. Le parole, scritte su grandi ruote dentate, diventano lo spunto per dar vita a un percorso in mostra in cui far riflettere i ragazzi sui diversi “volti” del lavoro e contemporaneamente approfondire la conoscenza sui movimenti e sugli artisti che dalla fine dell’Ottocento hanno interpretato e documentato – attraverso dipinti, sculture, fotografie, manifesti, filmati – il mondo del lavoro utilizzando le nuove tecniche e i nuovi linguaggi, veri e propri prodotti del tempo moderno.
Percorso consigliato per la scuola secondaria di I e II ciclo
Durata media: 1h 30
In programma il giovedì alle ore 9.00 e alle ore 11.00

“Dal lavoro manuale alla robotica”
a cura della Scuola di Robotica
Un percorso pensato per gli istituti superiori e particolarmente indicato per i ragazzi interessati agli aspetti tecnici e meccanici, dove l’arte e la storia rimangono, per una volta, in secondo piano per dare risalto ai temi della produzione, dell’industrializzazione, dell’automazione e della robotica.
Un viaggio tra dipinti e fotografie, che si conclude con la visione dal vero di prototipi, robot didattici e filmati sull’impiego della robotica di ultima generazione.
Percorso consigliato per la scuola secondaria di II grado
Durata media: 1h30′
In programma il venerdì alle ore 9.00 e alle ore 11.00 (ma possono essere concordate altre giornate)

Percorsi guidati oltre la mostra

VISITE IN AZIENDA

La Sezione Didattica di Palazzo Ducale è disponibile a coordinare, per i gruppi scolastici che abbiano già prenotato la visita alla mostra, alcuni percorsi in aziende produttive del territorio.
Per non interferire con i ritmi della produzione e per rispettare le necessarie misure di sicurezza, le visite saranno a numero chiuso e regolate da procedure estremamente rigorose, secondo quanto richiesto dalle singole aziende.

“Ansaldo Energia”
Corso Perrone, 25 – Genova
www.ansaldoenergia.it
L’Ansaldo Energia è il maggior produttore italiano di impianti termoelettrici.
Progetta e realizza centrali complete o singoli componenti elettromeccanici, con un’ampia gamma di soluzioni tecniche, dalle centrali convenzionali e turbogas a ciclo semplice e combinato alle centrali geotermiche e nucleari.
Il percorso è riservato agli studenti degli ultimi due anni delle scuole superiori di II grado, con particolare riferimento agli istituti tecnico- industriali.

“Piaggio Aero Industries”
Via Cibrario 4 – Genova Sestri
Viale Rinaldo Piaggio – Finale Ligure (SV)
www.piaggioaero.com
Attiva dal 1998, Piaggio Aero ha rilevato l’attività della storica industria aerospaziale italiana Rinaldo Piaggio S.p.A. ed è attualmente l’unica azienda al mondo attiva sia nella realizzazione di velivoli sia nella costruzione di motori aeronautici e componenti strutturali.
La progettazione, la costruzione, l’assistenza e la manutenzione dei motori aeronautici vengono svolte presso lo stabilimento di Finale Ligure; l’assemblaggio, i collaudi, le prove di volo e la revisione di velivoli vengono invece effettuati negli stabilimenti di Sestri Ponente.
Il percorso è riservato agli studenti delle scuole superiori di II grado.

“Fincantieri”
www.fincantieri.it
Alle spalle della Fincantieri è una lunga tradizione di oltre duecento anni nel campo della progettazione e costruzione di navi – navi da crociera, traghetti, navi militari e sommergibili.
In Liguria sono operativi i cantieri di Sestri Ponente, di Riva Trigoso e del Muggiano a La Spezia.
Nel cantiere genovese l’arte della costruzione navale risale all’attività dei celebri “maestri d’ascia” dell’inizio dell’Ottocento. In questi luoghi sono state costruite navi celebri come il Rex (1931), che nel 1933 conquistò il Nastro Azzurro, l’Andrea Doria (1951) e la Michelangelo. L’attività produttiva del cantiere del Muggiano data invece dal 1883, con particolare riferimento alle riparazioni del naviglio adibito al trasporto di minerali; attualmente è noto soprattutto per la costruzioni di navi mercantili, navi militari e sommergibili.
Anche il cantiere di Riva Trigoso, fondato nel 1897 da Erasmo Piaggio su un’area dove si costruivano barche da pesca, è oggi impegnato soprattutto nella costruzioni di navi militari.
Il percorso è riservato agli studenti degli ultimi due anni delle scuole superiori di II grado, con particolare riferimento agli istituti tecnico – industriali e nautici.

“Enel”
www.enel.it
Enel è un’azienda specializzata nella produzione, distribuzione e vendita di energia elettrica e gas.
La centrale termoelettrica di Genova è situata nell’area del porto, fra il molo San Giorgio e il molo ex-Idroscalo.
È costituita da tre gruppi termoelettrici per una potenza complessiva di 300 MW, pari al consumo di energia elettrica necessaria a Genova e Provincia.
Il percorso è disponibile per le scuole medie di I e II grado

“Valobra”
Via San Quirico, 115 – Genova
www.valobra.com
Il saponificio fu fondato nel 1903 da Virgilio Valobra con l’intento di seguire scrupolosamente e valorizzare i dettami degli antichi maestri saponieri che nel corso del XVIII secolo fecero della fascia costiera compresa tra Portofino e Marsiglia la patria del sapone finissimo.
Il percorso è riservato agli studenti delle scuole superiori di II grado

“Lanterna Alimentari Genova”
Via Fiorenzo Semini, 12 – Genova S. Quirico
www.lanternagenova.com
L’azienda offre prodotti da forno surgelati per la grande distribuzione e la ristorazione collettiva, ma è nota in particolare per la produzione della focaccia. Le antiche ricette della tradizione sono realizzate su scala industriale grazie all’impiego di tecnologie d’avanguardia, che consentono una capacità produttiva di 4.500.000 Kg/anno
Il percorso è disponibile per le scuole medie di I grado

VISITE IN CITTÀ

“Fondazione Ansaldo”
Villa Cattaneo dell’Olmo – Corso F.M. Perrone 118, Genova
La Fondazione Ansaldo – Archivio economico delle imprese ligure Onlus è una delle più cospicue fonti per la ricostruzione della storia economica e sociale del nostro Paese.
L’archivio è costituito da 15 chilometri di documenti societari, contabili, amministrativi e tecnici prodotti a partire dalla metà del secolo XIX dalle imprese industriali riconducibili ai gruppi Ansaldo, Bombrini, Costa, Dufour, Fincantieri, Finmare, Finmeccanica, Gaslini, Ilva-Italsider, Perrone, ecc.
Oltre alla documentazione cartacea sono presenti circa 300 mila immagini fotografiche, in gran parte lastre originali, e oltre 3 mila filmati che offrono una panoramica sulle attività imprenditoriali e lavorative a partire da fine ’800.
Informazioni/Prenotazioni: tel. 0105574004
EMail: biglietteria[AT]palazzoducale[PUNTO]genova[PUNTO]it
Orario: tutti i mercoledì ore 11.30, 14.30, 15,30.
Modalità: ingresso libero su prenotazione presentando il biglietto della mostra “Tempo Moderno”

“Nel ventre della nave”
Casa del 25 aprile – Sede A.L.C.R.I.
Associazione Lavoratori Compagnia Ramo Industriale
Via Molo Giano (Varco Grazie) – Genova
Nel ventre della nave è il titolo della mostra allestita all’interno della palazzina del 25 aprile storicamente conosciuta come “a Casetta”. Cimeli storici, scrigni, gonfaloni, bandiere delle categorie, attrezzi da lavoro e una rassegna fotografica con immagini dal 1888 alla fine del Novecento illustrano la storia dell’Associazione e il lavoro delle riparazioni navali.
Particolarmente interessante è la storia del luogo, dove avveniva fino al 1993, l’avviamento al lavoro dei soci della Compagnia tramite “chiamate”, per soddisfare i fabbisogni lavorativi delle officine del settore, sia sulle navi in riparazione sia su quelle in trasformazione o in allestimento.
Informazioni/Prenotazioni: tel. 0102412773
Orario: dal 18 aprile al 17 giugno da lunedì a venerdì ore 10.00 – 18.00; sabato ore 10.00 – 13.00.
Modalità: ingresso libero su prenotazione presentando il biglietto della mostra “Tempo Moderno”

“Paese di ferrame e alberature”
Itinerario guidato nell’area del Porto Antico alla ricerca delle testimonianze sopravvissute.
Un percorso per conoscere l’evoluzione storica del porto di Genova a partire dalle sue origini ma con una particolare attenzione al periodo dalla fine del secolo XIX fino ai nostri giorni. Nell’occasione si vedranno le strutture del porto, moli, banchine, gru e magazzini, plasmate sulle esigenze dei lavoratori, e verranno illustrati i mestieri più famosi e caratteristici.
Informazioni/Prenotazioni: tel. 0105574004
Orario: sabato 6 e 13 maggio, ore 15.30 (durata media 1h30′)
Costo: € 12,00 (comprensivo di ingresso alla mostra “Tempo Moderno”).
Biglietto in vendita presso la biglietteria di Palazzo Ducale
Modalità: su prenotazione. Appuntamento in P.zza Caricamento, Palazzo San Giorgio, lato mare

“Pietro Romanengo fu Stefano”
Viale Mojon, 6 – Genova
www.romanengo.com
La storia della ditta Romanengo inizia nel 1780 quando Antonio Maria Romanengo, importatore di zucchero, caffè e cacao, ispirandosi all’alta confetteria sviluppatasi a Genova dopo le Crociate e perfezionatasi a Parigi nel Settecento, apre una fabbrica di frutta candita, confetteria e cioccolato. Ancora oggi il laboratorio segue fedelmente ricette e procedimenti della tradizione, mantenendo vivo il grande patrimonio culturale della confetteria genovese di derivazione orientale.
Informazioni/Prenotazioni: tel. 0105574004 – EMail: biglietteria[AT]palazzoducale[PUNTO]genova[PUNTO]it
Orario: venerdì 19 maggio, ore 16.30
Modalità: ingresso libero solo su prenotazione presentando il biglietto della mostra “Tempo Moderno”

Proposte per i bambini

SABATI PER LE FAMIGLIE

Tutti i sabati sino al 3 giugno attività per i bambini dai 5 agli 11 anni.
Appuntamento alle ore 16.00.

15 aprile
“La fabbrica di cioccolato”
a cura della Cioccolateria Buffa, conduce Enrica Musante
Forse non tutti sanno che lavorare il cioccolato è una faccenda da artisti…
Sotto la guida di un’esperta, i bambini possono capire e provare come si fonde il cioccolato, cosa vuol dire temperarlo, vibrarlo per togliere le bolle d’aria e colarlo negli stampi, per realizzare squisiti cioccolatini e trasformarsi, per un pomeriggio, in maestri cioccolatieri.

22 aprile e 27 maggio
“Robot TM06″
conduce Alessandra Agresta
Le opere in mostra di Léger, Depero, Kupka e Tinguely, con i loro uomini fatti di tubi, elementi meccanici e figure geometriche assemblate, sono lo stimolo per dar vita a un divertente “lavoro” di costruzione.
Dopo un breve percorso in mostra, infatti, i ragazzi si potranno divertire rovistando tra materiali di riciclo, tappi, molle, utensili, alla ricerca dei “pezzi giusti” per creare un piccolo “robot” prendendo spunto dai dipinti e dalle fotografie esposte.

29 aprile e 3 giugno
“SerigraFARE*”
conduce Valentina Fiorini
Realizzare una personalissima T-shirt imparando la tecnica della serigrafia.
Più semplice a farsi che a dirsi! Basta un poco di fantasia, di precisione e manualità e il gioco è fatto.
Ispirandosi alle opere viste in mostra si sceglie un soggetto da riprodurre su una mascherina; poi, tramite un telaio e colori indelebili, si procede alla stampa del tessuto.

6 maggio
“Giocattoli meccanici e cinemacchine”
conduce Mauro Speraggi
Così come accade oggi tra sviluppo informatico e successo della PlayStation, anche nei primi anni del Novecento l’automazione e il progresso nella meccanica ebbe un inevitabile riflesso sui giochi dei bambini.
I cavallucci e le trottole di legno furono sostituiti da più moderni trenini e macchinine di latta dotati di cariche e ingranaggi in grado di produrre il movimento, suscitando stupore e meraviglia. Un balzo nel passato per i piccoli partecipanti che devono cimentarsi nella creazione di piccoli giocattoli e dei relativi meccanismi.

20 maggio
“Disegnare con la luce*”
conduce Valentina Fiorini
Un atelier di fotografia un po’ particolare dove non si impara a fotografare utilizzando una reflex o una digitale, ma si apprende una tecnica speciale per realizzare veri e propri disegni con la luce.
Impressionando immagini e oggetti direttamente sulla carta, con l’ausilio di sostanze fotosensibili, si creano piccole opere di fantasia ispirate alle immagini viste in mostra.

SPETTACOLO

16 giugno 2006
Salone del Maggior Consiglio, ore 21.00
“Il Salto. Alla scoperta di città meccaniche, robotiche e futuriste”
Spettacolo musicale per bambini e adultia cura di Gek Tessaro con il gruppo ExTrapola
Nella grande magia del buio, le immagini realizzate sul momento, con acrilici, collage, acquarelli, inchiostri e sabbia, creano personaggi, scenografie bizzarre e racconti poetici.
Sono costruzioni effimere che vivono, crescono e si smaterializzano al termine di ogni brano musicale, dando vita a un racconto fantastico dedicato al tema del salto visto come un viaggio per conoscere, crescere e incontrare.
Ingresso a pagamento.

PROGRAMMI ESTIVI

La Sezione Didattica organizza progetti personalizzati per centri estivi (a partire dal 21 giugno) che prevedono una breve visita alla mostra e un’attività di laboratorio creativo.

Eventi collaterali

Conferenze stampa e di presentazione:

13 aprile 2006
L’inaugurazione

13 aprile 2006
La conferenza stampa

28 marzo 2006
Conferenza di presentazione a Palazzo Ducale

23 marzo 2006
Conferenza di presentazione presso la Galleria Nazionale di Arte Moderna di Roma

Eventi

Martedì 23 maggio 2006
presentazione Mostra “Tempo Moderno” in calendario a Genova – Palazzo Ducale…
Palazzo Comunale, sala Ocule ore 16.00
presentazione mostra
“Tempo moderno”
Da Van Gogh a Warhol
Partecipano: Anna Giacobbe – Segretario Regionale CGIL
Maria Cristina Castellani – Assessore alla Cultura della Provincia di Genova
Luca Borzani – Assessore alla Cultura del Comune di Genova
Anna Costantini – curatrice della mostra
Andrea Lavarello – Sindaco di Sestri Levante
Il tema della mostra, che si sta tenendo a Genova – Palazzo Ducale in occasione delle celebrazioni del Centenario della fondazione della Confederazione Generale Italiana del Lavoro – CGIL – è il lavoro nelle Arti del Novecento, così come illustrato da pittori, scultori, fotografi, grafici e cineasti.
Un itinerario di dipinti, fotografie, sculture, video, oggetti e film che, in un confronto dai toni aspri e spettacolari, illustrano la visione del mondo del lavoro di cento anni fa e odierno, mettendo in evidenza il cambiamento della società e del ruolo della persona rispetto alla macchina.

Approfondimenti

Un ciclo di conferenze, tenute da esperti, docenti e artisti, dedicate all’arte, alla storia, alla musica e al teatro, per meglio comprendere le tematiche della mostra, approfondire la conoscenza del Novecento e offrire un supporto ai ragazzi che si apprestano alla preparazione dell’esame di stato.

martedì 11 aprile
Palazzo Ducale, Salone del Minor Consiglio, ore 17.00
Francesco Poli, “Progresso e modernità tra mito e critica”

mercoledì 19 aprile
Salone del Minor Consiglio, ore 18.00
“Genova internazionale: una capitale della grande industria”
Presentazione del video realizzato dalla Fondazione Ansaldo
a cura di Marco Salotti

mercoledì 3 maggio
Palazzo Ducale, Salone del Minor Consiglio, ore 17.00
Stefano Verdino, “Il racconto della poesia: il Novecento tra Europa e Italia”

martedì 9 maggio
Palazzo Ducale, Salone del Minor Consiglio, ore 17.00
Marco Doria, “Crescita e crisi nell’economia del Novecento”

martedì 16 maggio
Palazzo Ducale, Salone del Minor Consiglio, ore 18.00
Antonio Medici, “Le avventure del lavoro nel cinema del Novecento”

martedì 23 maggio
Facoltà di Economia, Via F.Vivaldi (Darsena), ore 17.00
Paola Massa, “Il lavoro femminile tra Otto e Novecento”
La conferenza sarà preceduta da un breve percorso nella mostra
“Con quelle facce un pò così…
Porto, darsena, industria. Lavorare a Genova”,
allestita nell’atrio della facoltà

giovedì 25 maggio
Palazzo Ducale, Salone del Minor Consiglio, ore 17.00
Giovanni De Luna, “Il Novecento: un’interpretazione storiografica”

mercoledì 31 maggio
Palazzo Ducale, Salone del Minor Consiglio, ore 18.00
Gianmarco Veruggio, Fiorella Operto,
“L’automazione dalla rivoluzione industriale alla roboetica”

Visite in città

“Fondazione Ansaldo”
Villa Cattaneo dell’Olmo – Corso F.M. Perrone 118, Genova
La Fondazione Ansaldo – Archivio economico delle imprese ligure Onlus è una delle più cospicue fonti per la ricostruzione della storia economica e sociale del nostro Paese.
L’archivio è costituito da 15 chilometri di documenti societari, contabili, amministrativi e tecnici prodotti a partire dalla metà del secolo XIX dalle imprese industriali riconducibili ai gruppi Ansaldo, Bombrini, Costa, Dufour, Fincantieri, Finmare, Finmeccanica, Gaslini, Ilva-Italsider, Perrone, ecc.
Oltre alla documentazione cartacea sono presenti circa 300 mila immagini fotografiche, in gran parte lastre originali, e oltre 3 mila filmati che offrono una panoramica sulle attività imprenditoriali e lavorative a partire da fine ’800.
Informazioni/Prenotazioni: tel. 0105574004
EMail: biglietteria[AT]palazzoducale[PUNTO]genova[PUNTO]it
Orario: tutti i mercoledì ore 11.30, 14.30, 15,30.
Modalità: ingresso libero su prenotazione presentando il biglietto della mostra “Tempo Moderno”

“Nel ventre della nave”
Casa del 25 aprile – Sede A.L.C.R.I.
Associazione Lavoratori Compagnia Ramo Industriale
Via Molo Giano (Varco Grazie) – Genova
Nel ventre della nave è il titolo della mostra allestita all’interno della palazzina del 25 aprile storicamente conosciuta come “a Casetta”. Cimeli storici, scrigni, gonfaloni, bandiere delle categorie, attrezzi da lavoro e una rassegna fotografica con immagini dal 1888 alla fine del Novecento illustrano la storia dell’Associazione e il lavoro delle riparazioni navali.
Particolarmente interessante è la storia del luogo, dove avveniva fino al 1993, l’avviamento al lavoro dei soci della Compagnia tramite “chiamate”, per soddisfare i fabbisogni lavorativi delle officine del settore, sia sulle navi in riparazione sia su quelle in trasformazione o in allestimento.
Informazioni/Prenotazioni: tel. 0102412773
Orario: dal 18 aprile al 17 giugno da lunedì a venerdì ore 10.00 – 18.00; sabato ore 10.00 – 13.00.
Modalità: ingresso libero su prenotazione presentando il biglietto della mostra “Tempo Moderno”

“Paese di ferrame e alberature”
Itinerario guidato nell’area del Porto Antico alla ricerca delle testimonianze sopravvissute.
Un percorso per conoscere l’evoluzione storica del porto di Genova a partire dalle sue origini ma con una particolare attenzione al periodo dalla fine del secolo XIX fino ai nostri giorni. Nell’occasione si vedranno le strutture del porto, moli, banchine, gru e magazzini, plasmate sulle esigenze dei lavoratori, e verranno illustrati i mestieri più famosi e caratteristici.
Informazioni/Prenotazioni: tel. 0105574004
Orario: sabato 6 e 13 maggio, ore 15.30 (durata media 1h30′)
Costo: € 12,00 (comprensivo di ingresso alla mostra “Tempo Moderno”).
Biglietto in vendita presso la biglietteria di Palazzo Ducale
Modalità: su prenotazione. Appuntamento in P.zza Caricamento, Palazzo San Giorgio, lato mare

“Pietro Romanengo fu Stefano”
Viale Mojon, 6 – Genova
www.romanengo.com
La storia della ditta Romanengo inizia nel 1780 quando Antonio Maria Romanengo, importatore di zucchero, caffè e cacao, ispirandosi all’alta confetteria sviluppatasi a Genova dopo le Crociate e perfezionatasi a Parigi nel Settecento, apre una fabbrica di frutta candita, confetteria e cioccolato. Ancora oggi il laboratorio segue fedelmente ricette e procedimenti della tradizione, mantenendo vivo il grande patrimonio culturale della confetteria genovese di derivazione orientale.
Informazioni/Prenotazioni: tel. 0105574004
EMail: biglietteria[AT]palazzoducale[PUNTO]genova[PUNTO]it
Orario: venerdì 19 maggio, ore 16.30
Modalità: ingresso libero solo su prenotazione presentando il biglietto della mostra “Tempo Moderno”

Musica e teatro

giovedì 27 aprile
Salone del Minor Consiglio, ore 10.00 e ore 18.00
“Flauti magici. Violini e iperviolini del ’900″
Concerto – incontro con il violinista Enzo Porta a cura di GOG Giovine Orchestra Genovese e InfoMus Lab, DIST – Università di Genova
Il violino, lo strumento di Paganini, le nuove prospettive sonore, le magie degli armonici, otto altoparlanti proiettano il suono nello spazio. Un incontro con il suono del Novecento per conoscere la nostra musica.
Informazioni/Prenotazioni: tel. 0105574004
EMail: biglietteria[AT]palazzoducale[PUNTO]genova[PUNTO]it
Ingresso: € 10,00 biglietto unico; € 6,50 scuole (il biglietto è comprensivo di ingesso alla mostra)

mercoledì 12 luglio
Cortile Maggiore, ore 21.00
“Fabbrica”
Spettacolo teatrale ideato, diretto e interpretato da Ascanio Celestini
Semplici frammenti, episodi, personaggi e leggende, raccolti in giro per l’Italia, diventano un vero e proprio racconto sul lavoro e sulla vita nelle fabbriche nel Novecento.
Informazioni/Prenotazioni: tel. 0105574004
EMail: biglietteria[AT]palazzoducale[PUNTO]genova[PUNTO]it
Ingresso a pagamento.

16 giugno, ore 21.00
Salone del Maggior Consiglio
Sogni in costruzione
A cura di Gek Tessaro con il Gruppo ExTrapola
Nella grande magia del buio, le immagini realizzate sulo momento, con acrilici, collage, acquarelli, inchiostri e sabbie raccontano piccole storie e filastrocche. Sono costruzioni effimere che vivono, crescono e si smaterializzano al termine di ogni brano musicale, dando vita a un racconto fantastico dedicato al mondo del lavoro, al ritmo della macchina, agli ingranaggi, ai robot, alla velocità.

Uscio. 100 anni di salute e benessere nella Valle del Tempo

9 marzo – 2 aprile 2006
Liguria Spazio Aperto
 
Mostra organizzata del Comune di Uscio in occasione del centenario della Colonia Arnaldi.

L’importante manifestazione è organizzata dal Comune di Uscio con il sostegno economico della Regione Liguria, Provincia di Genova e Fondazione Carige.

Orario: dalle ore 9 alle ore 19 tutti i giorni

Ingresso libero

Attività collaterali

11 marzo, ore 10
presso Liguria Spazio Aperto
“I benefici della cura Arnaldi in 100 anni di storia”
intervengono: dott. C. Gerbella, dott.ssa A. Del Grande Carlevaro

16 marzo, ore 17
presso Liguria Spazio Aperto
“Il lavoro a Uscio fra mutamenti sociali ed emancipazione femminile”
intervengono: M. Bertolotto, R. Papi, L. Vinelli

19 marzo, ore 21
Sala del Maggior Consiglio
Concerto per pianoforte dei Maestri Andrea Bacchetti e Andrea Pozza

20 marzo, ore 17
presso Liguria Spazio Aperto
“Incontro con Piero Mazzarella”
coordina: A. Todde

24 marzo, ore 17.30
presso Liguria Spazio Aperto
“Le ricette del benessere di Carlo Arnaldi”
intervengono: S. Pellegrini e V. Pronzati

30 marzo, ore 11
presso Liguria Spazio Aperto
conf. stampa: “La Colonia Arnaldi inaugurazione stagione 2006″
partecipa: G. Mossini
intervengono: A. Monteverde, M. Bisso

Attività collaterali sul territorio

dal 9 marzo al 5 aprile serate gastronomiche nei ristoranti di Uscio ed Avegno

Salone europeo dei giovani creatori

24 febbraio – 19 marzo 2006
Sottoporticato
 

Ingresso libero

Orario: aperta tutti i giorni ore 10-13 / 16-19

Per informazioni:
Palazzo Ducale
Tel. 0105574004:
email: biglietteria[AT]palazzoducale[PUNTO]genova[PUNTO]it

museocroce@comune.genova.it

Inaugurazione 24 febbraio, ore 18.00

Convegno
“Arte giovane in Europa”
Artisti, Istituzioni, Collezionismo e Mercato
Giornata d’incontro in occasione della mostra
Palazzo Ducale, Sala Camino
24 febbraio, ore 10-13 / 15-17

L’iniziativa, nata da un’idea del Comune di Montrouge, intende presentare ogni anno una selezione di giovani artisti europei. Al momento l’itinerario della mostra parte dalla Francia e coinvolge Spagna, Portogallo, Austria e Italia, ma l’intenzione per il futuro è quella di ampliare il circuito al maggior numero possibile di nazioni europee.
Genova accoglie il Salone Europeo dei Giovani Creatori nel febbraio 2006 nella sede di Palazzo Ducale.
È questa un’occasione significativa e importante per una città che intende dare sempre più spazio all’arte contemporanea, ma soprattutto dedicare la massima attenzione ai diversi linguaggi della contemporaneità di cui i giovani sono portatori e interpreti privilegiati. E ciò che di questa iniziativa appare più innovativo e coraggioso è proprio la scelta di dare visibilità a ricerche artistiche mature e professionali nella qualità, ma non ancora ufficializzate e riconosciute dai meccanismi del sistema dell’arte e di favorirne al tempo stesso un’ulteriore crescita in virtù di un confronto e di un dialogo con altre similari ricerche a livello europeo.
Capovolgendo da negativo in positivo il sempre evocato fantasma della globalizzazione non si tratta qui di celebrare l’omologazione delle modalità espressive e dei temi, ma semmai di prendere atto delle autentiche sintonie tematiche ed espressive che accomunano le più giovani generazioni, pur nelle diverse radici delle culture in cui crescono e si sviluppano.
Da questa scelta primaria degli ideatori del Salon deriva la scelta dell’Assessorato alla Cultura del Comune di Genova e del Museo d’arte contemporanea di Villa Croce di individuare quale “serbatoio” di nuove esperienze l’Accademia di Belle Arti di Genova e la rete di altre accademie italiane che già intrattengono, come l’Accademia di Brera, di Bergamo, di Perugia e di Verona, rapporti di collaborazione e di scambio con l’Accademia di Genova. Si intende così saldare il momento formativo dell’apprendimento teorico e pratico del fare artistico con un’occasione espositiva che ben si inserisce nella programmazione del Museo, da anni impegnato nella ricognizione sulle più attuali ricerche visive a livello nazionale e internazionale.
La selezione italiana nasce dalla collaborazione tra il Museo d’Arte contemporanea di Villa Croce e l’Accademia Ligustica di Belle Arti.
Su proposta del Museo, l’Accademia ha creato un collegamento con altre istituzioni sul territorio nazionale: l’Accademia di Brera di Milano, Bergamo, Perugia e Verona.
I criteri di selezione: l’attenzione all’eterogeneità dei linguaggi (le ricerche legate alle tecnologie, installazioni e ambienti, persistenze del mezzo pittorico); l’attenzione alla giovane età dei partecipanti.
Artisti partecipanti : Lucia Elefante, Benedetta Siri, Stefania Schubeyr (Genova), Davide Caforio, Barbara Mignone (Milano), Federica Angioletti, Emma Ciceri (Bergamo), Victoria Valavanis, Jacopo Gregori (Perugia), Stefano Buro (Verona).
Con Lucia Elefante e Barbara Mignone prevale la dimensione ambientale La Mignone, scultrice, realizza un’installazione di forte matrice antropologica. Benedetta Siri è pittrice dalle suggestioni informali, Davide Caforio è attento osservatore delle culture contemporanee e assume come soggetto gli oggetti di culto.
Si esprimono con la pittura anche Victoria Valavanis e Jacopo Gregori; Angioletti e Ciceri presentano due video, in linea con l’orientamento sui nuovi linguaggi e nuove tecnologie dell’Accademia di Bergamo. Stefano Buro lavora sull’animazione 3D, con freschezza ed ironia, Stefania Schubeyr è una fotografa che rifotografa vecchie foto, favorendo una sorta di metamorfosi delle immagini.

Emilia Marasco
Sandra Solimano

Didattica
Laboratori didattici per scuole elementari e medie di I grado

“I percorsi inventati nelle mappe reali”
Trasformiamo le cartine dell’Europa ricostruendo strade, ponti, case, nazioni e relazioni
Palazzo Ducale, Spazio Didattico, piano porticato
Tutti i martedì e mercoledì, dal 28 febbraio al 19 marzo
Orario 10-11.30; 11.30-13
Su prenotazione, La partecipazione è gratuita
A cura di Paolo Scacchetti, Sezione Didattica del Museo d’Arte Contemporanea di Villa Croce in collaborazione con Sezione Didattica di Palazzo Ducale

Incontri e approfondimenti
Incontri con gli artisti
Palazzo Ducale – Sottoporticato
Lucia Elefante: 2 marzo, 10.30-12.30
Benedetta Siri: 9 marzo, 10.30-12.30
Stefania Schubeyr e Barbara Mignone: 16 marzo, 10.30-12.30
Su prenotazione. La partecipazione è gratuita

“Giovani Creatori Europei”
Linguaggi contaminati come forme della creatività
Conversazione con Emilia Marasco,
Direttore della scuola dell’Accademia Ligustica di Belle Arti
Palazzo Ducale, Spazio Didattico, piano porticato
16 marzo, ore 17.00

Informazioni e prenotazioni
Sezione Didattica di Palazzo Ducale
Tel. 0105574004 – Fax 010562390
EMail: didattica[AT]palazzoducale[PUNTO]genova[PUNTO]it

Sezione Didattica di Villa Croce
Tel. 010580069 – Fax 010532482
museocroce@comune.genova.it

Forme della Coscienza

21 gennaio – 12 febbraio 2006
Loggia degli Abati
 

Fabio Mauri: “Il Muro Occidentale o del Pianto”
Giuliano Menegon: “Rammenta con me. Du Denk mit mir da Paul Celan”

Ingresso libero

Orario: tutti i giorni, escluso lunedì, ore 10.00-13.00 / 15.30-19.00

Tra le numerose manifestazioni che Genova organizza per la Giornata della Memoria, l’Assessorato alla Cultura del Comune e il Museo di Arte Contemporanea di Villa Croce, in collaborazione con il Centro Culturale Primo Levi, promuovono l’iniziativa Le forme della coscienza a Palazzo Ducale nella Loggia degli Abati dal 21 gennaio al 12 febbraio.
Per questa importante ricorrenza Fabio Mauri presenta l’installazione Il Muro Occidentale o del Pianto. L’opera, già esposta alla Biennale di Venezia del 1993, è un muro di quattro metri realizzato con valigie di cuoio, legno, stoffa, tutte appartenute a persone che hanno subito la deportazione. Simboli drammatici di varia umanità unita nel destino di sradicamento e di esilio, dove l’elemento di ingombro fisico e di separazione, cioè il muro, diviene prevalente.
Lo spettatore si ritrova sempre immerso in una realtà in cui non può fare a meno di sentirsi partecipe e responsabile. I linguaggi come l’ideologia e i messaggi di prevalenza etica vengono considerati come cose, oggetti, con tutta la pesantezza e la corporeità. Nelle sue opere Fabio Mauri ha sempre affrontato la tematica del dolore e della memoria in maniera intensa, impegnata e allo stesso tempo poetica, rielaborando l’esperienza collettiva della guerra e lo shock provocato dalla scoperta degli orrori dei campi di concentramento attraverso un linguaggio artistico che combina impegno pubblico e politico, affrontando temi come la violenza sociale e la responsabilità dell’individuo nel contesto storico.
Il Muro del Pianto quindi, testimonianza della persecuzione subita dal popolo ebraico, nel suo forte impatto plastico e architettonico si erge a monito per una collettiva esigenza a non dimenticare.
Sempre nella Loggia degli Abati, Giuliano Menegon in questa circostanza espone nel ciclo pittorico Rammenta con me. Du denkt mit mir (Paul Celan) la sua recente produzione artistica ispirata, sul tema della memoria, ai versi poetici di Paul Celan.
LA sua pittura è da sempre caratterizzata da una totale adesione alla musicalità dei versi poetici e allo spirito narrativo di alcuni tra i più significativi episodi letterari del ’900, da Eliot a Rilke, da Montale a Bernhard, in una costante sinergia tra differenti contesti linguistici che hanno segnato il passaggio da una radicale astrazione ad una larvata figurazione, attraverso la riduzione della tavolozza cromatica, fino ad arrivare a una quasi totale alternanza tra bianco e nero.

Risorgimento tra due mondi

20 dicembre 2005 – 12 febbraio 2006
Sottoporticato
 
in occasione del bicentenario della nascita di Giuseppe Mazzini
 
Ingresso con biglietto della mostra
“Romantici e Macchiaioli. Giuseppe Mazzini e la grande pittura europea”
Orario: tutti i giorni dalle ore 9 alle ore 19, chiuso il lunedì
Conferenza Stampa lunedì 19 dicembre, ore 11.00, Sottoporticato
Ingresso su invito
Inaugurazione lunedì 19 dicembre, ore 18.00, nella Sala Minor Consiglio
Ingresso su invito
Informazioni:
Biglietteria Palazzo Ducale, tel. 010-5574004
Segreteria Organizzativa e Informazioni:
Fondazione Casa America
Villa Rosazza, Piazza Dinegro 3, 16126 Genova
Tel. 010-2518368, Fax 010-2544101
www.casamerica.it
info@casamerica.it
Risorgimento tra due mondi
Immagini del Risorgimento Italiano in America Latina
La mostra propone, sino al 12 febbraio 2006, una riflessione sulle incidenze che il Risorgimento italiano – e specificatamente il pensiero mazziniano – hanno avuto al di fuori dei confini italiani e, particolarmente, in America Latina. Qui, infatti, per motivazioni diverse, dalla radicata presenza degli esuli italiani allo sviluppo di svariati movimenti di liberazione nazionale, i principi e le personalità del risorgimento italiano hanno avuto un ruolo rilevante e, come nel caso di Garibaldi, sono stati esempio di comportamento rivoluzionario.
La mostra offre un percorso visivo, fatto di documenti, pubblicazioni, opere d’arte – spesso inedite o poco note – provenienti da musei, istituti, archivi italiani e latino-americani.
Il percorso è articolato in diverse sezioni e restituisce un’immagine degli eventi, dei personaggi e delle complesse relazioni che segnarono per decenni sia la grande storia, sia la vita quotidiana, in Italia come in America Latina, creando un forte legame culturale e ideologico fra le due sponde dell’Oceano ben presente ancor oggi nella memoria delle comunità italo-americane.
I materiali della mostra proverranno da raccolte pubbliche e private italiane e latinoamericane tra cui:
Dall’Italia: Archivio di Stato di Genova; Archivio di Stato di Torino; Accademia Nazionale dei Lincei a Roma; Musei del Risorgimento di Torino, Genova, Milano, Bologna; Museo Garibaldino di Quarto dei Mille; Fondazione Spadolini di Firenze; Biblioteca Universitaria di Genova; Archivio storico Fondazione Ansaldo di Genova; Domus Mazziniana di Pisa; Museo Civico A. Olmo di Savigliano; Pinacoteca di Brera di Milano; Museo Marinaro Gio Bono Ferrari di Camogli; Museo Navale di Imperia; collezionisti privati.
Da Buenos Aires (Argentina): Instituto Histórico de la Ciudad; Biblioteca Nacional; Museo de la Ciudad; Museo Mitre; Asociación Dante Alighieri; Asociación Ligure de Socorros Mutuos.
Da Montevideo (Uruguay): Museo Historico Nacional; Archivo General de la Nación; Casa Museo de Girò; Asociación Cultural Garibaldina; Librería Linardi y Risso; collezionisti privati

Il Paese dei Balocchi
arte, artigianato e tradizioni dagli oggetti del Museo del giocattolo del Comune di Moconesi ai Collezionisti privati

9 dicembre 2005 – 6 gennaio 2006
Liguria Spazio Aperto
 
ingresso libero
orario: tutti i giorni dalle ore 9 alle ore 19

Informazioni:
Fondazione Regionale Colombo
Palazzo Ducale, Liguria Spazio Aperto
Tel. 010-562046 – Fax 010-591088
www.fondazionecolombo.it
fondazionecolombo@fondazionecolombo.it

Inaugurazione, venerdì 9 dicembre 2005, ore 11.30

Immaginate di tornare all’età dell’oro dell’infanzia: “il Paese dei Balocchi” vi accoglierà nelle sue stanze allegre e vi accompagnerà fra giocattoli del passato. Lasciatevi dondolare sul cavallo a dondolo. Cullate una bambola di Lenci. Riscoprite il gusto del giocattolo povero. Quello che stimola la voglia di giocare e di inventare. Ritrovate la gioia di fare un presepe. Di leggere una storia di Natale ai vostri cari. Di stare insieme per ornare la tavola di un giorno di festa. Imparate a creare la “Corona dell’avvento”, che è il simbolo degli eventi della Provincia di Genova per le Feste 2005-06… Perché ogni luce che sarà accesa sarà un messaggio di pace. L’augurio migliore è che ogni mattino del mondo vi porti un piccolo dono di serenità e di affetti. E che la felicità e il messaggio di speranza di questi giorni si intreccino al tempo delle vostre giornate.

Maria Cristina Castellani

Eventi collaterali:

Martedì 13 dicembre, ore 17.00
Liguria Spazio Aperto
Incontro “A B C del Presepe”
dimostrazione e costruzione di statuine e di casette natalizie. A cura di Maristella Cuccadu, Silvana Gallo, Roberto Baldi, Remo Grosso del Circolo Culturale “La Via del Sale” di Ge/Pontedecimo

Venerdì 16 dicembre, ore 17.00
Liguria Spazio Aperto
“Gioco in lettura”
Breve viaggio tra i giocattoli nei libri per ragazzi a cura dell’attore Dario Apicella e di Donatella Curletto del Centro Sistema Bibliotecario Provincia di Genova

Domenica 18 dicembre, ore 16.00
Sala del Minor Consiglio
Presentazione del libro “Notte di Natale”
realizzato dalla Provincia di genova, comprende racconti, ricordi e poesie inedite di noti scrittori e scrittrici liguri
A seguire, versi e sonate per i “10 anni della musica tradizionale” con il Gruppo Spontaneo Trallalero, improvvisazioni poetiche di Mauro Chechi e filastrocche liguri de La Rionda

Mercoledì 21 dicembre, ore 16.00/18.00
Liguria Spazio Aperto
“Auguri di Natale”
lezioni pratiche di decorazioni natalizie.
A cura di Ezia Benzi, Maria Vittoria Cotto e Anna Maria Vicini del Circolo “L’Arte del Fare”

Giovedì 22 dicembre, ore 10.30
Liguria Spazio Aperto
“Moconesi: storia, cultura, tradizioni”
a cura di Andrea Cuneo, Vittorio Rosasco e Aldo Agosto con proiezioni del Territorio di Moconesi dei CIV di Ferrada e Gattorna

Tesori d’Arte da Savona.
Pinacoteca civica e Fondazione Museo di Arte Contemporanea Milena Milani in memoria di Carlo Cardazzo

9 – 29 novembre 2005
Liguria Spazio Aperto
 
ingresso libero
 
Orario: tutti i giorni dalle ore 9 alle ore 19
Info tel. 010-562046
 
Inaugurazione, 9 novembre 2005, ore 11.30

Romantici e Macchiaioli.
Giuseppe Mazzini e la grande pittura europea

21 ottobre 2005 – 5 marzo 2006
Appartamento del Doge
 
Palazzo Ducale di Genova ospita dal 21 ottobre 2005 al 5 marzo 2006 la mostra Romantici e Macchiaioli. Giuseppe Mazzini e la grande pittura europea.
L’esposizione presenta i Romantici e i Macchiaioli attraverso il gusto critico di una guida d’eccezione: Giuseppe Mazzini (Genova 1805 – Pisa 1872).
Mazzini fu sempre persuaso che per creare una vera nazione, oltre che rinnovare la società e le coscienze, fosse necessario unire anche culturalmente la penisola e che l’arte potesse svolgere un ruolo fondamentale in questo grandioso disegno.
 

Mazzini identifica nel Romanticismo il movimento che ha saputo dare espressione agli ideali del secolo.
La mostra, per ricordare in modo originale il bicentenario della sua nascita, presenta i capolavori dei protagonisti del Romanticismo Italiano quali Canova, Appiani, Hayez, Camuccini, Luigi, Francesco e Giuseppe Sabatelli, Bezzuoli, Palagi, d’Azeglio, Molteni, Migliara, e molti altri.
Mazzini rievoca, attraverso i dipinti degli artisti da lui prediletti gli eventi salienti della storia dell’umanità che furono espressione di uno spirito collettivo: dalle Crociate, alla lotta per l’indipendenza della Grecia contro l’oppressione turca, alle rivoluzioni divampate nel 1830 a Parigi e nel 1848 in tutta Europa.
La gloriosa e drammatica vicenda della Repubblica romana (1848-1849), di cui Mazzini è stato protagonista, è adeguatamente evocata, nelle due sezioni collocate al centro della mostra. Da un lato vaste tele allegoriche che riflettono il suo pensiero sul destino dell’Italia e sulla sua missione, come faro di civiltà, nel mondo. Dall’altro, in un suggestivo contrasto i piccoli, ma bellissimi, dipinti dei pittori-soldati, come Induno, o Faruffini, che erano presenti a quegli eventi eroici.
Nella seconda parte della mostra sono esposti i dipinti dei Macchiaioli, pittori rivoluzionari ispirati ai principi democratici e repubblicani mazziniani che volevano gettare, attraverso un’arte assolutamente diversa, le basi di una società nuova: una pittura alternativa dove il messaggio veniva affidato non più ai procedimenti narrativi o ad espedienti melodrammatici, ma alle forme e al colore. I capolavori di Fattori, Signorini, Abbati, Borrani, Cecioni e Lega documentano l’influenza del pensiero e degli ideali mazziniani in questi artisti.
La mostra è curata da Fernando Mazzocca, docente di Storia dell’Arte dell’Università Statale di Milano e allestita da Corrado Anselmi.
 
Giuseppe Mazzini
Il padre del Risorgimento italiano nasce a Genova il 22 giugno 1805, terzogenito di tre bambini. Era stato preceduto dalle due sorelle, Rosa e Antonietta.
Ragazzino sveglio e vivace, già adolescente sente vivo e forte l’interesse per le tematiche politiche, soprattutto quelle concernenti l’Italia, vero e proprio destino annunciato.
Nel 1820 è ammesso all’Università; avviato in un primo tempo agli studi di medicina, passa a quelli di legge. Nel 1826 scrive il suo primo saggio letterario, “Dell’amor patrio di Dante”, pubblicato l’anno successivo. Poco dopo la laurea, entra a far parte della cosiddetta Carboneria, ossia una società segreta con finalità rivoluzionarie.
Per dare un valore sempre più propulsivo alle sue idee, inizia una collaborazione con “L’indicatore genovese”, giornale che si professava letterario a mò di copertura, presto soppresso dal governo Piemontese il 20 dicembre. Detto fatto, si sposta e comincia a collaborare invece all’”Indicatore livornese”. Intanto, parallelamente all’attività pubblicistica, svolge una ben più concreta attività di persuasione fra la gente, viaggiando in Toscana e cercando aderenti alla Carboneria. Una violenta delusione è però pronta ad attenderlo. Il 21 ottobre, a Genova, è tradito e denunciato alla polizia quale carbonaro. Il 13 novembre è arrestato e chiuso in carcere nella fortezza di Savona.
Non essendo emerse prove a suo carico gli fu offerto o di vivere al “confino” in qualche sperduto borgo del regno sotto la sorveglianza della polizia o di andare in esilio a Marsiglia: decide per la seconda soluzione: esce dal Regno Sardo il 10 febbraio 1831. L’animo è provato ma non certo abbattuto. L’attività di lotta prosegue. Si reca così a Ginevra, dove incontra alcuni esuli; passa a Lione e vi trova alcuni proscritti italiani; con essi parte per la Corsica, sperando di portare aiuto agli insorti dell’Italia centrale. Rientrato in Francia fonda a Marsiglia la Giovine Italia che si propone di costituire la Nazione “Una, Indipendente, Libera, Repubblicana”. Fa stampare una lettera aperta a Carlo Alberto, appena salito al trono per esortarlo a prendere l’iniziativa della riscossa italiana.
Grazie allo spirito profondamente religioso e alla dedizione verso lo studio degli avvenimenti storici, egli aveva compreso come solo una stato di tipo repubblicano avrebbe potuto permettere il raggiungimento degli ideali di libertà, uguaglianza e fraternità propri della Rivoluzione Francese. Per questo formulò il programma più radicale fra tutti quelli dibattuti nel corso del Risorgimento italiano e, fedele alle sue idee democratiche, avversò la formazione di uno stato monarchico.
Nel 1832, a Marsiglia, inizia la pubblicazione della rivista “La Giovine Italia”, che ha come sottotitolo “Serie di scritti intorno alla condizione politica, morale e letteraria dell’Italia, tendenti alla sua rigenerazione”. L’iniziativa ha buon successo e ben presto L’associazione Giovine Italia si estende anche nell’ambito militare. Nel Regno Sardo sono condannati a morte vari affiliati. Per la sua attività rivoluzionaria, Mazzini è condannato a morte in contumacia il 26 ottobre dal Consiglio Divisionale di Guerra di Alessandria.
Il 2 febbraio 1834 fallisce il tentativo di invasione della Savoia. Mazzini ripara nella Svizzera. si accorda con patrioti esuli di tutte le nazionalità oppresse; Favorisce la costituzione delle società, più o meno segrete, Giovine Polonia, Giovine Germania, che, collegate con la Giovine Italia formano la Giovine Europa, tendente a costituire le libere nazioni europee affratellate. Il Gran Consiglio di Berna espelle Mazzini che aveva anche promosso la Costituzione della Giovine Svizzera. Nell’ottobre, con i fratelli Ruffini, è a Grenchen. Seguono numerosi spostamenti.
1836 Il 28 maggio è arrestato a Soletta; poco dopo la Dieta Svizzera lo esilia in perpetuo dallo Stato. Si reca a Parigi, dove il 5 luglio è arrestato; è rilasciato a patto che parta per l’Inghilterra. Nel 1837 gennaio giunge a Londra. È in miseria: riceverà più tardi modesti compensi per la collaborazione a giornali e riviste inglesi.
Siamo ormai nel 1840. Il 30 aprile ha ricostituito la Giovine Italia. Il 10 novembre inizia a Londra la pubblicazione del periodico “Apostolato popolare”, che reca nel sottotitolo “Libertà, Eguaglianza, Umanità, Indipendenza, Unità – Dio e il popolo – Lavoro e frutto proporzionato”.
1841 Fonda una scuola gratuita per i fanciulli poveri in Londra.
L’8 settembre 1847, da Londra, sottoscrive una lunga lettera a Pio IX indicandogli ciò che dovrebbe e potrebbe fare poi si reca a Parigi dove detta lo statuto dell’Associazione Nazionale Italiana. Il 7 aprile giunge a Milano liberata dagli austriaci. Fonda il quotidiano “L’Italia del popolo”, nel quale chiarisce le proprie idee sul modo di condurre la guerra. Nell’agosto lascia Milano per l’arrivo degli austriaci, raggiunge Garibaldi a Bergamo e lo segue in qualità di alfiere. L’8 agosto ripara in Svizzera, dove rimarrà fino al 5 gennaio 1849.
Il 9 febbraio 1849 è proclamata la Repubblica Romana. Goffredo Mameli telegrafa a Mazzini: “Roma Repubblica, venite!”. Il 5 marzo entra in Roma “trepidante e quasi adorando”. Il 29 marzo è nominato triumviro. Il 30 giugno, di fronte all’impossibilità di resistere oltre in Roma, respinta la sua proposta di uscire con l’esercito e trasferire altrove la guerra, si dimette con gli altri triumviri perché dichiara di essere stato eletto a difendere, non ha sotterrare la Repubblica. Entrati i nemici, parte il 12 luglio per Marsiglia. Si reca quindi a Ginevra e successivamente a Losanna, dove è costretto a vivere nascostamente.
Nel 1851 torna nel gennaio a Londra, dove si fermerà fino al 1868, salvo numerose visite di settimane o di pochi mesi nel continente. Fonda nella capitale inglese la società “Amici d’Italia” per estendere simpatie alla causa nazionale. Focolai di protesta e rivoluzione, intanto, si spandono dappertutto. È il 6 febbraio 1853 quando, ad esempio, a Milano è represso nel sangue un tentativo insurrezionale contro gli austriaci.
Dopo alcuni anni ancora fuori dall’Italia, nel ’57 torna a Genova per preparare con Carlo Pisacane l’insurrezione che dovrebbe poi scoppiare nel capoluogo ligure. La polizia non riesce ad arrestare Mazzini che, per la seconda volta, sarà condannato a morte in contumacia (28 marzo 1858).
Londra, ancora una volta accoglie l’esule in pericolo. Da lì scrive a Cavour per protestare contro alcune dichiarazioni pronunciate dallo statista e si oppone, sostenuto da numerosi altri repubblicani, alla guerra all’Austria in alleanza con Napoleone III. Escluso dall’amnistia concessa all’inizio della guerra, si reca clandestinamente a Firenze. La speranza è quella di poter raggiungere Garibaldi per l’impresa dei Mille cosa che si avvera solo nel 1861, grazie ad un’adunanza di mazziniani e garibaldini in soccorso a Garibaldi in difficoltà in Sicilia e Napoli.
L’11 agosto parte per la Sicilia sperando in un movimento insurrezionale. A Palermo prima di scendere dalla nave, è dichiarato in arresto; il 14 agosto è portato al carcere del forte di Gaeta. Il 14 ottobre è liberato, in virtù dell’amnistia concessa ai condannati politici per la presa di Roma. Dopo brevi soste a Roma, Livorno, Genova, riprese la via dell’esilio. È a Lugano alla fine di ottobre; ritorna a Londra alla metà di dicembre.
1871 Il 9 febbraio esce a Roma il numero – programma del settimanale “La Roma del popolo”. Il 10 febbraio lascia Londra per Lugano. Nel novembre promuove il Patto di Fratellanza tra le società italiane operaie.
1872 Giunge in incognito a Pisa il 6 febbraio, ospite dei Nathan-Rosselli, dove muore il 10 marzo. Il 17 successivo si svolgono a Genova i funerali solenni, vi partecipano, secondo i calcoli della polizia, circa centomila persone.
Una perculiarità di Mazzini è quella di non aver mai aderito alla visione marxista della storia e di aver rigettato sia la teoria della divisine per classi che l’impostazione rivoluzionaria violenta propria del comunismo, pur essendo legato ad una concezione solidaristica dei rapporti sociali. La sua rivolta era una rivolta di libertà, non un tentativo di cambiare la società per instaurarne una “più giusta”.
Le sue ultime battaglie politiche si erano dirette, per l’appunto, contro il progressivo affermarsi dell’egemonia marxista all’interno del movimento operaio italiano, contro la quale aveva promosso, nel 1864, un Patto di fratellanza fra le società operaie aderenti a un programma moderato e interclassista.
 
Orario
9-19 tutti i giorni escluso il lunedì,
la biglietteria chiude alle 18.30
Aperto nelle festività, chiuso il 25 dicembre
Per informazioni
Tel. +39-010-5574004
www.palazzoducale.genova.it
Prezzo del biglietto
Intero € 8,00
Ridotto € 6,00
Scuole € 3,00
Il biglietto comprende l’ingresso al rinnovato Museo del Risorgimento / Istituto Mazziniano
Biglietti cumulativi
Biglietto unico Mostra + Acquario di Genova
Intero € 18,00
Scuole e ragazzi dai 4 ai 12 anni € 9,00
Gruppi € 15,00
Biglietto unico Mostra + Galata Museo del Mare
Intero € 15,00
Scuole e ragazzi dai 4 ai 12 anni € 6,00
Gruppi € 12,50
I biglietti cumulativi Ducale+Acquario e Ducale+Galata possono essere acquistati anche presso tutte le biglietterie di Trenitalia della Liguria
Sconti reciproci con la Fondazione Teatro Carlo Felice per la Stagione 2005-06
www.carlofelice.it
Prevendita on line www.ticketone.it
Visite guidate
Gruppi solo su prenotazione
Individuali: sabato ore 16.00 e domenica ore 15.00
Tel. +39-010-5574004, fax +39-010-562390
email: biglietteria[AT]palazzoducale[PUNTO]genova[PUNTO]it
Sabato per le famiglie
Ateliers creativi, percorsi in mostra e visite guidate.
Tutti i sabati ore 16.00 su prenotazione.
Programma completo
EMail: didattica[AT]palazzoducale[PUNTO]genova[PUNTO]it
Informazioni per visitatori con disabilità
Tel. +39010542098
www.terredimare.it
Servizi
Guardaroba gratuito, carrozzelle per disabili, bookshop, ristorazione
Catalogo Skira, www.skira.net
Copertina Catalogo mostra
ISBN: 8876243887
Proposte di visita Mostra + Città
Happy Tour
Largo XII Ottobre, 6, 16121 Genova,
Ufficio Incoming tel. 010-5955864
Fax 010-540479
incoming@happytour.it
Incoming Liguria
Via Turati 2/9, 16128 Genova,
Tel 010-2345666
info@incomingliguria.it
Macramé Viaggi
Piazza Colombo, 3/11, 16121 Genova,
Tel. 010-5959779
macrame@split.it
Merion-European cultural tours
Via Colombo 11/27, 16121 Genova,
Tel. 010-582244
nellie@merion-culturaltours.com
Punto Touring Club Genova
Palazzo Ducale, Piazza Matteotti 62 r
Tel. 010-5955299
negozio.genova@touringclub.it

Trofeo Polena Proibita

8 – 16 ottobre 2005
Cortile Maggiore
 
Ingresso libero
 
Orario feriali: 12.00 – 20.00
Orario festivi: 10.00 – 20.00
 
Nel tentativo di rilanciare la “Polena” non solo come oggetto di specifico interesse marinaro, ma bensi come oggetto d’arte. Le realizzazioni presentate sono il frutto di una ricerca che, pur tenendo conto della loro storia e del loro valore artistico, reinterpreta in chiave moderna l’idea di “Polena”.
Intorno alle polene e alle loro forme, destinate a sovrastare solcando un elemento senza forma ne distinzione, scatta l’idea di sfida al mondo dell’arte, per rilanciare questa cultura ormai scarsamente rappresentata. Le polene oggi possono rinascere, uscire da un limbo in cui sono state collocate nell’ultimo secolo. Per una rinascita piena che accolga in se tutto il ricchissimo significato che una polena rappresenta per la barca alla quale viene unita occorre prendere atto dell’enorme evoluzione incorsa negli ultimi cento anni alla marineria sia in termini sociologici che rispetto ai materiali e alle nuove concezioni relative agli scafi.
Una polena deve “vivere” in armonia con lo scafo su cui viene montata, sia per le dimensioni che per il significato intrinseco delle sue forme e dei suoi materiali. È evidente la necessità di “rinnovare la polena”. Ecco quindi apparire nuovi materiali e nuove forme astratte: il vetro, il ferro, la vetro-resina, la ceramica, e altri materiali ancora stanno oggi affiancando il legno sulla via delle polene e delle opere d’arte.
Nell’intento di proseguire ed ampliare il discorso da me iniziato nel 2003 in collaborazione con il mio Sponsor ATTIVA MARINE sulla fantastica tematica delle polene, ho coinvolto artisti italiani e stranieri, che accettando la mia sfida, si sono cimentati a riproporre con la loro sensibilità e l’estro la tematica delle polene.
Intendo donare in visione questa mostra come piccolo gioiello, al collo di questa città Genova che mi ospita nel prestigioso Palazzo Ducale.
Quale ideatore e curatore della mostra di notevole respiro artistico, spero sia visitata da un vasto pubblico, il quale ovviamente vedrà il suo interesse preso interamente dall’importanza e dal fascino sia delle opere sia da ciò che in loro attraverso i piu svariati percorsi della fantasia evocherà il tema delle polene.
Queste opere d’arte non si possono fregiare del nome di “Polene” pur essendone ad esse ispirate, perche non hanno ancora avuto il battesimo del mare, anche per questo che la rassegna viene chiamata Polena Proibita.

Elenco dei partecipanti alla mostra:
Franco Casoni, Eugenio Guglielminetti, Pinuccio Manfrinetti,
Simonetta Porazzo, Andrea Gamba, Renzo Buttazzo,
Silvio Vigliaturo, Fabio Nicola

Walter Pareto 338.8493986
Ideatore e Curatore
Mostra Polena Proibita

In collaborazione con ATTIVA MARINE, www.attivamarine.com

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Liguria Spazio Aperto]]>

Bianco su bianco
Ricami di un atelier genovese dell’Ottocento

 

8 – 25 settembre 2005
Liguria Spazio Aperto
 
Ingresso libero
 
Orario: 9.00-19.00 – Ingresso libero
 
Anche quest’anno il Comune di Alassio ha voluto offrire ai genovesi, una mostra che indaga un’aspetto della loro storia ottocentesca.
Una microstoria, quella di un atelier di ricamo avviato e fatto crescere da una donna di Sampiedarena in un ambiente in cui moltissime donne ricamavano, ma certamente poche facevano questo lavoro con piglio imprenditoriale.
Siamo lieti di poter apprezzare con i visitatori della mostra la produzione di questo atelier: è una cosa rara che di un ricamo si possa determinare con esattezza l’autrice, luogo e periodo di esecuzione.
La fortunata circostanza che i capi rimasti alla chiusura del laboratorio siano stati conservati senza dispersione e che il savonese Giuseppe Buscaglia, discendente di Maria Oneto, abbia volentieri accettato di esporli ci permette di gettare uno sguardo su un aspetto della storia locale finora poco indagato, di ammirare il lavoro di un’ottima artigiana e di onorare con lei le ricamatrici di Sampierdarena.
Dott. Arch. Mario Melgrati
Sindaco di Alassio
La storia di Maria Oneto è quella di una donna come tante, anonima e straordinaria nello stesso tempo.
Sposa a diciotto anni, madre di undici figli, indicata negli atti di battesimo dapprima come casalinga, poi maestra di ricamo, infine commerciante,
Grazie al lavoro della studiosa Magda Tassinari, che ne ha raccolto le tracce, noi oggi possiamo comprendere più a fondo un momento importante della storia del lavoro femminile, quello delle artigiane, che da sempre suscita interesse e spesso presenta difficoltà a chi indaga. In questa felice occasione si è potuto ricostruire la vita esemplare di una donna di altri tempi.
Storia di lavoro intenso e fruttuoso che giunge fino a noi attraverso una mostra che l’Assessorato alla Cultura del Comune di Alassio ha il piacere e l’onore di offrire ai genovesi, sotto l’egida della Fondazione Regionale Cristoforo Colombo, allestita nel cuore della storia e della cultura genovese, Palazzo Ducale.
Dott.ssa Monica Zioni
Assessore alla Cultura

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Liguria Spazio Aperto]]>

La valle del tempo
Uscio e Avegno, storia e tradizioni di una vallata

 

9 giugno – 7 luglio 2005
Liguria Spazio Aperto
 
Ingresso libero
 
Orario: dalle ore 9.00 alle ore 19.00, tutti i giorni
 
Inaugurazione, venerdì 9 giugno 2005, ore 11
 
Per secoli il suono delle campane ha scandito e regolato la vita civile e religiosa, mentre i quadranti degli orologi da torre hanno il merito di aver portato la precisione nelle campagne e nelle nostre città.
L’arte di fondere campane certificata in Avegno sin dal 1588 e la produzione di orologi da torre ad Uscio risalente al 18º secolo hanno reso famosi i due comuni in tutto il mondo e fanno sì che la nostra valle possa ben fregiarsi del titolo di “Valle del Tempo”.
La mostra è un’occasione esclusiva per conoscere la storia del “tempo” dal medioevo ai giorni nostri, attraverso pezzi unici e antichi documenti messi a disposizione dalle Fonderie Picasso e dalla ditta Roberto Trebino.
Uscio e Avegno propongono questa mostra a testimonianza dell’ingegno e della tenacia tipici della nostra gente e come punto di partenza per la riscoperta di un territorio ricco di storia, cultura e tradizioni inserite in uno splendido contesto paesaggistico.
Mario Zitta

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Liguria Spazio Aperto]]>

Bobbio & Genova
Un millenario legame attraverso la Val Trebbia

 

13 – 29 maggio 2005
Liguria Spazio Aperto
 
Ingresso libero
 
Orario: dalle ore 9.00 alle ore 19.00, tutti i giorni
 
Inaugurazione, venerdì 13 maggio 2005, ore 11
 
I rapporti tra Bobbio e la Liguria risalgono all’Alto Medioevo quando i monaci di San Colombano fondarono a Genova una cella monastica in un sito che si ritiene corrispondere all’attuale chiesa di San Pietro in Banchi.
Si sono poi intensificati a partire dal XII secolo con l’unione della diocesi di Bobbio alla sede metropolitana di Genova.
Mille anni di storia che hanno caratterizzato l’ambiente bobbiese dal punto di vista religioso e culturale: il visitatore potrà in parte rivivere quelle lontane vicende scoprendo le tracce di un glorioso passato nell’abbazia fondata dall’irlandese San Colombano o nei codici oggi custoditi negli Archivi Storici Bobiensi.
Ma oltre alla storia e alla cultura, la mostra mette in luce le bellezze paesaggistiche della Val Trebbia, forse la più suggestiva dell’Appennino ligure-piacentino, e insieme offre una carrellata sulle varietà enogastronomiche dell’ospitale cucina bobbiese.

]]> http://www1.palazzoducale.genova.it/bobbio-genova/feed/ 0 http://www1.palazzoducale.genova.it/raimondo-sirotti-cinquantanni-di-pittura-1955-2005/ http://www1.palazzoducale.genova.it/raimondo-sirotti-cinquantanni-di-pittura-1955-2005/#comments Sat, 07 May 2005 12:31:05 +0000 http://www.palazzoducale.genova.it/?p=44253 7 maggio - 26 giugno 2005
Loggia degli Abati]]>

Raimondo Sirotti
Cinquant’anni di pittura. 1955-2005

 

7 maggio – 26 giugno 2005
Loggia degli Abati
 
Il catalogo della mostra: Linea d’Ombra
 
Ingresso libero
Orario: tutti i giorni escluso il lunedì dalle ore 13.30 alle ore 19.30
Al mattino solo su prenotazione: tel. 010-5574004
 
anteprima per la stampa: venerdì 6 maggio, ore 11.30
 
inaugurazione: venerdì 6 maggio, ore 18.00
 
La mostra, allestita nella Loggia degli Abati di Palazzo Ducale, presenta oltre ottanta opere che documentano l’attività, esemplare per coerenza poetica e stilistica, di Raimondo Sirotti, da cinquant’anni protagonista nel panorama della pittura italiana contemporanea.
L’intero suo itinerario intellettuale ed espressivo è qui cronologicamente ripercorso: l’iniziale richiamo alle architetture storiche di Sironi, l’avvio di una propria ricerca orientata alla decifrazione del rapporto paesaggio-luce, la condivisione del momento più intenso della stagione informale sul finire degli anni Cinquanta in Milano, la meditazione sulla funzione della luce nella paesaggistica inglese (Gainsborough, Constable e, per affinità elettiva, Turner) nel soggiorno in Inghilterra del 1968, l’esaltante approdo a una sempre più singolare cifra pittorica.
Romanticamente innamorato dello spettacolo della Natura, ha ricondotto l’esperienza informale alle tradizioni e ai valori ligustici di tono e di luce, trasferendo sulla tela, attraverso successivi motivi ispiratori, trascoloranti visioni naturalistiche, ora solenni e grandiose, ora discrete e intimiste: a metà degli anni Settanta, dopo una serie di citazioni testuali delle forme di Sutherland, anch’esse viste durante il soggiorno inglese, si è orientato, nell’alveo di un impressionismo astratto, verso una Natura intesa come fatto misterioso, metaforico (le tane); con gli anni Ottanta, nella volontà di superare il “pericolo” della visione impressionistica, ha ridato architettura alla composizione mediante linee che ne costituissero struttura portante, travature, infissi (le finestre); successivamente, e già con la fine degli anni Ottanta, pur entro l’ispirazione naturalistica, ha liberato l’immagine da ogni riferimento oggettuale, stemperandola in una coinvolgente e suggestivamente evocativa esplosione di luce e di colore (gli eventi naturali).
Negli anni più recenti la sua pittura, costantemente sorretta da una lirica ispirazione, si è arricchita di nuovi ricorrenti temi, sovente affrontati, con incisiva gestualità, in opere di grande dimensione: i paesaggi interiori, le cave.
Dei suoi preziosi interventi sul patrimonio artistico genovese (tra cui la copia del dipinto su ardesia Madonna col bambino e Sant’Eligio di Pellegro Piola nel 1986 per il prospetto di un palazzo di via degli Orefici, sostitutiva dell’originale per ragioni conservative, e il restauro del riquadro del San Giorgio e il Drago sul portale d’ingresso di Palazzo San Giorgio nel 1990) è qui esposta una gigantografia della reinterpretazione (1995) del dipinto absidale di Giulio Benso L’incontro dei Santi Gioacchino e Anna nel Presbiterio della Basilica della SS Annunziata del Vastato, unitamente al bozzetto preparatorio.
 
La mostra è corredata da un catalogo Linea d’ombra con testi sritici di Emilia Marasco e Marco Goldin, una poesia di Edoardo Sanguineti dedicata all’artista, un profilo biografico di Antonio Todde e un’ampia antologia critica.

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Giappone. L’Arte del mutamento

 

16 aprile – 21 agosto 2005
 
primavera – estate 2005, 2006 e 2007
 
L’abbinamento di Genova col Giappone proposto nel progetto che si presenta oggi si lega alla riqualificazione avviata da alcuni anni nel capoluogo ligure per adattarlo alle esigenze di una città europea d’avanguardia.
Esso si riconduce anche agli intensificati rapporti internazionali culminati l’anno passato con “Genova Capitale Culturale d’Europa”.
È interessante che in questa sua fase di rinnovamento la città si misuri con un Paese apparentemente così lontano. Esistono però motivi precisi. Quella giapponese è una delle culture che nel loro sviluppo secolare hanno maggiormente saputo trasformarsi assorbendo stimoli provenienti dall’esterno, anzi molte volte andandoli tenacemente a ricercare.
E però in tutti i suoi connubi di civiltà non ha mai perduto l’essenza della propria natura.
Dapprima il grande impatto dalla Corea e dalla Cina con la cultura confuciana e la fede buddhista, poi quello dall’India e dal buddhismo esoterico di impronta himalayana, e ancora dalla Cina – questa sorta di grande madre o anche di rispettato, temuto, a volte persino odiato, fratello maggiore – quindi dall’Europa e dal cristianesimo missionario del Cinquecento e del Seicento, infine da tutto l’Occidente, soprattutto nell’impronta degli Stati Uniti, in almeno due fasi: dalla metà Ottocento e dopo la guerra del Pacifico.
In più occasioni il Giappone si confrontò, e continua a farlo e lo farà probabilmente sempre, con realtà economiche, culturali, politiche, sociali gigantesche. Le abbraccia con tutto se stesso. cerca a volte addirittura di inghiottirle. Ne fa spesso grandi indigestioni che fanno temere per la perdita di sé. Ma poi risorge sempre arricchito dai frutti dell’incontro, talvolta anche scontro, con quelle realtà diverse. Per questo motivo il tema del ciclo triennale da Genova dedicato al Sol Levante ha per fondamento la trasformazione vista attraverso l’arte. Trasformazione nel senso del passaggio da un tipo di società a un’altra, dell’accelerazione e intensificazione dei rapporti, dell’approfondimento, della messa a confronto ed esaltazione delle differenze culturali. Oltre a essere intrinseco alla natura stessa della società giapponese rappresenta anche la via di sviluppo intrapresa da Genova in questi anni. Ciascun evento del triennio 2005-2007 durerà quattro mesi e si articolerà in un gruppo di mostre nel Palazzo Ducale e di attività collaterali: sul cinema, la letteratura, la musica e lo spettacolo, le arti marziali, la cerimonia del tè, la cucina in vari luoghi della città.
Bisogna inoltre dire che Genova fu direttamente partecipe, anche se in modo circoscritto, di una delle metamorfosi del Giappone e cioè quando esso intraprese il suo vertiginoso processo di occidentalizzazione dopo la metà dell’Ottocento. Mi riferisco a quando Edoardo Chiossone lasciò la città per andare a fare il direttore artistico del nuovo poligrafico dello Stato del governo Meiji nel 1875. Egli portò a Tokyo, dove rimase fino alla morte nel 1898, le più avanzate tecniche della produzione di carte valori ed è ancora considerato una sorta di padre della stampa giapponese moderna. Ma oltre all’attività nel poligrafico, dipinse anche diversi ritratti di personaggi importanti tra cui l’imperatore Meiji, l’imperatrice e il principe ereditario, nonché altri membri della famiglia imperiale e del governo. Durante la sua permanenza in Giappone raccolse inoltre circa ventimila opere che formano la raccolta del museo genovese che porta il suo nome.
La prima delle quattro mostre di quest’anno “Capolavori dal Museo Chiossone. Stampe e dipinti Ukiyoe” comprende centocinquanta opere e mette in luce la società giapponese dei due secoli e mezzo che precedettero l’apertura del Paese nel 1854. Quello fu un periodo di grandi tramutazioni con la crisi e l’irrigidimento del sistema feudale, la comparsa di istituti sociali di tipo moderno e, con l’emergere della classe mercantile e imprenditoriale, anche la formazione di un nuovo gusto, una nuova arte e nuovi divertimenti.
Anche la seconda mostra: “Avvolti nel mito.Tessuti e costumi fra Settecento e Novecento dalla collezione Montgomery” testimonia un periodo di tramutazioni in cui nuovi elementi iconografici e nuove tecniche si sovrappongono e si fondono con altre più tradizionali. Si compone di centocinquanta manufatti tessili d’uso corrente in cotone, ma con esemplari in ramia, in glicine, banano e altre fibre e decorati perlopiù in indaco. Si tratta di coperture per futon, di vesti pesanti e leggere di festa o di lavoro, per contadini, pescatori, pompieri, rivelano l’intrinseco splendore del design tessile e di abbigliamento per la maggior parte l’ultimo quarto dell’otto e il primo del Novecento. Alcuni di essi sono ancora dello stesso tipo che si vede illustrato nelle stampe e i dipinti più tardi delle opere nella collezione di Edoardo Chiossone.
La terza mostra “Manifesti d’artista. 1955-2005″ è unica nel suo genere per ricchezza di opere, complessità e ampiezza del periodo considerato in quanto raccoglie seicento opere di sessantasette grafici di più generazioni. Il manifesto giapponese per certi aspetti si riallaccia alla tradizione della grafica nazionale che già con l’ukiyoe – il mondo fluttuante – raggiunse livelli ineguagliati. Le opere saranno raggruppate secondo i principali temi rappresentati: Arti e Teatro, Ambiente, Comunicazione, Tipografia, Sport, Pace, Stile Giappone.
L’ultima mostra “Hiroshima-Nagasaki. Fotografia della memoria” è una mostraevento per il sessantesimo anniversario dalla distruzione delle due città con la bomba atomica. Le tre sezioni sono dedicate una a ciascuna città con foto scattate in quei giorni, la terza alla piccola Sadako e alla sua storia delle mille gru di carta. Un’istallazione particolare, che occuperà l’intera corte grande di Palazzo Ducale fino all’ultimo piano, ha lo scopo di richiamare alla memoria e al raccoglimento.
 
Informazioni
Ingresso, valido per tutte le esposizioni (Palazzo Ducale e Museo Chiossone):
intero € 7,00
ridotto € 6,00
scuole € 2,50
Orari Palazzo Ducale:
tutti i giorni escluso il lunedì dalle ore 9,00 alle ore 21.00
la biglietteria chiude alle ore 20.00
Orari Museo E. Chiossone:
dal martedì al venerdì, ore 9.00 – 19.00
sabato e domenica, ore 10.00 – 19.00
chiuso il lunedì
Visite per gruppi:
prenotazione obbligatoria, fax +39 010 562390
on-line clicca qui
email: biglietteria[AT]palazzoducale[PUNTO]genova[PUNTO]it
Visite guidate individuali:
ogni sabato, ore 17.00, prezzo € 11,00
appuntamento dalla biglietteria
Cataloghi:
Avvolti nel mito.
Tessuti e costumi fra Settecento e Novecento dalla collezione Montgomery
IdeArt – www.ideartgroup.com
Hiroshima-Nagasaki
Fotografia della memoria
IdeArt – www.ideartgroup.com
Manifesti d’artista. 1955-2005
IdeArt – www.ideartgroup.com
Dipinti e stampe del Mondo Fluttuante.
Capolavori Ukiyoe del Museo Chiossone di Genova
Skira – www.skira.net
Copertina catalogo ‘Dipinti e stampe del Mondo Fluttuante’
ISBN 8884919754

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Chiesa di Sant’Agostino
Museo di Sant’Agostino]]>

17 dicembre 2004 – 13 marzo 2005
 
Scultura lignea in Liguria tra XII e XVI secolo
Chiesa di Sant’Agostino
Museo di Sant’Agostino
Piazza Sarzano, 35
16128 Genova

www.museosantagostino.it
 
Orario: da martedì a venerdì 9.00-19.00
sabato e domenica 10.00-19.00, lunedì chiuso
 
Info Tel. 010-5574004 / 010-2511263

Attività collaterali
 
Dall’albero alla statua: un intagliatore all’opera
Nei giorni 19 gennaio, ore 17.00; 9, 23 febbraio, 2 marzo (ore 10-12), lo scultore di Chiavari Franco Casoni realizzerà presso la sede della mostra, una scultura in legno.
Maggiori info clicca qui
 
Mostra + aperitivo + teatro a € 13,00
anziché € 20,00
mercoledì 19 gennaio
Teatro della Tosse
ore 18.30 visita alla mostra “La Sacra Selva” con Franco Boggero
ore 19.00 aperitivo a tema
ore 19.30 spettacolo “Il naso di Gogol’” di Tonino Conte
Info Tel. 010-2487011, biglietteria 010-2470793
www.teatrodellatosse.it
Scarica la locandina, clicca
 
Conferenze
Palazzo Ducale, Sala Camino
Le conferenze sono tutte ad ingresso libero
 
mercoledì 12 gennaio 2005, ore 17.00
“I materiali della Sacra Selva: spunti di riflessione”
Franco Boggero e Piero Donati
 
giovedì 20 gennaio 2005, ore 17.00
“Trionfi e dolore. Il Volto Santo di Bocca di Magra e la Croce dei Caravana”
Clario Di Fabio
 
giovedì 27 gennaio 2005, ore 15.00 / 18.00
Tavola rotonda “Attraverso la Sacra Selva”
 
mercoledì 2 febbraio 2005, ore 17.00
“Attorno alle Statue lignee: dialoghi tra le arti nella Liguria del ’400″
Fulvio Cervini e Massimo Bartoletti
 
Visita guidata per insegnanti mercoledì 19 gennaio 2005, ore 17.00
Ingresso gratuito, solo su prenotazione al numero di tel. 010 5574022
 
Visite a tema con i curatori della mostra
mercoledì 9 e 16 febbraio 2005, ore 16.00
“La Sacra Selva: aspetti devozionali, problemi conservativi e di restauro”
Solo su prenotazione al numero 010 5574004, EMail: biglietteria[AT]palazzoducale[PUNTO]genova[PUNTO]it
 
Concerto
sabato 19 febbraio 2005, ore 21.00
Chiesa di San Donato
Laus Concentus, ensemble vocale e strumentale
“Calici di stelle. Dialoghi sacri, canti e laudi della religiosità popolare medievale”
Ingresso a pagamento
Informazioni e prenotazioni: tel. 010 5574004
 
Per un devoto del Quattrocento, l’immagine di un crocifisso evocava spontaneamente quella di un albero, dove le braccia fossero i rami e il resto del corpo il tronco. La sacralità di cui i boschi erano avvolti contribuiva, del resto, a sottolineare quella dell’immagine scolpita, e se quest’ultima, col tempo, veniva messa da parte e sostituita con un’altra più aggiornata, non poteva comunque essere distrutta.
Nel campo della scultura, il Quattrocento ligure non rappresenta affatto un secolo “di marmo e di pietra”, come fino a qualche anno fa si continuava ad affermare. La ricerca sul territorio dell’antica Repubblica (Corsica inclusa) e su quelle aree nelle quali la presenza genovese era determinante ha prodotto una serie impressionante di ritrovamenti e di riscoperte: dai piccoli crocifissi delle confraternite alle grandi croci stazionali, dalle figure isolate di santi ai gruppi scultorei. Si tratta di alcune centinaia di opere, delle quali si è voluto fornire in questa mostra una campionatura significativa, che ne documentasse l’importanza e la multiforme stratificazione, sottolineate, non di rado, dal recupero dell’antica dimensione cromatica, reso possibile dai restauri, non pochi dei quali finalizzati a questa mostra.
Questi restauri sono soltanto la punta dell’iceberg di un tenace lavoro sul territorio, fatto anche di sopralluoghi, schedature, ricerca d’archivio, contatti costanti con le Curie e delicati rapporti con piccole comunità affezionate al loro patrimonio: nella maggior parte dei casi, infatti, sono stati i piccoli centri a conservare con un certo scrupolo i manufatti più antichi, anche quando questi avessero da tempo abbandonato gli spazi destinati alla liturgia per rifugiarsi in locali bui e malagevoli.
La mostra, che idealmente si ricollega a una pionieristica esposizione savonese curata nel 1952 da Pasquale Rotondi, consentirà di confrontare sculture di produzione locale (come il Compianto sul corpo di Cristo proveniente dal borgo di Lucinasco, nell’entroterra imperiese), con altre provenienti da un diverso ambito culturale, spesso individuabile in quell’area fiamminga che intrattenne con Genova rapporti già noti e documentati in campo pittorico.
L’esemplare più antico, il Volto Santo di Bocca di Magra, appartiene al XII secolo ed è la più importante testimonianza disponibile in Liguria, in ambito scultoreo, dell’iconografia di Cristo che trionfa sulla morte e si manifesta in tutta la sua regale maestà; questa iconografia sarà sostituita, nel corso del XIII secolo, da quella del Cristo denudato, che mostra il corpo flagellato e piagato: a questo ambito appartengono, fra gli altri, due pezzi eccellenti presenti in mostra, provenienti dal Seminario di Savona e dalla chiesa della Maddalena di Genova.
L’iconografia mariana è rappresentata, per i secoli XIII e XIV, dalla Madonna col Bambino del Santuario delle Grazie di Genova e dall’inedita statua di Riomaggiore, vera e propria colonna di legno che fa dell’assetto verticale del tronco arboreo la sua cifra stilistica.
Le distinte raffigurazioni del Cristo piagato e di Maria come madre si fondono nell’iconografia del Vesperbild, locuzione tedesca che denota l’origine nordica di queste immagini, presenti su tutto il territorio ligure, da Soviore (Cinque Terre) a Sanremo.
Alla fine del secolo XIV, in significativa coincidenza con l’ondata millenaristica dei bianchi (un movimento penitenziale che si diffonde nell’Italia nord-occidentale nel 1399), inizia l’epopea dei cristi ponentini, e cioè delle immagini del Cristo crocifisso prodotte in quantità notevole, in base a schemi stilistici utilizzati per decenni, nelle botteghe attive nella Liguria di Ponente; da Taggia, Ceriana, Casanova Lerrone provengono alcuni degli esemplari esposti. Altrove si preferisce ricorrere (Levanto) o dalla Lombardia (Santa Margherita e Lerici); a questi flussi si aggiungono talvolta esemplari di rilevanza assoluta quali il San Bartolomeo senese di Quarto.
La sezione finale, dedicata alla prima metà del secolo XVI, attesta della divaricazione fra i centri delle due Riviere, che continuano a commissionare statue lignee di notevole rilevanza (si vedano la Vergine dolente di Pieve di Teco ed il San Rocco di Trebiano, opera del Franciosino), e l’ambito genovese, ove trionfa il marmo di Carrara, al quale si ricorre – si veda il rilievo di Ceranesi – anche per le raffigurazioni che fino ad allora avevano trovato nel legno il materiale d’elezione.
Due rilievi marmorei più antichi – una Madonna col Bambino di matrice campionese ed un Crocifisso di G. A. Amadeo da Pignone – attestano del persistente dialogo fra scultura litica e scultura lignea, mentre alla trecentesca tavola di Barnaba da Modena (Urbino, donazione Volponi) è affidato il compito di ricordare le strette correlazioni fra i domini della pittura e della scultura lignea. (Franco Boggero e Piero Donati)
 
Prezzo del biglietto
Ingresso alla mostra e al Museo di Sant’Agostino:
intero € 6,00
ridotto € 5,00
scuole € 2,50
 
La mostra è inclusa nella GeNova04 Card
 
Visite guidate individuali
- sabato ore 15.30

Inaugurazione:

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Liguria Spazio Aperto]]>

18 novembre – 2 dicembre 2004
 
Le provincie liguri in Mostra a Palazzo Ducale
Liguria Spazio Aperto

ingresso libero
 
Orario: 9.00-19.00

“Armonie di suoni e percorsi d’ardesia da Moneglia alla Val Fontanabuona” è la nuova esposizione allestita a Palazzo Ducale presso Liguria Spazio aperto.
Questo nuovo appuntamento, fortemente voluto dalla Regione Liguria, dalla Provincia di Genova e dalla Fondazione Cristoforo Colombo, riguarda il levante della provincia di Genova e in particolare la Val Fontanabuona, presente con alcune splendide opere in ardesia, e la città di Moneglia, con un forte contributo storico e culturale rappresentato da alcuni dei documenti presso il Centro studi Felice Romani.
La Comunità Montana della Val Fontanabuona ha scelto di esporre “richiami” precisi al territorio e alla sua storia. È il caso rappresentato dall’immagine del monumento all’emigrante e il voluminoso manoscritto del “Diario Gagliardo”, per ricordare i paesi dove migliaia di “fontananini” sono partiti per varcare l’Oceano. In mostra troviamo anche le sculture in ardesia, le murature delle antiche chiese e le immagini della Necropoli dell’Età del Ferro. Opere che rimandano alla tipica pietra locale, presente nei tanti laboratori artigiani della vallata, e all’Ecomuseo.
La Fontanabuona non è soltanto ardesia e testimonianze storiche ma un caleidoscopio di motivi formato dall’ambiente naturale e dalle opere dell’uomo, dai centri commerciali e dagli ospitali locali di buona cucina, dagli scrigni d’arte e di fede delle sue tante chiese e dai vecchi telai che ancora producono stoffe preziose.
Ma che cosa sia la Fontanabuona, la terra che ha dato gli avi a Cristoforo Colombo, lo ha detto con una poetica immagine Riccardo Bacchelli: “un interno ligure festoso e benevolo, arridente d’acque e d’opere liete”.
La città di Moneglia ha scelto di presentare rari documenti d’epoca e manoscritti provenienti dal Centro Studi “Felice Romani” e dall’archivio comunale. Il Centro Studi intitolato a “Felice Romani”, che l’Associazione omonima ha fondato alcuni anni fa, in questa occasione ha raccolto le fila di un lavoro iniziato molto tempo fa con le celebrazioni del bicentenario della nascita del poeta, autore di cento e più libretti d’opera di Verdi, Rossini, Donizetti e altri compositori.
La costituzioni di raccolte bibliografiche, convegni di studio, progetti romaniani di divulgazione, tra cui lezioni-concerto, sostenute principalmente dalla FOndazione Carige, sono oggi i principali campi di attività del Centro. Oltre ai contenuti documentali della mostra, molte immagini sono dedicate ai luoghi più suggestivi di Moneglia: l’Oratorio dei Disciplinanti (sec. X), la fortezza di Villafranca, il sagrato in acciottolato alla genovese (1822) della Chiesa di Santa Croce, l’elegante campanile della Chiesa di San Giorgio che nelle decorazioni a fasce bianche e grigie rimanda, assieme al calco di un portale cinquecentesco monegliese in ardesia, ai percorsi delle vie dell’ardesia della Val Fontanabuona che divide con Moneglia lo spazio espositivo
 
Info:
Fondazione Regionale C. Colombo
Tel: 010562046
Fax: 010591088
e-mail: fondazionecolombo@fondazionecolombo.it

 

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Museo d'Arte Contemporanea di Villa Croce]]>

11 novembre 2004 – 27 febbraio 2005
 
Percorsi e linguaggi internazionali del contemporaneo.
Anni ’60 – ’70
Museo d’Arte Contemporanea di Villa Croce

Museo d’Arte Contemporanea di Villa Croce
Via Jacopo Ruffini, 3
www.museovillacroce.it
 
Orario: martedì – venerdì dalle ore 9.00 alle 18.30
sabato e domenica dalle ore 10.00 alle ore 18.30
 
Prezzo del biglietto:
intero € 6,00 – ridotto 5,00
 
La mostra è inclusa nella GeNova04 Card
 
Visite guidate
- sabato ore 15.30
- gruppi dal martedì al venerdì, su prenotazione

Con questa mostra si conclude la stagione 2004 del Museo d’arte contemporanea di Villa Croce: una stagione particolarmente intensa e sino ad ora contrassegnata dalla massima attenzione alla scena dell’arte nazionale e internazionale (da Beuys ai giovani ma già affermati artisti di Empowerment alla sofisticata reverie postmoderna di Atelier Mendini) e che si conclude invece con una riflessione sulla cultura della città , dal 1960 al 1979, quasi a voler ritrovare anche nella storia recente gli incunaboli dell’attuale capitale europea della cultura.
“Attraversare Genova” dunque significa ripercorrere idealmente il suo recente passato e se possibile ricrearne il clima e l’atmosfera attraverso l’esposizione di circa 200 opere di artisti genovesi, italiani e stranieri che hanno vissuto e lavorato in città con una straordinaria capacità di sinergie. Si pensi alle esperienze dei primi anni Sessanta che coniugano i materiali dell’industria metalmeccanica con la scultura contemporanea e trasformano in atelier di scultura la fabbrica, dove lavorano personaggi come Calder, Pomodoro, Consagra, Carmi, David Smith o al circuito underground dei poeti visivi genovesi che si collegano in rete con altri centri di elaborazione della ricerca, da Firenze, a Napoli, a Bologna organizzando insieme mostre e convegni. In questo emergono non meno significative letture critiche profondamente innovative, destinate, come l’Arte Povera, battezzata a Genova nel ’67 alla galleria La Bertesca, a occupare un posto di primo piano nella storia dell’arte del ’900. Se gli anni ’60 si caratterizzano per questa forza propositiva della città- laboratorio, gli anni ’70 segnano d’altra parte la disponibilità di Genova ad aprirsi alle esperienze artistiche internazionali, soprattutto attraverso l’attività delle gallerie che portano a Genova grandi protagonisti della scena internazionale: da Allan Kaprow a Laurie Anderson, da Beuys a Rebecca Horn, dai Becher a Sol Lewitt, da Boltanski a Buren. È questo la città in cui operano e si formano artisti genovesi poi conosciuti e riconosciuti a livello nazionale e internazionale come Scanavino o Claudio Costa, Borella, Fasce, Mesciulam, Oberto, Caminati (per citarne solo alcuni) nonostante il genius loci di Genova contemporanea sia incline all’understatement e poco conceda spazio a clamorose fortune critiche. È piuttosto il collezionismo privato (le cui opere costituiscono lo zoccolo duro della mostra) a manifestare una vocazione internazionalista e attenta ai linguaggi dell’avanguardia dal Costruttivismo all’arte cinetica dei primi anni ’60, dalla Pop Art a Fluxus al Concettuale, senza trascurare le poetiche del corpo e le nuove tendenze analitiche della pittura.
Se la parte della mostra dedicata alle arti visive intreccia necessariamente la storia svoltasi in città con la Storia dell’arte in un gioco di rimandi e di “destini incrociati”, le altre sezioni costruiscono un panorama a 360º della Genova anni ’60/’70, in una dimensione trasversale ai linguaggi del contemporaneo: dalla musica, deliberatamente individuata nelle sue componenti più popular al cinematografo che tende a ricreare luoghi e situazioni di una cinefilia diffusa, dalla grafica aziendale e di comunicazione che restituisce un’immagine della città al fumetto che traduce mitologie vicine e lontane per sommergersi poi in una comunicazione alternativa; dalla letteratura delle riviste specializzate al teatro che ha a Genova una storia lunga e una tradizione consolidata; dalla fotografia che documenta e interpreta le vicende della città all’architettura e all’urbanistica che ne hanno modellato negli anni la forma urbis.
Oggetti, fotografie, manifesti, video sono parte integrante dell’allestimento curato da Mario Piazza.
 
Restituire a Genova la memoria e la consapevolezza di un passato recente, rimosso e per certi aspetti oscurato dalle glorie di epoche lontane, è un’operazione che si rivolge innanzitutto agli abitanti della città e soprattutto ai giovani, come indispensabile premessa al futuro che li attende, ma anche ovviamente a chi, “turista del 2004″, voglia sapere qualcosa di più, oltre la splendida vetrina degli eventi e del rinnovato fascino urbano dei restauri e delle nuove architetture. Dopo aver fisicamente attraversato la città inseguendo le molte e variegate proposte di quest’anno speciale l’invito è quello di attraversarla ancora, ma solo in metafora, negli spazi contenuti del Museo di Villa Croce.

]]> http://www1.palazzoducale.genova.it/attraversare-genova/feed/ 0 http://www1.palazzoducale.genova.it/storie-di-avventure-scientifiche-tra-alambicchi-e-carte-da-pammatone-a-san-martino/ http://www1.palazzoducale.genova.it/storie-di-avventure-scientifiche-tra-alambicchi-e-carte-da-pammatone-a-san-martino/#comments Fri, 29 Oct 2004 07:00:34 +0000 http://www.palazzoducale.genova.it/?p=44343 Archivio Storico del Comune di Genova]]> Storie di avventure scientifiche tra alambicchi e carte da Pammatone a San Martino
 
Dal 29 ottobre 2004 al 31 marzo 2005
 
Palazzo Ducale, Archivio Storico del Comune di Genova

Ingresso libero
 
Orario di visita:
da martedì a giovedì ore 9.00-12.30/14.00-17.00; venerdì ore 9.00-12.30

Nel solco di una tradizione ormai consolidata, inaugurata dopo il trasferimento nella prestigiosa sede di Palazzo Ducale, allo scopo di far conoscere ad un pubblico sempre più vasto il ricco patrimonio archivistico genovese, in occasione del Festival della Scienza l’Archivio Storico del Comune di Genova ospita un suggestivo e multiforme “documentale” sull’assistenza ospedaliera genovese, dalle origini al moderno Ospedale di San Martino

Sono intervenuti all’inaugurazione:
G. Sacchi (Azienda Ospedaliera Universitaria San Martino)
E. Arioti (Soprintendente Archivistico per la Liguria)
T. Sardanelli (Direttore Cultura, Sport e Turismo Comune di Genova)
P. Massa (Preside della Facoltà di Economia)
G. Regesta (Azienda Ospedaliera Universitario San Martino)

]]> http://www1.palazzoducale.genova.it/storie-di-avventure-scientifiche-tra-alambicchi-e-carte-da-pammatone-a-san-martino/feed/ 0 http://www1.palazzoducale.genova.it/i-liguri-un-antico-popolo-europeo-tra-alpi-e-mediterraneo/ http://www1.palazzoducale.genova.it/i-liguri-un-antico-popolo-europeo-tra-alpi-e-mediterraneo/#comments Sat, 23 Oct 2004 07:00:51 +0000 http://www.palazzoducale.genova.it/?p=44357 Commenda di San Giovanni di Prè]]> I Liguri. Un antico popolo europeo tra Alpi e Mediterraneo
23 ottobre 2004 – 23 gennaio 2005
 
I grandi navigatori e la scoperta del nuovo mondo
Commenda di San Giovanni di Prè

Prezzo del biglietto
Intero € 6,00
Ridotto € 5,00
Scuole € 2,50
 
Orario: 9/19 tutti i giorni escluso il lunedì

La mostra è promossa dalla Soprintendenza per i Beni Archeologici della Liguria all’interno delle manifestazioni di GeNova 2004

Approfondimenti: www.palazzoducale.genova.it/liguri

www.archeoge.arti.beniculturali.it

www.archeoge.arti.beniculturali.it/liguri

Incontro in mostra con l’archeologo
Appuntamento all’ingresso della mostra
La visita – conferenza è inclusa nel prezzo del biglietto

martedì 4 dicembre 2004 ore 16,00
Osvaldo Raggio “Il ligurismo. Storia e miti sui Liguri”
Nell’ambito della mostra “I Liguri. Un antico popolo europeo tra Alpi e Mediterraneo” sono in programma una serie di incontri per approfondire alcune delle tematiche e degli aspetti storici presentati in mostra.
Il primo appuntamento è con Osvaldo Raggio, docente del Dipartimento di storia moderna dell’Università di Genova ed esperto di storia locale, che racconterà all’interno del percorso espositivo le storie e i miti sui Liguri e approfondirà il concetto di ligurismo.

venerdì 17 dicembre 2004, ore 16.00
Marzia Ratti
“Antenati di pietra. Le statue stele della Lunigiana”

martedì 28 dicembre 2004, ore 16.00
Angiolo del Lucchese
“Dalla pietra al metallo: la rivoluzione economica e sociale dell’età del Bronzo”

martedì 11 gennaio 2005, ore 16.00
Tiziano Mannoni
“Rapporti tra cultura materiale e cultura esistenziale”

martedì 18 gennaio 2004, ore 16.00
Annamaria Durante
“La colonia di Luni: Roma nel territorio dei Liguri”

mercoledì 19 gennaio 2004, ore 16,00
Andrea De Pascale
“La mostra raccontata da un archeologo: approfondimenti tematici e curiosità sul mondo degli antichi liguri”

venerdì 21 gennaio 2004, ore 16.00
Marinella Pasquinucci
“I liguri in epoca romana”

Conferenze

giovedì 13 gennaio 2005, ore 16.00
Palazzo Ducale, Sala Camino Roberto Maggi, Diego Moreno, Carlo Montanari
“La formazione dei paesaggi liguri. L’archeologia ambientale”

venerdì 14 gennaio 2005, ore 17.00
Palazzo Ducale, Liguria Spazio Aperto
Adriano Maggiani
“I Liguri Apuani”

I Liguri sono un popolo antichissimo che, da tempi remoti, ha abitato un’area molto più vasta di quella che noi oggi chiamiamo Liguria: essi vivevano nel vasto territorio compreso tra l’Arno e la Provenza, e tra il mar Ligure e il Po.
Tra ripide colline e montagne che superano i duemila metri, nella scarsità di pianure, in un ambiente dove la lotta per la sopravvivenza è dura e le risorse sono poche, gli antichi Liguri hanno trovato il luogo dove in oltre duemila anni hanno modellato la propria cultura, l’economia e il carattere.
La mostra “I Liguri. Un antico popolo europeo tra Alpi e Mediterraneo”, promossa dalla Soprintendenza per i Beni Archeologici della Liguria all’interno delle manifestazioni di GeNova 2004, raccoglie le testimonianze archeologiche delle genti che vissero in questo territorio prima dell’arrivo dei Romani: attraverso oltre 900 oggetti esposti per la prima volta insieme, alcuni dei quali mai presentati al pubblico, è possibile ripercorrere la loro storia, conoscerne gli aspetti della vita quotidiana, gli usi e i costumi, il mondo spirituale, l’economia, la produzione artigianale e quella artistica.
Partendo dalle fonti scritte greche e romane e dai miti riguardanti Cicno, re dei Liguri, si compie un affascinante viaggio che porta a contatto con le caratteristiche dell’ambiente naturale e delle risorse del territorio in cui questo popolo ha vissuto: ampi boschi da cui si ricavava il legname, miniere di rame utili alla produzione metallurgica, coltivazioni impiantate sulle fasce costruite con muri a secco lungo le pendici dei monti, tradizione che ancora oggi si conserva e rende unico il paesaggio ligure.
Nel corso del VII secolo a.C. i Liguri entrarono nella sfera dei contatti culturali e delle relazioni di scambio con gli Etruschi e in seguito con i Greci di Marsiglia. In pratica i Liguri, sia quelli della costa, sia quelli dell’entroterra – pur con alcune differenze – furono coinvolti nella rete dei traffici commerciali mediterranei e tra il mondo mediterraneo e l’Europa centrale, che costituiscono l’aspetto saliente della prima età del Ferro in Europa.
Gli ornamenti personali – collane di ambra e di vetro, spille, bracciali, orecchini d’oro e d’argento – le armi dei guerrieri – lance, elmi, spade – le ceramiche destinate alla vita quotidiana – o a conservare i resti dei propri antenati nelle tipiche tombe a cassetta in pietra – le incisioni su roccia e le misteriose statue stele scolpite in blocchi di arenaria, fanno ripercorrere le vicende di una delle più affascinanti e ancora poco nota popolazione dell’Italia preromana.
Ricostruzioni a grandezza naturale di necropoli e sepolture, modelli in scala di navi da trasporto e di abitati, animazioni multimediali, filmati, immagini, voci e suoni completano il percorso espositivo e rendono questo viaggio nel tempo suggestivo e piacevole.
“I Liguri. Un antico popolo europeo tra Alpi e Mediterraneo” è un incontro del tutto straordinario con le proprie origini, con una delle più importanti popolazioni dell’Europa antica.
“Prestigiosi i reperti concessi, eccezionalmente, in prestito da alcuni dei più importanti musei e istituti culturali europei – tra cui il Musée du Louvre e la Bibliothèque National di Parigi, l’Antikensammlungen di Monaco di Baviera e il British Museum di Londra – e italiani – tra cui il Museo Archeologico Nazionale di Firenze, il Museo di Antichità e Collezioni Archeologiche di Torino, l’Armeria Reale di Torino, i Musei Civici di Reggio Emilia, il Museo della Civiltà Romana, il Museo Nazionale Romano, le Civiche Raccolte del Castello Sforzesco di Milano”.

]]> http://www1.palazzoducale.genova.it/i-liguri-un-antico-popolo-europeo-tra-alpi-e-mediterraneo/feed/ 0 http://www1.palazzoducale.genova.it/arti-architettura-1900-2000/ http://www1.palazzoducale.genova.it/arti-architettura-1900-2000/#comments Sat, 02 Oct 2004 07:00:21 +0000 http://www.palazzoducale.genova.it/?p=44377 Sottoporticato e Piano Nobile]]>

Arti & Architettura 1900 – 2000

2 ottobre 2004 – 13 febbraio 2005
 
Sottoporticato, Piano Nobile

La mostra, organizzata da Palazzo Ducale, raccoglie e documenta gli sconfinamenti operati dagli artisti nell’ambito dell’architettura – artisti che hanno immaginato e spesso realizzato case, grattacieli, complessi urbani ed aeroporti o hanno prodotto dipinti e sculture che richiamano direttamente o indirettamente il soggetto architettonico – e quelli degli architetti che hanno pensato in termini di scultura, vale a dire hanno progettato e creato edifici con un forte valore espressivo e plastico e si sono impegnati a realizzare opere con un’alta componente visuale, sconfinando anche nelle ricerche fotografiche e pittoriche.
 
 
Un’avventura utopica, sfociante a volte nell’”archiscultura”, che vede artisti e architetti – da Kasimir Malevich a Alexandr Rodchenko, da Antonio Sant’Elia a Fortunato Depero, da Ludwig Mies van der Rohe a Piet Mondrian, da Le Corbusier a Frederick Kiesler, da Constant a Jean Dubuffet, da Frank Gehry a Claes Oldenburg e Coosje van Bruggen – impegnati a disegnare spazi, volumi e percorsi ideali, basati su colori e forme che non provengono dalla funzionalità, ma dalla creatività pura, visiva e plastica, tipica della ricerca visuale, in una comune ipotesi d’intervento sulla città e sulla vita.
Per meglio esemplificare l’interazione tra le diverse forme espressive così tipico dell’utopia moderna prima e dei linguaggi contemporanei degli ultimi decenni dopo, le prime due sezioni della mostra hanno al loro interno momenti dedicati ad espressioni artistiche diverse, quali, ad esempio, la fotografia, il cinema, la letteratura, sempre in relazione al soggetto architettonico. Il percorso della mostra, una sorta di jam session delle arti – pittura, scultura, film, fotografia, libri – e dell’architettura, è il frutto della collaborazione tra il curatore e Gae Aulenti, che insieme hanno già dato vita alla mostra dedicata all’arte italiana proposta dal Guggenheim Museum di New York nel 1994 (“The Italian Metamorphosis, 1943-1968″), avvalendosi del contributo di Pierluigi Cerri per il progetto grafico.
La mostra è articolata in tre parti: la prima dedicata agli architetti e agli artisti delle Avanguardie storiche, fino agli anni Sessanta compresi (1900-1970); la seconda, che abbraccia più specificatamente il periodo contemporaneo (1970-2000); la terza, che vede realizzate nelle piazze, nelle strade e nei cortili di alcuni palazzi storici di Genova strutture effimere a firma dei maggiori artisti e architetti del mondo.
L’itinerario delle installazioni contemporanee parte da Piazza Caricamento, dove è collocato il Teatro del Mondo di Aldo Rossi: ricostruito grazie a Coopsette, il Teatro è un omaggio simbolico a tutta l’architettura che ha guardato all’arte e da essa ha tratto suggestioni e strumenti. In Piazza San Lorenzo si può vedere il modello di un edificio di Frank Gehry, mentre da Piazza Matteotti, dove sono collocate le installazioni di Pedro Cabrita-Reis, Alessandro Mendini e Van Lieshout, il percorso attraversa i cortili di Palazzo Ducale, con gli Igloo di Mario Merz, la scultura di Claes Oldenburg e Coosje van Bruggen e l’installazione Wave UFO di Mariko Mori, prosegue in Piazza De Ferrari, con Gaetano Pesce e il suo Chiosco per Genova 2004 e il progetto di Pierluigi Cerri per il cantiere della metropolitana, tocca piazza Corvetto con Renzo Piano, scende verso Piazza Fontane Marose e Piazza San Matteo, con le installazioni, rispettivamente, di Hans Hollein (The Golden Calf, 2004) e Anselm Kiefer (Cornelia, 2003), e percorre Strada Nuova, dove Palazzo Lomellino ospita il modello del progetto Togok Towers di Rem Koolhaas e il cortile di Palazzo Tursi ospita i Giardini di vetro di Andrea Branzi.
Ogni installazione è stata realizzata grazie alla coproduzione di imprese e società che guardano alla contemporaneità come a un valore della propria cultura aziendale, da Permasteelisa alle società francesi Civra e Altran, da Leggeri S.p.A. a Abet Laminati, da Berti Pavimenti a Ceramiche Marazzi, da Metropolitana di Napoli e Ansaldo a Intergroup Italia, e ancora Elsa Peretti Foundation, Bisazza, Flos, GRP, Haas Fertigbau, OTS e la società genovese Aster.
La mostra si propone di coinvolgere la città di Genova nel suo complesso, non solo tramite le installazioni realizzate da artisti e architetti contemporanei, ma anche attraverso l’utilizzo dei cartelloni solitamente impiegati per scopi pubblicitari grandi 6×3 metri, che vengono utilizzati per presentare immagini di fotografi e disegni di artisti e architetti e che sono collocati in cinquanta punti distribuiti in tutta la città, una sorta di espansione visiva della mostra nell’intero tessuto urbano. Questo progetto, interamente prodotto dalla Federico Motta Editore, rappresenta un’inedita ma necessaria trasformazione della città intera, vera destinataria di ogni idea architettonica, in unico, grande luogo espositivo: da levante a ponente, in questo modo, “Arti&Architettura, 1900/2000″ propone una rassegna di disegni e fotografie ideate appositamente da alcuni dei più famosi artisti, architetti e fotografi, tra cui Gabriele Basilico, Olivo Barbieri, Greg Lynn, Jean Nouvel, Franco Purini, Massimo Scolari, Luisa Lambri, Mimmo Jodice, Arduino Cantafora, Gordon Matta-Clark.
Il catalogo in due volumi che accompagna la mostra, edito da Skira, si propone come una pubblicazione esaustiva sull’argomento e si avvale del contributo di studiosi italiani e stranieri – storici dell’arte e dell’architettura, filosofi, storici del cinema e della fotografia – nonché una cronologia degli eventi storico-artistici e una bibliografia generale: più di ottocento pagine, oltre mille immagini a colori e in bianco e nero e il contributo di oltre venti autori restituiscono al lettore la complessità di una mostra che, tra arte architettura, fotografia e cinema, attraversa tutto il Ventesimo secolo e propone uno sguardo sull’oggi.

Piano Sottoporticato

 
Sala 1
Presupposti teorici di inizio Novecento: la Wiener Werkstätte e la Deutscher Werkbund
Nei primi anni del Novecento, il rapporto tra arti e architettura è incentrato da una parte, sul ruolo della decorazione e dall’altra, sulle possibilità offerte dall’applicazione dell’industria. Josef Hoffmann, fondatore nel 1903 della Wiener Werkstätte, sceglie una progressiva riduzione della decorazione in favore della ricerca di forme pure e funzionali all’architettura e già nel suo progetto per il Sanatorio di Purkesdorf riduce i muri a sottili superfici piane. Nel 1907, Hermann Muthesius fonda la Deutscher Werkbund con l’intento di avvicinare gli artisti all’industria per creare in architettura e nelle arti applicate uno stile unitario per la progettazione sia di un oggetto d’uso, che di un monumento o di una fabbrica. Gli sviluppi teorici e pratici di Muthesius, Otto Wagner, Henry Van de Velde e Adolf Loos sono parte della formazione dei protagonisti del Futurismo Italiano.
 
Sala 2
Futurismo Italiano 1
Nato ufficialmente a Parigi nel 1909, il Futurismo Italiano annuncia sin dagli esordi la volontà di trasformare il mondo che ci circonda e la piena fiducia nelle tecnologie industriali applicate all’arte e all’architettura. La forza innovatrice della poetica futurista risiede la ricerca di un linguaggio nuovo basato sulla compenetrazione delle arti e sugli stimoli offerti dagli sviluppi tecnologici, dalla luce elettrica, alla velocità delle automobili, alla spettacolarità del volo aereo. In questa logica, i confini tra le arti non hanno più ragione di esistere: Umberto Boccioni, artista, riflette sul ruolo dell’architettura futurista (1914); Fortunato Depero e Giacomo Balla, artisti, stilano il documento programmatico per la Ricostruzione futurista dell’universo (1915); Antonio Sant’Elia, architetto, influenza le generazioni future attraverso i suoi disegni e la forza comunicativa delle sue idee visionarie.
Giacomo Balla (1871-1958) si forma in ambito divisionista, giungendo ad un’analisi oggettiva del dato reale nei primi anni di adesione al Futurismo, 1910, mentre la sua ricerca artistica comprende oltre alla pittura, la scenografia cinematografica e teatrale e la grafica. Nel frattempo l’interesse per la creazione di mobili ed oggetti d’uso, mediato dalla conoscenza dello Jungendstil, è visibile nella sua prima esperienza in questo settore nel 1912 con la progettazione della decorazione e dell’arredamento di casa Löwenstein a Düsseldorf, dove egli impiega per la prima volta il motivo delle compenetrazioni iridescenti, mentre affronta i temi della velocità e dello sviluppo tecnologico della città del futuro nel dipinto Ponte della velocità (1913) dove anticipa l’interesse del Futurismo per l’architettura.
Enrico Prampolini (1894-1956) aderisce al movimento futurista nel 1912 ed il suo contributo risiede nella continua sperimentazione sul linguaggio artistico, che applica indistintamente nei diversi settori in cui si estende la sua attività: dalla pittura, all’architettura, al teatro, al cinema.
Nel 1914 realizza il disegno 3º Scarabocchio embrionale. Materializzazione di spessori atmosferici (Camera-dormitorio: sezione), esempio della sua ricerca progettuale in architettura basata sull’”atmosferostruttura”. Il suo impegno per lo sviluppo di un’architettura futurista prosegue, negli anni Venti e Trenta, con la pubblicazione di riflessioni sull’argomento e con la progettazione di padiglioni per esposizioni universali o per manifestazioni di regime.
Antonio Sant’Elia (1888-1916) dopo la laurea in architettura, aderisce formalmente al movimento futurista con la presentazione per il catalogo della mostra del gruppo Nuove tendenze a Milano. Nel 1914 redige la prima stesura del Manifesto dell’architettura Futurista, rimaneggiato e ampliato da Filippo Tommaso Martinetti. Le sue opere, come i disegni e gli schizzi per la Città nuova, esprimono l’adesione alle ricerche estetiche condotte in quegli anni nell’ambito delle avanguardie europee, in particolare dal Costruttivismo sovietico. Arruolatosi volontario allo scoppio della prima guerra mondiale, Sant’Elia morirà nel 1916, senza avere realizzato alcuna delle architetture ideate, che rimangono tra i più affascinanti contributi teorici della stagione futurista.
Fortunato Depero (1892-1960) frequenta a Roma gli esponenti del Futurismo dal 1913, ma è ufficialmente affiliato a questo movimento nel 1915. Influenzato dal dinamismo plastico di Umberto Boccioni e dalle compenetrazioni iridescenti di Giacomo Balla, crea insieme a quest’ultimo i Complessi plastici, oggetti fatti di poesia + pittura + scultura + musica.
La sua importanza nello sviluppo della poetica futurista sta proprio nella fusione tra discipline artistiche diverse e nello sfruttare il codice visivo da lui ideato sia nella creazione di oggetti d’uso quotidiano, che nel campo teatrale e grafico, mentre si confronta direttamente con l’architettura nella progettazione di padiglioni pubblicitari.
Costruttivismo e Suprematismo 1
La premessa teorica allo sviluppo dell’arte russa nei primi del Novecento si trova nel Raggismo di Mikhail Larionov e di Natalia Goncharova, la cui ricerca sulla luce e sul movimento è molto simile a quella portata avanti dal Futurismo Italiano, e nella poetica cubo-futurista di Kazimir Malevich all’inizio degli anni Dieci. L’avanguardia russa conosce un momento di grande sviluppo ed affermazione con la Rivoluzione d’Ottobre del 1917, quando sembra potersi concretamente realizzare una completa ricostruzione della società. Parte integrante ed attiva di tale rinnovamento sono gli artisti e gli architetti, organizzati nella Sezione per le Arti Figurative del Commissariato del Popolo per l’Istruzione. La ricerca di un nuovo linguaggio espressivo, da poter applicare ad ogni attività artistica, trova ora i suoi presupposti teorici nel Suprematismo di Malevich e nel Costruttivismo dei fratelli Pevsner.
Kazimir Malevich (1878-1935) è una figura fondamentale per l’arte russa, non solo come pittore, ma soprattutto come teorico e maestro. Esponente del cubo-futurismo, Malevich, nel 1915 sviluppa i principi teorici del Suprematismo: se il quadrato è la forma geometrica su cui si basa la sua sperimentazione pittorica, il cubo diventa per lui misura dello spazio. Questo presupposto si applica all’architettura nella serie degli Architekton, esempi di avveniristiche costruzioni concepite come esercizi formali e totalmente non funzionali. I modelli architettonici così realizzati, come Alpha e Gota, vanno intesi come rivelazioni delle leggi formali assolute della costruzione, esempi concreti delle possibilità offerte all’architettura dall’applicazione del Suprematismo.
Ivan Leonidov (1902-1959) si forma presso l’atelier di Alexander Vesnin presso i VChUTEMAS di Mosca, scuola d’arte fondata nel 1920, dove studia anche pittura. La sua tesi di laurea, un progetto per l’Istituto Lenin a Mosca, diviene uno dei più noti esempi di architettura d’avanguardia in Russia. I lavori successivi, espressione formale della fusione tra l’architettura e le altre arti, attingono all’iconografia visionaria di Malevich e costituiscono una sintesi unica tra sintassi architettonica costruttivista e forme fluttuanti proprie del suprematismo. In particolare il progetto di concorso per un Palazzo della Cultura a Mosca (1930), una struttura a traliccio triangolare rivestita in vetro, sembra prefigurare le cupole geodetiche che vent’anni più tardi progetterà Richard Buckminster Fuller.
Costruttivismo e Suprematismo 2
L’attività degli artisti ed architetti russi negli anni Venti e Trenta si propone di rinnovare tutti i settori della vita quotidiana e sconfina dalle arti visive propriamente dette alla grafica pubblicitaria, alla progettazione dell’arredo urbano, al design di oggetti d’uso e tessuti. Artisti come Il’ia Chashnik e Nicolai Suetin applicano alla ceramica e al design di tessuti i principi teorici degli Architekton di Malevich, mentre architetti come Konstantin Mel’nikov e Nicolai Kolli si cimentano nella progettazione di monumenti e apparati effimeri per le celebrazioni degli anniversari della rivoluzione. L’impiego a fini propagandistici dell’arte d’avanguardia trova infine una sua icona emblematica nel Monumento alla Terza internazionale di Vladimir Tatlin. La torre, ad andamento spiraliforme ascendente verso l’alto, incarna perfettamente la fiducia nello sviluppo della società russa grazie al progresso industriale e tecnologico.
Natan Al’tman (1889-1970) si forma in ambito cubista a Parigi, dove era giunto nel 1910 dopo aver visitato Monaco e Vienna. Tornato in Russia dopo la Rivoluzione d’Ottobre, è un protagonista della creazione di apparati effimeri per parate di massa e monumenti. Deve la sua notorietà alla progettazione, nel 1918, della decorazione di Piazza Uritskaya (oggi Dvortsovaya) per le celebrazioni del primo anniversario della rivoluzione. Come risulta dagli schizzi da lui realizzati, impiega in quest’occasione forme geometriche astratte su pannelli giganteschi, riuscendo così, attraverso la forza comunicativa del nuovo linguaggio artistico, a trasformare radicalmente il volto dei palazzi affacciati sulla piazza.
Alexander Vesnin, 1883-1959, è professore alla scuola d’arte VChUTEMAS dal 1921 al 1936 e la sua attività architettonica si sviluppa in collaborazione con i fratelli Viktor e Leonid. I loro progetti per il Palazzo del Lavoro a Mosca, per la sede moscovita della Leningradskaja Pravda, e per la società Arcos a Mosca, caratterizzati da una volumetria ricca di tensioni, che presenta tuttavia una struttura interna orientata alla funzionalità, determinano negli anni Venti la nascita del Costruttivismo in architettura.
Alexander Rodchenko (1891-1956) è uno degli artisti più creativi della compagine costruttivista. I suoi interessi spaziano dall’arte grafica, alla pittura, alla fotografia, ottenendo attraverso la continua sperimentazione, effetti imprevisti nella rappresentazione della realtà. Alla fine degli anni Dieci incomincia a realizzare tre serie di sculture non-oggettuali – con numerazione progressiva – che in seguito sono intitolate Costruzioni spaziali, basate sulla rigorosa ricerca geometrica delle forme eseguita con riga e compasso. Nel 1919 realizza un progetto per Chiosco pubblicitario, struttura effimera dell’arredo urbano, che diventa, in quegli anni, veicolo di diffusione del nuovo linguaggio artistico d’avanguardia.
Vladimir Tatlin (1885-1953) si forma tra i corsi di pittura a Mosca e numerosi viaggi tra la Turchia, la Grecia, l’Italia, l’Asia e l’Africa. Nel clima pre-rivoluzionario della Russia di inizio secolo, stringe rapporti con i fratelli Vesnin, che lo coinvolgono nell’attività dei gruppi di avanguardia come pittore e scenografo. Nel 1919 viene incaricato dal ministero dell’Istruzione sovietico, di dar vita al progetto per il monumento alla Terza Internazionale. Tatlin immagina una colossale struttura in acciaio, la cui forma dinamica è caratterizzata da due spirali che salgono attorno a un traliccio inclinato alto oltre 400 metri.
Konstantin Mel’nikov (1890-1974) è una figura chiave del movimento costruttivista, a cui aderisce dopo la laurea conseguita all’accademia di Mosca nel 1917. Le collaborazioni con Lissitskij e Ladovskij, precisano la sua posizione culturale: una sintesi tra componenti tecniche, economiche, plastiche e ideologiche dell’architettura. Acquisisce celebrità internazionale con il padiglione per la mostra di oggetti costruttivisti, premiato all’esposizione internazionale di Parigi del 1925. I cinque circoli operai realizzati: Rusakov, Gor’kij, Zujev, Frunze e Burevesnik, sono eredi, invece, del formalismo di Ladovskij e dei fratelli Golosov.
Futurismo Italiano 2
In Italia gli anni Venti e Trenta si caratterizzano, come in tutta Europa, per la creatività e varietà della produzione artistica. Fortunato Depero progetta padiglioni pubblicitari e arazzi, mentre l’architetto Virgilio Marchi, molto attivo nella scenografia teatrale e cinematografica, dà vita a sogni utopistici nei suoi dipinti di grandi dimensioni. Le visioni di città proiettate nel futuro con palazzi avveniristici, in cui la fiducia nella tecnologia e nella meccanizzazione si unisce alla bellezza del disegno, sono il tema anche delle opere dell’artista Tullio Crali e dell’architetto Nicolaj Djulgheroff. Negli stessi anni, il pittore Ivo Pannaggi si impegna nell’ “architettura” d’interni realizzando la decorazione e l’arredamento di Casa Zampini, mentre Enrico Prampolini, che progetta nel 1935 una villa, non realizzata, per Filippo Marinetti porta, avanti la sua sperimentazione polimaterica negli studi per quinte teatrali e per scenografie cinematografiche.
Virgilio Marchi (1895-1960) si avvicina al movimento futurista nel 1916 e da questo momento sviluppa le sue teorie architettoniche, seguendo le premesse innovative di Antonio Sant’Elia. Trasferitosi a Roma nel 1920, incomincia a collaborare con Anton Giuglio Bragaglia, progettando e realizzando per lui le prime scenografie teatrali. La sua attività si sviluppa negli anni Venti e Trenta proprio in campo teatrale ed in seguito cinematografico, mentre partecipa negli stessi anni a diverse mostre sull’architettura futurista. Le grandi tele da lui dedicate alla Città futurista rappresentano la vena pittorico espressionista del futurismo architettonico romano, esaltata dalla sua personale capacità lirica e visionaria.
Fotografia americana negli Anni Trenta
Tra la fine degli anni Venti e negli anni Trenta, la rappresentazione dello sviluppo urbano e l’enfatizzazione delle forme geometriche e meccaniche caratterizzano buona parte della produzione fotografica americana, in cui si fondono istanze di pittorialismo e socio-documentarismo. Berenice Abbott, allieva di Eugène Atget, ritrae le strade e i palazzi newyorchesi con lo stesso rigore imparato dal maestro parigino, mentre Edward Weston e Ansel Adams adottano un approccio “pittorico” verso la raffigurazione della città o delle realtà suburbane e rurali, tema affrontato nelle campagne fotografiche promosse dall’amministrazione pubblica americana durante la depressione economica degli anni Trenta.
 
Sala 3
El Lissitzky (1890-1941) si diploma in architettura alla Technische Hochschule a Darmstadt nel 1914, anno in cui torna in patria. Nel 1919 incontra Malevich e si unisce al gruppo degli UNOVIS. Sviluppa in questo periodo la serie dei Proun, composizioni a metà strada tra architettura e pittura. La sua attività artistica abbraccia nel tempo altri settori tra cui la grafica e la fotografia. Sono del 1928 le immagini della Torre Eiffel: grazie ai tagli delle inquadrature, mette in evidenza l’aspetto costruttivista del monumento ottocentesco. I suoi numerosi viaggi all’estero gli permettono, inoltre, di frequentare e mettere l’avanguardia russa in collegamento le diverse avanguardie europee, da De Stijl, al Dada di Berlino, al Bauhaus.
Vladimir (1899-1982) e Georgij Stenberg (1900-1933) si formano come scenografi teatrali, sfruttando la loro esperienza durante la progettazione di decorazioni per le dimostrazioni popolari durante la rivoluzione, mentre nel 1918 disegnano apparati effimeri per palazzi pubblici per la celebrazione del 1º maggio. Fanno parte del Primo Gruppo dei Costruttivisti dal 1921. Sono di questo periodo le Costruzioni spaziali, sculture di legno, ferro e vetro, il cui titolo è composto di lettere e numeri che ne sottolineano il carattere non oggettuale. Esposte durante la Terza Mostra della Società dei Giovani Artisti insieme alle sculture astratte di Rodchenko, sono oggi opere emblematiche dell’applicazione dei principi del Costruttivismo nelle arti plastiche.
Gustav Klutsis (1895-1938) originario della Lettonia, giunge a Mosca durante la Rivoluzione d’Ottobre e nel 1919 riprende i suoi studi artistici subendo l’influenza di Malevich ed in seguito del Costruttivismo. Si afferma per le sue costruzioni spaziali e in Città dinamica, 1919, applica la tecnica del collage in pittura, unendo la sperimentazione del linguaggio artistico al tema della rappresentazione della città futura. La sua produzione è spesso al servizio della propaganda politica con la realizzazione di chioschi, tribune, stand per padiglioni espositivi e strutture per altoparlanti. Inoltre, il suo contributo è determinante nella tecnica del fotomontaggio, che sfrutta per manifesti pubblicitari, riviste e illustrazioni per libri.
 
Sala 4
De Stijl 1917-1931
Il gruppo De Stijl, fondato a Leiden nel 1917 e inizialmente composto da Piet Mondrian, Theo Van Doesburg, Victor Huszar, Bart Van der Leck, Robert Van t’Hoff, J. J. P. Oud, George Vantongerloo e Jan Wils, rappresenta un momento importante per il dialogo tra arti e architettura.
Il rigore della ricerca formale neoplastica di Piet Mondrian e di Theo Van Doesburg, ben articolata anche nelle loro pubblicazioni e divulgata nella rivista ufficiale del gruppo, vede l’architettura come disciplina in grado di fondere e racchiudere in sé le altre arti. La definizione di un nuovo linguaggio comprende anche l’aspetto etico: le opere di artisti e architetti devono servire come guida per l’umanità verso l’armonia e l’equilibrio di una “nuova vita”. Frequenti sono le collaborazioni tra artisti e architetti, come nel Cafè Aubette a Strasburgo, mentre fondamentali rimangono le esperienze nel design di Gerrit Rietveld.
Theo van Doesburg (1883-1931) si cimenta sin dai suoi esordi negli anni Dieci in diverse discipline artistiche dalla pittura, alla poesia e alla critica d’arte. Dopo la fondazione nel 1917 di De Stjil, inizia a collaborare attivamente con gli architetti, in particolare con Jacobus Johannes Oud e Cornelis van Eesteren. Il Neoplasticismo, da lui teorizzato, ricerca un nuovo linguaggio artistico attraverso il rifiuto della soggettività in favore dell’universalità degli elementi espressivi usati, mentre l’architettura diventa il luogo dove si può raggiungere l’unità di tutte le arti visive. Negli anni Venti, egli è in contatto con i maestri del Bauhaus, tra cui Ludwig Mies van der Rohe, frequenta Le Corbusier e collabora anche con i dadaisti Tristan Tzara, Hans Arp e Kurt Schwitters.
Bart van der Leck (1876-1958) incontra Piet Mondrian e Theo van Doesburg nel 1916, in un momento in cui la sua pittura aveva già subito una progressiva semplificazione sia nell’uso dei colori primari che nell’astrazione della forma. Inizia a collaborare con loro alla rivista De Stijl, su cui pubblica nel 1918 due articoli sul ruolo della pittura in architettura. Staccatosi in seguito da questo movimento, continua ad occuparsi di architettura progettando negli anni Trenta la decorazione interna di Casa de Leeuw, di Casa Liebert e della sede della Metz & Co. a L’Aia, per la quale realizza disegni per tappeti e ceramiche.
Gerrit Rietveld (1888-1964) arriva all’architettura passando per la progettazione di mobili. Dal 1919 collabora con la rivista De Stjil, contribuendo, con la sua arte combinatoria fatta di superfici orizzontali e verticali, allo sviluppo dell’estetica neoplastica. Una delle sue opere più eleganti rimane senza dubbio la casa Schröder, ideata assieme all’architetto d’interni Truus e che influenzerà in seguito la poetica di Aldo van Eyck. L’architettura di Rietveld muta radicalmente al momento dell’adesione ai Ciam, proiettandosi decisamente verso il razionalismo.
Jacobus Johannes Pieter Oud (1890-1963) dopo aver completato la propria formazione al Politecnico di Delft, dal 1915 collabora con l’architetto Theo van Doesburg, assieme al quale fonda nel 1917 la rivista De Stijl. L’architettura di Oud, molto attenta alle necessità quotidiane e realizzata con materiali “moderni” come il cemento, gli vale la ama di pioniere del funzionalismo. Oud è autore di una delle opere-manifesto dei propositi artistici di De Stijl, il caffè De Unie, esempio compiuto di un edificio dalla composizione formale e cromatica totalmente astratta.
 
Sala 5
Architettura Espressionista
L’interiorità emozionale scaturita da una riflessione letteraria e artistica in Germania prima della grande guerra da poeti come Paul Scheerbart o disegnatori come Wenzel Hablik, è all’origine dell’architettura espressionista. Il contributo più determinante, per certi aspetti precursore dell’estetica espressionista, va però colto nell’opera di Hans Poelzig, in particolare nella Torre dell’Acqua a Posen, struttura in acciaio con tamponamento in mattoni. Il risultato più significativo dell’espressionismo prebellico è invece la Casa di Vetro di Bruno Taut (1914), ricca di riferimenti simbolici e citazioni tratte dall’opera di Scheerbart. Uno dei più alti interpreti della poetica espressionista è infine Erich Mendelsohn, noto soprattutto per la Einstein Turm, l’osservatorio astronomico di Potsdam. Un volume plastico e scultoreo, il cui vocabolario formale unito al pathos lirico si manifesta soprattutto nei disegni.
Hermann Finsterlin (1887-1973) architetto e artista poliedrico, si dimostra uno dei più eclettici rappresentanti dell’espressionismo. Studia medicina, fisica e chimica, filosofia e pittura. La sua notorietà inizia con Austellung für unbekannte Architekten, una rassegna di architetti sconosciuti organizzata da Walter Gropius nel 1919 a Berlino. Diviene poi membro dell’Arbeistrat für Kunst e rappresenta la mente teorica più fervida nello scambio epistolare utopico della Gläserne Kette guidato da Bruno Taut. Le sue architetture scultoree, lontane dalla realtà, appaiono come fantasie formali biomorfe, raffigurazione di una teoria dell’arte fortemente influenzata dal sistema scientifico darwiniano. Dopo gli anni Venti lavora quasi esclusivamente come pittore e scrittore. Wenzel Hablik (1881-1934) è fortemente influenzato dall’opera di Friedrich Nietzsche e di Paul Scheerbart. Dopo una formazione culturale, che lo vede dapprima studente a Vienna presso la Kunstgewebeschule, poi, presso l’Accademia di Belle Arti di Praga, inizia a disegnare, a partire dal 1903, le note visioni di paesaggi fantastici, densi di architetture cristalline e organismi urbani sospesi nell’aria. I forti legami con la Gläserne Kette, in particolare con Bruno Taut, sono testimonianza evidente di una visione dell’architettura estranea alla componente realistica, ma al contrario legata fortemente all’utopia, sfruttando l’uso del cristallo, del vetro e del colore in un’architettura che ambisce a rinnovare la società.
 
Sala 6
Robert Delunay (1885-1941) si forma in ambito postimpressionista, subendo l’influenza di Paul Cézanne. Nel 1911 partecipa alla prima mostra del Blaue Reiter, invitato da Vassily Kandinsky, mentre l’incontro con i protagonisti del Cubismo l’anno successivo gli permette di creare un suo stile che Guillame Apollinaire definisce cubismo orfico. Scenografo teatrale dei Ballets Russes, l’occasione di lavorare per l’architettura si presenta, a Parigi, con i padiglioni temporanei per esposizioni internazionali. Nel 1925, esegue gli affreschi del Palazzo dell’Ambasciata di Francia all’Esposizione Internazionale di Arti Decorative e nel 1937 completa le pitture murali per il Palais de Chemins de Fer e per il Palais de l’Air per l’Esposizione Internazionale di Arti.
Giorgio de Chirico (1888-1978) formatosi tra Grecia e Germania all’interno della cultura accademica, sviluppa un suo stile personale a Parigi, dove soggiorna dal 1911 al 1915. È Guillame Apollinaire il primo ad usare l’aggettivo “metafisico” per descrivere i suoi dipinti, dove già si percepisce la “sensazione del presagio”, che per l’artista è segno della prova del non-senso dell’universo. La magica atmosfera che pervade le opere di de Chirico è ottenuta trasformando lo spazio urbano, dove quotidianamente l’uomo abita, in un’esperienza vissuta soggettivamente. Nei suoi quadri l’architettura diventa soggetto principale, e non sfondo, della rappresentazione pittorica, evidenziando la sua capacità di trasformare lo spazio in un luogo di “visioni”.
 
Sala 7
John Heartfield (1891-1968) è uno dei principali protagonisti del Dada di Berlino e si dedica soprattutto allo sviluppo della tecnica del fotomontaggio. La sperimentazione dei mezzi artistici e lo spirito irriverente della poetica dadaista sono messi al servizio del messaggio, finalità unica del suo fare artistico. Deve, infatti, la sua notorietà all’impegno, durante gli anni Trenta, contro la barbarie del regime nazista portato avanti nelle pagine delle riviste AIZ e VI. Egli utilizza sapientemente il fotomontaggio, mentre semplici giochi di parole evidenziano l’ironia nel messaggio politico e delle dichiarazioni di importanti esponenti del Partito Nazista.
Kurt Schwitters (1887-1948) figura centrale del movimento Dada, entra in contatto negli anni Venti con gli esponenti delle avanguardie europee, soprattutto con i costruttivisti russi, ma anche attraverso collaborazioni come quella per la rivista De Stijl. L’assemblaggio di materiali diversi e trovati casualmente, cui dà il nome di Merz nell’inverno tra il 1918-19, è uttilizzato per ottenere opere a parete e piccole sculture. Nel 1923, tale metodo di composizione dell’opera d’arte inizia ad essere utilizzato anche in senso architettonico: la Merzbau, casa dove lui abita, si trasforma in una sorta di opera totale che attraverso uno sviluppo organico, unisce la vita all’arte. Egli lavora a quest’opera fino al 1943, quando la casa viene distrutta da un bombardamento degli alleati su Hannover. La sua attività si estende alla grafica, alla poesia e al teatro.
 
Sala 8
Jean Gorin (1899-1981) formatosi in ambito accademico, nel 1926 vede sulle pagine della rivista Vouloir alcune opere neoplastiche di Mondrian, van Doesburg e Huszar. Il successivo incontro con Mondrian nel suo studio lo converte completamente allo stile neoplastico, mentre nel 1929 realizza le prime costruzioni a piani montati nello spazio. Nel 1932 conosce direttamente, grazie ad un viaggio in Russia, le opere di Malevich, di Gabo e degli architetti costruttivisti e, al suo ritorno, entra a far parte del gruppo Abstraction-Création. In seguito, introduce nelle sue opere il rilievo, creando delle vere e proprie sculture murali. Inoltre, pur mantenendo il rigore orizzontale-verticale del Neoplasticismo, usa il cerchio e la linea obliqua, distaccandosi in parte dai principi formali di Mondrian.
 
Sala 10
Nicolas Schöffer (1912-1992) pittore, scultore, architetto e urbanista, ritiene che la funzione principale dell’arte e il ruolo dell’artista nella società siano di cambiare la vita e di far migliorare gli esseri umani. Nel 1948, sviluppa l’idea dello spaziodinamismo, creando delle sculture che mettono in relazione elementi immateriali come lo spazio, la luce e il tempo. Contemporaneamente, affronta i problemi della società moderna riflettendo sull’architettura e l’urbanistica.
Completa nel 1955 una serie di disegni e modelli dedicati alla Città cibernetica, divisa in tre settori Lavoro-Riposo-Divertimento.
Ogni settore deve corrispondere a precisi criteri di qualità estetica ed efficacia nel rispondere ai bisogni degli abitanti. Tra i vari progetti, spicca quello per il Teatro Spaziodinamico.
 
Sala 11
Friedrich Kiesler (1890-1965). L’idea di spazio infinito, continuo e fluido, di cui saranno debitrici le avanguardie radicali negli anni Sessanta, costituisce la cifra della poetica di Kiesler, nella sua attività di architetto e in quella di scenografo. Già i primi progetti per installazioni, come il Palcoscenico spaziale del 1924 e la Città Spaziale, di Parigi 1925, realizzati secondo i modelli del costruttivismo sovietico e di De Stjil, lo mettono in contatto con l’avanguardia internazionale. Dal 1930 si trasferisce a New York dove lavora al prototipo di cellula abitativa che definisce Space House. Con la sua opera cerca di trasferire all’architettura le conquiste del surrealismo nelle immagini formali amorfe della Endless House, così come nello Universal Theatre.
 
Sala 12
Carlo Mollino (1905-1973) nonostante l’intensa attività di architetto, si dedica a partire dagli anni Trenta sia alla fotografia che alla letteratura. La sua opera, influenzata dalla frequentazione di artisti come Mino Maccari, Italo Cremona, Alberto Galvano, è improntata ad una discussione sul moderno, condotta in modo assolutamente personale e autonomo. Ne sono esempi le decorazioni e i colori usati per la Società ippica torinese (1937-1940), certamente la sua opera più nota, letta dalla critica come un’apertura all’organicismo e alla lezione di Frank Lloyd Wright. Anche i numerosi edifici costruiti in montagna, partendo dalla tipologia tradizionale del Rascard valdostano, propongono inedite contaminazioni con forme derivate dal Movimento moderno.
 
Sala 13/14
Fotografia surrealista
Con l’affermarsi del Surrealismo, la fotografia sembra essere uno dei mezzi artistici più adatti ad esprimere il lato irrazionale della realtà che ci circonda. L’uso di tagli prospettici imprevisti, la sperimentazione di inquadrature nuove, così come l’applicazione della tecnica del fotomontaggio o delle sovraesposizioni, permettono ai fotografi di mettere in evidenza l’aspetto fantastico della realtà, creando effetti di spaesamento nella dimensione quotidiana delle scene ritratte. L’architettura, da quella antica e in rovina di Sudek, a quella delle città, come Parigi e New York, per Kertesz e Cartier-Bresson, fornisce l’elemento scenografico naturale per creare l’effetto onirico voluto. La dimensione surreale ben si adatta, in quegli anni, anche alla ricerca espressiva dei fotografi attivi in Sud America, come Tina Modotti o Manuel Alvarez Bravo.
 
Sala 15
Wassily Kandinsky (1866-1944) e Paul Klee (1879-1940) maestri riconosciuti dell’astrattismo pittorico, sono due dei più influenti insegnanti del Bauhaus. Entrambi hanno il compito di formare gli allievi tenendo lezioni teoriche sul colore, ma affrontano l’argomento con metodi diversi. Le lezioni sul colore di Kandinsky, al Bauhaus dal 1922 al 1933, sono parte integrante della “teoria della composizione” e il suo insegnamento si fonda sul “disegno analitico” con cui gli allievi imparano a cogliere le tensioni compositive e le linee principali di un oggetto. Il metodo di Klee, che insegna al Bauhaus dal 1921 al 1931, si basa, invece, sul “disegno naturalistico”, una sintesi tra studio della natura e intuizione della pura essenza dell’oggetto, mentre la trasmissione della sua esperienza pittorica passa attraverso la molteplicità per ricondurre ogni cosa all’unità.
 
Fernand Léger (1881-1955) completa il suo apprendistato presso uno studio di architettura a Caen e, giunto a Parigi nel 1900, si mantiene svolgendo la professione di disegnatore per architetti. A Parigi conosce la pittura di Cézanne e quella dei cubisti e il suo stile negli anni Dieci diventa sempre più astratto, mentre la sua tavolozza è composta dal bianco, dal nero e dai colori primari. Nel 1917 introduce nei suoi quadri le forme a tubo, debitrici della sua attenzione verso l’aspetto meccanico dell’industria con i suoi numerosi ingranaggi e meccanismi. Scenografo per teatro, realizza nel 1924 il film astratto Ballet mécanique, mentre nel 1925 espone i suoi dipinti murali e di natura morta nel Padiglione dell’Esprit Nouveau all’Esposizione Internazionale di arti decorative di Parigi.
Le Corbusier (1887-1965) ha una ricca produzione pittorica, grafica e plastica, in stretto rapporto formale e concettuale con l’architettura. La sua formazione culturale passa attraverso viaggi e frequentazioni con grandi architetti del tempo. Nel 1918, scrive con Ozenfant il manifesto artistico Apres le cubisme, che decreta la nascita del Purismo; l’anno successivo è tra i fondatori della rivista “L’Esprit Nouveau”. Il suo saggio “Cinque punti per una nuova architettura” diventa un manifesto per gli architetti del XX secolo, mentre il Modulor, un complesso sistema di proporzioni basato sulla sezione aurea e la serie di Fibonacci, pone l’uomo al centro del progetto. Il tema del luogo è affrontato nella chiesa di Ronchamp, oggetto architettonico di grande plasticità. Negli ultimi anni si dedica principalmente a pittura e scultura.
 
Bauhaus
Molto più di una scuola di arte e architettura, il Bauhaus, nei quattordici anni della sua esistenza, si rivela un importantissimo centro per la cultura artistica del XX secolo in Europa. Fondato nel 1919, sotto la direzione di Walter Gropius, il Bauhaus nasce con lo scopo di unificare tutte le discipline artistiche: scultura, pittura, architettura, artigianato, in una nuova arte del costruire. L’intuito di Gropius trasforma sin dall’inizio la scuola in un centro artistico e culturale d’eccellenza. Tra i maestri, si contano Lyonel Feininger, Oskar Schlemmer, Paul Klee, Wassily Kandinsky, Gerhard Marks e Johannes Itten. Più tardi vi insegnano anche Laszlo Moholy-Nagy e Josef Albers. La scuola si trasferisce a Dessau nel 1926, prendendo sede nel celebre edificio progettato da Gropius. Nel 1928, la direzione passa ad Adolf Meyer, mentre dal 1930 fino alla definitiva chiusura della scuola, nel 1933, è direttore Ludwig Mies van der Rohe.
Josef Albers (1888-1976) studente al Bauhaus dal 1920 al 1923, ne diventa in seguito insegnante fino al 1933. I suoi seminari, rivolti allo studio dei materiali, sono parte integrante del corso preliminare, di cui è il responsabile dal 1928. Sono di questo periodo i suoi assemblaggi con il vetro e le pitture eseguiti su questo materiale, mentre si dedica anche alla grafica per la stampa e al design di mobili e utensili in vetro e metallo. Durante i suoi corsi, gli studenti affrontano i problemi connessi al design e all’uso dei materiali. Trasferitosi negli Stati Uniti negli anni Quaranta, si dedica all’insegnamento soprattutto degli effetti ottici del colore, influenzando buona parte dell’avanguardia degli anni Sessanta e Settanta.
Walter Gropius (1883-1969) dopo una collaborazione presso lo studio di Peter Behrens, da cui assimila l’idea di un’industria come unione tra arte e tecnologia, lavora con Adolf Meyer fino al 1925. Nella fabbrica modello del 1914, impiega il vetro contro le sue caratteristiche, sottolineando la trasparenza di angoli e corpi scala privi di pilastri. Nel 1919, fonda e dirige il Bauhaus, studiando progetti come il Teatro Totale a scena centrale e come la sede della scuola a Dessau, sintesi tra ricerca spaziale cubista e geometria derivata dal Neoplasticismo. Dal 1937 al 1952 insegna presso la Harward University, dove alcuni suoi studenti sono: Philip Johnson, Paul Rudolph e Ieoh Ming Pei.
Pubblicazioni e grafica Bauhaus
Il laboratorio di grafica e tipografia è affidato a Lyonel Feininger, abile xilografo. L’insegnamento prevede anche l’uso dell’incisione su rame e fornisce allo studente una vera e propria formazione professionale. Dal 1922, Gropius decide di usare il laboratorio per ottenere lavori anche all’esterno, anche se i risvolti economici non sono così soddisfacenti. La qualità tecnica raggiunta, però, fa sì che molti artisti si rivolgano alla scuola per la stampa dei loro portfoli, mentre rimane importante la produzione dei maestri quali Feininger, Kandinsky e Schlemmer. Nel 1923, viene fondata la casa editrice Bauhaus-Verlag München-Berlin, il cui logo è disegnato da Moholy-Nagy usando forme geometriche come il cerchio, il quadrato e il triangolo. Tra i libri pubblicati, molti sono dedicati alla diffusione delle teorie sull’architettura, settore in cui i maestri del Bauhaus rappresentano le punte più avanzate.
Fotografia Bauhaus
La tecnica fotografica è materia di studio ufficiale nel Bauhaus solo dal 1929, quando l’insegnamento viene affidato a Walter Peterhans. La fotografia, che unisce in sé tecnologia e arte, ha un ruolo importante nella scuola grazie a Laszlo Moholy-Nagy, la cui continua ricerca sulla luce e sui suoi effetti stimola la sperimentazione fotografica, contagiando maestri ed allievi. Sono da ricordare, tra gli altri, per i risultati ottenuti, oltre alla moglie Lucia Moholy, anche Erich Consemüller, Florence Henri, Gerard Itting, mentre César Domela approfondisce la tecnica del fotomontaggio. Soggetti architettonici privilegiati sono l’edificio sede della scuola e le case dei maestri progettate da Gropius, mentre molte immagini sono dedicate alla documentazione, non solo delle attività didattiche, come il teatro, ma anche dei momenti di relax e di festa.
Oskar Schlemmer (1888-1943) è insegnante al Bauhaus dal 1921 al 1929. I suoi corsi affrontano temi diversi dalla pittura murale, alla scultura su pietra e all’intaglio del legno. È il responsabile dal 1923 del laboratorio teatrale, con il cui gruppo è in tournée in Germania e in Svizzera negli anni 1928-29. Realizza in questo periodo le Bauhaus Dances, ma lavora anche come scenografo per altri teatri tedeschi. Negli anni Trenta, prosegue la sua attività didattica al di fuori del Bauhaus, diffondendo le sue teorie sul rapporto tra uomo e spazio in altre accademie tedesche. Nel 1931 per intermediazione dell’architetto Adolf Rading, accetta di decorare la casa del Dr. Rabe a Zwenkau, realizzando la decorazione murale Uomo seduto con figura in piedi, Elemento di coordinate (sole) e grande profilo.
Ludwig Mies van der Rohe (1886-1969) si forma presso lo studio di Peter Behrens, da cui impara a coniugare severità dei mezzi, purezza della forma e cura del dettaglio, con materiali industriali come vetro e acciaio. Membro della Novembergruppe, si unisce alla redazione della rivista “Gestaltung”. Nel monumento a Karl Liebknecht e Rosa Luxemburg, memore del suprematismo sovietico, dispone cubi di mattone come fossero volumi sospesi. Capolavoro indiscusso è il padiglione tedesco per l’esposizione internazionale di Barcellona. Nel 1930 assume la direzione del Bauhaus, nel 1938 si trasferisce negli Usa dove ricopre numerosi incarichi professionali e sviluppa il tema del grattacielo con struttura a scheletro: sono di questo periodo il Lake Shore Drive e il Seagram Building, a cui collabora anche Philip Johnson.
Giuseppe Terragni, 1904-1943, si diploma nel 1926 al Politecnico di Milano. La sua prima grande opera è il progetto per un’officina del gas, presentato nel 1927 all’esposizione del “Gruppo 7″ alla Biennale di Monza. Emblematico è l’isolato a cinque piani “Novocomun” di Como con la sua policroma semplicità. La soluzione della sovrapposizione di un volume aggettante ad angolo retto sulle vetrate circolari, verrà presa a prestito in seguito dal Costruttivismo sovietico. Il capolavoro assoluto è la Casa del fascio di Como realizzata tra il 1932 ed il 1936: un volume parallelepipedo, rivestito di marmo bianco e privo d’ornamenti, la cui forza nasce dal rapporto tra pieni e vuoti, tra luce e ombra. Uno degli esempi di maggiore intensità poetica è infine il Danteum.
Astrattisti Italiani
La pittura astratta in Italia si consolida nei primi anni Trenta e vede in Enrico Prampolini, prima e Giuseppe Terragni, poi, le due figure principali di ispirazione. Prampolini, pittore futurista, ma sempre aggiornato sulle novità nella ricerca pittorica in ambito astratto nelle avanguardie europee, è figura centrale nel processo di fusione tra futurismo e tendenze costruttiviste alla fine degli anni Venti. Per molti, tra cui Mario Radice, Luigi Veronesi, Manlio Rho, lo spunto arriva anche e soprattutto dall’architettura “razionalista”, ben esemplificata nelle opere e nei progetti di Giuseppe Terragni, per il quale Mario Radice realizza le pitture murali per la sala del Direttorio della Casa del fascio di Como.
Adalberto Libera (1903-1963) elabora ancora studente il Manifesto del Razionalismo Italiano. Nel 1928 è promotore del Movimento Italiano per l’Architettura Razionale per il quale organizza in seguito, le prime due esposizioni. Sulla base del linguaggio razionalista, Libera conduce ricerche in campi differenti, che culminano con la costruzione del Palazzo delle Poste sull’Aventino. Partecipa ai due concorsi per l’Auditorium e il Palazzo del Littorio, mentre raggiunge la piena maturità progettuale con il concorso per il Palazzo dei Congressi all’Eur. è dello stesso periodo Villa Malaparte a Capri, un’architettura magistralmente inserita nella natura dell’isola, tanto da costituire una delle opere più riuscite del razionalismo Italiano.
Luciano Baldessari (1896-1982) si laurea a Milano nel 1922, è legato non solo all’architettura ma anche alla pittura e alla scenografia, arti alle quali si dedica nel corso degli anni Venti. Le sue opere nascono da una profonda conoscenza delle avanguardie internazionali, acquisita nel corso dei numerosi soggiorni all’estero. La sua produzione, dalle prime forme espressioniste sa procedere verso un razionalismo personale e mai scontato. Fra le architetture, oltre alla collaborazione con Figini e Pollini e all’incontro con Gio Ponti, vanno ricordati i padiglioni espositivi: in particolare quello della Vesta, alla fiera di Milano del 1933, e quello della Breda per la fiera di Milano nel 1951, un’ardita struttura a nastro in cemento armato.
Gio Ponti (1891-1979) dopo la laurea a Milano, dirige la fabbrica di porcellane Richard Ginori e realizza i primi progetti, la cui sintassi formale allude tanto all’architettura lombarda quanto alla pittura metafisica. Nel 1928, fonda la rivista “Domus”, che dirigerà fino al 1941, e poi ancora dal 1948 al 1979. Le opere degli anni Trenta hanno toni razionalisti, slegati dalla rigida simmetria dei primi lavori. Nel dopoguerra, Ponti lavora su progetti dalle forme libere, attingendo appieno all’espressività dei colori e dei materiali. L’opera più nota, la Torre Pirelli a Milano, va ricordata soprattutto per l’ardita struttura portante. Dagli anni Sessanta, s’interessa di architettura sacra, la cui vetta espressiva è raggiunta nella grande vela traforata della Concattedrale di Taranto.
Frank Lloyd Wright (1857-1969) si forma presso l’atelier di Adler e Sullivan. L’amore per la natura lo conduce ad abbandonare la metropoli e seguire l’ideale di architettura organica come rifondazione culturale genuinamente americana, legata alla natura e ai materiali naturali. Il capolavoro di Wright, sintesi creativa di organicismo e di influenze cubiste e razionaliste, è la Kauffmann House, costruita sopra una cascata, in Pennsylvania, soluzione architettonica estremamente originale. L’opera più nota è il Solomon Guggenheim Museum di New York, una delle icone dell’architettura del XX secolo, edificio impostato sul tema della spirale che coincide con una grande rampa espositiva cuore dell’edificio.
 
Sala 16
Alvar Aalto (1898-1976) compie frequenti viaggi tra Scandinavia, Europa centrale, Italia e i rapporti con alcuni grandi maestri, tra cui Giedion, Léger, Brancusi, Moholy-Nagy, Braque e Calder, che lo coinvolgono nell’avanguardia architettonica internazionale. L’interesse maturato per elementi come l’uso della luce, l’impiego pittorico dei materiali, il rapporto dialogico tra astrattezza razionalista e naturalismo del paesaggio, rappresenta la sua cifra stilistica. Tra le sue architetture degli anni Trenta vanno citate la biblioteca di Viipuri e il sanatorio di Paimio. Dal dopoguerra l’attività di Aalto si fa sempre più intensa, ed è segnata da una maggiore attenzione per gli aspetti sociali e culturali, in un equilibrio tra padronanza tecnologica, ricerca spaziale e abilità plastica.
Carlo Scarpa (1906-1978) compie i propri studi all’Accademia di belle arti di Venezia.
Le palesi influenze dell’architettura di Wright, vengono elaborate da Scarpa in una poetica del tutto personale.
Il suo intervento più emblematico è la ristrutturazione del museo di Castelvecchio a Verona, un’opera raffinata, dove il dialogo tra vecchio e nuovo è giocato su allusioni e su chiare contrapposizioni. Di grande interesse il progetto per la tomba Brion a Treviso: una sottile contrapposizione di object trouvés che descrivono il suo gusto per il dettaglio e celebrano la morte sublimandola in un’estetica densa di simbolismi.
 
Sala 15 andando verso la sala 17
Arnaldo Pomodoro, 1926, si forma a Pesaro come consulente ai restauri di edifici pubblici, ma studia anche scenografia e fa pratica di lavorazione dell’oro. Nel 1954, trasferitosi a Milano incontra, tra gli altri, Lucio Fontana, mentre cinque anni più tardi conosce a Parigi un altro grande scultore, Alberto Giacometti. Le incisioni caratteristiche delle sculture di Pomodoro rivelano nella materia metallica una sorta di meccanismo primitivo, ma formato di ingranaggi di ascendenza industriale, mentre la superficie rimane liscia e specchiante. Nel 1978 nel presentare il progetto per il Cimitero di Urbino ha la possibilità di trasportare su scala monumentale quella stessa incisione: la dimensione architettonica del progetto gli permette di intervenire direttamente sull’ambiente naturale, la collina sede del cimitero, mentre ne rispetta, in superficie, l’aspetto naturalistico.
 
Sala 17
Louis Kahn (1901-1974) studia presso la University of Pennsylvania a Filadelfia. L’influenza di architetti come Kiesler e Fuller, determina alcuni dei più noti progetti realizzati negli anni Cinquanta, tra cui l’ampliamento della Yale Art Gallery. La matericità rude di Kahn, fatta di piante rigorosamente geometriche, volumi elementari e struttura a telaio, testimonia un profondo interesse per gli elementi primari in architettura. Progetti come il Salk Institute a La Jolla o il Medical Research Building, sviluppano temi autonomi quali il principio della “casa nella casa” ripreso in seguito da Ungers, e dimostrano un controllo assoluto della forma. Ai confini tra arte e architettura è il progetto per Riverside Drive Park, a New York, un esteso parco urbano nato dalla stretta collaborazione tra Kahn e Isamu Noguchi.
 
Sala 18
Alberto Burri, 1915-1995, laureatosi in medicina nel 1940, inizia a dipingere durante il suo internamento come prigioniero di guerra a Hereford, in Texas. Massimo esponente della pittura informale, Burri sperimenta continuamente i materiali con i quali esegue i suoi quadri, dai sacchi, alla plastica, al catrame. Nei primi anni Settanta inizia la serie dei Cretti in ceramica cotta arricchita con caolino. Nel 1981 realizza il Cretto bianco per Gibellina, piccola cittadina del nord-ovest della Sicilia, epicentro nel 1968 di uno dei più disastrosi terremoti del dopoguerra. La soluzione del cretto, costruito con le rovine del terremoto, è immagine metaforica dello sgretolamento delle case avvenuto durante la calamità, e trasporta su grande scala l’idea pittorica.
Nel 1984 viene rappresentata nella Chiesa di San Lorenzo a Venezia l’opera di Luigi Nono Prometeo. Questa è un esempio di collaborazione tra un team composito che realizza un’”evento” artistico dalle molteplici suggestione. Viene coinvolto nel progetto un artista, Emilio Vedova, (1919) sensibile alla dimensione architettonica dell’arte già affrontata nei Plurimi, che qui propone una serie di studi per Segni-immagini in movimento, mentre la creazione dello “spazio musicale” viene affidata all’architetto Renzo Piano (1937). Egli realizza una struttura in legno, che suggerisce attraverso la forma che ricorda la chiglia delle navi, l’esperienza del viaggio e nello stesso tempo funziona da cassa armonica ideale per il trattamento elettronico della musica.
 
Sala 19
Constant (1920) è uno dei fondatori, nel 1948, del gruppo CoBrA e dei protagonisti del Congresso del Movimento per un Bauhaus Immaginista, tenutosi ad Alba, Italia, nel 1956. Nella scultura Le Cirque dans l’espace di quest’anno, esprime la dimensione immateriale dello spazio, concetto che egli approfondisce nel 1958 in Nébulose mécanique. Tre anni dopo, Constant inizia a lavorare New Babylon, progetto inteso non solo come proposta urbanistica, ma come un modo di pensare e di guardare ciò che ci circonda e la vita stessa. L’idea principale è che nel futuro la tecnologia possa dispensare l’uomo da ogni lavoro, dandogli la possibilità di usare la propria creatività e tornare nomade. New Babylon rappresenta per quest’uomo nuovo la città in cui vivere.
 
Sala 20
Christo e Jeanne-Claude, (entrambi 1935), usano, sin dai primi anni Sessanta, l’azione dell’impacchettare gli oggetti per creare una sorta di cortocircuito nella nostra quotidiana percezione di essi. L’occasione di portare tale metodo su scala architettonica, gli viene offerta nel 1968 con l’impacchettamento della Kunsthalle di Berna, in occasione del cinquantesimo anniversario di quest’istituzione. L’edificio, così isolato dal resto del contesto urbano, amplifica la nostra consapevolezza della sua presenza e mostra quanto l’architettura possa essere fonte di emozioni. In questi anni, le loro proposte, spesso pensate per musei d’arte contemporanea, coinvolgono non solo edifici pubblici e monumenti, ma anche grandi estensioni di paesaggi naturali.
 
Sala 21
Jean Dubuffet (1901-1985) uno dei maestri dell’Informale negli anni Cinquanta, inizia nel 1962 un ciclo di opere caratterizzate dalla forma grafica de L’Hourloupe. Questa forma, inizialmente sfruttata solo sulle due dimensioni, viene impiegata per opere tridimensionali dal 1968, come in Tours aux figures e in Aerogyre, sculture che già esprimono le potenzialità monumentali sviluppate in seguito in opere come Jardin d’email del Kröller-Müller Museum di Otterlo, completato nel 1973. Le opere, che egli realizza d’ora in poi, sono vere e proprie proposte architettoniche, dove la forma organica de l’Hourloupe crea delle strutture complesse, come in Rues et immeubles de la ville o nel Monument à la bête debout.
 
Sala 22
Piero Manzoni (1934-1963) pone il problema dello spazio in maniera irrisoria nei Corpi d’aria, sorta di kit composto di un treppiede in metallo, un palloncino gonfiabile e un cartocino con brevi istruzioni per l’uso. Questi lavori sono molto vicini al progetto, teorizzato tra il 1960-61, per il Placentarium, teatro il cui involucro viene gonfiato fino ad avere un diametro di diciotto metri ed è sostenuto dalla pressione pneumatica. All’interno si presenta come una sorta di labirinto composto da molte celle controllate da un computer. Lo spettatore può determinare attraverso la sua struttura psichica, in contatto con l’elaboratore elettronico, l’itinerario e il tipo d’esperienza vissuta all’interno della struttura.
Lucio Fontana (1899-1968) inizia il suo apprendistato artistico nella bottega del padre scultore, dove inizia anche la sua attività artistica. Fonda nel 1947 il Movimento spaziale e pubblica il primo Manifesto dello Spazialismo, che segna uno dei momenti fondamentali per lo sviluppo dell’arte e dell’architettura del dopoguerra, auspicando lo sviluppo di un’arte “tetradimensionale” che contiene in sé le quattro dimensioni dell’esistenza. Usa per primo il neon come materiale per l’arte nel 1951 per il soffitto della IX Triennale di Milano, materiale che riutilizza anche per il soffitto per Italia ’61 a Torino. Sono datati tra il 1964-66, i Teatrini, opere composte da cornici-quinte in legno laccato con fondale in tela con forature, mentre la superficie è ricoperta con idropittura.
 
Sala 23
Francesco Lo Savio (1928-1963) è figura importante per lo sviluppo della ricerca in campo neoconcreto tra anni Cinquanta e Sessanta. Le sue opere si muovono dalla bidimensionalità dei filtri alla tridimensionalità delle articolazioni totali, analizzando il rapporto tra colore e luce o il grado zero di espressività della materia e del colore, come in Metallo nero opaco uniforme, per giungere alle sculture in cemento e metallo. Nei primi anni Sessanta propone anche progetti architettonici. Il disegno di una forma nello spazio, sempre la stessa, attraversata in tutte le direzioni dalla luce diventa il progetto per una casa, Maison au Solei, mentre basa proposte urbanistiche sulla ripetizione di moduli costruttivi.
Yves Klein (1928-1962) è segnato da un destino che lo vede bruciare velocemente le tappe di un percorso artistico pieno di momenti significativi e “rivoluzionari”, dalle Antropometrie ai dipinti monocromi blu, e nutre un forte interesse per l’immateriale. Alla fine degli anni Cinquanta, già immagina fontane di fuoco ed acqua, mentre fissa, insieme a Werner Ruhnau il concetto di “architettura dell’aria”, idea nuova del costruire basata sull’immaterialità e l’utilizzo di elementi primari naturali, come l’aria, il fuoco e l’acqua. In collaborazione con l’architetto Claude Parent, propone il progetto per una città climatizzata, sorta ti paradiso terrestre tecnologico,dove il controllo assoluto delle situazioni termiche ed atmosferiche si ottiene usando gli elementi naturali.
Paolo Soleri, (1919) dopo aver conseguito la laurea in Architettura a Torino, si trasferisce negli Stati Uniti dove lavora presso lo studio di Frank Lloyd Wright. L’influenza del maestro è dichiarata nelle opere degli anni Cinquanta, in particolare nella fabbrica di ceramica Solimene a Vietri sul Mare. Una struttura policroma che pare incastonata nella scogliera amalfitana. Alla fine degli anni Cinquanta, Soleri si trasferisce in Arizona a Scottsdale, dove istituisce la Cosanti Foundation: un insediamento sperimentale aperto agli studenti di Architettura dell’Arizona. Negli anni Settanta fonda, sempre nel deserto dell’Arizona, la città modello, tutt’ora in corso di realizzazione, di Arcosanti. Il suo nucleo iniziale è una megastruttura a 25 piani in grado di ospitare 5000 persone.
 
 
 
Piano Nobile
Sala 1
Architettura Radicale
I nuovi linguaggi figurativi ed espressivi introdotti dalla cultura pop e diffusi dai mass media innescano nella Londra degli anni Sessanta la necessità di un rivoluzionario cambio di prospettiva rispetto alla cultura architettonica tradizionale. Il recupero di elementi come la materia, il colore e la forma, investono ogni aspetto della disciplina architettonica e diventano parte integrante della nuova architettura definita Radicale. A partire dal modello londinese del gruppo Archigram, noto per le celebri utopie urbane, l’Architettura Radicale, si sviluppa in Italia tra la fine degli anni Sessanta e i Settanta attraverso le esperienze diverse ma analoghe degli Archizoom, dei Superstudio e degli Ufo, influenzati dall’arte povera e dalla cultura pop. Un’architettura per la cui diffusione si rivelano essenziali riviste specializzate come Architectural Design diretta da Monica Pidgeon sul finire degli Anni Sessanta e Casabella diretta da Alessandro Mendini tra il 1970 e il 1977.
Ettore Sottsass (1917) partito da una colta e raffinata ricerca di significati simbolici e una personale sensibilità per colori e materiali, debitrice tra l’altro di suggestioni orientali, intraprende un percorso personale e autonomo che, negli anni Sessanta assume esiti anticonformisti, conessi con l’avanguardia Radicale. Gli stimoli derivati dalla riflessione sugli standard e sulla modularità, ma anche la conoscenza dell’arte concettuale e l’adesione alla cultura pop, lo conducono a ideare tra gli anni Sessanta e Settanta progetti più legati alla ricerca sperimentale che alla concreta realizzazione, destinati ad influenzare profondamente la personale interpretazione dell’architettura negli anni seguenti, dalle celebri visioni di Nonsense Architettonico, ai progetti per abitazioni unifamiliari.
Archigram, è il nome di un gruppo nato nel 1960 dalla collaborazione tra Warren Chalk, Peter Cook, Dennis Crompton, David Greene, Mike Webb. Le immagini di architetture meccaniche, metafore di figure tratte dal mondo tecnologico, restano grandi utopie, lontane da qualsiasi ipotetica realtà costruita o costruibile. Un messaggio autoironico che fa proprie le tecniche del fumetto, della grafica pubblicitaria e della moda, per imporsi come declinazione autonoma della Pop Art. Dal “mostro” meccanico della Montreal Tower, ai progetti urbani come la nota Walking City, le opere degli Archigram mettono in discussione la nozione stessa di luogo, che viene ridotta alla capsula abitativa artificiale, intesa come un’ossatura trasportabile.
 
Sala 2
Five Architects nascono da un’esperienza newyorkese avviata nel 1969 e conclusa all’inizio degli anni Ottanta, che vede affiancati gli architetti Peter Eisenman, Michael Graves, Charles Gwathmey, John Hejduk e Richard Meier. La pubblicazione del testo Five Architects nel 1972, consacra tale collaborazione presentando le loro opere come un’efficace risposta a correnti architettoniche, come per esempio il brutalismo. Il gruppo nasce dalla comune volontà di contestare tendenze manieriste dell’architettura contemporanea, come il brutalismo, in favore di un’architettura “pura”, debitrice della lezione di Le Corbusier, ma anche di De Stijl, e in grado di dissolversi fino alla trasparenza in volumi estremamente complessi e in forme concettuali.
Arata Isozaki (1931) riceve la propria formazione all’Università di Tokyo e la completa presso lo studio di Kenzo Tange con il quale collabora fino agli anni Sessanta. In questo decennio, associandosi al gruppo dei metabolisti giapponesi, elabora in forme personali l’idea di “maniera” e immagina progetti basati sulla ripetizione del modulo cubico. Dalla fine degli anni Settanta si appropria di tecniche postmoderne come la citazione e la decontestualizzazione. Dal Tsukuba Center Building, una piazza interrata che cita dichiaratamente il Campidoglio, al Musashikyuryo Country Clubhouse, nel quale il gioco della ripetizione è addirittura ridondante, fino a un’interpretazione della citazione classica più convenzionale ed elegante, come nel progetto per Art Tower Mito.
Sol LeWitt (1928), principale esponente della Minimal Art, formula sin dai primi anni Sessanta un metodo compositivo rigoroso, basato sulla geometria e sull’essenzialità. LeWitt utilizza una proporzione ben determinata per bilanciare lo scheletro esterno della struttura con lo spazio vuoto, adottando il cubo, in quanto forma geometrica in grado di essere manipolata in infinite variazioni. In questo modo, egli costruisce una griglia con la quale realizza sculture come Modular Cube-Base (Untitled Cube) del 1968. L’aspetto architettonico del metodo costruttivo modulare viene sfruttato anche nelle Concrete Structures degli anni Ottanta, mentre esplora la possibilità di uscire dalla bidimensionalità della pittura nei Wall drawings, disegni e dipinti direttamente sul muro degli edifici, in modo da trasformare la nostra normale percezione della loro architettura.
 
Sala 3
Norman Foster (1935), fin dai primi edifici realizzati in collaborazione con Richard Rogers, manifesta la propria tensione verso un’architettura high-tech, dove gli elementi strutturali e gli impianti, esibiti, sovradimensionati ed enfatizzati da un uso provocatorio dei colori, assumono valore decorativo. L’architettura di Foster, fortemente influenzata da personalità come Richard Buckminster Fuller, Konrad Wachsmann, Charles Eames, intraprende strade innovative realizzando progetti che hanno raggiunto nuovi traguardi nell’ingegneria strutturale. Il Sainsbury Center for Visual Arts a Norwich, l’ardita struttura della Hong Kong and Shangai Bank, o l’elegante Carrée d’Art a Nimes, rappresentano tre aspetti differenti di questa poetica.
 
Sala 4
Dan Graham (1942), dopo essersi dedicato ad una progettazione della comunicazione che dal concettuale si è evoluta verso il comportamentale, dal 1980 s’impegna nella costruzione di architetture, che tendono all’allargamento del funzionamento dell’arte e della visione estetica della costruzione pubblica. I suoi padiglioni tentano di integrare, in un unico oggetto, un sistema diversificato di elementi comunicativi, dal linguaggio di una scultura riduttiva, minimalista, alla sua contestualizzazione nell’ambiente. La semplicità dei volumi, cubi, cilindri, parallelepipedi, fa risaltare le capacità mimetiche delle tecniche di costruzione industriale. L’uso degli specchi trasforma la “scultura-architettura” in un oggetto leggero e fragile dove lo spazio esterno ed interno si confondono.
Gordon Matta-Clark (1943-1978) figlio del pittore surrealista Roberto Matta, si diploma in Architettura alla Cornell University nel 1968. Sin dai primi anni Settanta, egli usa media diversi, dal disegno alla fotografia e al video, e si avvicina all’architettura con un approccio “de-costruttivista”. Tra il 1972 e il 1973, Matta-Clark inizia a lavorare direttamente su edifici abbandonati o in demolizione nei quartieri newyorchesi, praticando dei tagli nelle pareti interne per mettere in comunicazione spazi diversi. I suoi “tagli” modificano radicalmente l’impianto architettonico dell’edificio scelto, come in Splitting (1974), dove la casa è letteralmente divisa in due. La documentazione fotografica e video di queste de-costruzioni, come in Bingo del 1974, testimonia l’aspetto performativo del suo fare artistico.
Aldo Rossi (1931-1997) assume la storia come strumento essenziale al progetto. Le influenze del classicismo visionario di Boullée, dell’impronta razionale di Loos, la forza delle visioni metafisiche di De Chirico, sono riferimenti evidenti fin dai primi progetti, che si avvertono anche nell’architettura effimera del Teatro del Mondo, per la prima Biennale di Architettura a Venezia. Fondamentali risultano i suoi contributi allo studio della città e del luogo, nel testo L’Architettura della Città. Tra i numerosi progetti si ricorda l’hotel Il Palazzo a Fukuoka, con cui esporta in Giappone una personale interpretazione dell’architettura italiana, ma anche il Teatro Carlo Felice di Genova, sintesi postmoderna di architettura e città.
 
Sala 5
Hans Hollein (1934) si muove sin dagli inizi, con grande coerenza tra arte, design e architettura.
Fortemente critico verso il funzionalismo, anticipa per certi aspetti gli esiti di gruppi appartenenti all’avanguardia radicale come Archizoom o Superstudio, ma rappresenta un riferimento implicito anche per gli OMA. Una grande attenzione per il dettaglio e per l’uso sapiente di materiali preziosi e l’estrema capacità di controllo dei volumi si manifestano già in uno dei primi progetti: il Museo Statale Abteiberg a Mönchengladbach. Qui paesaggio naturale e arte esposta si alternano rivestendo pari dignità. Un gioco ironico di citazioni e l’utilizzo provocatorio dei colori rappresentano la cifra dell’architettura di Hollein.
Gaetano Pesce (1939), architetto di formazione principalmente italiana attivo a New York, basa la propria opera su di una cultura progettuale sperimentale, anticonvenzionale e antirazionalista. A partire dalla metà degli anni Sessanta, quando si fa promotore dell’architettura “elastica”, aderisce alla corrente radicale nell’ambito del design e dell’architettura. Emerge già in quelle prime opere una predilezione per l’aspetto scultoreo dell’opera e una grande attenzione all’utilizzo dei materiali. Il suo impegno come architetto si concretizza in concorsi internazionali, come quello per Les Halles o per il Chicago Tribune, e in edifici di abitazione come Hubin’s House Project o Vertical Loft.
Dennis Oppenheim (1938), dopo le esperienze nell’arte concettuale e nella Land Art, dal 1988 passa ad articolazioni scultoree su grande scala, che scaturiscono da una relazione inedita di oggetti diversi. Le sue opere sono il frutto di una pratica alterante del paesaggio urbano, come in Device to Root Out Evil realizzata a Marghera nel 1997, in cui dimostra di voler sconvolgere ogni credenza, anche quella religiosa, semplicemente attraverso l’uso dell’immagine di una chiesa capovolta. Il recupero dell’interiorità si fa palese anche in altre proposte architettoniche, come in Drinking Structure with Exposed Kidney Pool, dove la casa s’intreccia ad una piscina a forma di rene. I suoi progetti architettonici propongono luoghi labirintici e senza scopo a metà strada tra realtà e sogno.
Siah Armajani (1939) affronta sin dalla fine degli anni Sessanta la tematica dello sconfinamento tra arte e architettura, esplorando l’idea di passaggio nella forma metaforica del ponte. Partendo dall’azione del costruire, prende in considerazione l’oggetto architettonico per eccellenza, la casa, e la scompone nei suoi vari elementi, creando una sorta di vocabolario visivo di singole entità che possono essere intrecciate e mescolate a piacere, come in Closet under Landing. Questa sua ricerca lo porta, inoltre, a progettare in scala reale le reading houses: spazi della lettura, luoghi di colloquio e incontro, sempre nel tentativo di modificare la nostra percezione e il nostro comportamento.
Vito Acconci (1940) basa il suo fare artistico su una spiccata attitudine a sollecitare disordine e confusione al fine di trasformare la realtà. I suoi interessi per l’architettura iniziano alla fine degli anni Settanta, ma assumono un carattere più progettuale nel 1988, quando fonda l’Acconci Studio, basato sulla collaborazione tra artisti, architetti e designers. Il suo scopo è produrre progetti architettonici in grado di confondere le convenzioni e i ruoli fra arte e architettura, vista quest’ultima come emozionante e comunicativa, spettacolare e festosa. Si occupa anche di macro-architettura, presentando progetti per parchi giochi, per discariche pubbliche o per centri ricreativi, dove tenta un recupero delle forme naturali ed organiche del vivere.
 
Sala 6
Alessandro Mendini (1931) si divide tra l’architettura e il design. Come direttore delle riviste “Casabella” prima, poi di “Modo”, da lui fondata e infine di “Domus”, partecipa attivamente al dibattito teorico sull’architettura in Italia negli anni Settanta, avvicinandosi all’esperienza Radicale.
Il recupero dei valori decorativi e della dimensione artigianale dell’opera, offrono una visione personale del design ma anche dell’architettura. Dalla fine degli anni Ottanta, attraverso l’Atelier Mendini riprende, assieme al fratello, a occuparsi concretamente di architettura. Progetti come la Casa Alessi a Omegna, la Torre del Paradiso a Hiroshima, il Museo di Groninger, rappresentano esempi unici di architettura costruita.
John Hejduk (1929-2000) desta un estremo interesse per il proprio ruolo didattico e teorico più che per l’attività di architetto. La complessa elaborazione di tipologie abitative elementari, che sperimentano spazi e scale di grandezza fino ai loro limiti estremi, si esemplificano nei progetti per le Wall Series Houses, le Texas Series Houses o le Diamond Series e documentano la sua intensa capacità analitica e formale. L’esperienza degli anni Settanta all’interno dei Five Architects, gli consente di sperimentare nuove figure architettoniche che, poste in relazione con il luogo, interagiscono provocatoriamente con esso in un complicato equilibrio tra opera architettonica e composizione poetica.
 
Sala 7
Charles Simonds (1945) ha iniziato il suo percorso artistico creando degli edifici in miniatura per le strade di New York. Queste costruzioni sono fatte di piccoli mattoni di creta e sono inserite all’interno di segmenti spezzati di muro o in particolari aperture. Queste costruzioni ricordano quelle dei Nativi Americani, ma anche antichi resti di architetture del passato e possono essere realizzate in strada o presentate sotto forma di scultura, come nella serie Circles and Towers Growing, 1978. Presentando architetture che sembrano appartenere al passato, evidenzia gli aspetti sociali del costruire attraverso la considerazione di ciò che la nostra cultura contemporanea crea, distrugge, valorizza e lascia dietro di sé sotto forma di rovine.
SITE, acronimo di Sculpture In The Environment, è una società multidisciplinare di progettisti fondata nel 1969 da James Wines e Alison Sky. La valenza architettonica e scultorea delle celebri facciate della catena di Magazzini Best, raffigura coerentemente il programma definito dal gruppo di allontanare l’architettura da uno stretto funzionalismo. Immagini di edifici in rovina, prospetti sollevati dal livello del terreno, lembi di asfalto che si sollevano dal suolo a contenere parcheggi, sono diventare ormai icone della “de-architetctura” divulgata dai SITE. Tra le altre opere del gruppo vanno segnalati il Museo d’Arte Moderna a Francoforte, il Ponte dei Quattro Continenti a Hiroshima e il parco Ross’s Landing nel Tennessee.
 
Sala 8
I possibili sconfinamenti tra arti e architettura trovano un esempio emblematico nei progetti realizzati da Claes Oldenburg (1929) e CoosjeVan Bruggen (1942) artisti, e Frank Gehry (1929) architetto. Nel loro lavoro esiste un primo aspetto progettuale, caratterizzato da immediatezza ed informalità, e una fase successiva in cui si affrontano gli aspetti tecnici della concreta realizzazione dell’idea iniziale. I costumi, le installazioni e la Barca Coltello realizzati per la performance de Il Corso del coltello, tenutasi a Venezia nel 1985, o il Chiat/Day Building, sono esempi della loro proficua collaborazione, dove la comune riflessione sul costruire si unisce alla libertà della loro forza creativa, mentre i modellini di Oldenburg e van Bruggen per musei a forma di topo e i disegni preparatori di Gehry per il Museo di Bilbao o della Gehry Residence mostrano il continuo attraversamento di campo sistematicamente operato dai tre autori.
La forma del pesce appare per la prima volta nell’opera di Frank O. Gehry (1929) nel 1981 e diventa, da quel momento, uno degli elementi prominenti di diversi progetti architettonici da lui realizzati negli anni Ottanta. Inizialmente, l’uso del “pesce” è per Gehry un modo di ironizzare sull’attenzione dell’architettura postmoderna per i motivi classici, ma in seguito il persistere di questa forma può essere giustificato come allusione simbolica alla sua infanzia e come un punto fermo nella sua ricerca sulla flessibilità strutturale di una forma. L’installazione itinerante GFT Fish, 1985-86, commissionata dal Gruppo Finanziario Tessile, rivisita l’idea dello stand pubblicitario, creando una scultura in grado di adattarsi alle molteplici necessità del committente.
Frank O. Gehry (1929) adotta nella propria architettura elementi come la dissoluzione delle convenzioni tettoniche e l’uso improprio di materiali consueti, come nella sua residenza privata a Santa Monica, dove la trasparenza negli spazi interni e la scomposizione in parti, la rendono una sorta di manifesto del decostruttivismo. L’amicizia con artisti come Serra, Oldenburg e van Bruggen influenza la sua riflessione sull’architettura negli Novanta, culminata nella realizzazione del Museo Guggenheim a Bilbao. Questo edificio, il cui aspetto plastico fatto di volumi irrazionali è dovuto anche all’uso di tecnolgie informatiche e alla sperimentazione sui materiali, rappresenta oggi un’icona di come l’architettura incida sul cambiamento economico e sociale di una città.
 
Sala 9
Mario Botta (1943) e Enzo Cucchi (1949) collaborano nel 1994 alla realizzazione della Cappella di Santa Maria degli Angeli al Monte Tamaro. Per accedere alla chiesa, Botta pensa l’entrata come una sorta di passaggio rettilineo esterno, da cui si gode la magnifica vista del panorama montano per scendere poi alla navata principale ed infine accedere allo spazio cilindrico della cappella. L’abside di questa ospita il principale intervento segnico di Cucchi: due mani offerenti incise su fondo blu, mentre nelle pareti si trova un ciclo di ventidue formelle di cemento, due per ogni finestra, intarsiate con la narrazione dei temi mariani. La decorazione della volta presenta forti segni pittorici, che attraverso un solo gesto, unificano la lettura spaziale dei differenti elementi architettonici.
Anish Kapoor (1954) basa la sua concezione artistica su di un complesso universo di forme volumetriche e cromatiche, che sono autosufficienti e autogeneranti. Le sue sculture, anche in grande scala, diventano progetti architettonici e ruotano intorno all’idea di transito tra pieno e vuoto, materiale e immateriale, leggero e pesante, creando per il visitatore una sorta di spazio mistico. Nel progetto per South Bank, in collaborazione con Future System, Kapoor cerca di creare un edificio non-oggettuale in cui architettura e paesaggio siano un tutt’uno, mentre Building for a Void, costruito in occasione della Esposizione di Siviglia nel 1992, dichiara, già nel titolo che l’architettura è il risultato del costruire intorno ad uno spazio vuoto.
Massimiliano Fuksas (1944) compie la propria formazione principalmente a Roma, dove si laurea e dove apre il proprio studio. La professione, che svolge tra Roma e Parigi, si alterna alle esperienze didattiche, che lo vedono professore invitato tra l’altro presso la Staadtliche Akademia des Bildenden Kunste di Stoccarda, l’Ecole Spéciale d’Architecture a Parigi, e la Columbia University di New York. La grande attenzione allo studio dei problemi urbani ed in particolare alle periferie, sono la base di molti tra i suoi progetti. Il Centro Congressi Italia, pensato per Roma, viene inteso come una grande nuvola in teflon che si libra all’interno di un parallelepipedo trasparente: una volumetria debitrice del decostruttivismo.
 
Sala 10
Emilio Ambasz (1943), architetto e designer di origine argentina, vive e lavora principalmente a New York, dove coordina per diverso tempo la sezione di Design del Museum of Modern Art. Progetti recenti come la Banca dell’Occhio, ma anche la celebre Casa de Retiro Espiritual, una sorta di luogo per meditare sopraelevato, riduzione simbolica dell’abitazione, sono testimonianza di una grande sapienza nell’utilizzo degli spazi e delle volumetrie più semplici in forme inedite. Dall’ambiente domestico al progetto di musei, Ambasz reinterpreta con personale eleganza gli aspetti maggiormente poetici del Modernismo e fa propria la stretta relazione tra architettura e paesaggio naturale, dimostrando un gusto davvero raffinato per la luce e i materiali.
Stephen Antonakos (1926) si esprime con media diversi e la sua produzione artistica comprende la scultura, il collage, il disegno, la stampa, per arrivare alle installazioni e, nell’ultimo decennio, ad opere architettoniche. Matrice comune del suo linguaggio è l’astrazione geometrica che si unisce all’uso del neon, elemento che unisce la tecnologia moderna con il misticismo della luce. Altra componente fondamentale di queste costruzioni, di solito cappelle, è la fusione di teorie e pratiche architettoniche legate alle avanguardie del primo Novecento con la tradizione culturale della Grecia. La rarefazione della luce emessa dal neon e la creazione di spazi in armonia tra tradizione bizantina e moderno rigore geometrico rispettano ed esaltano la loro funzione meditativa e di preghiera.
 
Sala 11
Balkrishna Doshi (1927) mette in pratica la lezione di Le Corbusier filtrata dalla suggestione della cultura indiana. Si forma come disegnatore presso lo studio del maestro del Modernismo, per il quale sovrintende i grandi progetti indiani di Chandigarh e Ahmebad. Negli anni Cinquanta Doshi fonda la Vastu-Shilpa Foundation, un centro studi e ricerche per l’architettura, che adotta pionieristiche soluzioni per le abitazioni economiche. È docente presso la School of Architecture di Ahmabad dove trasmette una sensibilità personale che filtra sapientemente gli elementi dell’architettura moderna attraverso il contesto indiano, un’architettura caratterizzata da un uso originale di colori e materiali.
Peter Eisenman (1932) manifesta un saldo connubio fra teoria e prassi che nasce nell’intento di sperimentare al di là del rapporto tra forma e funzione. L’opera di Eisenman è influenzata inizialmente dal razionalismo italiano e in particolare dalla figura di Giuseppe Terragni. Dalle abitazioni unifamiliari, progetti realizzati che assumono il valore ideale di manifesti teorici, all’esperienza di architettura “pura” maturata in ambiente newyorkese nel periodo dei Five Architects, riesce a muoversi dalle forme semplici derivate da De Stijl, a volumi anche molto complessi, come il Greater Columbus Center, una rappresentazione tettonica della teoria del caso rappresentata da René Thom, senza perdere l’intensità visionaria dei primi lavori.
 
Sala 12 (Cappella del Doge)
Thomas Hirschhorn (1957) realizza le sue opere interamente con materiali precari, tratti dal mondo degli oggetti comuni, come la carta stagnola, il nastro adesivo marrone, il cartone. L’accumulazione rozza e casuale di questi materiali nega un ordine architettonico precostituito e le strutture così costruite si mimetizzano con la crescita “organica” delle metropoli, tentando una sorta di recupero della spontaneità dell’artigianato. Hirschhorn usa la lacrima come simbolo iconografico dei concetti di confusione e di destabilizzazione emotiva, in quanto espressione di energia incontrollata. In Twin Tear, le due grosse lacrime di colore rosso sono pensate come metafora della tragedia delle Twin Towers e trasformano i due grattacieli in goccie di sangue.
Tom Sachs (1966), formatosi in ambito architettonico, basa il suo lavoro principalmente sulla manipolazione delle immagini commerciali e su come sono da noi percepite. Nell’installazione Nutsy’s, s’ispira all’Unité d’abitation progettata da Le Corbusier e terminata a Marsiglia nel 1952. L’edificio, inteso come prototipo abitativo del dopoguerra, rappresenta nel mondo ricreato di Nutsy’s il modernismo idealistico in contrapposizione con quello commerciale rappresentato dai McDonalds. Attraverso l’uso consapevole del bricolage, Sachs costruisce un modello in scala 1:25 dell’Unité, oggi uno dei più grandi e dettagliati, mentre il modo ossessivo con cui ha misurato ogni centimetro dell’edificio è testimoniato dai video che accompagnano l’installazione.
 
Sala 13
Gae Aulenti (1927), la cui formazione si compie con la collaborazione alla rivista “Casabella” diretta da Ernesto Nathan Rogers all’inizio degli anni Sessanta, matura una particolare predilezione per il progetto di museo. Il suo è un lavoro eterogeneo che affianca alla progettazione architettonica, il design, l’allestimento e la messa in scena, oltre al progetto urbano. Due tra le sue opere più riuscite degli anni Ottanta sono senza dubbio l’allestimento del Musée d’Orsay a Parigi e del Museu Nacional d’Art de Catalunya a Barcellona, ma va senz’altro menzionato anche il recente New Asian Art Museum di San Francisco. Da ricordare, tra i suoi progetti più incisivi, l’Unità di vinificazione nella tenuta di Campo Sasso.
Mario Bellini (1935) spazia tra un’architettura legata all’invenzione del sito, al disegno urbano e al design di arredi e prodotti industriali. Appassionato d’arte si dedica all’allestimento di importanti esposizioni. Considerato uno degli ultimi solidi interpreti della stagione del design milanese, Bellini emerge negli anni Sessanta grazie alla proficua collaborazione con Olivetti. Dopo un lustro passato alla direzione della rivista “Domus”, s’impegna in una serie di progetti architettonici nazionali e internazionali che palesano una difficile mediazione tra cultura razionalista e riferimenti postmoderni. Tra questi il Ryoma Sakamoto Memorial Hall, e il Centro Culturale di Torino.
Ilya (1933) e Emilia (1945) Kabakov usano la progettazione architettonica per creare luoghi adatti stimolare la percezione sensoriale dello spettatore. La loro riflessione, caratterizzata da una cultura nomade in quanto hanno deciso di lasciare il loro paese di origine nel 1988, li porta a confrontarsi continuamente con il passato e presente della società russa, che ha vissuto momenti di grande cambiamento seguiti a periodi di regime reazionario. Nelle tavole progettuali per Centro di Energia Cosmica è evidente il loro debito verso la progettazione architettonica di matrice costruttivista, ispirata ad una rilettura della filosofia russa di inizio Novecento, mettendo in evidenza il carattere utopico delle soluzioni proposte dagli architetti e dagli artisti di quella gloriosa epoca creativa.
 
Sala 14
Elisabeth Diller (1954) e Ricardo Scofidio (1935) rendono originale la propria posizione nel dibattito architettonico contemporaneo attraverso un legame inscindibile tra architetture costruite e volumetrie virtuali. Un utilizzo esclusivo delle tecnologie informatiche per il disegno dell’architettura, si sovrappone talvolta al progetto e finisce per influenzarlo nell’adozione di volumi complessi e in scelte formali non lineari. Progetti come il Blur Building o l’Eyebeam Building testimoniano questa vocazione alla complessità come risultato di una scelta progettuale. Lo studio si confronta anche con la videoarte utilizzando media diversi per rappresentare le proprie opere. Il tema dell’architettura per il benessere quotidiano, definito con un neologismo “liveness”, rivela un preciso impegno sociale.
 
Sala 15
Grazia Toderi (1963) usa l’immagine video per indagare un microcosmo di eventi minimi, ma carichi di possibili riflessioni sulla condizione umana, fissando l’attenzione su dettagli quotidiani e situazioni di apparente fragilità. Nella videoproiezione Il decollo, 1998, l’immagine notturna di uno stadio con le sue luci sfavillanti è ripresa dall’alto a sottolinere la forma elittica della struttura. I giochi di luce e la geometria della costruzione, uniti al sottofondo sonoro dei cori delle tifoserie ci vede spettatori distaccati e lontani di un mondo in realtà carico di passioni umane, talvolta addirittura viscerali. L’architettura dello stadio, complice la ripresa aerea e la rarefazione della luce, si trasforma in un’astronave multicolore osservata nel momento stesso in cui sta per decollare.
 
Sala 16
Ben Langlands (1955) e Nikki Bell (1959) esplorano la complessa rete di relazioni che collegano le persone all’architettura e ai sistemi codificati di circolazione e scambio di informazioni. La serie dei Logo Works richiama una sorta di moderna araldica. I due artisti mostrano in queste opere come i grandi palazzi, sedi dei quartieri generali di aziende corporative come la BMW o l’IBM, dominino il paesaggio urbano e giochino un ruolo chiave per la strategia pubblicitaria delle compagnie stesse. La pianta di questi edifici, presentata come rilievo immacolato su fondo monocromo, funziona come un “super logo”, con il quale l’azienda comunica la sua identità e le sue intenzioni verso il pubblico e gli impiegati nel momento in cui questi entrano e lavorano nell’edificio.
Bodys Isek Kingelez (1948), artista congolese, dagli anni Ottanta realizza sculture-maquette con materiali poveri come il cartone colorato. Opere come Etoile Rouge Congoleise, Palais d’Hiroshima e Bodys City mettono in ridicolo il rigore dell’architettura occidentale con i suoi palazzi d’acciaio e vetro ed introducono l’elemento del bricolage tipico delle costruzioni anonime delle periferie africane, dove il colore e le forme non geometriche sono predominanti. Dalla singola maquette, Kingelez passa in seguito alla progettazione su scala urbanistica con i modelli di grandi dimensioni, come Ville Fantôme, rappresentazioni tridimensionali di città future, dove il kitsch degli edifici si lega alla gioiosa atmosfera di queste “città fantasma”.
Tadashi Kawamata (1953) adotta un metodo di lavoro molto vicino a quello messo in pratica nei cantieri edili e sceglie per i suoi interventi sia luoghi in demolizione che in costruzione. I suoi progetti spaziano dalla trasformazione di una singola casa o appartamento fino all’intera riconfigurazione di una città, usando quasi esclusivamente materiali di scarto, specialmente legno, con i quali crea strutture nuove e inusuali, a metà strada tra la precarietà delle impalcature edilizie e le baracche provvisorie tipiche delle favelas o degli slums delle metropoli, come in La Maison des Squatters realizzato a Grenoble nel 1987. L’alterazione temporanea della nostra percezione evidenzia i meccanismi legati al costruire e progettare i luoghi dove abitiamo.
La poetica artistica di Siah Armajani (1939) è orientata verso un’arte “pubblica” che esce dalle gallerie e dai musei per entrare nella città. Inevitabile il confronto con l’architettura, in quanto arte per eccellenza con valenze pubbliche, ma anche sociali. Nelle sue installazioni, presenta delle costruzioni archetipe che riflettono la nostra relazione con l’architettura, pensando di fornire un vocabolario nuovo per trasformare lo spazio in cui viviamo. Dalle stanze dedicate alla lettura o a personaggi storici, Noam Chomsky o Sacco e Vanzetti, il tema qui presentato è quello dell’esilio. Glass Room of an Exile n. 2, 2003, costruita in vetro e alluminio, si trasforma in una gabbia, forma architettonica metaforica della condizione di chi è costretto a vivere lontano dal proprio paese.
 
Sala 17
James Turrell (1943) diplomatosi in Psicologia, ma interessato anche all’astronomia, alla geologia e alla matematica, ha incentrato il suo lavoro di artista sulla luce e sulla percezione e le sue installazioni, che accolgono forme pure di luce, sono progettate con la precisione di uno strumento ottico. Egli realizza modelli in scala per spazi autosufficienti, in cui la forma architettonica non ha alcuna relazione con l’interno, ma serve solo a creare uno spazio neutrale in cui trattenere o escludere la luce, come in Boullée Boula. Di questi Spazi autonomi, Turrell ha realizzato circa trenta modelli. Dal 1974 lavora al progetto di Roden Crater, vulcano ai confini con il Painted Desert in Arizona, dove ha realizzato un complesso di stanze comunicanti da cui assistere a fenomeni celesti.
Zaha Hadid (1950) insignita nel 2004 del premio Prizker, ed una tra le poche figure femminili stimata a livello internazionale, inizia a lavorare dopo una formazione europea conseguita presso la Architectural Association di Londra. Le suggestioni del suprematismo e del costruttivismo russo, palesi nei dipinti e nei disegni progettuali, sono elaborate in spettacolari rappresentazioni cromatiche di gusto pittorico. Poco più che trentenne, vince il concorso per Hong Kong Peak. Tra i primi progetti costruiti va ricordata la caserma dei vigili del fuoco a Weil Am Rhein, mentre uno degli ultimi lavori, è il nuovo Museo per l’Arte Contemporanea MAXXI di Roma. Un’architettura dinamica e colorata, già da più parti definita come “barocco decostruttivo”.
Jean Nouvel (1945) elabora un’architettura critica, provocatoria, capace di mettere in discussione modelli di pensiero e soluzioni tradizionali, con una predilezione per la metafora e la rappresentazione simbolica del progetto. La connessione di materiali, luci, colori e immagini estrapolate dalla quotidianità, con una tecnologia sofisticata e una attenta ricerca di materiali, rendono la sua architettura un punto di vista unico per la cultura internazionale. Un’opera di grande impatto è l’Institut du Monde Arabe a Parigi, dove gli elementi della facciata sono pensati per regolare l’incidenza della luce come obiettivi fotografici. In altri casi, Nouvel mette in scena il tema della trasparenza attraverso un attento utilizzo del vetro.
Frank Stella (1936) è un importante ed innovativo esponente della pittura astratta dalla fine degli anni Cinquanta. Le sue tele inizialmente privilegiano il rigore geometrico e la bidimensionalità, in seguito la sua ricerca si sposta verso un uso più libero e giocoso del colore e della materia e verso la tridimensionalità. Questa viene raggiunta nei primi anni Novanta con delle costruzioni in metallo, come in una delle due versioni della Chapel of the Holy Ghost, mentre altre raggiungono anche dimensioni monumentali. Legato da profonda amicizia con Richard Meier, collabora anche con l’architetto Alessandro Mendini per il Museo di Groningen e affronta la progettazione architettonica su vasta scala come centri commerciali e museali, tra cui il Museo Constantini a Buenos Aires.
Rem Koolhaas (1944) dopo un esordio come giornalista e autore cinematografico, compie la propria formazione presso l’Architectural Association di Londra dove fonda l’Office for Metropolitan Architecture il cui acronimo, OMA, indica oggi uno degli studi di architettura più attivi al mondo.Un personale contributo al tema della metropoli viene dal testo Delirious New York, che ripensa il tema della congestione della città e del grattacielo. L’influenza del costruttivismo russo, in particolare di Leonidov, è ben espressa in progetti come il concorso per il Parc la Villette di Parigi e la Galleria d’Arte di Rotterdam. Spesso opere non realizzate come la Grand Bibliotheque, o lo ZKM, sovrastano per evidenza comunicativa i progetti costruiti.
Greg Lynn (1964) pioniere nell’adozione di geometrie non euclidee in architettura, muove da un’interpretazione dinamica dello spazio cartesiano che supera la visione pittorica degli oggetti per entrare nella terza dimensione. I software e la computer animation permettono di usare il movimento per generare dinamicamente progetti architettonici, capovolgendo l’idea tradizionale di progettazione statica. L’attività didattica di Lynn, che si svolge tra alcune delle più prestigiose università americane ed europee, si alterna allo studio professionale, Greg Lynn Form, con il quale sperimenta forme derivate dall’uso del calcolatore e genera progetti di grande valore plastico e dalle geometrie irrazionali. Tra questi la Cardiff Opera House e il museo Ark of The World.

Informazioni:
Tel. 010-5574004
EMail: biglietteria[AT]palazzoducale[PUNTO]genova[PUNTO]it
 
Prezzi:
intero € 10,00
ridotto € 9,00
studenti fino ai 25 anni € 6,00
scuole e bambini fino ai 12 anni € 3,00
affitto audioguida € 5,00
laboratorio+mostra € 6,50
 
Orario:
aperta tutti i giorni escluso il lunedì
dalle ore 9.00 alle ore 21.00 (la biglietteria chiude alle 20.00)
aperto nelle festività
 
Visita gruppi:
prenotazione obbligatoria Tel. 010-562390
oppure clicca qui per la tua prenotazione
 
Prevendita on line:
www.ticketone.it
 
Servizi:
Guardaroba gratuito, carrozzelle per disabili, bookshop, ristorazione
 
La mostra è inclusa nella GeNova04 Card
Card annuale (ingresso illimitato a 11 mostre)
intero: 60,00 €
ridotto: 45,00 €
Card 3 giorni
(Acquario + mostra + tutti i Musei Genovesi) 29,00 €
Card 3 giorni + bus
(Acquario + mostra + tutti i Musei + bus) 33,50 €
 
Informazioni sul programma di GeNova 04
Info Point Genova 2004
Tel. 010-5574004
www.genova-2004.it
 
Call Center
Informazioni turistiche e prenotazioni alberghiere
Tel. 010-20041
 
Catalogo:
Skira, www.skira.net

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2 – 17 Agosto 2004
 
Liguria Spazio Aperto

ingresso libero
 
Orario: 9.00 – 19.00

Il Civico Museo delle Marionette di Campomorone, situato in Palazzo Balbi, è costituito nel febbraio 1996. Ospita la collezione di Angelo Cenderelli (Genova 1892-1959) che fu ideatore, costruttore, scenografo e animatore di un proprio teatro delle marionette. La collezione che si compone di circa 70 marionette che testimoniano l’arte raffinata della costruzione: alcune sono in legno e cartapesta con gli occhi dipinti, altre in legno con gli occhi di vetro. Il materiale costumistico, composto da 265 pezzi, mostra la raffinatezza di un artigianato che ha impiegato tessuti ricamati, pizzi, filati di lana o cotone lavorati ai ferri, conterie di legno e passamanerie di ogni genere. Tutto questo evidenzia come per Cenderelli la marionetta fosse considerata a tutti gli effetti un attore che veniva preparato per ogni scena con abiti, scarpe, copricapo, armi ecc.
Oltre ai costumi, il Museo espone gli accessori di scena: minuscoli mobili, arredi e un’ampia collezioni di fondali e scenografie.
Le sale del Museo espongono tre teatrini completamente allestiti, una campionatura dell’attrezzatura di scena e delle marionette, con evidenziati i particolari di costruzione, oltre 100 copioni manoscritti e a stampa, le ricostruzioni di avvenimenti tratti dal repertorio marionettistico.

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29 luglio – 19 settembre 2004
 
Cortile Maggiore

ingresso libero

Selezione di immagini realizzate per “Vanity Fair” da Luca Babini, fotografo genovese che vive e lavora a New York

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Palazzo Reale]]>

Da Tintoretto a Rubens – Capolavori della Collezione Durazzo
14 luglio – 7 novembre 2004
 
Palazzo Reale, Via Balbi 10
www.palazzorealegenova.it

Orario:
aperta tutti i giorni escluso il lunedì, dalle ore 9.00 alle ore 19.00, martedì e mercoledì dalle ore 9.00 alle ore 13.30
 
Biglietti:
intero € 6,00
ridotto € 5,00
scuole € 3,00
 
Call center: 010-20041
 
Informazioni:
Tel.: 010-5574004 (biglietteria Palazzo Ducale)
Tel.: 010-2710272 (Palazzo Reale)

Nell’ambito delle manifestazioni ufficiali previste per Genova 2004 Capitale Europea della Cultura degli Istituti periferici del Ministero per i Beni e le Attività Culturali, la Soprintendenza per i Beni Architettonici e il Paesaggio della Liguria organizza una grande mostra nell’antico Teatro del Falcone, teatro di corte del Palazzo Reale di Genova.
Oltre 180 opere tra dipinti su tavola e su tela (60), sculture (20), manoscritti (5), libri a stampa (50), libretti d’opera (10), lettere (5), disegni (5), stampe (10), arti decorative (15) raccontano la storia dei Durazzo, una delle più importanti famiglie genovesi, mettendo a fuoco soprattutto le vicende comprese tra l’acquisto del loro fastoso palazzo di via Balbi nel 1679 e la sua vendita nel 1824.
La mostra è dedicata dunque a una delle età più fervide della magnifica dimora di via Balbi oggi nota come Palazzo Reale, quella legata ai suoi proprietari più longevi, i Durazzo. Nei centoquaranta anni di proprietà Durazzo il palazzo si trasformò profondamente arricchendosi di straordinarie collezioni dàarte e bibliografiche: dipinti e sculture di grandi maestri, arti decorative, centinaia di libri e manoscritti, una delle più vaste raccolte di stampe mai messe insieme nell’Europa del Settecento. La maggior parte di quelle collezioni che avevano fatto del grande palazzo genovese uno dei contenitori di beni culturali più preziosi della città, fu dispersa nei primi quaranta anni dell’Ottocento. La mostra riporta a Genova alcuni dei capolavori della collezione Durazzo, soprattutto i grandi dipinti su tavola e su tela, che ne avevano fatto uno delle quadrerie più importanti della città, visitata e ammirata per decenni dai protagonisti del Grand Tour. Naturalmente si è colta anche l’occasione di raccontare la storia dei Durazzo. Lo si è fatto attraverso i loro ritratti, i libri che possedettero, quelli che a loro furono dedicati o che appartennero alla grande biblioteca ospitata nel palazzo, oggi non più esistente. Non è un caso che la mostra abbia trovato sede in quello che fu uno dei tre teatri della Genova del Settecento, il Teatro del Falcone, danneggiato durante la seconda guerra mondiale, ricostruito negli anni cinquanta del Novecento e restaurato per questo evento. Il teatro fu parte fondamentale della storia della famiglia e in particolare di alcuni suoi membri. Non si è voluto rinunciare dunque ad un riferimento anche alla passione dei “Durazzo di Palazzo Reale” per il mondo dell’opera e del balletto. Lo si è fatto attraverso materiali inediti, libretti di tragedie e commedie in musica, partiture musicali e lettere, ricostruendo soprattutto la figura di uno dei Durazzo più celebri, quel conte Giacomo che a Vienna promosse la grande riforma dell’opera seria in qualità di Sovrintendente generale dei teatri imperiali di Vienna.

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Loggia degli Abati]]>

Immagine RAI

3 – 27 luglio 2004
 
Fotografie per cinquant’anni di televisione
Loggia degli Abati

Genova Capitale Europea della Cultura
Genova Palazzo Ducale
Rai Teche
Museo di Storia della Fotografia Fratelli Alinari
RAI Sede Regionale per la Liguria

ingresso libero
 
Orario: aperta tutti i giorni escluso il lunedì, dalle 17.00 alle 23.00

Immagine RAI. fotografie per cinquant’anni di televisione
a cura di Stefano Nespolesi e Monica Maffioli
150 immagini selezionate dall’archivio di Rai Teche e dal Museo di Storia della Fotografia Fratelli Alinari suddivise in sette sezioni, che rappresentano cronologicamente gli istanti più eloquenti e le tappe più significative e felici di questi cinquanta anni di televisione.
 
Disegni Italiani dalla Collezione Rai 1952-1954
a cura di Marco Zaccarelli
 
Due mostre inserite nelle manifestazioni di Genova Capitale Europea della Cultura
 
Conferenza stampa (su invito): venerdì 2 Luglio ore 11.00
Con la partecipazione di testimonial e volti noti Rai
Interverranno:
Arnaldo Bagnasco, Presidente Palazzo Ducale
Alberto Ghio, Vice Sindaco di Genova
Gianluca Veronesi, Responsabile cinquantenario Tv
Davide Viziano, Presidente Genova 2004
Paola de Polo, Responsabile organizzazione mostre Alinari
Presenteranno il volume Ricorderai:
Barbara Scaramucci, Direttore Rai Teche
Giuseppe Marchetti Tricamo, Direttore Rai Eri
Saranno inoltre presenti:
Gianfranco Noferi, Direttore Rai Sat Premium;
Victor Balestreri, Direttore Sede Regionale Rai per la Liguria,
Carlo Cerrato, Capo Redattore Sede Regionale Rai per la Liguria.
 
Le visite guidate in anteprima alle mostre sono affidate ai curatori Stefano Nespolesi e Marco Zaccarelli.
 
Inaugurazione: Venerdì 2 Luglio ore 21.00

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Villa Croce]]>

Empowerment, Cantiere Italia

1 luglio – 5 settembre 2004
 
Radiografia dell’Italia che cambia attraverso 60 artisti
Villa Croce

Sedi della mostra:
 
Museo di Villa Croce
www.museovillacroce.it
Orario: martedì – venerdì dalle ore 9.00 alle 19.00
sabato e domenica dalle ore 10.00 alle ore 19.00
Info Villa Croce
Tel. 010-585772
museocroce@comune.genova.it
 
Villa Bombrini
Via L.A. Muratori, 5
Cornigliano – Genova
Orario: martedì – domenica 16/20
Info Tel. 010-585772
 
Biglietto valido per visitare entrambe le mostre:
intero € 7,00 – ridotto 5,00
 

http://www.palazzoducale.genova.it/empowerment

 
Empowerment/Cantiere Italia è un’ampia cartografia dell’Italia che cambia tracciata dalle opere di oltre 60 esponenti della scena artistica contemporanea, alcuni dei quali internazionalmente noti ed altri emergenti.
Articolata attorno a sei spazi tematici, la mostra intende disegnare una geografia indiziaria e una storia italiana dal ’77 ad oggi.
“Quartieri italiani”, “Schermopolitiche”, “Le belle bandiere”, “Cartografie Insurgent”, “Viaggio in Italia” e “Culture dell’autorganizzazione” sono spazi appositamente progettati per focalizzare le tappe nodali del percorso. In una struttura espositiva ampia e flessibile, che non a caso parte dal Museo d’arte contemporanea della città per espandersi a Villa Bombrini nel quartiere genovese di Cornigliano, già cuore della città industriale, confluiscono tematiche quali immigrazione, monopolio mediatico, rimozione del terrorismo, neomovimentismo, inchieste sociali e proposte collettive alternative.
Molti dei protagonisti di Empowerment raccontano di un altro modo di fare arte direttamente a contatto con la strada. I sessanta artisti invitati sono legati a doppio filo con la cultura di massa: partecipano o attingono da fenomeni popolari come skateboarding, urban graffiti, movimenti hip hop, telestreet, varie forme di attivismo.
La stessa parola empowerment, ormai entrata nel lessico internazionale, indica l’idea di partecipazione, di democrazia inclusiva e “dal basso” che nel caso italiano mette a fuoco una struttura concreta e meno ufficiale, fuori dai cliché accreditati. Empowerment vuole dunque porsi come una sorta di neorealismo contemporaneo che assume come modelli figure come Rossellini, Grifi, De Carlo, e configurarsi al tempo stesso come un laboratorio temporaneo e sperimentale.
Casi critici dell’urbanistica italiana come quelli del polo chimico di Ravenna o del porto di Marghera si alternano ai nuovi insediamenti provvisori dei rifugiati e dei nomadi di Milano e di Torino. Interviste ad immigrati si affiancano a forme alternative di produzione agricola e a modelli abitativi sperimentali.

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Magazzini del Cotone]]>

Normali meraviglie
Il Fantastico Quotidiano attraverso 365 oggetti

 

24 giugno – 26 settembre 2004
Magazzini del Cotone
 
Ingresso libero
 
Sede della mostra:
 
Magazzini del Cotone, Porto Antico
www.portoantico.it
Orario: martedì – venerdì dalle ore 9.00 alle 19.00
sabato e domenica dalle ore 10.00 alle ore 19.00
Info Villa Croce
Tel. 010-585772
museocroce@comune.genova.it
 
Biglietto valido per visitare entrambe le mostre ( ! ? ):
intero € 7,00 – ridotto 5,00
 
Il racconto della “Normalità meravigliosa” è popolato da oggetti che eludono la loro condizione di beni meramente materiali, mostrandosi sotto una luce completamente inaspettata. Un insieme di “cose” che, in virtù della propria disomogeneità, si anima generando un clima curioso, cangiante, a tratti commovente, a volte buffo.
Ogni oggetto acquista una nuova identità che non è più legata alla normalità della sua funzione, ma alla sua collocazione nella scena.
Una sorprendente mappa di piccole fantasie, dove la meraviglia è proprio lo stupore di chi guarda

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Liguria Spazio Aperto]]>

L’acqua, la pietra, l’ulivo
La Provincia di Imperia in Mostra a Palazzo

 

15 giugno – 20 luglio 2004
Liguria Spazio Aperto
 
Orario: 10-19 – Ingresso libero

L’inaugurazione è fissata per il 15 giugno alle ore 11.00, alla presenza del Vice Presidente della regione Liguria Vincenzo Gianni Plinio, del Vice Presidente della Provincia di Imperia Franco Amadeo e del Presidente della Fondazione Colombo Mario Bozzi Sentieri. Sino al 20 luglio si può visitare la mostra che, attraverso suggestive installazioni dai contenuti sensoriali, rappresenta l’estremo Ponente.

Lo straordinario territorio, dalle caratteristiche ambientali uniche, e i prodotti tipici della provincia imperiese vengono presentati a Palazzo Ducale nelle sale di “Liguria Spazio Aperto”.
L’antichissima tradizione dell’ulivo del Ponente ligure trova qui posto con la collocazione di due alberi d’ulivo e la realizzazione di un muretto a secco. Un abile “maestro” dei terrazzamenti ha sovrapposto pietra su pietra utilizzando quella tecnica millenaria che fin dall’età del bronzo ha impedito il dilavamento della terra e la diffusione degli incendi. La mancanza di pianura e di dolci colline ha costretto l’uomo d’un tempo a dissodare il terreno e terrazzare la montagna costruendo muri di pietre a secco e piantando gli ulivi sulle piccole piazzuole ricavate. Così, in un percorso ricco di suggestioni, è possibile scoprire i frantoi e la grande qualità dell’extravergine di Ponente, dal sapore delicato e leggero, apprendere la storia di un antico molino in pietra nato circa due secoli fa nelle campagne dell’entroterra ligure, da dove ha avuto origine il pastificio ritenuto il più antico d’Italia, ascoltare le “voci” del mare e annusare tutti i profumi dell’estremo lembo della Liguria occidentale.

L’allestimento, è stato realizzato con la collaborazione dei Comuni di Ventimiglia, Bordighera, Sanremo e Imperia del Casinò di Sanremo, dell’Api Riviera dei Fiori e dei Giardini Botanici Hanbury.
Muretti a secco e facciate di palazzi colorate con le tipiche tonalità del luogo costituiscono l’aspetto esterno dell’esposizione, al cui interno le tre “stanze” dedicate a ciascuno dei tre elementi – l’acqua, la pietra, l’ulivo – rimandano al tipico paesaggio dell’estremo ponente ligure.

La mostra sarà aperta tutti i giorni, dalle 10 alle 19, sino al 20 luglio
Ingresso libero

Fondazione Regionale C. Colombo

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Palazzo Tursi]]>

L’invenzione dei Rolli Genova città di palazzi

 

29 maggio – 5 settembre 2004
Palazzo Tursi
 
Palazzo Grimaldi Doria Tursi, Via Garibaldi 9 (già Strada Nuova)
29 maggio – 5 settembre 2004
Orario: martedì – venerdì 9.00 – 19.00
sabato e domenica 10.00 – 19.00
lunedì chiuso
Email: biglietteria[AT]palazzoducale[PUNTO]genova[PUNTO]it
Biglietti
intero € 9.00
ridotto € 7.00
scuole € 2,00
Chi presenta il biglietto della mostra “L’Età di Rubens” ha diritto all’ingresso a prezzo ridotto
La mostra è inclusa nella GeNova04 Card

Informazioni Tel 010-2758098 / 010-5574004
 
La mostra inaugura felicemente i Musei di Strada Nuova, invitando a scoprire un’altra Genova.
Vedute, oggetti d’epoca, maquettes e schizzi di restituzione critica, ben quaranta disegni originari della collezione del Royal Institute of British Architects di Londra, pubblicati da P.P. Rubens nel 1622 ad Anversa e un video di sintesi introducono il visitatore a un percorso dei celebri palazzi dei rolli, testimoni di una straordinaria stagione cittadina e custodi della particolare identità, unica in Europa, di una città dove la ricchezza privata veniva utilizzata come efficace strumento di rappresentanza pubblica.
La mostra, articolata in nove sale del piano nobile di Palazzo Tursi, illustra al visitatore quell’intreccio originale e coerente di case e strade che ha modellato in dieci secoli l’identità urbana di Genova.
Da alcuni anni i genovesi hanno ritrovato con estremo interesse la ricchezza e il valore memoriale di Strada Nuova e dei palazzi dei rolli: un eccezionale sistema monumentale per cui si chiede all’UNESCO l’iscrizione della città nel patrimonio dell’Umanità (World Heritage List).
Con la ristrutturazione delle mura trecentesche (1536-1553) iniziano a Genova il rinnovo del paesaggio urbano e la nascita di un sistema di dimore eccellenti, distribuito su pochi assi perpendicolari alla Ripa, che nel corso delle trasformazioni urbanistiche ha saputo mantenere la coesione con la città vecchia, offrendoci lo spirito del secolo con immutata capacità evocativa.
Nel 1576 il Senato decreta l’adozione dei rolli, liste di dimore private invitate a ospitare visite di Stato. Un’attenta ricostruzione topografica indica dov’erano le 150 abitazioni precettabili, schedate in cinque elenchi denominati “Rolli degli alloggiamenti pubblici” (datati 1576, 1588, 1599, 1614 e 1664), conservati nell’Archivio di Stato di Genova.
Le residenze si dividevano in tre categorie, a seconda di dimensioni, bellezza e importanza, destinate a cardinali, principi e viceré; feudatari e governatori; ambasciatori.
Per ogni categoria esisteva un bussolo contenente i nomi dei proprietari da cui venivano estratti a sorte quelli di coloro a cui venivano affidati gli onori (e gli oneri) delle visite ufficiali.
Fra tutti i palazzi solo tre erano degni di alloggiare “Papa, Imperatore re e legato Cardinali o altro Principe”: le dimore di Gio.
Batta Doria in Santa Caterina, di Nicolò Grimaldi e Franco Lercari in Strada Nuova (via Garibaldi).
 

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Loggia degli Abati]]>

Magazzino Sanguineti

 

23 maggio – 27 giugno 2004
Loggia degli Abati
 
Sette stanze sull’opera di Edoardo Sanguineti
 
nel Magazzino Sanguineti puoi trovare:
Baj, Manet, Nespolo, Scodanibbio, Goethe, Ronconi, Luckembach, Kafka, Lombardi, Berio, Cilento, Centenari, Bosh, Engels, Rama, Del Pezzo, Rauschenberg, Cremaschi, Borromini, Persico, Cattaneo, Botta, Shakespeare, Trubbiani, Fiorillo, Baruchello, Pirella, Liberovici, Squarzina, Masaccio, Sciaccaluga, Baudelaire, Tiezzi, Besson, Gozzi, Le Corbusier, Fomez, Marx, Rotelli, Molière, Ceroli, Brecht, Cattaneo, Dante e Sanguineti.
 
Informazioni Utili
 
Orario
tutti i giorni escluso il lunedì
dalle 15.00 alle 21.00
Ingresso libero
Tel. 010-5574004 – 010 562390
EMail: palazzoducale[AT]palazzoducale[PUNTO]genova[PUNTO]it
 
ideazione e allestimento
Francesco Frassinelli, Marta Oddone, Davide Perfetti, Valter Scelsi
 
mostra a cura di Erminio Risso
montaggio audio e video Gianluca Gentili
 
Edoardo Sanguineti è nato a Genova nel 1930.
Ha insegnato letteratura italiana nelle università di Torino, Salerno e Genova.
È stato uno dei Novissimi e tra i fondatori del Gruppo ’63; il suo nome è legato alle esperienze delle neoavanguardie europee, da Tel Quel al Literarisches Colloquium. Le sue poesie da Laborintus a Cose sono ora raccolte in “Segnalibro” (1982) e ne “Il Gatto Lupesco” (2002).
È autore di due romanzi, “Capriccio italiano” (1963) e “Il Giuoco dell’oca” (1967) e di una celebre “Antologia della poesia italiana del Novecento” (1969).
Ha tradotto, tra gli altri, Eschilo, Seneca, Petronio, Molière e Brecht.
Studi danteschi, saggi sulla letteratura italiana e articoli per riviste e giornali, poi raccolti in volume, costituiscono la parte più consistente della sua multiforme attività di critico.
Ha collaborato con autori teatrali, musicisti e pittori.
È stato consigliere comunale a Genova e deputato al Parlamento.
Attore, regista, testimonial pubblicitario.
La sua opera è stata tradotta in molti paesi, dalla Francia al Giappone.

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Liguria Spazio Aperto]]>

Introduzione al Bianco-Blu

 

15-30 maggio 2004
Liguria Spazio Aperto
 
Viaggio in liguria – le provincie liguri in mostra a Palazzo Ducale nel 2004
 
Info: Fondazione Regionale Cristoforo Colombo
Tel. 010-562046
fondazionecolombo@fondazionecolombo.it
 
La mostra
Il Vice Presidente e Assessore alla Cultura Turismo e Sport della Regione Liguria
Vincenzo Gianni Plinio
il Presidente della Provincia di Savona
Alessandro Garassini
l’Assessore alla Cultura della Provincia di Savona
Pier Luigi Pesce

Sono lieti di invitare la S.V. all’inaugurazione della mostra

Introduzione al Bianco-Blu

Sabato 15 maggio 2004 ore 11.00
Genova, Palazzo Ducale
Liguria Spazio Aperto

La mostra, ad ingresso gratuito, resterà aperta fino al 30 maggio tutti i giorni dalle 9.00 alle 19.00

Conferenze
mercoledì 19 maggio ore 17.00
Il Bianco-Blu

Vincenzo Gareri
Dirigente Settore e Difesa e Promozione Ambientale della Provincia di Savona

Cecilia Chilosi
Curatrice della mostra

Rossana Bossaglia
Storica dell’arte

Guido Farris
Ceramologo

Loredana Pessa
Conservatrice delle Raccolte Ceramiche dei Musei Civici di Genova

Sarah Cervetto
Provincia di Savona

Lunedì 24 maggio ore 17.00
Palazzo Gavotti: la nuova Pinacoteca civica di Savona e la Fondazione museo di arte contemporanea Milena Milani in memoria di Carlo Cardazzo

Carlo Ruggeri
Sindaco del Comune di Savona

Luciano Pasquale
Presidente Fondazione A. De Mari
Cassa di Risparmio di Savona

Silvano Godani
Assessore alla Cultura Comune di Savona

Eliana Mattiauda
Direttrice della Pinacoteca Civica di Savona

Carla Bracco
Pinacoteca Civica di Savona

Milena Milani
Presidente Fondazione Museo

Giovedì 27 maggio ore 17.00
La rete dei musei della Provincia di Savona

Rosalina Collu
Funzionario della Regione Liguria

Cecilia Chilosi
Funzionario della Regione Liguria

Eliana Mattiauda
Direttrice dei Musei Civici di Savona

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Liguria Spazio Aperto]]>

Genova e Bastia.
La pittura di Chisà

 

13 – 21 maggio 2004
Liguria Spazio Aperto
 
Consiglio Regionale della Liguria
Gabinetto Presidenza del Consiglio, tel. 010-5484022
 
Comune di Genova
Settore Promozione della città, Turismo e Spettacolo,
tel. 010-5574315 – 4352
 
Genova 2004, InfoPoint Tel. 010-5574004
 
Genova e Bastia, le cugine, che proprio come spesso accade nelle famiglie, si sono nel passato violentemente scontrate, amate, detestate si ritrovano oggi in una nuova felice situazione… lontane e tuttavia vicine… come accade spesso nella vita.
Genova, piena di luci e di ombre, con il suo cielo, il suo porto, le navi, le marine, i campanili… una continuità di vita: il cielo, il mare, l’uomo.
Genova, raccontata da Chisà, viene “sentita” da lontano e trasfigurata, svelata in tutta la sua magnificienza, ma anche osservata nell’intimità delle sue strade, delle sue chiese, dei suoi “caruggi”.
 
BIOGRAFIA
Stéphane Giudicelli “Chisà”
Stéphane Giudicelli “Chisà è nato a Philippeville (Algeria) il 27 ottobre 1939.
Diplomato alla scuola di Belle arti di Parigi e di Nantes, ha insegnato dal ’59 al ’73 ai Licei di Fontenay Le Comte e di Ajaccio.
Ha esposto in Europa e in America a partire dal 1959, anno in cui espone alla prestigiosa galleria l’Odéon di Parigi. Tra gli altri lavori si ricordano illustrazioni di libri d’arte come “La passione di Calvi” (1999), “Ricordo dell’Algeria” (Cannes 1999), “Omaggio a Federico Garcia Lorca” (1998), “La Corsiade” (Premio del libro corso 2001) e gli affreschi sulla Vergine per la cappella di Tova (Corsica).
Vive e lavora in Corsica.

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Magazzini dell'Abbondanza]]>

Genova del saper fare

 

25 aprile – 25 luglio 2004
Magazzini dell’Abbondanza
 

“Genova del Saper Fare”, è una grande mostra di respiro internazionale, inedita per l’Italia e l’Europa, che coinvolge il grande pubblico in un affascinante viaggio attraverso il passato, il presente e il futuro della città, metafora della città europea industriale e marittimo-portuale. Un viaggio nelle culture, nelle tecnologie, nei prodotti, nel saper fare delle imprese, del lavoro, delle istituzioni, dell’università, in una città d’Europa che progetta, costruisce e trasporta ovunque nel mondo.
Una grande Mostra per far riflettere, anche divertendo, sulle trasformazioni nella e della società contemporanea, sulle contraddizioni, sugli interrogativi, sulle opportunità del futuro che coinvolgono donne e uomini di culture diverse, nell’era della globalizzazione tecnologica, economica, sociale e culturale, tramite l’esperienza di una città, messa a confronto con altre città europee, costretta a misurarsi in anticipo con alcune di queste trasformazioni.
Una grande Mostra poliedrica, articolata in un percorso su dieci sale: Un mare di navi, Ferro e acciaio, Macchine, Energia e movimento, Impresa lavoro cooperazione, Tecnologie in gioco, Verso una città postindustriale?, La città futura. Dieci mostre nella mostra, una mostra in ogni sala, in un gioco continuo di scoperte, di sorprese e di emozioni, di immagini e di suoni, messi in azione dall’intervento diretto e libero del visitatore, che diventa il vero protagonista attivo della mostra mentre costruisce un proprio, personale itinerario al suo interno.
Una grande Mostra multimediale e interattiva, che utilizza le più raffinate e avanzate tecnologie della comunicazione, con soluzioni di avanguardia e di grande fascino, collocata in uno straordinario complesso storico di fresco recupero, i Magazzini dell’Abbondanza al Porto Antico, costruiti tra il 1500 e il 1600 e ancora sconosciuti al grande pubblico.
Una grande Mostra, “Genova del saper fare”, promossa da Comune, Provincia, Università, Associazione degli Industriali, Camera di Commercio, Lega delle cooperative e mutue, Organizzazioni sindacali (Cgil, Cisl, Uil) di Genova; ideata e curata dal prof. Paride Rugafiori dell’Università di Torino; progettata e allestita da Studio Cerri Associati e da N!03; sostenuta da un Comitato d’onore internazionale e da un prestigioso Comitato scientifico; realizzata da un Gruppo di lavoro scientifico multidisciplinare di alto livello in collaborazione con la Fondazione Ansaldo di Genova, che mette a disposizione il suo ricco patrimonio documentario e archivistico.
 
Alla mostra si affiancano quattro eventi di elevato profilo:
 
“Il filo del saper fare”
25 aprile – 30 maggio 2004
ingresso con visita guidata
Genova Voltri, Teatro del Ponente, Piazza Odicini
Un insieme di iniziative – tra mostre e convegni internazionali – organizzate dalla CNA-Confederazione nazionale artigianato e piccola e media impresa, che propongono un itinerario nell’universo artigianale, tra memoria, realtà e prospettive, in un’ottica europea, multietnica e mediterranea. Una galleria di laboratori, di mestieri, di performance teatrali che consentono al pubblico di sperimentare le tecniche e i saperi artigianali dalle molteplici tradizioni e culture, a contatto diretto con gli operatori.
CNA 010-545371
Orario per le scuole:
9/12 giovedì e venerdì, ingresso con visita guidata
Orario per il pubblico:
18/22 venerdì, sabato e domenica.
Prezzo del biglietto € 1,00
 
“Le mille musiche del lavoro”
Mazda Palace
1º maggio 2004
Musica, solidarietà, etica del lavoro in dimensione europea.
Le nuove tecnologie si uniscono alla tradizione genovese della musica e del lavoro in un evento collettivo, dedicato alla festa dei lavoratori e, idealmente, a Fabrizio De Andrè, perché anche fare musica è una delle svariate espressioni del saper fare.
Per la prima volta in collegamento diretto con il Concerto di Piazza San Giovanni in Roma.
Informazioni Tel. 010-593650
www.goaboa.it
 
“Cultura della Solidarietà e Impresa Sociale”
Convegno internazionale
Genova Voltri, Teatro del Ponente
10 – 12 novembre 2004
Un convegno internazionale, realizzato dal CENPRO (Centro di ricerca sulle organizzazioni senza scopo di lucro, Facoltà di Economia dell’Università di Genova), quale occasione di confronto sui diversi aspetti di cultura economica e sociale che definiscono il profilo di un’economia solidale e dell’impresa sociale e che saranno oggetto di un Laboratorio specificamente dedicato a questi temi, operativo a fine 2004. Nell’occasione sono organizzate mostre artistiche, presentazioni di progetti sperimentali, eventi teatrali che richiamano i diversi aspetti della solidarietà.
Informazioni www.cenpro.unige.it
CENPRO 010-2095553
E-mail: noprofit@economia.unige.it
 
“Raccontando la fatica”
Casa 25 Aprile
Sede dell’ALCRI
Assoc. lavoratori compagnia ramo industriale
Via Molo Giano
La mostra è allestita presso la palazzina conosciuta come “a Casetta” (anni trenta), dove, con la chiamata, si svolgeva l’avviamento al lavoro dei soci della Compagnia Ramo Industriale. Fotografie, documenti, bandiere, cimeli storici testimoniano la storia dell’organizzazione e del lavoro portuale dalla fine dell’Ottocento ad oggi.
Orario: 10/13, 15/18.30
da marted’ a venerdì
9/13 sabato
Domenica e lunedì chiuso
Nel vicino punto di ristoro “a casetta” è possibile pranzare al costo di € 10
su prenotazione obbligatoria
per gruppi Tel. 338-2786473
Info Tel. 010-2412773
 
BOX
Fondazione Ansaldo – costituitasi a Genova nel 2000 per iniziativa del Comune di Genova, della Provincia di Genova e di Finmeccanica S.p.A. – è una delle più importanti istituzioni culturali operanti in Italia nella salvaguardia e nella valorizzazione delle testimonianze prodotte dalle imprese e, più in generale, dal mondo del lavoro. Grazie all’esperienza ed alla documentazione accumulate dall’archivio storico dell’Ansaldo di cui è erede, mette a disposizione della comunità scientifica internazionale un rilevante complesso di archivi cartacei, fotografici e filmici prodotti da imprese soprattutto liguri in 150 anni di storia industriale.
 
Per ulteriori informazioni www.palazzoducale.genova.it/genovadelsaperfare/

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Loggia degli Abati]]>

Gente in albergo

 

24 dicembre 2003 – 22 gennaio 2004
Loggia degli Abati
 
Orario: 12 – 19.30
Informazioni Tel. 0105531319
Ingresso libero
 
Inaugurazione, 23 dicembre 2003 alle ore 18.00, su invito
 
Martedì 23 Dicembre 2003 inaugura a Palazzo Ducale la mostra “Gente in albergo”.
In principio era una valigia di cartone, di quelle utilizzate dagli emigranti per portare le loro poche cose in America o dai poveri per mettere al sicuro i pochi averi.
In una semplice valigia di cartone, con la maniglia fatta col fil di ferro ritorto, un tecnico dell’Albergo dei Poveri, il geometra Martini, ha radunato per anni tutte le testimonianze fotografiche che saltavano fuori man mano che l’Albergo dei Poveri veniva svuotato. Erano immagini che testimoniavano oltre cento anni di vita nella città-Albergo e alle quali si sono aggiunte decine di antiche stampe molto più antiche: ne è venuta fuori una mostra, “Gente in Albergo”, che verrà ospitata a Palazzo Ducale dal 23 dicembre alla metà di gennaio.
L’ingresso è gratuito, le testimonianze meritano di essere osservate con calma: sono foto che raccontano la povertà più estrema ma anche le scelte delle molteplici Amministrazioni che si sono succedute alla guida del “Brignole” nel corso di tutto il secolo scorso. La mostra – ordinata dal giornalista genovese Raffaele Niri e realizzata dalla “Praxi” – è costituita da una sessantina di pannelli e quasi duecento immagini: una decina di questi pannelli, però, risalgono all’immediato dopoguerra e raccontano – utilizzando immagini che vanno dagli anni Venti agli anni Quaranta – l’Albergo dei Poveri visto con gli occhi degli Anni Cinquanta. Com’è noto l’enorme struttura è stata completamente svuotata, per essere destinata ad accogliere due Facoltà Universitarie, Scienze politiche e Giurisprudenza.
L’attuale amministrazione del “Brignole” (il presidente è il vicesindaco Alberto Ghio, il direttore generale è Michela Costa) ha attuato una seria politica di decentramento, facendo nascere una serie di strutture moderne e decentrate sul territorio invece dell’enorme edificio “dimora di ogni bisognoso” pensato nel Seicento da Emanuele Brignole.
Le foto raccontano l’idea originaria del Brignole (diciotto “quartieri” destinati, ad esempio, a “lebbrosi e tignosi”, “orfani deleritti che sfilano corde”, “marioli e giovani di mala piega”, “vecchie di buona qualità”, “penitenti gravide”, “figlie da 12 anni che si crescono per sistemarle”, “scandalose e incorreggibili”), la creazione di una città nella città, l’incredibile sviluppo che portò ad avere contemporaneamente nell’Albergo qualcosa come ottomila persone, fino alla vita quotidiana nel Novecento. Con l’avvento della fotografia le fasi del secolo scorso sono, ovviamente, molto più facili da documentare: c’è la visita dei Savoia, c’è il Natale fascista, poi la Liberazione, la banda americana che tiene un concerto per i degenti, la lunga stagione democristiana (con la presenza ad ogni festa dell’onorevole Ines Boffardi e le visite del Cardinal Siri, dei sindaci Pertusio e Pedullà) e i tanti momenti di festeggiamenti “interni” (la festa per il centesimo compleanno della degente Caterina Modica, la festa di Battesimo dell’anziana Rosa Gazzo, le feste della mamma e quella della Santissima Trinità). Ma sono documentati anche momenti tragici (come l’esplosione della calderina dell’Istituto che uccise tre operai), piccoli e grandi cambiamenti (la festa per l’arrivo della prima lavatrice, le nuove cucine, l’enorme lavastoviglie).
Più antiche le foto del lavoro quotidiano: l’Albergo funzionava come una città, con il suo centro stampa, la falegrameria, la panetteria, la sartoria. E poi la fabbrica di scarpe, quella di sete (che risale addirittura al Seicento), quella di corde e gomene. La mostra “Gente in Albergo” non finirà con Palazzo Ducale: i pannelli troveranno posto all’interno dell’Albergo dei Poveri e racconteranno, agli studenti universitari, la storia di quelle stanze. Non a caso l’Università è uno degli sponsor della mostra, insieme alla Cassa di Risparmio (un pannello racconta l’apertura della prima “filiale interna”), la Camera di Commercio (che ha plaudito alla valorizzazione delle storie di lavoro sviluppatesi nella Città-Albergo), all’assessorato alla cultura della Regione Liguria, alla Carena che è l’impresa che sta lavorando al recupero a fini universitari dell’Albergo (e un paio di pannelli raccontano la complessa trasformazione, sotto la guida dell’architetto Enrico Bona, dell’imponente struttura) e all’Amiu.

La mostra ospita anche alcuni “pezzi” rari: il registro con gli autografi dei visitatori (da Vittorio Emanuele e la Regina Elena a Vittorio Sgarbi e Michele Cocuzza), la pergamena che elenca i “parroci interni” dalla metà del Seicento ad oggi, i menù dei ricoverati. E, ancora, le strutture di vita quotidiana, dal letto spoglio ai paraventi che, teoricamente, permettevano un pò di privacy.

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Liguria Spazio Aperto]]>

Opere a 63º 05′N – 25º 54′E / Opere a 44º 35′N – 08º 18′E
Mostra itinerante tra artisti finlandesi e liguri

 

18 dicembre 2003 – 4 gennaio 2004
Liguria Spazio Aperto
 
Orario: 9.00 – 19.00
Chiuso il 25-26 dicembre 2003 e 1 gennaio 2004
Ingresso libero
 
Opere a 63º 05′N – 25º 54′E
 
Hannu Castren
I tormenti e le vicissitudini della storia del XX secolo hanno influenzato anche le arti visive finlandesi. I collegamenti internazionali con la Finlandia hanno risentito del lungo periodo bellico dal 1939 al 1945. Per questo motivo i rapporti col modernismo internazionale rimasero a lungo solo sporadici.
Uno sviluppo politico unitario ebbe luogo soltanto dopo la II guerra mondiale, quando il paese normalizzò i suoi rapporti diplomatici con l’estero. La Biennale di Venezia fu la fonte d’ispirazione per la generazione artistica postbellica degli anni ’60. Soltanto negli anni ’60 l’arte nazionale iniziò a seguire le correnti del coevo modernismo internazionale.
Geograficamente la Finlandia rimane distante dai centri internazionali d’arte. Dalla posizione geografica periferica deriva anche una marginalità culturale. L’arte nazionale è rimasta subordinata a quella dei centri europei. Lo stile avanguardista e l’estetica dell’universalità nella loro dinamica di rinnovamento ridussero i tratti nazionali al minimo.
Nonostante questo ogni corrente ha fatto emergere artisti e opere di rilievo
La grande svolta avvenne negli anni ’80 nella fase postmoderna attraverso le riscoperta del carattere nazionale nonché regionale. L’arte contemporanea non è più caratterizzata da una corrente dominante alla volta bensì contemporaneamente sono presenti stili e tecniche più svariati inoltre al contrario del passato l’individualità e l’identità dell’artista vengono sottolineate. Il cambiamento che è sempre in atto è stato posititivo e continua ad essere vitale all’inizio del nuovo millennio. Tanti giovani artisti finlandesi, incoraggiati dal cambiamento, hanno ricevuto negli ultimi anni riconoscimenti internazionali.
Il curatore di questa mostra d’arte di ben 14 artisti finalndesi è l’artista Alberto Ferretti. La mostra offre al pubblico italiano la possibilità di conoscere gli elementi multiformi dell’arte contemporanea finlandese. È rilevante sottolineare che tanti degli artisti, tra i quali anche Ferretti stesso, provengono dalla Finlandia centrale. Infatti il punto di vista della mostra è fortemente regionale.
 
Opere a 44º 35′N – 08º 18′E
 
Germano Beringheli
Concretamente questa mostra, che è poi il confronto fra artisti che operano in differenti latitudini (quelle indicate dal titolo della rassegna) è stata propiziata da Alberto Ferretti, un ligure che vive e opera in Finlandia ed è obiettivamente accolta dalla Associazione Culturale “Il Gabbiano” di La Spezia, sodalizio internazionale di artisti che puntavano sui valori più problematici dell’attualità. Il Patrocinio della Provincia di Genova e l’appoggio della Fondazione Colombo, che ha concesso alla manifastazione gli spazi espositivi di “Liguria Spazio Aperto” in Palazzo Ducale, consentono così l’occasione per vedere assieme, nella varietà e autonomia di soluzioni espressive, situazioni di differenti eloquenze, in certi casi una e l’altra contrapposte ed in altri concordanti , dal momento che la sistematica e sperimentale ricerca artistica contemporanea ha assunto toni che corrispondono ovunque agli stessi dati ideali. È questa, pertanto, una particolare occasione di incontri che – pur non aspirando, per quel che riguarda le presenze liguri individuate, a una scelta radicalmente esauriente – porta un suo contributo, di cui si riconosce la limitatezza ma anche l’apporto ricco di spunti vitali. Oggi, che ogni concetto sensibile dice, come non mai, il proprio attivismo evidente e gli effetti scioccanti e contrasti fra chi attinge in campo universale nuove realtà estetiche, una mostra come questa comporta nuove immagini , nuovi codici, nuovi linguaggi. Pertanto essa dà conto dei risultati sollevati dai differenti modi di intendere l’attività artistica contemporanea: siano essi precipuamente tradizionali, ovvero espressi con gli strumenti canonici del dipingere o dello scolpire, sia corrispondano agli strumenti della più avanzata tecnologia. Il panorama, reale o virtuale che sia, è quindi vario e dimostra, se non altro, la modificazione continua dei linguaggi che lo comunicano. Nel 1967, presentando la sesta Biennale Internazionale di San Marino, Giulio Carlo Argan scriveva, fra l’altro: “il sistema tecnologico o dei consumi, nella sua configurazione economica e politica non tende a distruggere radicalmente l’immaginazione ma a condizioanarla, inflazionata, screditarla, utilizzarla. La ingrassa come un’oca sotto Natale. La rimpinza (in gabbia) di informazioni a getto continuo; la costringe a produrre quantità enormi di immagini destinate al consumo immediato; la separa dal fare etico per inserirla nel meccanismo del fare tecnologico”. Osservazioni che prevedevano la situazione attuale e che sono rimaste, per quanti della mia generazione , un monito, il criterio per valutare l’autenticità del lavoro immaginativo degli artisti. Regola cui mi conformo nelle scelte, giuste o sbagliate che siano.

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Loggiato Minore]]>

Case. Architettura di interni e salvaguardia delle foreste

 

8 – 14 dicembre 2003
Loggiato Minore
 
Informazioni e richiesta invito tel. 010-2473000
Ingresso libero
EMail : staff@silvestri.info
Web : www.silvestri.info
 
Campagna per la conservazione delle foreste in collaborazione con Greenpeace
 
La mostra, visitabile dall’8 al 14 dicembre 2003, esporrà 50 grandi fotografie delle opere più significative di interior design della Silvestri Architettura illustrando il tema della distruzione illegale delle foreste e spiegando come sia possibile combatterla.
Esiste infatti uno stretto rapporto tra l’uso del legno nell’architettura di interni e la salvaguardia del patrimonio forestale del pianeta.
“Progettare una casa significa lavorare con le emozioni, creare contenitori di sentimenti, ire, passioni, umori, entrare nella sfera privata di chi abiterà quegli spazi. La casa è lo scrigno della vita diceva Le Corbusier … scrigno e teatro della propria intimità.
Ma ristrutturare una casa significa anche pensare al futuro e alla salvaguardia dell’ambiente naturale in cui viviamo. Per questo abbiamo organizzato questa mostra in collaborazione con Greenpeace, per mostrarvi i nostri lavori e spiegare come sia possibile utilizzare il legno senza distruggere il patrimonio forestale della terra, una risorsa naturale in pericolo a causa di una dissennata politica commerciale.”
Roberto Silvestri

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Loggia degli Abati]]>

Un principe chiamato Totò

 

18 novembre – 14 dicembre 2003
Loggia degli Abati
 
Orario: 9.00-12.00/15.00-18.00 tutti i giorni tranne il lunedì
Info tel. 010 5574004
Ingresso libero
 
Inaugurazione, 17 novembre ore 17.30 – Salone del Maggior Consiglio
Alle ore 19.00 presso il Politeama il Sindaco di Genova Giuseppe Pericu svela “Il busto di Totò”.
Mi sono raccontato in terza persona perch´ il ragazzo in cerca di gloria che fui tanti anni fa mi appare molto lontano dall’uomo che sono diventato, anche se una parte di lui è sempre con me
Totò
 
Diana de Curtis e Gianna Licchetta, curatrici della mostra, ricostruendo l’itinerario artistico di Totò, vogliono narrare la dimensione di attore, autore, personaggio, più nota al grande pubblico, ma vogliono anche svelarne la dimensione privata e più intima di uomo.
La mostra percorre, secondo un criterio cronologico sistematico, attraverso materiali sia già noti che inediti e anche “privati, messi a disposizione dalla famiglia de Curtis, tutta la vita artistica, ossia quella dedicata al teatro e alle esperienze cinematografiche di Totò, ma concerne anche gli aspetti e le curiosità artistiche, letterarie, musicali, araldiche e della vita privata del Principe Antonio de Curtis.
Attraverso il materiale espositivo i visitatori potranno respirare l’aria del futurismo, del varietà, della rivista e dell’avanspettacolo, del cinema, della televisione, visti attraverso gli inediti, i contratti, gli autografi, le lettere d’amore, il vestiario di scena, le foto anche poco conosciute del grande artista. Tutti potranno così apprezzare i documenti e gli oggetti che testimoniano una grande “gavetta”, artistica e di vita a molti sconosciuta, oltre ad ammirarne, attraverso una vasta documentazione, anche gli aspetti più noti.
Il percorso espositivo è strutturato in sedici sezioni e contiene: oggetti personali di scena; fotografie originali e riproduzioni; locandine di films; album di foto; documenti; lettere personali; targhe e premi; manoscritti delle canzoni e delle poesie; spartiti musicali originali, interventi critici. In tre sezioni speciali si racconta: Totò visto attraverso il tratto grafico di Federico Fellini; Totò e pier Paolo Pisolini il regista che lo diresse in “Uccellacci e Uccellini”; Totò e il grande amico Aldo Fabrizi.
E ancora una sezione dedicata ai momenti “privati del Principe”: le immagini di Antonio De Curtis nella sua casa di Viale Parioli a Roma; la sezione dedicata alla beneficenza; una specifica per San Giovanni Decollato. Uno spazio è riservato alle proiezioni con un collage di sequenze dei suoi primi sei film e un inedito assoluto di una cinerivista CINES del 1930, concesso in esclusiva dal centro sperimentale di cinematografia di Roma.
Una mostra per dar voce a lui, Totò, e per ascoltare le voci che hanno riempito la sua vita, le voci e le testimonianze colme di emozione di chi lo ha conosciuto come uomo o di chi soltanto ne conosce le vesti di attore, di chi ha amato lui, Antonio de Curtis, e di chi soltanto ha amato Totò, i suoi film, il suo teatro, la sua arte. Un atto d’amore, verso mio padre, verso Totò, verso i suoi amici e verso i suoi ammiratori.
Liliana de Curtis
 
Dopo New York, San Francisco, Montreal, Toronto, Londra, Oxford, tanto per citare alcune grandi città che hanno già apprezzato questo incontro ravvicinato con la personalità, intima e pubblica, del grandissimo Totò arriva finalmente a Genova la mostra che lo racconta.
Si tratta di un arrivo piuttosto originale: con un preliminare simbolico di un busto salpato da Napoli e sbarcato a Genova per approdare nel foyer del Politeama Genovese. In questo teatro, che ha fatto molta storia della scena di questa città, il grandissimo Totò ha lasciato un ricordo perenne del suo talento e anche nella sua personale memoria c’è stato sempre spazio per le avventure genovesi.
Arnaldo Bagnasco
 
Festival Crociere per Totò
- Il 10 novembre a Napoli l’inaugurazione della “Crociera di Totò”
- Il Principe “salito a bordo” di European Stars dal 10 al 16 novembre 2003
A Napoli, il 10 novembre 2003 presso i locali della Stazione Marittima di Napoli si è inaugurata la Crociera di Totò, un viaggio a bordo di European Stars dedicato al principe della comicità.
Un’occasione per ricordare e far rivivere il mito del Principe de Curtis, padre della comicità partenopea.
Si è trattato di un evento unico nel suo genere con la partecipazione straordinaria di Liliana De Curtis, figlia del grande artista.
Il programma della manifestazione prevedeva l’intervento di Gianfranco Bozzini, Amministratore Delegato di Festival Crociere, primo sostenitore di questa iniziativa e la presentazione in anteprima nazionale del libro “Totò, femmene e malefemmene”, a cura di Liliana de Curtis e Matilde Amorosi. Il libro, biografia assolutamente inedita, svela un nuovo spaccato della vita dell’artista italiano divenuto con il tempo un’icona della comicità e dell’ironia napoletana a livello mondiale.
Ma fulcro dell’evento è stata la consegna in stazione Marittima di un busto del Principe De Curtis, omaggio della famiglia al Teatro Politeama Genovese.
Il busto di Totò, portato in spalla da alcuni ragazzi ha attraversato i Quartieri Spagnoli, e accompagnato da una banda di musici partenopei, è stato successivamente imbarcato sulla European Stars, ammiraglia della Flotta Festival.
Da Napoli a Genova: si è realizzato così il legame, non solo simbolico, tra due culture, quella genovese e quella napoletana, già unite da una secolare tradizione artistica e commerciale.
La crociera di Totò è stata una settimana ricca di eventi e di iniziative dedicate al principe della comicità: proiezione dei suoi film più famosi, spettacoli e momenti dedicati alla vita di Totò, esposizione di fotografie d’epoca e ricordi, musica e cucina napoletana.
Per l’occasione la nave ha anche ospitato, in una mostra dedicata, parte di quegli oggetti e cimeli appartenuti al grande attore e poi esposti al Palazzo Ducale di Genova a partire dal 17 novembre nell’ambito della mostra dal titolo “Un principe chiamato Totò”, curata da Diana de Curtis e Gianna Licchetta, con il contributo di Festival Crociere. Un ulteriore omaggio che Genova ha voluto dedicare al maggiore attore italiano di sempre.

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Munizioniere]]>

Festival della Scienza

 

23 ottobre – 23 novembre 2003
Munizioniere
 
La seconda edizione del Festival della Scienza, ampliata e arricchita, ha lo scopo di raccontare il mondo della scienza, svelandone i misteri e discutendone successi e fallimenti.
La rassegna, che ha in programma conferenze, spettacoli, laboratori interattivi, comprende due mostre “Semplice e complesso” e “Le meraviglie della Scienza”, entrambe realizzate dall’INFM (Istituto Nazionale per la Fisica della Materia)
La mostra “Le meraviglie della Scienza”, intende favorire l’incontro dei visitatori con il mondo della scienza e della tecnologia attraverso un approccio ludico a fenomeni quotidiani e a oggetti di uso comune, così da coglierne aspetti inusuali e sorprendenti. Progettata per diventare itinerante, permette di sperimentare alcuni fenomeni, esplorarne gli ordini di grandezza e scoprire gli aspetti tecnologici che consentono di approfondire la conoscenza.
Nata dall’esperienza e dal grande successo della mostra Imparagiocando, si rivolge a un pubblico di diverse età e livello culturale; destinatario privilegiato è proprio la scuola, come reale e ideale soggetto della divulgazione scientifica. Grande importanza riveste l’attività di animazione affidata a studenti delle scuole superiori e dell’università, allo scopo di favorire il dialogo tra il mondo scolastico, della ricerca e della formazione.
 
Orario: 9.00 – 21.00, tutti i giorni esclusi lunedì 10 e 17 novembre
Ingresso: € 6,00 intero, € 5,00 ridotto, € 3,00 scuole
Biglietto cumulativo con la mostra “Bilbao a Genova”: € 10,00 intero, € 8,00 ridotto, € 3,50 scuole
Informazioni/Prenotazioni: tel. 010-2345666
 
www.festivalscienza.it

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Sottoporticato]]>

Bilbao a Genova.
La cultura cambia le città

 

11 ottobre 2003 – 11 gennaio 2004
Sottoporticato
 
Orario
9.00/21.00 tutti i giorni escluso il lunedì (la biglietteria chiude alle 20)

Prezzo del Biglietto
Intero € 7,00
Ridotto € 6,00
Scuole € 3,00
Informazioni/Prenotazioni: tel. 010-2345666
Prevendita: www.ticketone.it
Si accettano tutte le maggiori carte di credito

Riduzioni
Associazione Amici di Palazzo Ducale (Tel. +39-010-585197), possessori della Card Musei di Genova e dell’abbonamento annuale AMT, soci Touring Club Italiano e tutti gli aventi diritto

Visite guidate individuali
Sabato e domenica ore 16.00 € 10,00
Gruppi € 88,00
Scuole € 67,00
Prenotazione obbligatoria
Tel. +39-010-5574004
+39-010-562390

Servizi
Guardaroba gratuito
Carrozzelle per disabili
Bookshop
Ristorazione

Catalogo
Skira www.skira.net

Il catalogo
ISBN 8884917298

Bilbao, capoluogo della provincia di Bizkaia è una città che ha saputo uscire da una situazione di stasi post-industriale grazie ad un ambizioso progetto di rinnovamento urbano.
La mostra, curata da Germano Celant e allestita da Gae Aulenti, nasce dalla precisa scelta di documentare la nuova immagine di una realtà urbana che, nell’arco di pochi anni, ha visto trasformare in modo sensibile la propria immagine e il proprio tessuto urbanistico, architettonico, economico e sociale. Il progetto testimonia come la cultura, nel senso più ampio, possa rivelarsi un fattore di cambiamento di primaria importanza per le realtà urbane, in grado di fornire loro una nuova fisionomia e una nuova dimensione economico-sociale, quando ad essa è legato un progetto strategico-politico complessivo. È il caso quasi simbolico della costruzione del Museo Guggenheim a Bilbao, inaugurato nel 1997, che ha proiettato la città all’interno dei circuiti del turismo culturale internazionale. Evidente il riferimento a Genova che ha saputo nell’ultimo decennio, punteggiato da tre grandi occasioni – le manifestazioni colombiane del 1992, il G8 del 2001 e la designazione a Capitale europea della cultura nel 2004 – rinnovare la propria immagine urbana attraverso cospicui investimenti nel recupero edilizio e nella costruzione del nuovo.
La mostra è divisa in tre sezioni: la prima sezione presenta materiale di carattere prevalentemente urbanistico-architettonico. Con l’ausilio di pannelli, fotografie, modelli, documenta gli interventi più significativi che hanno contribuito a dare alla città una nuova fisionomia: fra i principali, il Guggenheim Bilbao – rappresentato dal grande modello di Frank O. Gehry -, il nuovo aeroporto e il ponte Zubi Zuri, entrambi progettati da Santiago Calatrava, la metropolitana – progettata dallo studio Norman Foster & Associati ed inaugurata nel 1995.
La seconda sezione, di carattere più strettamente artistico, propone una selezione di opere appartenenti alle collezioni del Museo de Bellas Artes. Fondato nel 1908, il Museo è stato riaperto nel novembre 2001 con un nuovo allestimento, in seguito a lavori di allargamento e ristrutturazione. Il progetto è stato redatto da un gruppo di architetti guidati da Luis Uriarte Aldaiturriaga. Il percorso comprende opere di El Greco, Jacob Jordaens, Bartolomé Murillo, José de Ribera, Francisco de Zurbarán, oltre ad uno straordinario dipinto di Domenico Piola, ideale aggancio con la grande scuola genovese del Seicento; si prosegue, quindi, con opere del Goya, Mary Cassat, Hermenegildo Camarasa, Ignacio Zuloaga, Jean Metzinger, James Ensor, Fernand Léger per arrivare fino a Francis Bacon, Eduardo Chillida e Antoni Tàpies. E proprio le opere di questi due famosi artisti spagnoli – il primo basco e il secondo catalano – costituiscono l’ideale collegamento con quelle provenienti dalla collezione permanente del Guggenheim Bilbao che rappresentano la terza sezione curata da Petra Joos: Txomin Badiola, Cristina Iglesias, Juan Muñoz, Javier Pérez, Prudencio Irazabal, Susana Solano, Darío Urzay.
 
Palazzo Ducale, lo spazio espositivo più prestigioso della città e protagonista con grandi mostre del 2004, presenta per il prossimo autunno il progetto espositivo “Bilbao a Genova – Genova a Bilbao.
Frutto della collaborazione tra le amministrazioni comunali di Genova e Bilbao, l’evento mostra la nuova immagine di entrambe le città, che negli ultimi decenni hanno subito grandi trasformazioni a livello economico, sociale, urbanistico-architettonico e artistico-culturale, tali da cambiarne la fisionomia e la loro percezione a livello internazionale.
Il progetto è la testimonianza di come la cultura, nel senso più ampio, possa rivelarsi un fattore di cambiamento di primaria importanza per le realtà urbane, in grado di fornire loro una nuova fisionomia e una nuova dimensione economico-sociale, quando ad essa è legato un progetto strategico-politico complessivo, come nel caso quasi simbolico della costruzione del Museo Guggenheim a Bilbao o di Genova che nel 2004 sarà Capitale Europea della Cultura.
Tali “investimenti culturali”, vere e proprie scommesse, stanno mostrando di avere “ricadute” sulla realtà urbana nella sua globalità che vanno ben al di là delle pur significative trasformazioni urbanistiche o della capacità di attirare sempre maggiori flussi del turismo culturale internazionale.
“Bilbao a Genova: la cultura cambia le città”
L’esposizione, curata da Germano Celant, supervisore artistico delle manifestazioni culturali del 2004, è divisa in tre sezioni e può considerarsi l’anello di congiunzione tra l’anno in corso e il prossimo, quando Genova sarà Capitale Europea della Cultura. L’esposizione si terrà a Palazzo Ducale negli spazi del Sottoporticato, da metà ottobre 2003 all’11 gennaio del 2004.
 

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Liguria Spazio Aperto]]>

Arte a Palazzo
La collezione Wolfson

 

17 settembre – 14 dicembre 2003
Palazzo della Regione, Piazza De Ferrari 1
Liguria Spazio Aperto, Palazzo Ducale
 
Orari
Palazzo della Regione
piazza de Ferrari 1
da lunedì a venerdì 17-19;
martedì 10-13;
sabato e domenica 10-19.
Liguria Spazio Aperto
Palazzo Ducale
piazza Matteotti 9
da lunedì a domenica 10-19.
Ingresso: gratuito
Visite guidate per gruppi
Si consiglia di prenotare
le visite telefonando a:
Regione Liguria
Ufficio del cittadino
Tel. 010 5484656
Fax 010 5485424
 
 Scarica il depliant
 
La mostra Arte a Palazzo. La Collezione Wolfson 1880-1945 presenta, nella sede della Regione Liguria, una selezione di opere che testimoniano il legame della Collezione con il panorama artistico ligure nel periodo compreso tra la fine dell’Ottocento e la prima metà del Novecento nel campo delle arti figurative e decorative.
Tra le opere esposte alcune realizzazioni dell’ebanisteria chiavarese, come le originali sedie “chiavarine” con stemma sabaudo, un salotto di Alberto Issel, la cui produzione di arredi si connotò all’inizio del secolo per una marcata evoluzione in senso art nouveau, e una sala da pranzo progettata dall’artista romano Duilio Cambellotti e realizzata dalla Cooperativa Combattenti Lavoranti Legno di Genova nel momento in cui i vari governi europei promuovevano numerose iniziative atte a reinserire i reduci di guerra nel mondo del lavoro.
Per quanto riguarda la ceramica, ci saranno alcuni accenni alla produzione di Albisola che, negli anni Trenta, diventò uno dei centri più interessanti a livello nazionale per il rinnovamento dell’arte ceramica connotato in senso futurista grazie in particolare alle figure di Filippo Tommaso Marinetti e Tullio d’Albisola.
Per la grafica sono stati scelti due celebri manifesti di Plinio Nomellini, il pittore di origine livornese il cui trasferimento nel capoluogo ligure fu all’origine di una significativa svolta nell’ambito delle arti figurative.
Infine alcuni dipinti di Alberto Helios Gagliardo e una serie di opere collegate all’imponente produzione navale e cantieristica ligure, anche in omaggio alla storia del palazzo che ospita la mostra, forniscono ulteriori interessanti stimoli di riflessione sulle peculiarità del panorama artistico della nostra regione nella prima metà del XX secolo.
Nelle sale espositive di Liguria Spazio Aperto a Palazzo Ducale sono evidenziate le differenti tipologie presenti all’interno della Collezione, strutturata come una storia per immagini delle arti figurative e decorative e dell’architettura del periodo 1885-1945 con particolare attenzione alle implicazioni politiche, sociali, economiche, tecnologiche ed estetiche che hanno influenzato le varie espressioni artistiche.
Le arti decorative sono rappresentate da un enigmatico mobile di Carlo Bugatti e da alcuni vasi in ceramica di importanti manifatture del periodo, dalla Cantagalli alla Rometti passando attraverso la produzione della ceramica romana, fiorita nei primi decenni del Novecento intorno alla figura di Duilio Cambellotti.
La scultura è rappresentata da un busto in gesso di Leonardo Bistolfi, intriso di implicazioni simboliste, decadenti e liberty, e dai dipinti dei primi anni Venti di Cornelio Geranzani e Cagnaccio di San Pietro.
Per l’architetttura, accanto ai disegni dei fratelli Gino e Adolfo Coppedè, una serie di tempere di Duilio Cambellotti illustra gli interni déco del Palazzo dell’Acquedotto Pugliese di Bari.
Si presenta infine un modello di littorina del 1938, esempio di quella modernizzazione spesso ammantata di propaganda politica che caratterizzò l’Italia nel periodo tra le due guerre.

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Loggia degli Abati]]>

Verso Giuliana Traverso
Le sue immagini percorrendo il mondo

 

13 settembre – 12 ottobre 2003
Loggia degli Abati
 
Anteprima per la stampa: 12 settembre ore 11.30
Inaugurazione: 12 settembre ore 18 (su invito)
 
Orario: da martedì a domenica dalle ore 14.00 alle ore 20.00
Ingresso libero
 
Catalogo: Mazzotta Editore, Milano
Organizzazione: Associazione Amici di Palazzo Ducale
Ufficio Stampa: Palazzo Ducale
 
Nel contesto di un rinnovato interesse di Genova per la fotografia nasce il desiderio di offrire una “rappresentazione globale” dell’attività di Giuliana Traverso, soprattutto per l’importanza che la sua espressione, tesa a lasciar parlare l’immagine, ha per la fotografia italiana e non solo. La mostra presenterà al pubblico 200 immagini di vario formato, mai esposte a Genova di cui 54 fotografie a tecnica mista, opere uniche, “intervallate” da una serie di incontri che costituiranno occasione di approccio e/o di approfondimento per il pubblico, alla fotografia.
Il lavoro di Giuliana Traverso, artista genovese di fama internazionale, fondatrice nel 1968 della scuola “Donna Fotografa” da lei condotta sia a Genova che a Milano, introdurrà il visitatore all’interno di un mondo di immagini che da lei vengono così presentate:
“In questo mio viaggio di riconoscimento di luoghi e persone ho cominciato dalla Cina, tra le sue montagne e la sua quiete e l’indefesso lavoro dei contadini, facendo così il primo passo che mi ha portato attraverso l’Atlantico al centro dell’Illinois a Chicago in questa America che sembra sfuggire al linguaggio, che non si riesce neppure più a contattare con gli scatti veloci di una macchina fotografica. Ho così riproposto attraverso i riflessi che le grandi vetrine della città ci rimandano, la confusione di tutto ciò che ci circonda aggredendoci anche con la difficoltà di lettura. Il ritorno a Genova mi ha portato nel centro forse più importante della città l’Istituto Giannina Gaslini dove tutti lavorano e operano con la più grande amorevolezza per salvare i nostri bimbi e quegli altri che vi giungono da tutta l’Europa. Mi sono poi interessata ad esporre attraverso le foto il volto degli uomini che hanno contribuito attraverso la comunicazione sia dei giornali che della televisione a tenere informati i cittadini di quanto quotidianamente avviene nel mondo, in Liguria, nella città. Sono passata a ritrarre i volti senza nome di coloro che fanno la città e ne assicurano la continuità perchè senza di loro essa non esisterebbe. Tra tutti questi uomini ho scelto Francisco Coppello che attraverso la sua danza ha sottolineato il mondo poetico del gesto. Ho cercato poi di realizzare una severità figurativa sulla fugacità della vita che mi aveva al proposito già fulminata in gioventù e da lì sono passata alle due terre che hanno tanto contribuito alla cultura europea; Francia e Irlanda e le ho collegate con i ritratti – autoritratti dei nostri artisti. Nell’insieme ho voluto architettare un’estetica e un’etica dei corpi, una cultura del respiro, per sbocciare da noi in terre straniere e fare largo alla responsabilità del vivere che dovrebbe conivolgere tutti. In sede mostra ho cercato di verificare il percorso con degli accorgimenti che vanno dalle grandi dimensioni delle foto su teflon al loro essere sostenute da tronchi di alberi oppure, per altre immagini, un cambiamento di posizioni rispetto al classico, che aderisce al muro e giovarmi di questo cambiamento per poterci scrivere sotto come si trattasse di graffiti astratti”.

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Loggiato minore]]>

Harry è morto alla 18ª buca

 

1 – 8 luglio 2003
Loggiato minore
 
Oggi 1 luglio 2003 si è svolta l’inaugurazione della mostra di Fumetti della scuola chiavarese del fumetto
Harry è morto alla 18ª buca.

www.scuolachiavaresedelfumetto.it

“Harry è morto alla 18ª buca” è il titolo che la Scuola Chiavarese del Fumetto ha scelto per la sua mostra annuale, nella quale saranno esposte le tavole originali dei fumetti realizzati dall’Officina delle Nuvole Pensanti, una sezione specifica della Scuola formata da ragazzi che, finito il terzo anno di corso, hanno la possibiità, grazie soprattutto all’interessamento della Provincia di Genova e di diversi altri Enti, di cimentarsi con un lavoro professionale.
Sono già quattro i titoli proposti dalla scuola: “80 anni per una conquista”, sulla lotta delle donne per il diritto al voto, “Il viaggio di Ashad”, che ha potuto contare anche sulla collaborazione di Emergency per affrontare il problema della mine antiuomo, “Buon Compleanno Sarah Cooper”, che ha trattato la questione sulla pena capitale, “Per non dimenticare”, un fumetto sulla lotta partigiana recentemente presentato in occasione delle manifestazioni del 25 Aprile.
Questi lavori, destinati ad essere distribuiti dalla Provincia di Genova ai ragazzi delle scuole Medie e Superiori, si distaccano dalla tradizione comune che vede il fumetto espressione del disimpegno per antonomasia, e propongono invece un modello di fumetto “impegnato” che diventa canale di comunicazione ideale per parlare ai giovani e per coinvolgerli in temi di interesse sociale. Impegno contro disimpegno quindi, che viene enfatizzato nel titolo della mostra, volutamente provocatorio, condensato in un episodio surreale e grottesco, di una morte assurda che arriva alla 18ª buca e che coglie “Harry” nella sua indifferenza, nel suo disimpegno.
Oltre ai lavori dell’Officina delle Nuvole Pensanti, verranno esposte delle opere di alcuni ex allievi, ora affermati professionisti del panorama italiano, che saranno chiamati a misurarsi con il tema “ Impegno vs disimpegno”. ( ancora in fase di programmazione ).
La Mostra ospitata negli spazi del Loggiato Est di Palazzo Ducale, grazie alla collaborazione del Comune e della Provincia di Genova, verrà inaugurata alle ore 18.00 di martedì 1 luglio e sarà aperta fino a martedì 8 luglio dalle ore 9 alle ore 21.

Per informazioni: Enrico Bertozzi ,Direttore della Scuola Chiavarese del Fumetto Cell.3332865801

La “Scuola Chiavarese del Fumetto” nata su iniziativa di un gruppo di professionisti nell’ottobre del 1988 e costituitasi in associazione culturale nel 1990, ha come scopo l’insegnamento di alcune materie artistiche indispensabili per l’avviamento alla professione di fumettista e illustratore. Questa iniziativa vuole essere un contributo all’inserimento lavorativo dei giovani che, dopo essersi diplomati presso la locale Scuola d’Arte e nei Licei Artistici liguri, non trovano, sia per carenza di preparazione tecnica specifica, sia per i noti problemi di formazione e impiego della forza lavoro giovanile nell’ambito territoriale, possibilità di immediato inserimento professionale. Negli ultimi anni si è prodotto, un vero e proprio flusso migratorio di giovani verso Milano e altre città italiane più organizzate o semplicemente più ricettive delle esigenze di formazione del lavoro artistico. In moltissimi casi, tuttavia, le attese non sono state confortate da esiti all’altezza delle energie e dell’impegno economico che i trasferimenti, gravanti in gran parte sulle famiglie, hanno comportato. Da queste considerazioni preliminari è sorta l’esigenza giovanile di un valido sostegno formativo da parte di autori di fumetti e illustratori residenti nella nostra città, nel contempo, testimoni di una pregnante esperienza artistica e di elevato grado di notorietà e fruizione nel contesto nazionale ed internazionale. In seguito ad una attenta valutazione delle esigenze sovracitate, gli autori Enrico Bertozzi, Renzo Calegari e Gianluigi Coppola hanno deciso di affrontare, fra difficoltà finanziarie e di coordinamento con le rispettive attività professionali, l’impegno problematico e inusitato dell’organizzazione di una “Scuola Chiavarese del Fumetto”.

L’aiuto concreto della Provincia di Genova attraverso l’Assessorato alla cultura, consente agli allievi di potersi iscrivere alla scuola con una minima retta mensile dopo, però, aver portato in visione alcuni disegni che possano testimoniare un buon livello artistico dal quale gli insegnanti potranno partire per permettere all’allievo di raggiungere nel biennio un buon livello professionale. Il corso è condotto da Enrico Bertozzi, giornalista e illustratore, e dal fumettista Renzo Calegari coadiuvati da Gianluigi Coppola, illustratore e disegnatore della serie Dylan Dog.

Le materie insegnate sono:

Anatomia (studio del corpo in movimento)
Espressione e gestualità
Composizione della pagina
Tecnica del Bianco e Nero
Drappeggio
Ripasso a china
Colore
Cinema e sceneggiatura
Montaggio Narrativa

I corsi della durata di tre anni si svolgono in orario pomeridiano o serale.
I ragazzi sono impegnati per due volte alla settimana per due ore e mezza ciascuna il primo trimestre, mentre da gennaio in poi si aggiunge un terzo incontro, sempre di due ore e mezza per le lezioni di cinema e sceneggiatura, nelle quali vengono proiettati i film più importanti della cinematografia con temporanea. I film vengono inoltre analizzati dal punto di vista delle inquadrature e della sequenzialità, oltre all’analisi del montaggio narrativo.
Le lezioni di cinema e sceneggiatura sono aperte al pubblico, che gratuitamente ci segue numeroso.
Lo stesso pubblico ci segue durante gli “Incontri con 1′autore” che solitamente teniamo presso la sala “Ghio Schiffini” della locale “Società Economica”.
Gli incontri con i migliori professionisti del Fumetto internazionale vengono segnalati al pubblico tramite manifesti affissi nelle città e sono grauiti.

Sino ad oggi abbiamo incontrato gli autori:

IVO MILAZZO e GIANCARLO BERARDI – “Ken Parker un antieroe”
GIOVANNI TICCI -“I Bonelliani”
AURELIO GALEPPINI –“Omaggio a Galep”
ANTONIO CANALE –“Alle origini del Fumetto”
CARLO AMBROSINI –“Immagina”
PERRUCCIO GIROMINI –“Colori di Liguria”
GORAN PARLOV –“Un croato a Milano”
SERGIO TACCONI –“Professione Fumetto”
SERGIO TOPPI –“Modernità e classicismo di un autore”

Oltre a questi incontri la scuola ha partecipato a iniziative “no profit” con esposizione di disegni o creando il manifesto della manifestazione per:

BABBO BUS (Tigullio Pubblici Trasporti per i bambini di Vescia di Foligno)
CARTOLINE ILLUSTRATE (Premio Andersen Comune di Sestri Levante)
MOSTRA “IL BELLO E LA BESTIA” (a favore di Mondo Verde Tigullio)
MANIFESTO(Croce Rossa Italiana – Saturno Foundation)
BIANCO E NERO BLUES(Festival Blues & Soul – Festa del Lavoro)
NATALE A FUMETTI(per il Villaggio del Ragazzo di S.Salvatore di Cogorno)
MANIFESTO PER AVIS E FIDAS DAL TITOLO “VIVI ANCHE TU UN GIORNO DA LEONE”(campagna a favore della donazione di sangue)

Ha inoltre prodotto su commissione della Provincia di Genova due albi a Fumetti dal titolo “80 ANNI PER UNA CONQUISTA” e “IL VIAGGIO DI ASHAD”.

Abbiamo, partecipato a manifestazioni come:

Comune di Muggio – Milano “LA GHIGNATA”
Comune di LA Spezia “RASSEGNA DI FUMETTI”
Comune di Milano RASSEGNA “ESTETICHE CANNIBALI”
Comune di Genova RASSEGNA “GULP CENT’ANNI DI FUMETTO”
Comune di Milano EXPÒ CARTOON
Strasburgo (Francia) “LA LIGURIA IN EUROPA”

La scuola, ogni fine corso allestisce una mostra, molto grande, dove i ragazzi espongono i loro elaborati al giudizio di numerosi professionisti del settore e ad altrettanti Editori che invitati, possono notare il grado di professionalità raggiunto dagli allievi. Tutte queste manifestazioni sono aperte al pubblico ed hanno consentito di creare un nucleo che noi stimiamo in circa 200 ragazzi che seguono costantemente le nostre iniziative, insieme ai partecipanti ai corsi, dando vita ad un vero e proprio “punto di aggregazione” animato da dibattiti, scambi culturali e di opinioni in merito ad un mondo, quello dei Fumetti, che ben si presta come argomento per attirare l’attenzione e l’interesse dei ragazzi.
Il successo di questo corso è decretato inoltre dall’elevato numero di allievi che hanno trovato inserimento nelle più solide case editrici.

Possiamo citare:

Goran Parlov (Magico Vento ed. Bonelli)
Stefano Biglia (Magico Vento ed. Bonelli)
Stefano Bortolin (Intrepido)
Luigi Copello (Nick Raider ed. Bonelli)
Andrea Alessi (Intrepido)
Enrico Massa (Nick Raider ed. Bonelli)
Andrea Cuneo (Il Giornalino ed. Paoline)
Stefano Parodi (Walt Disney)
Giovanni Talami (Mediola ed. Bonelli)
Stefano Rolli (Il Secolo XIX e Walt Disney)
Ivano Federigi (Il Giornalino ed. Paoline)
Annarita Carrino (Il Giornalino ed. Paoline)
Valeria Corciolani (Illustratrice)
Andrea Jula (Illustratore)
Federico Fasce (Artematica)
Daniele Montella (Artemaaca)
Simonetta Talami (Illustratrice)
Mauro Padovani (phoenix)
Roberto Lauciello (Walt Disney)

Da due anni la collaborazione con la Provincia di Genova ci consente un’esperienza che coniuga il linguaggio del fumetto con intenti didatti-co/culturali e che offre agli allievi l’opportunità di misurarsi con i diversi aspetti legati all’ideazione e alla realizzazione di una storia facendo direttamente “pratica sul campo” e nel contempo permette alla scuola di affiancareal tradizionale indirizzo verso l’editoria a fumetti un nuovo percorso comunicativo, volto all’apprendimento di temi storici e sociali in collaborazione con enti pubblici ed associazioni di volontariato, con caratteristiche di autentica novità nel panorama nazionale, aumentandone così le potenzialità formative. Alla luce dell’ottimo risultato raggiunto con la realizzazione in collaborazione con il “Centro Pari Opportunità” della Provincia di Genova, dell’albo a fumetti “80 ANNI PER UNA CONQUISTA” dedicato ad Anna Maria Mozzoni ed altre figure femminili di estrema importanza nella lotta per le pari opportunità, stampato e distribuito negli istituti scolastici della Provincia, la scuola ha proseguito in questa collaborazione realizzando: un albo a fumetti di 44 pagine con l’associazione di volontariato “EMERGENCY” con lo scopo di divulgare le problematiche legate all’attività di quest’ultima, impegnata in interventi umanitari in quei paesi del mondo sconvolti da cruenti conflitti.

Sempre in collaborazione con la provincia è stato realizzato un albo a fumetti di 18 pagine dal titolo “Buon Compleanno Sarah Cooper”, contro la pena di morte, e un fumetto dal titolo “le memorie di un partigiano” che si propone di raccontare ai ragazzi di oggi “la resistenza”, una parte della storia italiana, vista attraverso gli occhi di Parodi, un ex partigiano, che all’epoca era un ragazzo di diciassette anni.

Oltre a questi fumetti la scuola, con alcuni dei suoi studenti, aha realizzato altri lavori quali, alcuni volumi illustrati dal titolo “Essere genitori facilissimo…..difficilissimo”. Detti volumi fanno parte di una campagna dal titolo “ S.O.S. Pollicino” per la prevenzione in difesa dei minori, patrocinata dalla Provincia di Genova, dalla Prefettura, dalla Regione Liguria, dalla Direzione Scolastica Ligure, dalla Questura, dall’Università degli studi di genova e dalla A.S.L. III Genovese; Sono stati poi realizzati vari manifesti pubblicitari e marchi per comuni e enti locali, come ad esempio la rana verde che pubblicizza la campagna di informazione sulla raccolta differenziata dei rifiuti commissionata dalla Comunità Montana Val Petronio;
e’ stato inoltre creato un manifesto che pubblicizza il numero verde del Call-Center in aiuto delle ragazze straniere che vengono costrette a prostituirsi. La campagna di informazione è promossa dal Centro per le Pari Opportunità della Provincia di Genova.
Attualmente sono in fase di realizzazione una serie di libretti informativi a fumetti, commissionati dal Comitato Paritetico Territoriale per la prevenzione infortuni edilizia, riguaranti la sicurezza sul lavoro e le giuste norme di comportamento nell’ambito dei cantieri edili.

Così, ora, anche nell’ austera Liguria, terra da sempre arida nei confronti di chi cerca occupazione lavorativa, sta nascendo e crescendo sempre di più la figura del “creatore di immagini” il fumettaro o l’illustratore; senza bisogno, questa volta, di oltrepassare l’Appennino. Nel mese di maggio del 1999, la scuola è stata scelta dalla Regione Liguria per rappresentare una delle attività non solamente artistica ma anche produttiva della nostra regione, presso il Parlamento Europeo di Strasburgo.
Abbiamo partecipato con una mostra di trenta illustrazioni degli allievi, mentre gli insegnanti Enrico Bertozzi e Renzo Calegari hanno intrattenuto il pubblico con una performance in cui si preparava un’intera tavola a fumetti dal vero. Ne è nato un entusiasmante dibattito fra i presenti sulle attività Editoriali del settore in Europa.

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Saletta al Porticato e Porticato]]>

Gio Batta Airaldi
Lo Spazio e il Simbolo

 

7 giugno – 10 luglio 2003
Saletta al Porticato e Porticato
 
A Genova, venerdì 6 giugno alle ore 17,30 verrà presentata a Palazzo Ducale (Sala del Minor Consiglio) la monografia Gio Batta Airaldi – Lo Spazio e il Simbolo, promossa dall’Accademia Ligustica con il contributo di Banca Carige e d’intesa con Palazzo Ducale S.p.A., corredato dal saggio storico-critico di Alessandra Gagliano Candela, con contributi e testimonianze di Tiziana Leopizzi, Paolo Lingua e Raimondo Sirotti, biografia, schede e repertorio delle opere di Laura Welters.
Interverranno Elena Pontiggia, Germano Beringheli, Paolo Lingua, Raimondo Sirotti.
Alle 18,30 sarà inaugurata la mostra con lo stesso titolo, allestita nella Saletta al Porticato e nel Porticato, la quale costituisce il punto di partenza per la grande mostra che si estende nella città di Genova e nella Regione ed oltre, dove sono le opere che Airaldi eseguì per luoghi ed edifici pubblici e chiese e che sarà possibile visitare grazie ai percorsi stabiliti per l’occasione.
 
GIOVANNI BATTISTA AIRALDI (Albenga 1914-Genova 1998)
Ha studiato a Genova e a Roma, e svolto accanto all’attività di scultore quella di insegnante presso le Scuole Civiche fino al 1977. È stato inoltre insegnante presso il Seminario di Genova, membro della Commissione di Arte Sacra per l’Archidiocesi di Genova, membro della Commissione Edilizia del Comune di Genova, Cavaliere della Repubblica.
Scultore duttile e versatile, ha lavorato per oltre cinquant’anni in particolar modo a Genova ed in Liguria, dal 1936 quando partecipò alla II Mostra d’arte del giovane fascista , vincendo il terzo premio, fino all’ultima mostra nel 1995 presso la Galleria Ellequadro.
Nella sua lunga attività ha sperimentato i materiali più diversi, dal marmo, al bronzo, alla ceramica al perspex, raggiungendo risultati di grande intensità.
Formatosi nella cultura dei valori plastici, é stato vicino a Guido Galletti, per poi sviluppare un suo personale linguaggio nel quale la rarefazione e la scarnificazione delle forme, giunge negli anni ottanta ad esiti astratto geometrici di forte valenza simbolica.
Artista molto attivo in ambito religioso, ha eseguito altari, fonti battesimali ed arredi per oltre trenta chiese a Genova, per il santuario di Nostra Signora di Fatima a Roma, tombe e monumenti funebri nel cimitero di Staglieno e in altri cimiteri liguri.
Numerose anche le commissioni pubbliche, dal busto in memoria di Maria Mazzini (1956-Genova, Piazza Corvetto) a quello di F.Gallino nella Biblioteca Gallino di Sampierdarena.

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Archivio Storico del Comune di Genova]]>

Staglieno disegnato

 

9 maggio – 27 giugno 2003
Archivio Storico del Comune di Genova
 
Ingresso libero

Orario
L’esposizione di disegni sarà aperta al pubblico fino al 6 giugno p.v. Secondo il seguente orario: martedì, mercoledì e giovedì 9/12,30 e 14/17 e venerdì 9/12,30.

In occasione della V Settimana della Cultura:

PRESENTAZIONE del restauro dei disegni delle sepolture del cimitero monumentale di Staglieno

9 maggio 2003, ore 10,30
Archivio Storico del Comune di Genova, Palazzo Ducale, Genova

Nel giugno del 2000 il Signor Eugenio Bolleri, presidente dell’Associazione “Per Staglieno” ritrovò in un magazzino del cimitero, da tempo inutilizzato, una cospicua raccolta di documenti, che si rivelò preziosa non soltanto dal punto di vista storico, ma anche sul piano artistico, in quanto comprendeva tra l’altro oltre millesettecento disegni di sepolture eseguiti da artisti attivi a Genova tra fine Ottocento e primo Novecento, che vennero affidati all’Archivio Storico del Comune, affinchè fossero riordinati, restaurati e valorizzati.
In tempi brevissimi ebbe termine un primo riordinamento e la stesura di un elenco di consistenza, che permise la presentazione di un dettagliato progetto di restauro alla Soprintendenza archivistica per la Liguria, che non soltanto lo approvò, ma stanziò un contributo pari al 50% della somma necessaria, ai sensi del T.U.per i Beni culturali 490/99, che ne ha permesso la completa realizzazione.
Nel frattempo a questo finanziamento si è andato ad aggiungere il contributo erogato dalla Regione Liguria ai sensi della legge regionale 21/1980, che è stato utilizzato per restaurare parte della documentazione storica relativa al cimitero monumentale, già presente nelle raccolte documentarie dell’archivio storico civico.
Le linee direttive dell’intervento di restauro conservativo sono state condizionate principalmente dalla grande quantità di opere – 1630 progetti, per un totale di 1737 tavole – presenti nella raccolta; è stato pertanto stabilito un insieme di operazioni necessarie su tutti i disegni, e tali da rimuovere le piu’ evidenti cause di degrado e consentire al tempo di recuperare una migliore leggibilità del tracciato grafico, soprattutto nel caso dei progetti su carta da lucido che si presentavano spesso ripiegati in diverse parti e quindi non percepibili nel loro insieme. Al termine ogni singolo disegno e’ stato inserito in buste trasparenti, idonee alla conservazione, che ne consentono la consultazione, evitando la manipolazione diretta dei fogli; il microclima presente nei depositi dell’Archivio Storico del Comune, asciutto e particolarmente adatto alla conservazione del materiale cartaceo, ne garantisce la corretta conservazione.
Il restauro è stato eseguito a cura del Laboratorio di conservazione e restauro Alice Ferroni di Genova.
Contemporaneamente presso l’Archivio Storico del Comune è proseguita l’attività di schedatura inventariazione informatizzata, con la realizzazione di oltre milleseicento schede relative ai disegni oggetto delle operazioni di restauro, che hanno permesso di arricchire e completare la banca dati informatizzata della documentazione archivistica relativa al Cimitero monumentale di Staglieno, realizzata nell’ambito del “Progetto Staglieno 2000”.
Per realizzare tutto ciò è stato adottato un software realizzato dalla Elsag, che consente di tradurre ogni documento nella corrispondente immagine elettronica, conservata su CD rom ed associata ad una scheda che serve da indice di catalogazione e di ricerca.
Programma
Interventi :
Luca Borzani, Assessore alle Istituzioni Museali del Comune di Genova

Giorgio Guerello, Assessore ai Servizi Civici e Cimiteriali del Comune di Genova

Vincenzo Plinio, Assessore al Turismo, Cultura, Sport e Tempo Libero della Regione Liguria

Liliana Pittarello, Soprintendente Regionale per la Liguria

Elisabetta Arioti, Soprintendente Archivistico per la Liguria

Dal ritrovamento alla fruizione: breve cronistoria di un positivo esempio di collaborazione fra enti pubblici e associazionismo privato, Raffaella Ponte, Comune di Genova

Staglieno disegnato: un secolo di progetti per il cimitero monumentale più famoso d’Europa, M. Flora Giubilei, Comune di Genova

L’intervento di restauro e il trattamento delle carte da lucido, Alice Ferroni, restauratrice

La catalogazione informatizzata per dati e immagini, M.Teresa Orengo, Regione Liguria

Esiti della seconda campagna di schedatura delle cappelle cimiteriali di Staglieno, Stefano Montinari – Raffaele Colombo, Soprintendenza per i Beni Architettonici e per il Paesaggio della Liguria

La catalogazione del Cimitero di Staglieno: un esempio di collaborazione tra enti, strumento attivo per la conoscenza e la tutela del patrimonio, Caterina Olcese Spingardi, Soprintenden-za al Patrimonio Storico – Artistico e Demoetnoantropologico della Liguria

Contemporaneamente presso la sede dell’Archivio Storico del Comune sarà esposta una sele-zione di disegni, oggetto dell’intervento di restauro, qui di seguito elencati:

FRANCESCO CANALE
Progetto per il monumento in memoria di Carlo Piccardo, 1851
inchiostro e acquerello su carta
cm 44,4 x 27,6, inv. n. 6

CARLO RUBATTO
Progetto per il monumento a Carlo Bussolino, 1852
inchiostro e acquerello su carta
cm 31,7 x 21,7, inv. n. 9

G.B. CEVASCO
Progetto per il monumento a Nicolò Cambiaso, 1852
matita su carta, cm 43 x 29,2
inv.n.35

G.B. CEVASCO
Progetto per un’aggiunta alla base del monumento a Andrea Danovaro, 1885
inchiostro su carta, cm 56,5 x 44, inv. n. 547

SANTO VARNI
Progetto per il monumento a Francesco Costa, 1860
inchiostro e acquerello su carta, cm 46,7 x 28,6, inv. n. 106

SANTO VARNI (scultore), CARLO DEGOIX (fotografo)
Fotografia del monumento a Giuditta Disegni Varni, 1875
fotografia incollata su carta cm 48,9 x 32,1, inv. n. 421

SANTO VARNI
Progetto per il monumento alla famiglia Spinola Durazzo, 1854
inchiostro e acquerello su carta, cm 78 x 43,5, inv. n. 95

AUGUSTO RIVALTA
Progetto per il monumento a Carlo Raggio, 1878
litografia con inchiostro e matita su carta, cm 54,9 x 40, inv. n. 491

GIOVANNI SCANZI
Progetto per il monumento a Angela Capurro e Giuseppina Grillo, 1875
inchiostro su carta da lucido, cm 44 x 29, inv. n. 429

GIUSEPPE DINI
Progetto per il monumento alla marchesa Clelia Melchioni Tagliacarne, 1875
litografia e matita su carta, cm 54,7 x 39,9, inv. n. 351

G.B. VILLA
Progetto per il monumento a Raffaele Pienovi, 1873
litografia e inchiostro su carta, cm 54,9 x 40, inv. n. 499

DEMETRIO PAERNIO
Progetto per il monumento a Francesca Gabella Parodi, 1895
inchiostro e acquerello su carta, cm 31, 3 x 42,7, inv. n. 979

LORENZO ORENGO
Progetto per il monumento a Caterina Campodonico, 1880
litografia e inchiostro su carta, cm 44,6 x 30,8, inv. n. 706

ENRICO ASTORRI
Progetto per il monumento a Giorgio Schmidt, 1886
inchiostro su carta, cm 22,6 x 33,6, inv. n. 587

RICCARDO HAUPT
Progetto per il monumento a Jerta Bosch De Salis, 1899
inchiostro su carta da lucido, cm 30,6 x 25, inv. n. 813

GIUSEPPE TALLERO
Progetto per cancellata della tomba Tomaso Monti, 1901
inchiostro su carta da lucido, cm 22,4 x 29,8, inv. n. 1569

LUIGI ORENGO
Progetto per il monumento a G.B. Porcile, 1904
inchiostro su lucido cm 31,7 x 41, inv. n. 1333

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Liguria Spazio Aperto]]>

Il Volto e la Maschera
Gilberto Govi

 

17 aprile – 4 maggio 2003
Liguria Spazio Aperto
 
mostra fotografica
 
Ingresso libero

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Sottoporticato]]>

La collezione fotografica Fnac

 

12 aprile – 25 maggio 2003
Sottoporticato
 
mostra fotografica
 
Ingresso libero
 
Inaugurazione: venerdì 11 aprile, ore 18
 
Orario
Aperta tutti i giorni escluso il lunedì dalle ore 9.00 alle ore 21.00
 
La collezione è nata nel 1978 con la volontà di sostenere i fotografi e al tempo stesso di costituire nel corso tempo la memoria delle esposizioni presentate nelle Gallerie fotografiche della Fnac. Raccoglie attualmente più di mille e cinquecento opere, riflesso della politica espositiva, e offre una visione panoramica della fotografia contemporanea.
Libera da considerazioni speculative, non concepita come investimento e svincolata da limitazioni temporali o stilistiche in ragione dell’eclettismo della programmazione, la collezione si è costituita seguendo unicamente il principio dell’interesse verso l’immagine. Immagini scelte perché testimoni di un’epoca, di una tendenza, di un impegno a volte non solo culturale, scelte per il loro valore artistico, la loro bellezza e per il piacere di conservarle e di farle scoprire agli altri, al di là dell’effimera presentazione in una mostra.
Senza capitoli né suddivisioni tematiche rigide, il libro e la mostra sono stati concepiti come un viaggio attraverso le immagini e in loro compagnia. Il titolo “La fotografia tra storia e poesia” è la chiave di lettura. Il viaggio inizia con le opere di alcuni dei fotografi che hanno svolto un ruolo fondamentale ed esplorato tutti i campi della fotografia.
Simbolicamente aperto da Lartigue, il più celebre dei fotografi dilettanti, e Man Ray, artista globale e precursore degli “ibridi”, il viaggio continua con i “maestri” Kertész, Munkacsi et Cartier-Bresson, con Tina Modotti, simbolo di impegno e fotografia, per passare in seguito dalla fotografia umanista a momenti forti del fotogiornalismo e a pratiche personali di reportage. Poi, dal reportage al viaggio, dal viaggio al paesaggio, alla ricerca, al ritratto fino a immagini di moda non estranee a ricerca e sperimentazione.
 
Laura Serani, Direttrice delle gallerie fotografiche Fnac

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Appartamento del Doge]]>

Metamorfosi del Mito
Pittura barocca tra Napoli, Genova e Venezia

 

22 marzo – 6 luglio 2003
Appartamento del Doge
 
La mostra, che si avvale di un originale percorso espositivo, prende avvio dalle tematiche mitologiche legate alle Metamorfosi di Ovidio e si sviluppa attraverso un vasto repertorio iconografico, che punta a verificare le interpretazioni maturate ad opera degli artisti attivi nelle aree considerate tra Sei e Settecento.
 
Il mito, visto attraverso scansioni tematiche sempre connesse all’affermazione del “barocco mediterraneo”, costituisce il filo conduttore di un confronto tra momenti e realtà pittoriche diverse.
L’intreccio delle vicende, articolato secondo sequenze di particolare suggestione visiva, consente una messa a fronte di opere che offrono possibilità di verifica sia riguardo all’evoluzione del linguaggio artistico, sia in merito alla riproposta di temi iconografici recuperati attraverso il vaglio delle esperienze pittoriche precedenti.
Nel panorama di tali proposte la situazione napoletana appare caratterizzata in un primo tempo da soggetti vincolati al filone tenebristico, e poi inglobati all’interno delle proposte barocche. Il superamento di tali tendenze, di stampo pretiano-giordanesco, verrà determinato da un lato attraverso l’affermazione del classicismo solimeniano, e dall’altro mediante il ricorso al metro rococò. In ambito genovese dalla cultura ampia e dal sincretismo del Grechetto, dopo un momento incline al naturalismo, si afferma una forte vocazione decorativa, enfatizzata dall’esperienza nella grande dimensione dell’affresco e nel rapporto tra pittura e scultura, con le figure di Domenico Piola e Gregorio De Ferrari.
Le scelte relative all’area veneta, anche grazie alle progressive richieste degli artisti nel circuito europeo, consentono di cogliere, nel passaggio dalla pittura dei “tenebrosi” a quella dei “chiaristi”, il positivo riflesso della tradizione iconografica cinquecentesca.
L’analisi delle nuove proposte iconografiche emerse nel corso dei secoli considerati è stata condotta anche attraverso una verifica dei legami con gli intrecci narrativi presenti all’interno della ricca produzione letteraria contemporanea.
 
Il percorso è stato suddiviso nelle seguenti sezioni:
 
IL MOMENTO DELLA TRASFORMAZIONE
Il processo metamorfico offre spazio ad un’ampia varietà di soluzioni, corrispondenti a momenti liberatori, difensivi, consolatori o punitivi, come anche a situazioni nelle quali la divinità assume diverse sembianze per raggiungere le proprie finalità.
Si assiste così alla trasformazione di Dafne e di Siringa in piante, di Narciso in fiore, di Coronide in uccello, oltre che alla sostituzione, come nel caso di Ifigenia.
 
IL PROTAGONISMO DI GIOVE
Ad una serie di trasformazioni ricorre anche Giove per conseguire i propri scopi attraverso complesse trame amorose. Assume, infatti, le sembianze di toro per rapire Europa, di pioggia d’oro per sedurre Danae, di cigno per unirsi a Leda, ma quando appare in tutto il suo fulgore, riduce in cenere Semele.
 
LE PUNIZIONI DEGLI DEI
I motivi che sono alla base degli interventi punitivi possono essere ricondotti: ai tradimenti (Io trasformata in vacca, Mercurio uccide Argo, Apollo si vendica di Coronide, Vulcano punisce Venere e Marte, Semele è incenerita per l’apparizione di Giove), alla mancata obbedienza per l’inosservanza di norme prestabilite (Diana punisce Callisto e Atteone), ad atteggiamenti di sfida o di pretesa superiorità nei riguardi della divinità (Niobe, Latona, Aracne).

LA DIMENSIONE SOLARE
In essa trovano spazio i riferimenti all’ambito operativo di Apollo, quale guida solare, ma anche come promotore delle arti, specialmente in rapporto alla Musica, come nel caso della contesa con Marsia.
 
GLI AMORI
Si inseriscono in linea di continuità attraverso l’intero percorso delle Metamorfosi, offrendo spazio ad interventi eroici (Perseo e Andromeda), consolatori (Bacco e Arianna; Venere e Adone; Aci e Galatea), oltre che a momenti nei quali il rapimento diviene risolutore di complesse vicende amorose: Plutone e Proserpina, Borea e Orizia, Nesso e Deianira, Paride ed Elena.
 
Per l’area napoletana si è fatto riferimento a pittori quali:
- Filippo Napoletano
- Andrea De Lione
- Pietro Novelli
- Mattia Preti
- Luca Giordano
- Giacomo Farelli
- Paolo de Matteis
- Francesco Solimena
- Corrado Giaquinto

Per l’area genovese sono stati considerati soprattutto:
- il Grechetto
- Giovan Battista Carlone
- Anton Maria Vassallo
- Valerio Castello
- Bartolomeo Guidobono
- Domenico e Paolo Gerolamo Piola
- Gregorio De Ferrari
- Alessandro Magnasco
 
Per l’area veneta sono stati oggetto di considerazione i dipinti di:
- Giulio Carpioni
- Pietro Liberi
- Sebastiano Mazzoni
- Giambattista Langetti
- Francesco Maffei
- Federico Cervelli
- Antonio Bellucci
- Sebastiano Ricci
- Giovanni Antonio Pellegrini
- Nicolò Bambini
- Jacopo Amigoni
- Giambattista Piazzetta
 
Catalogo:
Electa, www.electaweb.it
ISBN 8837020716

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Liguria Spazio Aperto]]>

Pastelli di Pierre Tchakhotine e
degli artisti del progetto Europastello

 

16 – 30 marzo 2003
Liguria Spazio Aperto
 
Mostra presentata da:
Regione Liguria
Provincia di Genova
Comune di Genova
Provincia di Cuneo
Fondazione Colombo
Fondazione Ferrero
Consolato di Russia a Genova
Associazione Italia-Russia ONLUS
Comitato Europastello

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Nakis Panayotidis
Viaggiando la luce

 

8 marzo – 21 aprile 2003
 
Inaugurazione venerdì 7 marzo ore 18
Porticato
Inaugura la mostra il Commissario Europeo per la Cultura
Viviane Reding
 
Ingresso libero
 
Orario: aperta tutti i giorni escluso il lunedì dalle ore 14-20
 
Nell’ambito delle manifestazioni che vedranno Genova Capitale Europea della Cultura nel 2004, il Comune di Genova e Fondazione Festival, esprimono un significativo segno del loro impegno nel promuovere attività artistiche e culturali, presentando a Palazzo Ducale la mostra Viaggiando la luce, personale dell’artista, di respiro europeo, Nakis PANAYOTIDIS.
Dall’8 marzo al 21 aprile 2003 nella Loggia degli Abati viene esposta una selezione di una ventina di opere appartenenti alla ricerca dell’ultimo decennio.
In aderenza al titolo scelto dall’artista, la mostra nasce e si articola sulla tematica del viaggio come metafora della conoscenza, come condizione nostalgica di un ritorno, attraverso la rivisitazione dei luoghi dell’infanzia, a un’origine fisica e metafisica.
Greco di nascita (Atene 1947), formatosi a Torino nel clima estetico e socialmente motivato dei primi anni Settanta, attivo e residente a Berna, Panayotidis non può non ricondurre al mito di una mediterraneità solare, alla figura del navigatore per antonomasia Odisseo. La mitologia dei De Chirico e dei Savinio prosegue negli esiti estetici di questo artista, che innesta un linguaggio estetico contemporaneo su un immaginario potentemente arcaico, che trasforma un Luogo in Non-luogo utopico, un Tempo in una Dimensione atemporale. C’è un viaggio sognato, in ogni lavoro di Panayotidis, che inizia con la macchina fotografica in esterni per arrivare poi a luoghi reinventati dalla sua percezione in atelier. Dando spazio alla pratica dello Spaesamento, l’artista fa scorrere il Fiume Aare di Berna tra le pietre della sua amata Serifos, fa esalare nei vapori del sole greco i ghiacciai azzurri dell’Oberland bernese. Negli anni Novanta, una lampadina accesa su fondi di tela catramata illumina debolmente sagome di tavoli, sedie, letti, ritagliate in lamine di piombo, ricreando, in modo emotivamente pregnante, con un minimalismo tuttavia di ascendenza concettuale, gli ambienti spogli, ma densi di odori e di umori delle basse case del Pireo.
Nelle sue grandi foto-costruzioni sono le sequenze intermittenti di tubi al neon o lampadine, ora accese ora spente, che riaccendono emotivamente, alla luce del ricordo, il vissuto di vecchie miniere, l’archeologia industriale di fabbriche disattivate, il rigore delle architetture dell’uomo nel solenne respiro della natura, vedute di città portuali, tra cui Genova, Salonicco, Barcellona, Marsiglia, e nelle opere più recenti, su tele emulsionate con interventi pittorici, grandi scorci su fiumi, dove si riflettono conifere nordiche, scie di transatlantici che solcano azzurri mari mediterranei.
La mostra di Genova ricostruisce, di sala in sala, un viaggio interiore e in esterni, che ha il suo punto focale nell’opera, realizzata espressamente per lo spazio della torre medievale della Loggia degli Abati, Diventi quello che sei, scritta in caratteri greci con il neon, che riprende come un monito, l’oracolo della Pizia di Delfi. Il percorso si svolge a partire dalle opere in bianco e nero a quelle materiche, dove dagli spessori bruni del catrame passa a quelli nivei della cera, fino a concludersi nei colori sognati di una natura sospesa tra Nord e Sud. Tanto i Deserti del Vissuto quanto i Paesaggi della Memoria di Panayotidis rinviano alle atmosfere del film Stalker di Andrej Tarkovskij.
Opere di Nakis Panayotidis sono conservate al Kunstmuseum Bern, Berna, nella Hess Collection, Napa Valley, California, nel Museo d’Arte Contemporanea Fondazione Basile & Elisa Goulandris, Andros, Grecia, in collezioni private, nella collezione permanente della Galerie Henze & Ketterer di Wichtrach/Bern, Svizzera. È in corso di stampa un catalogo ragionato delle sue opere a cura dello storico dell’arte e critico Denys Zacharopoulos, edizioni Acatos, Losanna.
In occasione della mostra, curata da Viana Conti, viene presentato un catalogo bilingue (italiano/inglese) edizioni Electa, corredato da fotografie a colori delle opere, con introduzione di Bruno Corà e testi di Hans Christoph von Tavel e Viana Conti.

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Liguria Spazio Aperto]]>

Incontri d’arte Italia-Ungheria

 

18 febbraio – 8 marzo 2003
Liguria Spazio Aperto
 
Mostra a cura di Luciano Caprile

Organizzazione: Ass. Culturale Liguria-Arte “La Pietra Nera” in collaborazione con Consolato Onorario della Repubblica di Ungheria per la Liguria e la Fondazione Regionale C. Colombo www.fondazionecolombo.it

Dal 18 febbraio all’8 marzo si tiene presso Liguria Spazio Aperto (Piano Nobile di Palazzo Ducale), una rassegna di artisti che vivono a lavorano nella nostra Regione e di artisti attivi nella provincia ungherese di Veszprém.

Questa manifestazione è il primo passo verso un futuro di attività artistiche che le varie associazioni intendono realizzare insieme.

Paradossalmente la globalizzazione, che permette l’immediata diffusione delle notizie da e in ogni parte del mondo, a cui si associa una uniformità di comportamenti, non facilita la comunicazione interpersonale.
La gente ha sempre più difficoltà a colloquiare col prossimo. Lo stesso avviene oggi per i pittori e per gli scultori che per buona parte del secolo scorso avevano promosso la nascita e la crescita delle idee e dei movimenti artistici attraverso un continuo confronto di gesti, di pensieri, di intuizioni.

Pertanto l’attuale circostanza ci appare degna di nota perché mette a contatto un gruppo di autori operanti nel levante ligure con un’altra realtà che ha il suo punto focale a Budapest.
Si tratta di persone che hanno avuto modo di cementare al loro interno un ampio grado di conoscenza reciproca e di collaborazione pur nel rispetto delle diversità espressive e che ora si confrontano sul piano espositivo per un ulteriore e sempre più proficuo scambio di esperienze. Infatti le opere si attirano tra di loro per assonanza, per continuità dialettica o addirittura per aperta contraddizione. Si è scelto pertanto, in fase di allestimento, la via di un racconto comune che trascura le origini dei protagonisti privilegiando il colloquio dei gesti.

I convenuti sono cinque pittori e otto scultori.
Tra i primi ringraziamo Roberto Altmann, Giovanni Job, Kapros Kòsa Edit, Lugossy Edit, Veszeli Lajos.
Tra i secondi Berzsenyi Balàzs, Enrica Bixio, Andrea Copello, Diénes Attila, Adriano Leverone, Lugossy Làszlò, Yoshin Ogata, Franco Repetto.

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Appartamento del Doge]]>

Vico Magistretti
Il Design dagli anni ’50 ad oggi

 

2 febbraio – 2 marzo 2003
Appartamento del Doge
 
Mostra a cura della Fondazione Schiffini
 
Introduzione alla Mostra Dal 2 febbraio al 3 marzo 2003, a Palazzo Ducale di Genova, si svolge una mostra “Vico Magistretti. Il design dagli anni Cinquanta a oggi”, che vuole rendere omaggio all’opera dell’architetto Vico Magistretti, uno dei più illustri protagonisti di quel fenomeno culturale e produttivo, l’Italian Design, che ebbe inizio nell’immediato dopoguerra e lanciò lo stile della casa italiana nel mondo. Questa mostra racconta quello speciale rapporto tra produttori e designers, fondato su una stretta collaborazione, che ha fatto del design italiano un fenomeno unico al mondo per dinamicità e per durata nel tempo.
Oltre 70 prodotti di design industriale, progettati da Vico Magistretti per le più importanti aziende italiane e straniere del l’arredamento, saranno esposti nel Loggiato e nell’Appartamento del Doge, al piano nobile di Palazzo Ducale.
Il percorso espositivo copre un arco di oltre cinquant’anni e propone le tappe più importanti del lavoro di Vico Magistretti, dal 1946 al 2003. Esposti nella mostra, i prodotti più significativi disegnati per la produzione di serie: sono sedie, lampade, tavoli, letti, cucine, armadi, librerie, oggetti reinventati nell’uso e nelle forme, secondo lo stile misurato ed elegante di Magistretti.
Quasi tutti sono ancora in produzione e continuano ad essere dei bestsellers. A conferma che “un oggetto di buon design deve durare a lungo, 50 o anche 100 anni”, come sostiene lo stesso Magistretti.
La mostra nasce dalla collaborazione tra la Fondazione Schiffini, Comune di Genova e Palazzo Ducale di Genova, che sono promotori dell’evento, con il contributo di Cosmit, organizzatore del Salone Internazionale di Milano, e con il patrocinio del Comune di Genova. Sponsor della mostra sono Schiffini Mobili Cucine, Flou, e la rivista Casamica della Rcs periodici.
 
Tema della Mostra
“Design è anche guardare gli oggetti di tutti i giorni con occhio curioso”.
È una delle frasi di Vico Magistretti, che scandiscono il percorso della Mostra ed esprimono le sue riflessioni sul design.
Vico Magistretti, progettista di fama internazionale, fa parte di quella scuola milanese di architetti che, affascinati dal design e dalla produzione per la grande serie, già nella seconda metà degli anni Quaranta, collaborano attivamente con le aziende che producono mobili e oggetti d’arredamento. L’Italian Design nasce allora e si sviluppa negli anni Sessanta, in quel periodo di grande fermento creativo che trova il suo punto di forza nel rapporto di stretta collaborazione tra designers e produttori. È da questo intenso scambio di idee e di esperienze che ha origine un nuovo tipo di approccio progettuale, basato sulla produzione per il grande numero. Dalle idee e dalla matita di Vico Magistretti nascono progetti innovativi destinati a rivoluzionare la produzione d’arredo in Italia, influendo in modo determinante anche sul gusto degli italiani e sulle loro abitudini. Nasce così un modo nuovo di concepire gli oggetti di tutti i giorni che, rinnovati nella forma e nell’uso, sono destinati a diventare dei bestseller in tutto il mondo.
“Nel design ciò che conta è il concetto espresso con uno schizzo”.
Da uno schizzo alla forma concreta: Magistretti non ha mai fatto disegni tecnici, ma schizzi che esprimono un’idea. Convinto che certi pezzi siano concettualmente così chiari e semplici da poter essere comunicati per telefono. E gli schizzi, a volte tracciati casualmente sul retro di una busta o su un biglietto della metropolitana, sottolineano tutto il percorso espositivo.
È il suo personale modo di lavorare, colloquiando con i tecnici e con i produttori, per un confronto e uno scambio di idee sulla realizzazione di un prodotto: “Design vuol dire anche parlare assieme”.
Per la sua formazione razionalista Vico Magistretti è sempre stato interessato al design per la grande serie, al grande numero destinato a un vasto pubblico: affascinato dalla riproducibilità di un oggetto più che dall’unicità di un singolo pezzo.
“Negli anni Sessanta la produzione di serie è stata un passaggio chiave per l’Italian Design, che ha avuto la fortuna di realizzare il criterio sociale del Bauhaus: produrre mobili per tutti”.
 
Percorso e contenuti
Nel progetto di allestimento, mobili e oggetti sono collocati su grandi pedane quadrate (sollevate 20 centimetri da terra) che scandiscono il percorso espositivo. Il grande numero dei pezzi esposti evidenzia il concetto di ripetitività per la produzione di serie: pile di sedie, fitte sequenze di lampade, boschetti di oggetti che la collocazione rende presenze quasi astratte. Tutti i prodotti sono esposti in ordine cronologico, suddivisi per decenni. Degli anni del dopoguerra sono esposti 3 pezzi storici. Si parte dal 1946, anno in cui Vico Magistretti disegnò una poltroncina pieghevole in tela per la Rima (Riunione Italiana per le Mostre di Arredamento), da esporre nel palazzo della Triennale, a Milano. Dello stesso anno, il progetto di una libreria-scaletta che verrà presentata a una mostra organizzata da Fede Cheti nel 1948-49, alla quale Magistretti partecipa, insieme ad Achille Castiglioni, Marco Zanuso, Ignazio Gardella, Franco Albini.
Sono del 1949, invece, i tavolini in legno sovrapponibili prodotti da Azucena, un’azienda fondata dagli amici Ignazio Gardella e Luigi Caccia Dominioni.
Poi, negli anni Cinquanta, una pausa: Magistretti si dedica soprattutto all’architettura. Ma è negli anni Sessanta che, anticipando con intuizione le nuove esigenze abitative, disegna alcuni degli oggetti più noti al grande pubblico: pezzi che sono entrati a far parte della vita quotidiana di molte persone. Come la sedia Carimate che viene messa in produzione nel 1960, grazie a un dinamico imprenditore dell’epoca, Cesare Cassina che ne intuisce le potenzialità. La sedia diventerà il simbolo della Swinging London e la sedia dei Beatles. Qualche anno dopo, nel 1965, un altro successo: la piccola lampada Eclisse, versatile e colorata, prodotta per Artemide da un altro imprenditore illuminato, Ernesto Gismondi. Lo stesso che, nel 1969, produce una sedia rivoluzionaria in plastica stampata, Selene, uno dei pezzi di Magistretti più venduti al mondo. È del 1966 anche la prima cucina disegnata per Schiffini, Timo: inedita perché ha la presa della maniglia invisibile, nascosta nel profilo del telaio dell’antina. Una vera innovazione tecnica e formale.
Seguono gli anni Settanta, testimoni di una proficua collaborazione tra Magistretti e le industrie più importanti: nascono in quel periodo, la geometrica lampada Atollo, ancora oggi uno status symbol (Oluce,1977); la libreria Nuvola Rossa (Cassina,1977); il divano Maralunga con l’innovativo poggiatesta morbido, reclinabile sullo schienale (Cassina,1973).
Ma è il primo letto tessile, Nathalie (Flou, 1978), completamente sfoderabile, da vestire e svestire a piacere, che rivoluzionerà il modo di concepire il letto.
Del 1981 è invece il divano più provocatorio e, forse per questo, il più amato da Magistretti, Sinbad di Cassina: una semplice coperta da cavallo nei colori delle scuderie inglesi, “posata” elegantemente su una struttura imbottita.
Gli anni Ottanta vedono la collaborazione con De Padova che dà origine a tanti progetti significativi, come il tavolo Vidun (1987), la sedia Silver (1989).
Vico Magistretti ha disegnato molte sedie: negli anni Novanta nascono alcune fra le sue sedie più vendute, come la Maui per la Kartell nel 1996; la Vicocone (1994) e la Vicoduo (1997) disegnate per l’azienda danese Fritz Hansen. A questa feconda stagione appartengono anche i mobili trasformisti progettati per Campeggi: Ospite letto del 1996, l’appendiabiti Broomstick.
Magistretti arriva senza soste al Duemila, progettando ancora nuovi prodotti. L’ultima lampada per Fontana Arte, del 2003, è un’applique che si chiama Bruco. E poi, sono in cantiere una nuova sedia per De Padova e una per la Thonet.
Se si pensa che quasi l’80% dei pezzi che Magistretti ha disegnato sono tutt’ora in produzione, si capisce che i prodotti più significativi sono anche quelli che hanno fatto la storia delle aziende per le quali Magistretti li ha progettati.
Disegnare per tutti: questo il suo obiettivo. Convinto com’è che il design sia un processo concettuale, e abbia – rispetto all’architettura – un legame molto più diretto con la realtà “perchè entra nelle case della gente”.

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Liguria Spazio Aperto]]>

Alta Via dei Monti Liguri

 

23 gennaio – 9 febbraio 2003
Liguria Spazio Aperto
 

Associazione Alta Via dei Monti Liguri
Regione Liguria
 
Crinali soleggiati si alternano a boschi ombrosi dove, talvolta, nebbie orografiche creano atmosfere e forme surreali, creste ventose da cui è possibile ammirare, contemporaneamente, la Corsica e le vette innevate delle Alpi Cozie e Pennine, tranquilli pendii dai sottoboschi ricchi di profumi e colori: l’Alta Via dei Monti Liguri (AV) è un itinerario escursionistico unico.
Il percorso, collega le estremità della riviera ligure, correndo, per lunghi tratti, sul crinale montuoso che si distende da Est ad Ovest.
Grazie alle sue peculiarità, l’Alta Via è l’itinerario ideale per chi, svincolandosi dal turismo di massa, voglia conoscere l’entroterra della Liguria: regione che comprende nel suo piccolo territorio ambienti molto diversi, con situazioni naturali di altre latitudini e testimonianze storiche di diverse epoche.
 
A pochi chilometri dalla costa si possono trovare già ambienti di tipo alpino, così che piante tipiche del Nord Africa fioriscono a breve distanza da altre diffuse in Scandinavia. Allo stesso modo architetture mediterranee sorgono su assolati versanti meridionali, mentre poco più a nord, tipologie e materiali ricordano l’Europa centrale. Rocce scolpite dalla natura possono essere ammirate accanto a versanti modellati dall’opera di generazioni di contadini. Manufatti dell’ingegno montanaro fanno tuttora parte della vita e del lavoro quotidiani, insieme a opere d’arte di tutte le epoche.
 
La mostra, curata dall’Ufficio Parchi della Regione Liguria, presenta diversi aspetti di questo straordinario percorso ed è suddivisa in sezioni tematiche.

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ATTILIO MANGINI

La pittura come un sogno di vita quotidiana
Loggia degli Abati
Dal 14 dicembre 2002 al 26 gennaio 2003

Genova rende omaggio ad uno dei più significativi artisti della città, Attilio Mangini, con una mostra antologica allestita a Palazzo Ducale, nella Loggia degli Abati dal 14 dicembre 2002 al 26 gennaio 2003.
 
Attilio Mangini è senza dubbio uno degli artisti più amati dai genovesi che hanno trovato nel suo lungo lavoro di pittore, ceramista, illustratore, l’equivalente visivo della città, rappresentata nella particolare atmosfera di un quotidiano che si trasforma in un sogno leggero di segno e colore. La Genova di Mangini è diventata negli anni il logo della città e Mangini a sua volta il logo del pittore genovese. Nasce da questo particolare rapporto tra Genova e l’artista questa mostra antologica che coglie l’occasione di un compleanno (novant’anni appena compiuti lo scorso giugno) per riproporne un’attività che supera ormai il mezzo secolo (dalla prima mostra del ’52 alla Galleria Genova sino ad oggi) attraverso una significativa selezione di sue opere: circa 100 tra dipinti, disegni, ceramiche.
 
La mostra, allestita negli spazi di Palazzo Ducale, prende inizio da un nucleo di disegni e di opere in gran parte inedite realizzate da Attilio Mangini negli anni ’50 nella dimensione di un realismo con venature espressioniste che ben si inserisce nell’ambito della ricerca artistica italiana del secondo dopoguerra. L’artista affronta qui in maniera più esplicita i temi a lui cari dei luoghi del lavoro e della fatica singolarmente intrecciati con uno dei suoi soggetti preferiti, il circo, rivisitato in questa fase iniziale in chiave di metafora esistenziale, che sembra guardare laicamente alla religiosità di Roualt.
 
Seguono tra anni ’60 e ’70 stilizzati disegni en arabesque che si alternano a dipinti della città, del centro storico, dei suoi abitanti in una variante di espressionismo surreale e fiabesco che – come scrive Sandra Solimano in catalogo – è la lente deformante che Mangini applica al quotidiano trasfigurandolo in malinconiche “cronache di poveri amanti”.
 
Di segno assai diverso il partecipato racconto della Resistenza attraverso una serie di disegni a china del 1975 e la successiva produzione degli anni ’80, quasi transavanguardistica nella ricercata deformazione della figura e nel recupero di stilemi neo-fauves di alcuni paesaggi marini che richiamano un precedente nucleo di dipinti degli anni ’60 e 70 in una sorta di percorso parallelo alla più nota produzione dell’artista che pur ritorna nelle opere dedicate al porto e nelle vedute della città.

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FRANCESCO MESSINA

Sculture, disegni e poesie 1916-1993
Stazione Marittima di Ponte dei Mille e Liguria Spazio Aperto
Dal 24 novembre 2002 al 19 gennaio 2003

Informazioni
 
FONDAZIONE REGIONALE C. COLOMBO Palazzo Ducale P.zza Matteotti 9 – Genova
Tel. 010-562046, fax 010-591088
E-mail: fondazionecolombo@fondazionecolombo.it
 
STUDIO COPERNICO
Via Copernico 10 – Milano
Tel. 02-67075049, fax 02-67073314
E-mail: studiocopernico@libero.it
 
A ideale conclusione delle manifestazioni per il centenario della nascita di Francesco Messina, ricorso nell’anno 2000, la Regione Liguria presenta una importante mostra che ripercorre la carriera artistica del grande scultore.
 
La mostra è ideata e realizzata dalla Regione Liguria, Assessorato alla cultura, Servizio Programmi e Strutture Culturali, nell’ambito del programma pluriennale di promozione culturale finalizzato a “Genova 2004 Capitale europea della cultura”, con l’organizzazione della Fondazione regionale Cristoforo Colombo, in collaborazione con lo Studio Copernico di Milano.
 
La rassegna è resa possibile grazie al contributo di Fondazione Festival e Festival Crociere, sponsor unico della mostra, che ospiterà l’opera Bambino al mare, immagine simbolo della rassegna di Messina, sulla motonave European Stars, Ammiraglia della Compagnia che per tutta la durata dell’esposizione viaggerà nel Mediterraneo, come ideale ambasciatrice dell’opera del grande scultore.
 
Comitato scientifico: Luciano Caprile, Leo Lecci, Maria Teresa Orengo, Antonio Paolucci, Franco Ragazzi, Franco Sborgi, Liliana Ughetto, con la collaborazione di Paola Messina.

Mostra a cura di: Luciano Caprile, Maria Teresa Orengo, Antonio Paolucci, Franco Ragazzi, con la collaborazione di Nicola Loi.
 
L’esposizione si snoda su due spazi espositivi genovesi, la Stazione Marittima di Ponte dei Mille, affascinante spazio restaurato in occasione del G8 del 2001, concesso grazie alla collaborazione dell’Autorità Portuale di Genova e di Stazioni Marittime Spa, Genova, dove saranno collocate le sculture, e le sale di “Liguria Spazio Aperto” di Palazzo Ducale, dove verranno esposti i disegni e la documentazione di Francesco Messina poeta e scrittore.
 
La mostra presenta 250 opere (190 sculture, 60 disegni), – provenienti da importanti musei quali la Galleria nazionale d’arte moderna di Roma, la Galleria d’arte moderna e il Museo Messina di Milano, la Galleria d’arte moderna e contemporanea di Torino, il Museo Revoltella di Trieste, il Museo Pogliaghi di Varese, la Galleria d’arte moderna di Firenze, la Galleria d’arte moderna, le Civiche Raccolte Frugone e la Galleria di Palazzo Rosso di Genova, i Musei Civici di Lugano, da collezioni di proprietà pubblica (Ministero delle attività produttive di Roma, Istituto storico della Resistenza di Genova, Comune di Lavagna) e da collezioni private – e si configura non solo come la prima antologica realizzata a Genova, ma anche come la più grande e completa mostra antologica dedicata al maestro.
 
Francesco Messina, nato a Linguaglossa (Sicilia) nel 1900, si è trasferito a Genova dalla più tenera età e vi è rimasto per tutti gli anni della formazione artistica e dei primi importanti successi nazionali ed internazionali. Ligure di elezione, Messina si è formato alla scultura nelle botteghe artigiane che lavoravano per Staglieno, nello studio genovese di Giovanni Scanzi e frequentando l’Accademia Ligustica. Ma la sua formazione culturale si è avvalsa soprattutto del rapporto di vicinanza con gli intellettuali presenti a Genova nel primo Novecento come Camillo Sbarbaro, Eugenio Montale, Adriano Grande, Ceccardo Roccatagliata Ceccardi, Salvatore Quasimodo.
 
In oltre settanta anni di attività Francesco Messina si è affermato come uno dei più grandi e rinomati artisti italiani aggiudicandosi numerosi premi e riconoscimenti internazionali. Sue opere sono presenti nei più importanti musei del mondo. Nel 1932 l’artista si trasferisce a Milano, continuando, peraltro a intrattenere rapporti con la Liguria, sia attraverso specifiche committenze di carattere pubblico e privato, sia come elemento ispiratore di una mediterraneità che allora guardava innanzitutto a Gemito e alla scultura classica. Il segno che Messina ha lasciato a Genova e in Liguria fu infatti importante, influenzando le nuove generazioni di scultori, lasciando anche numerose opere in collezioni pubbliche e private. Messina morì a Milano nel 1995.
 
Per il centenario della nascita dell’artista è stata organizzata una grande mostra antologica a Roma. Rispetto alla mostra romana del centenario, la mostra genovese, proposta e incoraggiata dalla figlia dell’artista, Paola Messina anche con una importante donazione di opere del padre alla Fondazione Colombo proprio a celebrare l’amore e l’attaccamento di Francesco Messina per Genova, prevede un notevole arricchimento di opere realizzate da metà degli anni Dieci agli anni Trenta, quelli della formazione artistica e culturale e della attività giovanile dello scultore a Genova e in Liguria, in gran parte inedite, provenienti da collezioni pubbliche e private.
 
In occasione della mostra la Regione Liguria, attraverso il proprio Servizio Programmi e Strutture Culturali e diversi ricercatori e studiosi, ha realizzato una catalogazione delle opere dell’artista presenti sul territorio ligure, oltre a studiare e ricreare l’ambiente culturale da cui il Maestro aveva attinto la sua formazione. In particolare viene studiata, per la prima volta in maniera complessiva, l’attività di Messina poeta. La mostra si propone di pervenire a sette anni dalla morte del Maestro a un primo provvisorio bilancio, riannodando i fili tra la fase della sua formazione e il periodo successivo. La complessa problematicità del suo percorso attraversata anche da ricerche sperimentali e da una inquieta volontà di rinnovamento, è necessaria a restituire una fisionomia attendibile al suo lavoro di scultore, contribuendo a superare i dissidi valutativi della critica e i tanti stereotipi che ne hanno accompagnato sinora la figura. Numerose sono le opere che non sono mai state esposte e che sono state recuperate capillarmente da collezioni pubbliche e private. Il percorso espositivo è cronologico, raccoglie opere realizzate in diversi materiali – bronzo, marmo, legno, terracotta, ceramica, gesso -, e di diverse dimensioni. La sezione iniziale della rassegna focalizza l’attenzione sulla prima produzione degli anni Dieci e Venti, ovvero sulla stagione genovese maturata a contatto di Montale e Sbarbaro e in genere della letteratura ligure, e cresciuta artisticamente nella cultura modernista del primo Novecento, alimentata dell’influsso di figure quali Edoardo De Albertis ed Eugenio Baroni.
 
Tra le opere esposte compaiono esempi della prima produzione di arte applicata (Studio per un faro, 1916), la sua prima scultura realizzata all’età di diciassette anni e “rifiutata” dalla Promotrice, opere di grande suggestione quali il ritratto “modiglianesco” Cocaina (1920-21), la melanconica Vergine (1922) dedicata a Bianca, la donna amatissima dall’artista per tutta la vita, il bronzo dell’Ofelia (1923), i primi ritratti di Bianca e della madre, sino a pervenire alle opere che richiamano le nuove suggestioni del ritorno all’ordine e del nuovo rapporto con la tradizione Presenti anche i lavori esposti alle mostre di “Novecento” (Autoritratto, Ritratto del pittore Achille Funi, Nudo di giovinetto), le opere che risentono dei rapporti di amicizia con Arturo Martini (la Cerere presentata all’Esposizione di Monza del 1927, le terrecotte realizzate presso la Fenice, i gruppi degli Amanti e dei Bagnanti).
 
In mostra anche i ritratti di Piero Marussig, di Guglielmo Bianchi, connotati da un profondo realismo espressivo, così come la sequenza dei pugili e i nudi di giovani nuotatori e le figure di vecchi e dei giovinetti al mare, nati a Sestri Levante, che recuperano una tradizione italiana ispirata a Gemito e alla scultura classica. Del secondo periodo che rispecchia la nuova stagione artistica ed esistenziale dello scultore dopo il trasferimento a Milano nel 1932 e la nomina a direttore delle scuole d’arte dell’Accademia di Brera sono presenti ulteriori importanti opere, dai ritratti (di Riccardo Bacchelli, Maria Rita Saltamerenda, Erminia Clerici, Salvatore Quasimodo, Alfonso Gatto, del Cardinale Schuster ecc.), alla serie delle danzatrici che lo hanno reso celebre presso il grande pubblico. In alcuni casi l’opera è affiancata dal relativo bozzetto in gesso. Rappresentate nella rassegna e studiate in catalogo anche le testimonianze della produzione di carattere religioso e l’importante stagione monumentale pubblica: dal bozzetto per il monumento a Cristoforo Colombo di Chiavari (1934-35), al monumento a Costanzo Ciano (1939-40) proveniente dagli Arsenali navali della Spezia, sino ai lavori che fanno parte della storia della scultura monumentale italiana degli anni Trenta e Quaranta (il monumento al Regisole a Pavia, il monumento a Crispi, Perseo che taglia la testa a Medusa destinato all’Arengario di Milano, il bozzetto per il Nuotatore dello Stadio Olimpico di Roma, le quadrighe di cavalli destinati all’EUR). Con la stessa attenzione è documentata la produzione del dopoguerra con i numerosi ritratti di amici artisti e intellettuali dello scultore (Lucio Fontana, Arturo Tosi, Giovanni Papini, Indro Montanelli, ecc.), i ritratti eseguiti per una committenza significativa (gli Agnelli a Torino, i Parodi e i Perrone a Genova, ecc.), i numerosi ritratti femminili. I monumenti realizzati in questi anni sono documentati dai bozzetti del famosissimo Cavallo morente (1958) della RAI, la Santa Caterina, il Pio XII di San Pietro. Gli ultimi decenni mostrano ancora il grande mestiere e la gioia di vivere dell’artista con decine di figure femminili, le danzatrici fra cui i ritratti di Carla Fracci e Luciana Savignano, gli amati cavalli.
 
Il catalogo, curato da Maria Teresa Orengo e Franco Ragazzi, edito da Gabriele Mazzotta di Milano, di 400 pagine circa con tutte le opere esposte e catalogate riprodotte in bianco e nero, presenta testi e studi di Luciano Caprile, Vico Faggi, Leo Lecci, Maria Teresa Orengo, Paola Messina, Antonio Paolucci, Franco Ragazzi, Liliana Ughetto. Una ricca sezione di apparati comprende le schede delle opere esposte e la catalogazione delle opere presenti in Liguria.

 
Catalogo
Edizioni Mazzotta, www.mazzotta.it

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1 FIRMA X 6

Sottoporticato
21 novembre 2002 al 2 febbraio 2003

In mostra opere di Bernazzoli, Biassoni, Costantini, Veruggio, Luzzati e Piombino
 
La mostra è realizzata con il contributo di ERG
in collaborazione con Palazzo Ducale spa
 
progetto e realizzazione
Archivio storico della pubblicità/Corigraf,Genova
 
a cura di
Mario Piazza, presidente Aiap associazione italiana progettazione per la comunicazione visiva
 
coordinamento scientifico
Mario Piazza, Francesco Calaminici, Anna Zunino, Sergio Noberini
 
in collaborazione con
Fondazione Ansaldo
Paolo Bernazzoli, Marco Biassoni, Anna Costantini, Flavio Costantini, Emanuele Luzzati, Ettore Veruggio, Beppe Veruggio
 
contributi e testimonianze
Arnaldo Bagnasco, Riccardo Garrone, Franco Sborgi
 
pubblicazioni
catalogo mostra Una firma per sei, ediz. Corigraf/Archivio storico della pubblicità
catalogo Umberto Piombino scultore, edizioni Tormena
 
Nella Genova della fine degli anni Cinquanta, anni di grande fermento artistico, si formò un gruppo di autori interessati a sperimentare nuovi linguaggi nel campo della grafica, della pubblicità, della comunicazione, del teatro, della scultura, della scenografia e delle arti applicate in genere.
I clienti erano le grandi Compagnie di navigazione, le più importanti aziende petrolifere, la grande industria siderurgica, i cantieri navali, la Fiera eil porto.
Per loro, Dario Bernazzoli, Marco Biassoni, Flavio Costantini, Ettore Veruggio, Emanuele Luzzati e Umberto Piombino fecero manifesti, marchi e cataloghi; progettarono allestimenti, arredi e elementi decorativi; inventarono storie e personaggi; realizzarono illustrazioni, stoffe e animazioni, ceramiche e sculture.
Alcuni di loro fondarono nel 1956 uno studio grafico per dare risposte più professionali e organizzate. Lo chiamarono “Firma”, a sottolineare un tratto di distinzione, la necessità di uno stile originale e moderno per la comunicazione, ma anche un segno collettivo dove i sei protagonisti di questa storia potevano interagire e trovare le future strade individuali.
Luzzati a suggello di questa impresa plasmò un magnifico pannello in ceramica con i “quattro cavalieri di Firma”.
Li raffigurò in marcia guidati da Bernazzoli a cavallo (con il suo fido scudiere Cesarino culo grosso e cervello fino), protetti da una apposita santa (Santa Firmina, a ognuno una tettina), ma anche attorno a un tavolo di lavoro già colmo di clienti importanti: Esso, Shell, Erg, Italia di Navigazione, Italsider, Siderexport, Ilva, Costa (olio e navi) etc. Piombino, bizzarro scultore sui generis, fu una sorta di lieve cerimoniere dello studio con assidue e quotidiane frequentazioni. Tutti insieme fecero tesoro del clima culturale di quegli anni: i forni degli artigiani di Albisola, gli incontri con gli artisti (da Fontana a Jorn) e i galleristi, il teatro e il cinema.
La mostra e il catalogo presentano per la prima volta in forma documentata le “origini” di questi autori, che oggi conosciamo per le opere dei periodi successivi: dalle acqueforti e dai quadri di Bernazzoli, al lavoro per il teatro e l’animazione di Luzzati, dalle grandi serie artistiche di Costantini, alle sculture di Piombino, dai caroselli e alle strisce di Biassoni, agli arredamenti e ai quadri di Veruggio.
Sul finire degli anni ’50 la figura più compiuta era in realtà quella di Bernazzoli, da vent’anni sicura “firma” del cartellonismo italiano. Formatosi da autodidatta negli anni ’30 presso gli stabilimenti litografici della Barabino & Graeve, fu affascinato dal lavoro di Dudovich, Sepo, Cappiello, i grandi disegnatori italiani di manifesti. Ne seguì con successo le orme soprattutto con una grande quantità di bozzetti, tavole e manifesti per la Esso Standard Oil e per le grandi compagnie di navigazione, dove il suo personale segno fu capace di dar forma a oggetti plasmati e sospesi di grande fascino comunicativo.
 
Attorno a Bernazzoli si uniranno tre giovani grafici molto più giovani, Biassoni, Costantini e Veruggio. Ognuno con proprie peculiarità e con grandi aspirazioni, capaci però di confrontarsi e di fondersi in uno stile unitario. Nascono così magnifici manifesti, ricercate pubblicazioni aziendali (per Esso, Shell, Erg) dove il perfezionismo ossessivo di Costantini è già manifesto, e la leggerezza e il minimalismo del tratto nelle strisce e nei personaggi (il Lingottino, il Prode Anselmo) di Biassoni è già compiuto. E magnifici stand dove l’esperienza di Bernazzoli si arricchisce della qualità formale e progettuale della grafica di Veruggio, il più funzionalista del gruppo e non a caso poi apprezzato disegnatore di interni e di arredi.
Ma assieme a loro sono sempre vicini Piombino, che si presta a fare da comparsa, insieme a Costantini, per la pubblicità sul “Rivenditore Esso” e a realizzare fantastici marchingegni scenici con materiali poveri, e Luzzati che offre il suo segno già maturo e consapevole per gli allestimenti fieristici.
 
Al di là di questo momento organizzato professionalmente, questi sei autori continueranno a frequentarsi e a trovare momenti di lavoro in comune, come la magnifica serie di bozzetti e progetti, per la prima volta in mostra, per i tessuti di Firma Boutique del 1964. Qui ritroviamo il festoso mondo di Luzzati, il decorativismo critico di Costantini, i grafismi di Veruggio e il lirismo di Biassoni, ripensati ed espressi per una notevole quantità di tessuti che saranno una scoperta per molti.
La mostra infine ospiterà alcuni pezzi per illustrare gli sviluppi, in verità più noti, di questi autori, ma che possono essere messi a confronto con le sperimentazioni visive degli anni Cinquanta e documentare una linea ininterrotta di quel clima positivo della città ligure.
 
In mostra una selezione di manifesti, bozzetti originali, litografie, tessuti, ceramiche, films d’animazione, documentari e testimonianze video, provenienti dall’ Archivio storico della pubblicità di Genova, dagli archivi degli autori e da collezioni private.
 
Nel percorso espositivo è presente una sezione speciale, a carattere antologico, dedicata all’opera scultorea di Umberto Piombino.

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LA FIGURA DI SALVO D’ACQUISTO

Sala Camino
Dal 21 al 25 novembre 2002

Mostra per la celebrazione della ‘Virgo Fidelis’
A cura del Comando Regionale Carabinieri Liguria.

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LA REPUBBLICA DI GENOVA
1992-2002 IMMAGINI DI CRONACA

Munizioniere
Dal 7 al 23 novembre 2002

A cura della Redazione del quotidiano La Repubblica

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L’ANIMA DELL’AFRICA

Mostra fotografica di Antonio Manellini
16 – 30 ottobre 2002
Loggia degli Abati

A scopo benefico a favore dell’Associazione Gigi Ghirotti

La Loggia degli Abati a Palazzo Ducale ha ospitato dal 16 fino al 30 ottobre 2002 la mostra fotografica di Antonio Manellini dal titolo “L’Anima dell’Africa”.
Nelle quaranta fotografie che compongono la serie, Manellini racconta momenti di vita quotidiana dell’eterogeneo mondo africano offrendoci delle immagini molto simili a radiogrammi che, attraverso la particolare tecnica di stampa da diapositiva, evidenziano soprattutto forme e contorni di persone e di cose.
“L’anima dell’Africa” è anche la foto di una donna inginocchiata, colta di profilo, immersa in un omogeneo sfondo nero.
La mostra è stata a scopo benefico a favore dell’Associazione Gigi Ghiotti ed era curata dall’Associazione Mogli dei Medici Italiani.

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Estorick Collection of Modern Italian Art

12 ottobre 2002 – 12 gennario 2003

Palazzo Ducale presenta, per la prima volta in Italia, oltre 100 capolavori della Estorick Collection of Modern Italian Art di Londra.
La mostra nasce dalla collaborazione con la Fondazione regionale Cristoforo Colombo-The Mitchell Wolfson jr. Collection di Genova e la Eric and Salome Estorick Foundation che hanno avviato un significativo scambio tra le collezioni.
Il percorso espositivo, con dipinti, opere grafiche e sculture, copre un arco temporale compreso fra la fine dell’Ottocento, con la straordinaria scultura in cera di Medardo Rosso, Impressioni di boulevard, e la metà del Novecento, con bronzi di Marini, Manzù, Greco e pitture di Music e Guttuso.
 
Un’importante sezione della mostra è dedicata ad alcune delle più conosciute ed apprezzate opere dei maestri del movimento futurista: Idolo moderno e Studio per “La città che sale” di Boccioni, La mano del violinista di Balla, Uscita dal teatro di Carrà, Le Boulevard di Severini, La musica di Russolo, ed altre di Sironi e Soffici, insieme ad una ricchissima selezione di disegni.
Altrettanto famose sono le opere metafisiche di de Chirico, i ritratti di Modigliani e i dipinti di Campigli. Morandi è presente con una serie di disegni di paesaggi e nature morte e alcune fra le più rare acqueforti, fra cui la prima incisione realizzata nel 1912.
La Collezione Estorick, che costituisce la più importante raccolta privata di opere italiane conservate all’estero, si è andata formando a partire dagli anni ‘40 grazie all’intuito e alla grande passione per l’arte figurativa di Eric e Salome Estorick. Eric (1913-93), sociologo e scrittore americano, si trasferisce in Europa alla fine della seconda guerra mondiale, dopo gli studi universitari a New York durante i quali fa il suo primo incontro con l’arte contemporanea alla Gallery of Living Art del Washington Square College.
Salome Dessau, figlia di affermati industriali tessili, studia arte a Londra e con il suo personale e raffinato gusto partecipa alle scelte artistiche di Eric.
 
Nel 1947, durante il viaggio di nozze, Eric legge “Pittura e scultura futuriste” di Boccioni da cui nasce il suo profondo interesse per l’arte italiana, in particolare quella futurista. Prima di tornare in Inghilterra, i coniugi visitano l’atelier di Mario Sironi a Milano dove, innamorati del suo lavoro, comprano centinaia di disegni e molti dipinti.
Nel corso di successivi viaggi in Italia, Eric e Salome incontrano e stringono amicizia con i maggiori artisti del momento, fra cui Campigli, Music, Morandi e acquistano nuove opere.
Durante gli anni ’50 la collezione è esposta in importanti mostre organizzate in Europa, come quella famosa alla Tate Gallery nel 1956, e nel nord America.
Negli anni ’60, Eric apre una sua galleria a Londra, trasformando la passione per l’arte nella sua principale attività.
Pochi mesi prima della morte, Eric crea con i figli la Eric and Salome Estorick Foundation; dal 1998 la collezione è ospitata nella sede di Northampton Lodge, una splendida villa giorgiana nel quartiere londinese di Islington.
 
La sede della Collezione Estorick (www.estorickcollection.com) dal 2 ottobre al 22 dicembre 2002 ospita la mostra “Under Mussolini Decorative and Propaganda Arts of the Twenties and Thirties”, realizzata in collaborazione con la Mitchell Wolfson Jr Collection – Fondazione Regionale C. Colombo, Genova.

 
Catalogo
Edizioni Mazzotta, www.mazzotta.it

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ZUARISOREO

Genova, appunti in bianco e nero
27 settembre – 6 ottobre 2002
Loggia degli Abati

Fotografie di Alessandro Dominici
Testi di Federico Sirianni

Genova va vista in bianco e nero.
Un po’ come la vedono i cani o i gatti.
Io l’ho sempre guardata così.

Mostra fotografica di Alessandro Dominici, con “piccoli versi in forma di canzone” di Federico Sirianni.
Una mostra composta da 35 fotografie aventi come soggetto la città di Genova, con particolare interesse rivolto al suo centro storico.
È organizzata in collaborazione con ALICUBI, Società di Comunicazione torinese, la Piccola Società Cooperativa IL BALLATOIO con sede a Gavi (AL) e l’Associazione Culturale CELLULOIDE di Torino.

Si tratta di un lavoro svolto con lo spirito di cogliere alcuni appunti visivi, girovagando senza una meta precisa e lasciandosi catturare dagli inevitabili contrasti che una città come questa sa offrire.
Sono fotografie in bianco e nero in formato panoramico che, dal centro storico, si spostano verso le più moderne zone commerciali, luoghi che assumono caratteristiche assolutamente differenti per quel che riguarda il paesaggio e l’atmosfera, ma che convivono fianco a fianco senza soluzione di continuità.
I testi introduttivi alle 3 stanze dell’esposizione sono scritti da Federico Sirianni, con l’intento di condurre il visitatore in questo itinerario genovese di forti contrasti e di prospettive davvero poco consuete.

ALESSANDRO DOMINICI, 35 anni, fotografo pubblicitario torinese, arriva alla prima mostra personale dopo numerose esposizioni collettive a Modena, Roma, Torino. Selezionato dalla Kodak fra i rappresentanti italiani nel concorso “Kodak European Award”. Svolge inoltre attività di regista e direttore della fotografia e, in questo ambito, ha realizzato un cortometraggio con Franco Nero.
Della sua esposizione Alessandro Dominici dice: “Non vorrei che i genovesi pensassero che ho ritratto la loro città in bianco e nero per risparmiare sui costi”.

FEDERICO SIRIANNI, 34 anni, cantautore genovese, selezionato al Premio Tenco nel ’93, Premio Regionale Ligure per la canzone d’autore nel ’94, ha pubblicato recentemente il suo primo lavoro discografico “Onde clandestine” e ha all’attivo dieci anni di concerti e spettacoli di teatro canzone. Vive a Torino da alcuni anni, ma Genova resta un set preferenziale per i suoi racconti e le sue canzoni.

ZUARISOREO …una risata a denti stretti, ma non potrebbe essere altrimenti in una città dove la larghezza e l’estensione non sono così comuni. Dove ti tocca salire e scendere in continuazione ed il vecchio e il nuovo non si mescolano ma si danno il cambio, ognuno con i suoi ritmi e le sue andature. Luogo di demarcazioni, di sfumature assenti, dove anche il cielo lo vedi incorniciato. Così, una città piena di particolari minuti e sviluppata in altezza, siamo costretti a vederla in orizzontale, a mettere in relazione tra loro vicoli e portoni. Un modo per volerla espandere e permettere quello sguardo che sarebbe possibile solo ruotando la testa da un lato all’altro.

L’uomo è praticamente assente e, se appare, è solo per aiutarci ad afferrare le proporzioni, più come “prigioniero” dello spazio che come suo ideatore.
Insomma, Zuarisureo non potrebbe essere altrimenti.

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IL DUCALE DELLE MERAVIGLIE
Marcantonio Franceschini
“Raro ed eccellente pittore”
ritorna nel Salone del Maggior Consiglio

27 luglio – 25 agosto 2002

Dopo trecento anni i cartoni preparatori per la decorazione del Salone del Maggior Consiglio di Palazzo Ducale di Genova ritornano, nello stesso luogo dove erano stati pubblicamente presentati nel 1702, per permettere ai committenti Giustiniani e al Doge di immaginare virtualmente come si sarebbe presentato il Salone una volta completata la decorazione.
Immaginare è anche l’operazione che si propone oggi: rovesciando i termini, immaginare quello spazio reale come si prensentò fino all’incendio del 1777.
Marcantonio Franceschini era nato a Bologna nel 1648 e fu uno degli artisti più importanti e ricercati del suo tempo. Lo Zanotti, un critico suo contemporaneo, lo definiva “eccellente e raro pittore”. Estro e invenzione intesi come fantasia libera da regole, ma ricondotti a un ritmo classico, sono i caratteri che lo fecero apprezzare presso i committenti e le grandi corti europee. La sua produzione più significativa è quella dei grandi cicli pittorici concepiti per decorare i lussuosi, vasti interni dei palazzi nobili e delle sedi del potere, quali il Palazzo Ducale.
Il percorso espositivo si svolge attorno alla ricostruzione in scala del Salone finito di decorare nel 1704 con quattro sezioni propedeutiche incentrate sull’artista, sulla storia dei cartoni e del loro restauro (sono esposti alcuni cartoni ancora non restaurati per evidenziare la difficile operazione conservativa in corso), sull’esperienza del Franceschini a Genova (con alcune tele esposte) e sulla storia della decorazione della Sala.
Il Ducale delle Meraviglie assiste quindi allo splendore e all’emozione del ritorno della spiritualità artistica e progettuale del pittore; e il nuovo Salone, quello attuale realizzato dal Cantoni, è luogo che si sdoppia e per il visitatore diventa l’oggetto del quale tentare di leggere la filigrana, che è l’opera del Franceschini.
A mostra conclusa le opere saranno esposte definitivamente nell’ex chiesa di Sant’Agostino a Orvieto.

 
Catalogo
Silvana Editoriale, www.silvanaeditoriale.it

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MEZZARI E PEZZOTTI

5 luglio – 18 novembre 2002
Villa Serra di Comago a Sant’Olcese

Il titolo della mostra avrebbe potuto essere “Villa Serra rinasce”.
La mostra “Mezzari e Pezzotti a Villa Serra di Comago” ha infatti molte valenze: dal recupero della tradizione all’apertura di una nuova stagione culturale nel ponente cittadino, zona in tutti i sensi centrale per l’economia e il commercio, le cui potenzialità turistiche e culturali sono in attesa di una giusta rivalutazione.
Proprio in quest’ottica si é pensato di organizzare una mostra di mezzari nella Villa Serra di Comago. Inserita in un bellissimo parco di otto ettari ricco di alberi sapientemente disposti attorno ad un incantevole laghetto, la Villa é stata ristrutturata alla metà dell’ottocento dai marchesi Serra, che ne erano proprietari, con un gusto decisamente anglofilo. Villa e parco infatti riflettono lo stile inglese nell’architettura e nella concezione del rapporto uomo-natura.
La Villa é quindi l’unica testimonianza visitabile dal pubblico di quell’anglomania, che ancora oggi, detta legge in molti settori della vita genovese.
Questo gioiello del passato recentemente valorizzato con un rigoroso intervento di restauro potrebbe essere la sede ideale di uno dei più importanti poli culturali del Ponente.
 
Per questo si é pensato di organizzare una mostra, con la speranza di fare il primo passo verso la costituzione di un Museo della Moda e del Tessuto. (La Villa Serra, vedrebbe una sede ideale per l’idoneità degli spazi e l’assenza di inquinamento). Fra futuro e tradizione la scelta é caduta sul cotone per un motivo ben preciso: in tutta la zona nell’ottocento si coltivavano piante di cotone.
Coltivato, filato e tessuto il cotone veniva poi stampato proprio lungo le rive del Polcevera e degli altri rivi della valle, come quello che scorre ai piedi della Villa. (Chi stampava i lunghi teli che servivano per i mezzari, le pezze a fiorellini per confezionare abiti o i “mandilli”, era chiamato “indianatore”).
Il termine stesso racconta la storia dei cotoni stampati e la loro origine indiana iniziata, come racconta Plinio il Vecchio, fin dai tempi dei romani.
Inebriati dai fasti barocchi e sempre in cerca di novità gli aristocratici già nel tardo Seicento ricercavano avidamente i cotoni stampati indiani, che usavano per arredare le loro dimore e, soprattutto, per sostituire il monopolio della seta nel loro guardaroba.
Ben presto gli artigiani si resero conto delle enormi prospettive aperte dalla nuova moda del cotone stampato e si industriarono per produrre cotoni stampati in Europa, riducendo il costo e rendendo i muovi prodotti accessibili a un pubblico molto più vasto. Il commercio dei tessuti orientali in un porto di mare, come Genova, ha radici che si perdono nella notte dei tempi.
Nel Seicento il mercato delle stoffe indiane era in mano ai mercanti armeni che trafficavano nel cuore della città vecchia.
 
Nei primi decenni del Settecento un lucchese si stabilì a Genova e cominciò la sua produzione di cotoni, imitando le tecniche indiane; altri si dedicarono alla stessa attività, ma di quella antica produzione non ci restano testimonianze.
I Mezzari e i pezzotti conservati in molte case genovesi sono per quanto si sa, quelli prodotti dalle due manifatture più note, la Speich a Cornigliano e la Testori a Sampierdarena, delle altre si conoscono solo i nomi ma non i prodotti (perchè nessuno dei loro mezzari, pezzotti o mandilli era firmato).
Dai censimenti di Cornigliano e Sampierdarena del tardo Ottocento é facile capire quanti “indianatori” esercitavano la loro attività nella zona nelle numerose manifatture attive. La mostra é quindi l’occasione per far conoscere la Villa a un pubblico più vasto e per presentare un’ampia raccolta di mezzari tanto popolari in Francia da essere chiamati “Voiles de Gênes”.
L’attenzione é stata focalizzata sul tentativo di presentare per la prima volta, al pubblico tutti o quasi tutti i più noti disegni conosciuti, dal mezzaro dell’“albero vecchio”, a quello del castagno, del minareto, delle rose… La mostra é curata da Marzia Castaldi Gallo, una tra i massimi esperti di questo settore. I mezzari non hanno solo un’albero fiorito al centro – come é opinione tra la maggior parte delle persone, ma disegni diversi, ognuno con la sua storia e il suo fascino. Mezzaro é una parola di origine araba che significa “coprire”, in questa occasione il suo ruolo sarà quello di “svelare” ai genovesi e ai turisti bellezze poco conosciute in un atmosfera ricca di fascino “Old England”.

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AFTER SEPTEMBER 11 – IMAGES FROM GROUNS ZERO

10 aprile – 5 maggio 2002

La mostra, curata dal Museum of the City of New York, comprende una selezione di 27 immagini del noto fotografo statunitense Joel Meyerowitz, il solo col permesso di accesso a Ground Zero.
Questa esposizione rappresenta un’occasione per ricordare quanto accadde quel terribile 11 settembre e per celebrare l’eroismo dei soccorritori.
La mostra è completata da una piccola ma significativa raccolta di disegni che i bambini italiani hanno fatto pervenire spontaneamente all’Ambasciata degli Stati Uniti d’America.
 
After September 11: Images from Ground Zero è stata curata dal Museum of the City of New York in collaborazione con la Città di New York e con l’Ufficio per l’Istruzione e la Cultura del Dipartimento di Stato degli Stati Uniti d’America.
 
Gli organizzatori della mostra sono particolarmente grati alle persone e alle organizzazioni che hanno contribuito a rendere possibile questo progetto:
l’ufficio del Sindaco della Città di New York, Sunny Mindel e Fip Avelon,- Duggal Color Projects, New York,- LTI, New York,- The Ariel Meyerowitz Gallery, Susan Jenkins e Ember Rilleau del Joel Meyerowitz Studio, Fuji Photo Film USA e Mamiya America Corporation.
 
Un progetto culturale degli Stati Uniti d’America

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GRANDE PITTURA GENOVESE DALL’ERMITAGE

da Luca Cambiaso a Magnasco
16 marzo – 28 luglio 2002

La mostra è articolata nelle prestigiose sale dell’Appartamento del Doge di Palazzo Ducale. La curatela scientifica è di Piero Boccardo, conservatore della Galleria di Palazzo Rosso di Genova, coadiuvato da un Comitato scientifico costituito da studiosi italiani e stranieri e dai conservatori del Museo dell’Ermitage, Svetlana Vsevolojskaya, responsabile della Sezione pittura italiana, e Irina Grigorieva, responsabile della Sezione disegni Italiani.
 
La mostra ed il catalogo, attraverso straordinarie opere d’arte e documenti, ricostruiscono l’immagine dei tempi, situazioni, luoghi e figure protagoniste nella storia dei rapporti fra Genova e la corte di San Pietroburgo nel corso del XVIII secolo: da Pietro il Grande a Caterina II, agli altri Zar, dagli ambasciatori russi e genovesi ai più importanti visitatori.
 
Dai contatti fondamentalmente marittimi e mercantili (Genova era il porto d’imbarco dei marmi e delle sculture destinate alle residenze imperiali di San Pietroburgo nel XVIII secolo) a quelli culturali e diplomatici. Fra questi è rimasta famosa la missione del marchese Rivarola, unico ambasciatore della Repubblica di Genova alla corte di Caterina II dal 1783 al 1785.
 
I saggi in catalogo ricostruiscono i percorsi delle opere fra Genova, il collezionismo internazionale e gli agenti della corte degli Zar, in particolare della Grande Caterina II, l’Imperatrice a cui si deve la parte più ampia della raccolta che rappresenta una delle più cospicue e importanti collezioni di opere della scuola genovese conservate fuori dalla Liguria. Le opere coprono un arco di tempo compreso fra il Cinquecento e il Settecento con dipinti di grande qualità di Luca Cambiaso, Bernardo Strozzi, Gioacchino Assereto, G.B. Castiglione “Il Grechetto”, Anton Maria Vassallo, Valerio Castello, G.B. Langetti, Peter Muller “Il Tempesta”, G. Agostino Cassana, Peirano “Genovese”, Alessandro Magnasco e disegni di Luca Cambiaso, Lazzaro Tavarone, G. B. Paggi, Giulio Benso, G. G. Castiglione “Il Grechetto”, Valerio Castello, Bartolomeo Biscaino, Domenico Piola, Giò Andrea Carlone, Alessandro Magnasco. In mostra un raro disegno di Charles De Wailly consente di conoscere l’apparato decorativo di Palazzo Campanella di Via Garibaldi perduto durante l’ultimo conflitto.
Dopo Kandinsky, Vrubel’, Jawlensky e gli artisti russi a Genova e nelle Riviere, la nuova mostra, Grande pittura genovese dall’Ermitage: da Luca Cambiaso a Magnasco, rappresenta la seconda importante tappa del grande progetto Genova – San Pietroburgo, (che terminerà in autunno con la mostra Dipinti e disegni genovesi dal ‘500 al ‘700 che verrà allestita all’Ermitage) e sottolinea ancora la stretta collaborazione tra Genova e San Pietroburgo e in particolare tra Palazzo Ducale e il grande museo dell’Ermitage.
 
La mostra, curata da Svetlana Vsevoložskaja e da Irina Grigorieva conservatori dell’Ermitage, con la collaborazione di Piero Boccardo, direttore della Galleria di Palazzo Rosso di Genova, propone anzitutto una offerta di dipinti e di disegni, tutti – sia quelli appartenenti a forti personalità (a Luca Cambiaso per esempio, o a Bernardo Strozzi, al Grechetto, a Valerio Castello, a Magnasco) sia quelli dovuti a figure meno note – di altissima qualità, anche se, non di rado, in Italia poco conosciute.
 
Nel loro nucleo maggiore, le opere genovesi dell’Ermitage risalgono infatti agli acquisti che nella seconda metà del Settecento l’imperatrice Caterina II fece di grandi collezioni europee nelle quali queste opere erano entrate perché ne era stato ben apprezzato il grande valore artistico.
 
Le collezioni europee che l’imperatrice comperò erano tanto pregevoli e tanto articolate da assicurare – al di là delle intenzioni dell’acquirente – alla corte di San Pietroburgo molte opere di spicco di una scuola genovese di cui pure poco si sapeva.
 
Tra le acquisizioni più significative per conto dell’Imperatrice Caterina II, spicca quella della collezione del conte Heinrich Brühl. Onnipotente ministro del re Augusto III di Sassonia, il conte Brühl, disponendo liberamente del tesoro dello Stato, aveva costituito a Dresda una galleria personale composta da opere di altissimo livello, tra le quali San Secondo e l’angelo di Bernardo Strozzi, la Benedizione di Giacobbe di Gioacchino Assereto e la Strage degli innocenti di Valerio Castello.
 
Il primo importante nucleo di quadri del Magnasco, (il pittore genovese più copiosamente rappresentato in tutta la collezione dell’Ermitage) apprezzatissimo in tutta Europa per la sua grande ‘modernità’, arriva in Russia addirittura prima dell’età di Caterina II. Nel 1745 il pittore Georg Christophr Groot, conservatore dei quadri degli Zar, fu incaricato dalla imperatrice Elisabetta (1709 – 1762) di andare a Praga per cercare opere da destinare a una delle sue residenze di campagna. Groot acquistò 115 opere fra le quali compaiono quattro composizioni “di nuova e gradevole architettura” il cui autore è chiamato “Alexandrien”. La scelta sembra proprio essere stata guidata da una puntuale attenzione all’originalità del pittore genovese: del Magnasco si lodava infatti la “nuova e gradevole architettura”. In realtà poi i quattro dipinti di Magnasco non vennero destinate alla residenza di campagna, ma andarono a decorare lo studio della casa di Ivan Šuvalov, il favorito dell’Imperatrice Elisabetta.
 
L’arrivo a Genova di queste opere è anche una occasione per documentare anche attraverso i saggi in catalogo (edito da Mazzotta) i rapporti tra Genova e la Russia nel secolo XVIII, nel momento cioè in cui le opere genovesi giunsero a San Pietroburgo. La ricerca, per esempio, da parte di Pietro il Grande, di creare dei legami commerciali con Genova acquistando nella nostra città i marmi per gli edifici della sua nuova capitale. E ancora il racconto delle appassionanti vicende della missione in Russia dell’ambasciatore genovese Stefano Rivarola all’epoca di Caterina II (1783-85). E ancora
 
In questa mostra la vicinanza fisica tra le opere provenienti dall’Ermitage (più di cinquanta tra disegni e dipinti) e il grande patrimonio pittorico che i musei, le chiese, le gallerie private di Genova conservano permetterà a un largo pubblico, un gioco di suggestioni incrociate, di rapporti, di accostamenti che sarà sicuramente affascinante e molto illuminante.
 
Le opere coprono un arco di tempo compreso fra il Cinquecento e il Settecento con dipinti di grande qualità di Luca Cambiaso, Bernardo Strozzi, Gioacchino Assereto, G.B. Castiglione “Il Grechetto”, Anton Maria Vassallo, Valerio Castello, G.B. Langetti, Peter Muller “Il Tempesta”, G. Agostino Cassana, Peirano “Genovese”, Alessandro Magnasco e disegni di Luca Cambiaso, Lazzaro Tavarone, G. B. Paggi, Giulio Benso, G. G. Castiglione “Il Grechetto”, Valerio Castello, Bartolomeo Biscaino, Domenico Piola, Giò Andrea Carlone, Alessandro Magnasco.
In mostra un raro disegno di Charles De Wailly consente di conoscere l’apparato decorativo di Palazzo Campanella di Via Garibaldi perduto durante l’ultimo conflitto.

 
Catalogo
Mazzotta, www.mazzotta.it

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SEMPLICE E COMPLESSO
Mostra interattiva su complessità, disordine e caos

23 febbraio – 24 marzo 2002

SEMPLICE E COMPLESSO è una mostra interattiva dedicata ad argomenti di frontiera nella ricerca scientifica quali disordine, complessità e caos.
Sorprendentemente sistemi molto differenti tra di loro quali un computer o i mercati finanziari, un insieme di individui o le parti del nostro corpo hanno comportamenti generali che seguono le stesse leggi.
I prototipi presenti partono da fenomeni della vita quotidiana e impiegano materiali comuni come sabbia, riso caffè, schiuma di sapone…
i contenuti scientifici sono integrati come immagini artistiche frutto della fantasia dell’uomo e della natura.
La mostra si propone di coinvolgere ed interessare visitatori di ogni età e livello culturale ed è arricchita da una serie di eventi collaterali volti ad approfondire in modo rigoroso e puntuale, ma divertente nello stesso tempo, i temi trattati.
La mostra prevede attività di animazione.
Per le classi ed i gruppi è obbligatoria la prenotazione della visita.
SEMPLICE E COMPLESSO è stata ideata e realizzata dall’Istituto Nazionale per la Fisica della Materia

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CENT’ANNI SULLE ROTTE DEL CAFFÈ

1 -12 dicembre 2001

Storia e segreti della bevanda più famosa del mondo!
 
Lo splendido spazio scenico di Palazzo Ducale diventa delizia per gli occhi e per il palato: espresso, moka, nero, macchiato, ristretto, corretto, alla turca e all’americana, dall’Africa al Giappone, dal Brasile all’India…….. benvenuti nel mondo del caffè!
 

“Sulle rotte del caffè”: più di una mostra, il lungo cammino del caffè dalla pianta alla tazzina.
Uno spazio espositivo inteso come filo conduttore di un itinerario e come momento d’incontro tra le diverse culture del mondo, passando attraverso eventi coinvolgenti come il “Caffè Letterario” e il “Jamin’ Cafè” che animeranno le serate del Porticato di Palazzo Ducale.
 
Il filo conduttore del Convegno (venerdì 30 novembre – Palazzo Ex Borsa) sarà rappresentato dall’evoluzione del consumo del prodotto analizzato da un’angolazione particolare: la valenza dell’espresso italiano come tipologia di caffè ma anche come simbolo di italianità nel mondo.

 
Realizzato nella struttura di Palazzo Ducale, dal Porticato al Sottoporticato lo “Spazio Caffè” racconterà la storia del caffè dai luoghi di produzione fino al consumo attraverso multimedialità, ma anche odori e sapori da scoprire e andrà riempiendosi via via di contenuti: dal “Caffè Letterario” al “Caffè Musicale, per arrivare ai “Laboratori del Gusto” gestiti in collaborazione da ASSOCAF con Lavazza e, ancora momenti internazionali con le “Giornate Paese” dedicate ai grandi produttori di caffè del mondo, che porteranno a Genova, insieme al loro caffè anche la cultura e il folklore che ruota intorno a questa bevanda.

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KANDINSKY, VRUBEL’, JAWLENSKY
e gli artisti russi a Genova e nelle riviere
Passaggio in Liguria

27 ottobre 2001 – 3 marzo 2002

La mostra propone con straordinarie opere d’arte e, attraverso il catalogo e gli eventi collaterali, con studi storici e letterari la musica e la poesia, gli intensi e, forse, imprevedibili rapporti esistenti fra Genova con San Pietroburgo e, più complessivamente, fra la Liguria e la Russia.
Rapporti avviati nel corso del XVIII secolo che raggiunsero la maggior ampiezza nel corso dei due ultimi secoli e, in particolare, negli anni fra la seconda metà dell’Ottocento e il 1917. In questi anni la Liguria, già tappa del “Gran Tour” d’Italia, divenne una delle mete preferite, prima, per una sorta di turismo della salute che considerava le Riviere la sede ideale per la cura del “mal sottile” e, successivamente, per la permanenza di importanti nuclei di emigrazione politica rivoluzionaria antizarista e, ancora, dopo il 1917, di esuli antirivoluzionari.
 
La curatela della mostra e del catalogo è affidato a Franco Ragazzi, curatore delle attività artistiche di Palazzo Ducale di Genova, coadiuvato da un Comitato scientifico costituito da studiosi italiani e stranieri e dai conservatori dei Musei che collaborano alla realizzazione della mostra stessa.
 
I saggi in catalogo e le opere esposte ricostruiscono i rapporti fra la Liguria e la Russia e, in particolare, la significativa presenza di personalità russe in Liguria nel corso del XIX secolo e nei primi decenni del Novecento.
 
Da Gogol a Marina Cvetaeva, da Gorky alla Achmatova, della quale sono in mostra i ritratti di Modigliani, da Ciajkovsky a Skrjabin, dalla visita ufficiale dello zar Nicola I a Genova nel 1846 al soggiorno della Zarina Maria Aleksandrovna, moglie di Alessandro II, a Sanremo negli anni 1874/75, fino alla Conferenza di Genova e il Trattato di Rapallo del 1922.
 
La mostra è dedicata principalmente agli artisti russi che hanno visitato e dipinto la Liguria fra l’Ottocento e i primi anni del Novecento: Kiprensky, Scedrin, Nikolaj Ge, Repin, Benois, Ajvazovskij, Bogoljubov, Levitan, Anna Ostroumova-Lebedeva, Grabar, Petrov-Vodkin, Alexandra Exter, Mashkov, Kalmakov, Archipov, Alexander Pavel e Anna Maria Swedomskj.
 
Le personalità artistiche alle quali viene dedicata la maggiore attenzione sono quelle di Michail Vrubel’, Vassily Kandinsky, e di Alexey von Jawlensky.
Le opere presentate in mostra, realizzate durante i loro soggiorni in Liguria, vengono inserite all’interno dei percorsi complessivi delle loro biografie, dove l’immagine delle Riviere è parte di un viaggio orientato nelle direzioni della ricerca visiva e della creatività.
 
Vrubel’ è uno dei più importanti pittori del simbolismo europeo, personaggio fondamentale della cultura visiva russa di cui costituisce il ponte fra il realismo ottocentesco e la sperimentazione che sfocerà nelle avanguardie.
L’artista soggiorna a Genova nel 1894 dipingendovi alcune Vedute di Portofino. Con i paesaggi liguri (e dei suoi viaggi italiani) sono presentate quelle opere (dai bozzetti per la cattedrale di Kiev alle fantasie orientaliste, dalle visionarie leggende russe fino alle straordinarie invenzioni dedicate al ciclo ossessivo del Demone) capaci di farne comprendere il ruolo di grande protagonista dell’arte moderna.
 
Queste opere, provenienti dalla Galleria Tretiakov di Mosca, dal Museo di Stato Russo di San Pietroburgo, dal Museo Russo di Kiev, e dal Museo del Teatro di San Pietroburgo rappresentano la prima occasione per una ampia conoscenza diretta dell’artista in Italia.
 
Kandinsky con la sua compagna Gabriele Münter, soggiorna a Rapallo fra la fine del 1905 e la primavera del 1906 dipingendo numerosi paesaggi del Tigullio di cui alcuni sono presenti in mostra provenienti dalla Lenbachhaus di Monaco, dal Pompidou di Parigi e dal Guggenheim di New York.
Insieme con i paesaggi liguri sono esposte una selezione di opere di Kandinskij comprese fra la fine dell’800 e la fine degli Anni ’20 (provenienti dalla Tretiakov di Mosca, dall’Ermitage di San Pietroburgo e altre collezioni) che documentano la ricerca e l’evoluzione del linguaggio dell’artista dalla figura al simbolo verso l’astrazione, un “viaggio” vero o mentale che spesso incontra l’immagine reale o metaforica del mare e della nave.
 
Il grande pittore espressionista Jawlensky soggiorna nel marzo del 1914 a Bordighera dove dipinge una serie di paesaggi di notevole importanza. Il sole del Mediterraneo lo porteranno verso una maggiore luminosità, la padronanza del colore ed una sempre più scoperta astrazione.
In mostra opere prestate dallo Sprengel Museum di Hannover, il Museum am Ostwall di Dortmund e il Norton Simon Museum di Pasadena, dalla Fondazione e dall’Archivio Jawlensky di Locarno.
Anche in questo caso la personalità di Jawlensky è presentata nell’ambito del suo percorso complessivo in cui l’incontro con la luce e il paesaggio di Bordighera costituisce un momento fondamentale.
 
Hanno assicurato la loro collaborazione al prestito delle opere, oltre i Musei di San Pietroburgo come il Museo di Stato Ermitage, il Museo di Stato Russo, la Biblioteca Nazionale e il Museo di Stato del Teatro e della Musica, anche la Galleria Tretiakov di Mosca, il Museo Russo di Kiev, la Galleria Nazionale dell’Armenia di Erevan, la Galleria Lenbachhaus e la Fondazione Gabriel Münter e Johannes Eichner di Monaco, lo Sprengel Museum di Hannover, il Museum am Ostwall di Dortmund, il Museo Nazionale d’Arte Moderna Centro Georges Pompidou di Parigi, la Fondazione e l’Archivio Jawlensky di Locarno, il Guggenheim Museum di New York e il Norton Simon Museum di Pasadena, la Galleria degli Uffizi di Firenze e altre collezioni pubbliche e private.
 
Catalogo:
Edizioni Mazzotta, www.mazzotta.it

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GÜNTER GRASS

Disegno e Scrittura
Liguria Spazio Aperto
24 ottobre – 14 novembre 2001

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Diet Sayler GEOMETRIA E TEMPO

13 settembre – 14 ottobre 2001

 
Presentazione di Pier Giulio Bonifacio
 
“Se la presentazione di un’opera di un artista è sovente per l’estensore compito grato, perché l’operazione si risolve necessariamente in chiave analitica sul registro vuoi già di un certo approfondimento, vuoi della ricerca delle fonti, lo stesso non si può dire – anzi di compito abbastanza ingrato si deve parlare – se la presentazione è invece riferita all’opera dell’artista: nel senso che siffatta operazione risulta d’obbligo, come nel caso di Dieter Sayler che osa, anzi pretende, offrire a li maggiori di Genova i propri servigi.
Vedremo in settembre una intrigante, e affatto nuova, installazione di Sayler tra cortili e loggiati di Palazzo Ducale. Dove il rigore della magnifica imponenza dell’impareggiabile sito verrà riverentemente perturbato dallo scandito, musicale e silenzioso rincorrersi di serie di segnali rosso vermiglio.
Assisteremo perciò ad un dialogare, lieve e di ardimentosa prevaricazione al tempo stesso (forse impossibile?), coinvolgente grigio e colore e poi storia di ieri e storia di oggi.
 
Dieter Sayler, classe 1939, affascinato da sempre da Genova e da questo luogo-simbolo di Palazzo Ducale, ha già effettuato tali operazioni in parecchi musei e spazi pubblici in Europa e in USA.
E anche nella stessa Genova ove ha esposto più volte, da solo e unitamente a Günther Uecker e Rupprecht Geiger, nello studio B2 negli anni ’80 e ’90.
 
Ma in certi casi, come in questo, lo scandalo è di rigore, e allora eccolo: Sayler dispone i suoi elementi, questi tasselli rosso acceso, secondo un ordine che parla, come si conviene in arte, di metafora e di follia; dal che la struttura mentale, raziocinante che sottende il suo operare viene rotta, frantumata dall’irrompere dell’elemento poetico, dall’irrazionale che si sostanzia nell’iperbolico, ludico elemento del caso. Ovvero la collocazione degli elementi costituenti la sua installazione è data dall’imperscrutabile decisione di un dado, agitato al modo usato prima di ogni intervento.
Metafora e follia, ho detto. E allora anche sito e non sito, della mente e del cuore. Apparente dicotomia, ma senza dilemma.”
 
DIET SAYLER
Diet Sayler, classe 1939, Professore all’Accademia di Belle Arti di Norimberga, ha realizzato installazioni in diversi palazzi ed edifici storici e contemporanei:
- Cattedrale di Ely, Inghilterra,
- Museo Nazionale di Arte di Bucarest / Palazzo Reale,
- Museo Vassarely di Budapest,
- Gallery A, Londra,
- Museo di Arte Concreta, Zurigo,
- Galeria Edurne, Madrid,
- Museo di Arte, Lublin, Polonia,
- Chapelle St. Louis de la Salpétriere, Parigi,
- Studio B2, Genova
e in diversi ambienti urbani:
- in Liguria a Porto Maurizio e Diano Castello,
- a Norimberga.
 
ESPOSIZIONI PERSONALI
Selezione 1999 – 2000

 
1999
Wilhelm-Hack-Museum, Ludwigshafen / D (retrospettiva)
A.C.P. Galerie, Zürich / CH
Muzeul National de Arta al Romaniei, Bucarest / RO (retrospettiva)
Galeria Edurne, Madrid / E
 
2000
The Czech Museum of Fine Arts Prague, Praha / CZ (retrospettiva)
Kettle’s Yard, University (retrospettiva)
Installation in The Lady Chapel, Ely Cathedral, Ely / GB
East West Gallery, New York / USA

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ARTE PER IL G8

Palazzo Ducale: Dal Giambologna a Vanessa Beecroft
1º agosto – 16 settembre 2001
Stazione Marittima: Artisti italiani del XX secolo dalla Farnesina
1º agosto – 22 settembre 2001

Palazzo Ducale: Dal Giambologna a Vanessa Beecroft
In occasione del Vertice G8 le sale del Palazzo destinate ad ospitare le riunioni ufficiali e le sedi delle Delegazioni Internazionali, sono state arredate con prestigiose opere d’arte, provenienti da musei e collezioni genovesi, che abbracciano un arco di tempo di cinque secoli, dal Cinquecento ai nostri giorni, dalla ricostruzione di Palazzo Ducale al G8, dal Giambologna a Vanessa Beecroft.
In alcune sale viene riproposta la soluzione già sperimentata con successo nella mostra “El Siglo de los Genoveses”.
Nelle sedi delle Delegazioni sono collocate opere d’arte moderna e contemporanea.
 
Stazione Marittima: Artisti italiani del XX secolo dalla Farnesina
La prestigiosa raccolta di arte contemporanea italiana del Ministero degli Affari Esteri alla “Farnesina”, viene presentata nei suggestivi spazi della Stazione Marittima di Genova, forse, “la più bella del mondo”.
Il Ministero degli Esteri ha aderito con vero piacere alla richiesta delle Autorità genovesi di offrire al pubblico la possibilità di ammirare le opere d’arte che sono state temporaneamente installate nella Galleria della Stazione Marittima e che hanno riscosso molti apprezzamenti da parte dei Capi di Stato e di Governo dei Paesi partecipanti al vertice G8 e delle loro delegazioni al seguito.
 
Inoltre sono esposte sculture e arredi della Mitchell Wolfson Jr. Collection – Fondazione Regionale C. Colombo, Genova.

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OMAGGIO A DOMENICO BOUCH

Mostra Alpini in guerra
18 – 20 maggio 2001

Nell’ambito dell’Adunata nazionale, nel prestigioso appartamento del Doge a Palazzo Ducale messo a nostra disposizione, si terrà una mostra alpina intitolata:
M.A.V.M. Aiutante di Battaglia Iginio Bisagni.
Bisagni, esemplare figura di alpino in guerra e in pace, recentemente scomparso, fu decorato di medaglia d’Argento sul campo a Nikolajewka; nella precedente Adunata di Genova del 1980, era stato l’alfiere del Labaro nazionale.
La mostra è suddivisa in tre settori:
1) Omaggio a Domenico Bouch;
2) Mostra delle uniformi delle Truppe Alpine;
3) Mostra fotografica della Grande Guerra

Domenico Bouch (1883-1989), genovese d’adozione, fu ufficiale osservatore di artiglieria sull’Altopiano di Asiago durante la guerra 1915-18. Pur non essendo un pittore professionista, dipinse con apprezzabile tecnica divisionista scene di guerra, paesaggi e schizzi. Tra le due guerre espose in numerose collettive, raccogliendo vasti consensi di pubblico e critica. Fu attivo fino a tarda età, chiudendo la sua vita laboriosa a 106 anni.
Insieme con diverse decine di suoi quadri e disegni, sono presentate opere riguardanti le due guerre mondiali, di altri 16 artisti, genovesi di nascita o di adozione. Tra essi figurano tre alpini: i pittori Berto Ferrari e Severino Tremator e il famoso scultore Eugenio Baroni, ufficiale nella guerra 1915-18, decorato con due medaglie d’Argento, che con la sezione genovese ebbe sempre stretti rapporti e che ideò la medaglia per l’Adunata di Genova del 1931.

La Mostra uniformologica intende rievocare, attraverso la storia delle uniformi, le gesta delle Truppe alpine. La sua realizzazione è stata resa possibile grazie al materiale storico raccolto negli anni e messo temporaneamente a disposizione da alcuni appassionati collezionisti.
Il materiale esposto consiste in una bella serie (circa una quarantina) di uniformi originali indossate da manichini. Si spazia dalle affascinanti uniformi blu turchino dell’800 alle tenute grigioverdi della prima guerra mondiale, dalle appariscenti uniformi degli anni ’20 e ’30 a quelle delle guerre coloniali per finire con quelle grigioverdi della seconda guerra mondiale.
Fanno da cornice alle uniformi, insieme con diverse vetrine contenenti interessanti cimeli storici, alcune fedeli ricostruzioni di scene di vita alpina (posto di medicazione, trincea).

Le fotografie sulla Grande Guerra, oltre 50, hanno la caratteristica di essere tutte di grande formato (24 x 36) e molte di essere inedite. Si riferiscono a episodi di guerra a volte poco conosciuti e riguardano in prevalenza, ma non solo, gli alpini, spaziando dalla montagna al mare.
Molte foto sono state ricavate, con un laborioso procedimento, da vetrini di uno stereoscopio, ossia uno speciale proiettore a visione binoculare piuttosto in voga negli anni successivi alla prima guerra mondiale. Vetrini, stereoscopio e fotografie fanno parte della dotazione del Museo degli Alpini di Savignone (sezione A.N.A. di Genova).
Viene anche presentata una selezione dei lavori pervenuti nell’ambito del Concorso fotografico Francesco Leoni, indetto dalla sezione A.N.A. di Genova, dal tema: Una cartolina per l’Adunata.
 
Associazione Nazionale Alpini : www.ana.it

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LA COMMENDA DELL’ORDINE DI MALTA

Arte e restauro di un ospedale genovese del Medioevo
Commenda di Prè
11 maggio – 2 settembre 2001

Il completamento dei lavori di restauro del complesso gerosolimitano genovese, avviato fin dagli anni Sessanta del secolo scorso dalla Soprintendenza per i Beni Ambientali e Architettonici della Liguria, d’intesa con il Comune di Genova, ha posto con maggiore urgenza il problema della valorizzazione di uno dei più straordinari complessi architettonici della regione, corrispondente ad una struttura ricettiva di epoca medioevale ancora conservata.

Per questo motivo si è organizzata, in sinergia con l’Assessorato Cultura e Spettacolo del Comune di Genova (l’ente che è proprietario dell’immobile) e la Palazzo Ducale SpA, e con la collaborazione delle istituzioni e delle associazioni genovesi che si sono adoperate per la valorizzazione del complesso (Ordine di Malta, Comitato Pro Commenda), una mostra che prevede un itinerario attraverso la Commenda, vista non soltanto nelle sue valenze storiche ed artistiche intrinseche, ma anche in rapporto con la città il territorio e il bacino del Mediterraneo.

In particolare si prevede di riportare all’interno del complesso molte delle opere d’arte presenti all’interno di chiese e oratori fino all’inizio del secolo XIX, oggi disperse in città e anche fuori regione.

L’itinerario di visita sarà supportato da pannelli didattici, modelli in legno, audiovisivi, sistemi didattici interattivi.
Al piano terreno della Commenda sarà ricostruita, con tecniche virtuali, una corsia ospitaliera, basandosi sulle testimonianze documentarie e iconografiche superstiti. Saranno anche riproposti i costumi dell’epoca relativi al personale medico e ai monaci.

L’annesso oratorio di Santa Brigida accoglierà la ricostruzione di una farmacia seicentesca, comprendente collezioni di vasi da farmacia di proprietà del Comune di Genova, provenienti dal demolito ospedale genovese di Pammatone, ed attrezzature medico-sanitarie dei secoli XVII-XIX, di proprietà della farmacia Montini di Genova, messe gentilmente a disposizione per la mostra.

Al primo piano, ove si potrà vedere l’esposizione di opere d’arte già presenti nel complesso e ora disperse in varie chiese genovesi, fra cui una cassa processionale proveniente dal soppresso oratorio di Santa Consolata, una riproduzione della tavola di Pier Francesco Sacchi, raffigurante i Quattro Dottori della Chiesa, ora al Louvre, e una copia della tomba di Antonio Grimaldi, patrizio genovese caduto durante la conquista di Cipro, ora sul fianco destro della Cattedrale di San Lorenzo.
 
Al secondo piano, le sale a ponente ospiteranno materiali e documenti relativi agli aspetti dell’attività militare dell’Ordine e in particolare:
uniforme di guerriero ottomano, proveniente dal museo Stibbert di Firenze

plastico del Crac dei Cavalieri, proveniente dal Musée des Augustins di Tolosa (F)

plastico della Valletta, dal Museum of Fine Arts di Malta

tele raffiguranti battaglie navali sostenute dall’Ordine, provenienti dal Priorato dell’Ordine di Malta all’Aventino (Roma), dalla Galleria di Palazzo Reale e dal Padiglione del Mare di Genova.

 
Nell’oratorio di San Giovanni Evangelista, recentemente restituito alla città, e nell’attigua chiesa inferiore, vero gioiello di archiettura medioevale, si potranno osservare gli affreschi recentemente riemersi dallo scialbo, con il supporto di pannelli didattici.
L’esposizione prevede un numero di cento pezzi, fra dipinti su tela, acquerelli, disegni d’archivio, sculture, reperti archeologici.
La mostra si è potuta realizzare grazie al contributo di vari sponsor, fra cui, determinante, è stato quello della Fondazione Cassa di Risparmio di Genova e Imperia. L’allestimento è stato curato dall’Architetto Giorgio Rossini della Soprintendenza e dall’Architetto Albina Porfido del Comune e del Sig. Giuseppe Spadavecchia della Palazzo Ducale SpA. Il montaggio è stato effettuato dalla squadra mostre del Comune e del Palazzo Ducale.
Alcuni costumi sono stati appositamente realizzati dalla Sartoria comunale.

 
Il Curatore, Arch. Giorgio Rossini

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VIAGGIO IN ITALIA

Un Corteo Magico dal ’500 al ’900
Sottoporticato
31 marzo – 29 luglio 2001

 
“Viaggio in Italia” racconta un viaggio intorno alle emozioni di chi l’Italia l’ha attraversata, percepita, vissuta: è costruita sulle impressioni suscitate dall’Italia nei grandi viaggiatori stranieri, scrittori in particolare, memorialisti, ma soprattutto pittori.

La mostra evoca il fluire della vita lungo cinque secoli, dal Cinquecento al Novecento e, attraverso le varie “testimonianze” – manoscritti, dipinti, opere a stampa – celebra il clima umano, sociale e artistico dell’Italia dal XVI al XX secolo.

Di grande interesse iconografico, la mostra, quale naturale ampliamento, si completa con opere d’arte “scoperte” o “elogiate” dai diversi viaggiatori, e dai ritratti dei loro contemporanei italiani, personaggi che, a vario titolo, nei loro excursus, i viaggiatori hanno incontrato o “visto” nelle varie città

La dimensione spettacolare ed evocativa di questa esposizione è affidata ai dipinti con la loro capacità di meravigliare: dipinti come specchi dotati di memoria in cui si è fissata la dimensione di un’epoca.

In mostra troviamo infatti opere del Veronese, del Tintoretto, dodici opere di Tiziano, dieci di Turner, fra cui una stupenda veduta di Genova, due di Raffaello, tre disegni di Michelangelo, cinque sculture del Canova, il taccuino italiano di Goya, opere di Velasquez, Bronzino, Guido Reni, Caravaggio, Domenichino ed altri.

La mostra si apre sulle Corti italiane del Cinquecento, che vengono “raccontate” dalle visioni dei grandi artisti. I ritratti dei Principi, dei cortigiani, dei letterati, nella loro viva immobilità, “fanno vedere” un mondo di splendori e cupezze, di incensi e veleni.

Dai dipinti di Tiziano, Pontormo, Raffaello, Dossi, Bronzino e altri grandi artisti possiamo rivivere l’emozione del passato. Attraverso gli occhi di Montaigne il visitatore “vedrà” le feste medicee, assisterà agli spettacoli delle compagnie dei teatranti, sarà ammesso ai superbi giardini vaticani. Sarà presente all’incontro che Montaigne ebbe con Tasso.

Con Rubens rivisitiamo Genova, città che al pittore fiammingo apparve subito meravigliosa: i palazzi diventeranno l’occasione di un volume curato da Rubens che esalterà la possanza di questa città. Qui Rubens dipinge, si intrattiene con Van Dyck, ospite della colonia dei fiamminghi approdati in città. Saranno questi artisti a gettare il seme della più straordinaria stagione artistica di Genova.

Torino, Milano e Bologna suscitarono vivo interesse in Montesquieu, più attento alle fortificazioni e all’economia degli stati italiani ma non insensibile alla pittura: a Bologna si appassiona davanti ai dipinti di Guido Reni, del Francia e dei fratelli Carracci.

Il Marchese De Sade arriva in Italia, inseguito dalla polizia. Trova asilo a Firenze e poi a Roma, dove si trasforma nel più appassionato visitatore di chiese. Il suo diario di viaggio è un vero e proprio inventario di opere d’arte: in esso sono annotate le forti emozioni procurate da alcuni dipinti di Caravaggio, Domenichino e Guido Reni.

Il visitatore troverà nella mostra anche aperture sul paesaggio, sulle città, sulle piazze: attraverso le vedute l’Italia viene rappresentata secondo il ritmo del cambiamento del gusto, cambia il tempo e quindi il suo modo di guardare.
 
“Viaggio in Italia” è anche una mostra sullo sguardo.

Emblema di questa penetrazione dello sguardo è Goethe che arriva a Roma dove viene accolto da una vivace comunità di pittori tedeschi. Prosegue poi per Napoli e la Sicilia. Con gli occhi di Goethe il meridione appare nel suo splendore “ritratto” da Philipp Hackert, il pittore della Corte napoletana incaricato appositamente di “fermare”, in una serie di dipinti, le più belle vedute del reame. Napoli per Goethe è la città degli incontri con personaggi illustri e originali ad un tempo: sir Hamilton, ambasciatore d’Inghilterra e formidabile vulcanologo, con la bellissima lady Hamilton. Il sud dell’Italia, per Goethe, è l’esplosione della natura, la furia del Vesuvio coniugata al lussureggiare del mondo vegetale.

Più pacata e ricca di dolenti rimpianti è la Roma di Chateaubriand, che inizia la carriera diplomatica, durante il periodo napoleonico, quale segretario del cardinale Flesh. In seguito egli diventerà ambasciatore di Francia proprio a Roma dove, frequentando lo studio di Antonio Canova, potrà attenuare i suoi rancori, lontano dagli intrighi della politica.

Genova ospita anche Byron, Flaubert e Dickens che qui trascorre un lungo periodo scrivendo alcuni dei suoi più originali racconti le cui atmosfere affiorano dalle sue memorie di viaggio Pictures from Italy.

Henry James giunge a Firenze dove si appassiona alle opere di Tiziano e Botticelli e dove ambienta il suo romanzo Ritratto di Signora. Si trasferisce, come Robert Browning, a Venezia dove è pronto a cogliere il fulgore della grande pittura veneziana da Bellini a Tintoretto, da Veronese a Carpaccio. Proprio Carpaccio sarebbe diventato il mito veneziano di un altro scrittore che della città lagunare colse la bellezza straziante: Marcel Proust.

 
Catalogo
Electa, www.electaweb.it

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Borsaline

Alessandria, Complesso Conventuale di S. Francesco
(ex Ospedale militare), via Cavour 39
2 – 11 marzo 2001

Orario: da lunedì a venerdì dalle 15.00 alle 19.00;
sabato e domenica dalle 9.00 alle 12.00 e dalle 15.00 alle 19.00
Ingresso libero
 
Per informazioni:
www.comune.alessandria.it
 
Inaugurazione: su invito, venerdì 2 marzo alle ore 18.00
presso il Complesso Conventuale di S. Francesco (ex Ospedale militare), via Cavour 39, Alessandria

 
Mostra di immagini d’epoca sulle operaie della famosa fabbrica di cappelli alessandrina, organizzata dal Comune di Alessandria con la collaborazione di Palazzo Ducale S.p.A. di Genova.

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VERTICE G8

6 – 18 dicembre 2000

Mostra dei progetti nella Città di Genova

L’incontro a Genova, alla fine di luglio del 2001, degli otto Grandi, rappresenta per la città un’occasione irripetibile non soltanto per promuovere la propria immagine nel mondo, ma anche per dare un concreto impulso al processo di riqualificazione del contesto urbano.

Per comprendere il significato e la portata di questa trasformazione e dare una doverosa informazione sull’impegno finanziario, sui luoghi e sui tempi di esecuzione dei lavori è nata la Mostra dei progetti per il Vertice dei G8: una testimonianza concreta dell’impegno congiunto delle istituzioni e del mondo produttivo ed economico genovese.

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ARTE E LUSSO DELLA SETA A GENOVA DAL ’500 AL ’700

11 novembre 2000 – 11 febbraio 2001

Curata da Marzia Cataldi Gallo, storica dell’arte presso la Soprintendenza ai Beni Storici e Artistici della Liguria e allestita da Pierluigi Pizzi, scenografo e regista di fama mondiale, la mostra si inserisce nell’ambito delle manifestazioni “El Siglo de los Genoveses” che accompagneranno Genova all’appuntamento del 2004, quando la città sarà Capitale Europea della Cultura.

Il progetto scientifico nasce dalla considerazione del fatto che Genova e l’area circostante, in particolare la Riviera di Levante, è stata almeno per un secolo – il Cinquecento – la capitale mondiale della produzione tessile. Si pensi che nell’ultimo quarto del ’500, su una popolazione cittadina di circa 60.000 abitanti, erano attivi 15.000 tessitori ed erano circa 38.000 le persone impegnate almeno parzialmente nel settore. La fama dei velluti tessuti nel territorio della Repubblica fu tale che anche quelli prodotti in Francia ed in Inghilterra, per essere facilmente venduti, venivano chiamati rispettivamente velours de Gênes o Genoa velvet.

La mostra che si sviluppa in due sedi, il Palazzo Ducale e la Galleria Nazionale di Palazzo Spinola, presenta quasi 200 opere: tessuti di arredamento, abiti e paramenti sacri, tra cui due preziosissimi piviali del ‘500 in velluto con broccature dorate.

La mostra vuol far nascere un rapporto vivo fra i tessuti antichi e chi li ammira, per questo le preziose stoffe sono esposte accanto ad opere che rievocano la loro funzione originale: ritratti, mobili, suppellettili. Fra i ritratti spiccano le belle dame dipinte da Van Dyck, Piola, Mulinaretto con abiti confezionati secondo i rigidi dettami della moda spagnola nel primo Seicento, mentre quelli tardo seicenteschi sorprendono per la vivace cromia dei colori e il fulgore dell’oro di moda alla corte di Francia. Le ultime sale della mostra sono infine dedicate ad una delle aziende di moda più note a livello internazionale per la produzione di accessori in seta: Salvatore Ferragamo.
Nel Sottoporticato viene invece ospitata la specifica sezione “Il fascino dell’Oriente: i Mezzari”, dedicata ai tipici teli di cotone stampato del XIX secolo, chiamati anche voiles de Gênes, la cui produzione si ispirava a modelli indiani. A Palazzo Spinola di Pellicceria, nella sezione “La giornata di un’aristocratica: raffinate eleganze neoclassiche”, il visitatore può invece rivivere gli attimi intimi e quotidiani di una nobildonna genovese: dal suo risveglio nella camera da letto, all’attivitè nello studio, ai preparativi per un viaggio.
La sezione dedicata ai mezzari e quella di Palazzo Spinola sono allestite da Giulio Sommariva.

A rendere ancora più suggestivo il percorso è la presenza in mostra dell’ultimo tessitore ligure con telaio manuale, Sergio Gaggioli, che fa riecheggiare nelle sale di Palazzo Ducale la musica prodotta dall’intreccio delle trame con gli orditi.

 
Catalogo
Allemandi Editore, www.allemandi.com

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ARTI VISIVE 3

13 ottobre – 12 novembre 2000

L’occhio in ascolto
La terza edizione di Arti Visive, ideata e promossa dal Centro della Creatività dell’Assessorato alle Politiche Giovanili e dall’Assessorato alla Cultura del Comune di Genova in collaborazione con l’Associazione nazionale per il Circuito dei Giovani Artisti, opera un significativo spostamento in direzione del fatto acustico. Il senso di questo spostamento su un doppio panorama visivo-sonoro, riflesso tuttavia in uno stesso specchio, risponde all’esigenza di analizzare un campo di fenomeni inerenti alle espressioni estetiche contemporanee, legati a modelli di riferimento indotti o spontanei, a momenti di produzione, riproduzione, distribuzione e consumo critico o acritico.

I naturali destinatari e soggetti sono quelli delle culture e sottoculture giovanili urbane.
Lo scopo di questa sollecitazione su un campo multidimensionale è quello di individuare, attraverso qualità e quantità della risposta degli artisti, nicchie inventive che si staglino dal rumore di fondo martellante e anestetizzante dei mass media. Le modalità di coniugazione dell’estetica diffusa e della sonorità diffusa si moltiplicano nel continuo rigenerarsi della civiltà dell’immagine, come ci ricordano a getto continuo la Videomusic e i videoclip pubblicitari. Arrivano tuttavia segnali da aree marginali, a volte interetniche, di resistenza agli stereotipi, alle gabbie anestetiche e ipoestetiche del mercato globale, e di scelta, consapevole e inconscia al tempo stesso, di percorsi interstiziali innovativi, secondo criteri di gusto e di vissuto anche emozionale.

La rassegna Arti Visive 3 – L’Occhio in Ascolto ha, pertanto, l’intento di registrare con attenzione critica i modi in cui si coniugano landscape e soundscape, gli effetti dei mass media e dell’internavigabilità elettronica dei codici nella diffusione degli eventi prodotti su un terreno di frontiera e sconfinamento linguistico, un’indagine, quindi, sulle relazioni tra il piano dell’espressione e quello del senso.

La rassegna si articola su molteplici livelli, sia visivi che sonori, sia teorico-critici che didattici.
La mostra al Sottoporticato di Palazzo Ducale ospita le opere dei 42 giovani artisti, soli o in gruppo, selezionati dal concorso nazionale.

Tra i parametri internazionali, sul versante delle arti visive sono presenti: Roberto Masotti a Villa Croce; Ines Fontenla, Jean Pierre Giovanelli, Muda Mathis-Sua Zwick, Oscar Wiggli alla Sala delle Grida della già Borsa Valori insieme a 14 artisti berlinesi della Meinblau Galerie Projectraum e della Kunsthaus Tacheles.

Video Vibe, rassegna di video inglesi che esplora le intersezioni tra cultura musicale e immagine in Gran Bretagna, sarà ospitata al Centro della Creatività a Palazzo Ducale.

Gli artisti Noto Aka Carsten Nicolai, Ceal Floyer e Georgina Starr saranno presenti con mostre e performance al Pinksummer Projectroom.

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LO SGUARDO DEI MAYA

21 settembre – 3 novembre 2000

Luis Gonzalez Palma

L’artista guatemalteco, nato nel 1957, rappresenta nel suo lavoro l’anima del suo popolo, a partire da miti e tradizioni degli antenati Maya. Architetto di formazione, ha studiato storia dell’arte in Europa. Vive e lavora tra Guatemala e Stati Uniti.

Gonzales Palma ha creato un suo linguaggio autonomo fuori da ogni influenza che spazia da elementi attinti dall’arte barocca sudamericana e dai pittori preraffaelliti, ai più contemporanei Twins Starn e Witkin.

Attraverso uno specifico uso del simbolismo, coniugato ad una virtuosa capacità di manipolazione del medium visivo, Gonzales Palma ha saputo creare misteriose icone contemporanee da cui emerge la bellezza, il dolore, la solitudine e la grande dignità degli ultimi discendenti Maya, condannati all’apartheid.

I grandi ritratti allegorici in bianco e nero sono lavorati a pennello con cera e bitume liquido, secondo una tecnica di restauro per mobili antichi. Solamente gli occhi, o alcuni elementi simbolici, mentengono il bianco originale, conferendo all’immagine una forza espressiva straordinaria.

Nella sua ricerca successiva, estesa ai temi della memoria e del circo, Gonzales Palma sperimenta inoltre nuove tecniche di assemblaggio: frammenti di films e poesie, lightboxes per giungere a installazioni multimediali di testi e immagini.

L’autore ha esposto in numerose personali e collettive in Europa, Sudamerica e Stati Uniti. Sue opere figurano al Museo della Fotografia di Charleroi, alla MEP e FNAC di Parigi, all’Art Institut di Chicago, Los Angeles County Museum e MFA di Huston.

Nel 1999 sono stati pubblicati la monografia “Il silenzio dei Maya” – Ed. Peliti Associati in collaborazione con Photo & Co. – ed il volume “Poems of sorrow” – Arena Editions.

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TIWANAKU – CITTÀ ETERNA DELLE ANDE

5 maggio – 20 agosto 2000

Alla scoperta di una civiltà perduta

Giunge a Palazzo Ducale, per la prima volta in Europa, una grande mostra di reperti archeologici della civiltà pre-incaica Tiwanaku.

Tiwanaku, una delle culture più ricche ed importanti dell’antica America Latina, si sviluppò nel cuore di un preciso contesto geografico; più esattamente sull’altipiano dell’attuale Repubblica Boliviana: una vasta meseta incastrata tra i due bracci della Cordigliera delle Ande e incorniciata da cime imponenti che svettano oltre i 6.000 metri.

A partire dal suo epicentro culturale, situato in prossimità del lago Titcaca, Tiwanaku costituì il primo stato andino con un territorio centrale. La sua benefica influenza civilizzatrice e culturale si estese oltre l’altipiano e le valli delle immediate vicinanze, allargandosi fino a coprire la parte occidentale e quella centrale della attuale Repubblica Boliviana, il nord-est argentino ed il litorale del Pacifico da Kopayapu verso il nord. Sotto il suo influsso si creò uno stato parallelo nella Sierra peruviana, conosciuto come Wari-Tiwanacu. Il suo spazio centrale, unito alle aree di influenza, abbracciava un’estensione superiore ai 600mila chilometri quadrati.

Le primissime tracce di Tiwanaku risalgono a più di 3000 anni fa quando, dall’altra parte del mondo, i Greci davano forma a piccole tribù sulle rive del Mediterraneo e gli Egizi conquistavano la Siria e l’Etiopia.

Il suo vero e proprio inizio fu contemporaneo a quello dell’Epoca Romana (500 AC – 100 DC).
Il suo momento di maggior splendore coincise con il periodo dell’Impero Bizantino, dell’Islam di Maometto e dell’epoca Sui, Tang e Sung nella Cina. La sua fine fu parallela alla civilizzazione Maya in Centro America e all’epoca di Gengis Khan (1000-1470 DC).
Fu la cultura più longeva del continente sudamericano.

Lo stato di Tiwanaku esercitò la sua influenza su vasti spazi del Sud America, attraverso una complessa articolazione di apparati ideologici e tecnico-amministrativi molto ben strutturati.

La potenza economica sviluppatasi con l’uso di tecnologie agricole che copiavano i modelli della natura, con profondo rispetto verso di essa e comprensione delle leggi che la governavano, produsse una importante specializzazione nel lavoro, fatto che, in ultima analisi, generò una palese differenziazione.

Una parte della popolazione, infatti, fu capace di dedicarsi a tempo pieno alla pianificazione di un ordine sociale; un’altra all’esecuzione di opere di vera e propria importanza materiale ed anche al perfezionamento di un pensiero sintetizzabile in una molteplice ed artistica simbologia.

Tutto ciò permise alla civiltà Tiwanakota di avere un imponente numero di corporazioni artigianali dedite ai lavori in metallo, legno, ceramica e tessuti con una qualità ed una perfezione mirabili.

La mostra di Palazzo Ducale, i cui reperti archeologici provengono dal Museo Nazionale di Archeologia e dal Museo di Metalli Preziosi della Bolivia, è presentata in un efficace contesto scenografico realizzato con grafici, plastici e testi esplicativi.

I 237 reperti in mostra, tra cui ori, argenti, terrecotte ed importanti stele litiche, permettono ai visitatori di comprendere l’alto valore di tale cultura e quale contributo essa abbia dato all’evoluzione di molte popolazioni dell’America Latina.

A complemento della mostra sono previste visite guidate e attività collaterali.

Dopo il debutto a Genova, la mostra si sposterà in altre città italiane fra cui Firenze, Milano e Roma.

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MAGICHE TRASPARENZE

17 dicembre 1999 – 15 marzo 2000

I vetri dell’antica Albingaunum

Il titolo di questa mostra dedicata ai vetri dell’antica Albingaunum (Albenga) pone l’accento sullo straordinario, quasi alchemico e quindi “magico”, procedimento di trasformazione che, da una materia opaca e pesante quale è la silice, consente di ottenere un prodotto puro e traslucido, quasi incorporeo, come il vetro. L’esperienza del vetraio assomiglia infatti a quella dell’alchimista: nella sua officina simile ad un laboratorio misterioso, il vetraio elabora ricette segrete, tramandate di padre in figlio, alla continua ricerca di colori e trasparenze inimitabili.

La mostra – che trae spunto dal vivo interesse suscitato dalla recente scoperta, nella necropoli romana di Albenga, di un cospicuo nucleo di oggetti vitrei, singolari per varietà e rarità – offre al visitatore la possibilità di un affascinante “viaggio” attraverso il vetro romano. Da una prima sezione dedicata ad Albenga, luogo di rinvenimento, il percorso espositivo si snoda “descrivendo” il vetro dal processo produttivo fino ai suoi molteplici usi, da quando dopo l’invenzione rivoluzionaria della soffiatura, intorno alla metà del I sec. a.C., ed il conseguente sviluppo di una produzione su scala industriale, questa straordinaria materia diviene comune, soppiantando in molte funzioni la ceramica ed il metallo.

Gli oggetti vitrei in mostra sono stati così ricollocati nel loro ambito d’uso originario, di cui si è tentato di evocare l’atmosfera, dalla cucina alla tavola, dalla toeletta alla farmacia. In alcuni casi si sono presentati i modelli ceramici o metallici da cui i vetri derivano, a sottolineare come il vetro si inserisca nel mercato antico sostituendo altri tipi di prodotti, di cui imita spesso le forme più comuni.

Particolare rilievo è stato dato ad allo straordinario piatto intagliato in vetro blu, che per la sua singolarità costituisce il punto focale della rassegna.

L’esposizione è arricchita da una scelta di opere di ispirazione “romana”- alcune delle quali realizzate appositamente per l’occasione – dell’artista e maestro muranese Archimede Seguso, recentemente scomparso. Le forme e le iridescenze antiche danno vita a nuove, originali creazioni di Archimede, che, nel suggellare la mostra, evidenziano ancora una volta la vitalità inesauribile dell’arte vetraria e la linea di continuità tra l’antichità ed il mondo contemporaneo.
 
Catalogo Edizioni G. Mazzotta
www.mazzotta.it

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EL SIGLO DE LOS GENOVESES

4 dicembre 1999 – 4 luglio 2000

E una lunga storia di arte e splendori nel Palazzo dei Dogi

“Questa straordinaria città divorante il mondo è la più grande avventura umana del secolo XVI. Genova sembra allora la città dei miracoli …”

In realtà, la straordinaria avventura di Genova di cui parla Fernand Braudel durò più a lungo: all’inizio del XVI secolo si posero le fondamenta economiche e istituzionali di una fortuna e di un prestigio destinati a durare fino alla fine del XVIII.

La mostra rivela una storia per lo più ignorata, ma avvincente e dai risvolti internazionali. Attraverso una ricchissima scelta di opere d’arte, si seguono le vicende della Repubblica di Genova dalle origini, all’epoca di Carlo V e di Andrea Doria, fino alla sua caduta, nel 1797. Un prologo evoca l’istituzione del dogato a Genova (1339), e un epilogo, dedicato all’annessione all’Impero napoleonico (1805), ne suggella il percorso.

È una mostra straordinaria per durata – sei mesi di apertura – e imponente: quattromila metri quadrati di spazio espositivo, suddivisi in trenta sale di palazzo Ducale, dalla loggia medievale al Munizioniere, dalla Cappella alle sale dell’Appartamento dei Dogi fino ai grandi saloni del Maggiore e del Minor Consiglio. Per la prima volta, il Palazzo è animato nei suoi spazi più suggestivi e storicamente rilevanti e diventa protagonista di una mostra.

L’allestimento, in chiave evocativa e spettacolare, è di Pier Luigi Pizzi, scenografo e regista di fama internazionale.

Oltre quattrocento opere, tra dipinti, sculture, arazzi, oreficerie, grafica, medaglie e cartoni per affreschi, e poi armi, costumi, arredi e suppellettili, sono state selezionate da Piero Boccardo e Clario Di Fabio, già curatori della mostra “Van Dyck a Genova”. “El Siglo de los Genoveses e una lunga storia di Arte e Splendori nel Palazzo dei Dogi” si articola in quattordici sezioni, fra le quali spiccano: la prima, con la croce bizantina della coronazione dogale e la rievocazione di uno studiolo rinascimentale; quelle dedicate al rapporto con la monarchia spagnola, coi ritratti di Andrea Doria e dei sovrani che visitarono Genova; quella incentrata sulla figura del doge, con una strepitosa sequenza di pitture che li ritraggono nella loro immediata verità fisiognomica. Alcuni eventi storici vengono sottolineati attraverso opere di Van Dyck, Fiasella, Strozzi, Paggi e di altri pittori genovesi di primo piano e culminano nei coloratissimi affreschi della Cappella Dogale. Il nesso strettissimo fra magnificenza pubblica e privata viene celebrato nelle sale più belle dell’Appartamento di rappresentanza con opere eccellenti (Giambologna, Tintoretto, Rubens, Guercino, Guido Reni, Luca Giordano), mentre la ricostruzione della vicenda decorativa del palazzo vede protagonisti Gaulli, Franceschini, Tiepolo, Piola, Fragonard. Ma anche nell’evocazione dell’epilogo della Repubblica i capolavori non mancano, con opere di Von Maron e di Jacques-Louis David.

Questa mostra è la prima tappa di un percorso, che, con il titolo “El Siglo de los Genoveses”, si snoderà fino al 2004, anno in cui Genova diverrà “Città Europea della Cultura”.

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I COLORI DEI BIMBI

5 – 21 novembre 1999

Mille dipinti dalle scuole di Genova e Parigi

Questa sesta edizione di “Pittura come Pane, Burro e Marmellata” cambia non solo nel titolo ma anche nella veste. Innanzitutto muta la fascia d’età dei bambini che va da 0 a 10 anni in quanto è nata l’esigenza di dare una continuità al percorso artistico.

Si è attivato così uno scambio culturale tra Genova e Parigi per confrontare le diverse realtà del pianeta scuola e migliorare i nostri metodi di insegnamento. In particolare quest’anno verranno presentati due progetti degli istituti parigini: la mail-art e i rendez-vous d’artistes.

Tra le novità di quest’anno vi è inoltre la collaborazione con la Scuola Materna Statale nell’ospedale “G. Gaslini” Divisione Nefrologia di Genova proposta dalle maestre Ludovica Rocca e Laura Amendola come nuovo supporto all’attività già esistente.

Nell’anno scolastico 1998-1999 il lavoro artistico ha coinvolto 11 scuole genovesi per un totale di 910 alunni. Il progetto si è sviluppato in un programma di 6 mesi (2 ore settimanali) e si è basato sull’immaginario, sulla teoria del colore, cercando altresì di sviluppare nell’allievo la consapevolezza del gesto e l’idea di composizione.

Il percorso parte dagli Asili-nido dove i bambini apprendono le prime nozioni sul colore, e sviluppano il loro modo di dipingere totalmente personale, in seguito migliorano la manualità, la capacità di osservazione, avvicinandosi poi con sicurezza ai modelli più elevati dell’estetismo. Le immagini rappresentate sono quindi frutto dell’intuito infantile, di ricordi, segni e di una libera interpretazione del reale.

INCONTRO D’ARTISTI

Incontro d’artisti è un progetto pedagogico che risponde agli obiettivi stabiliti dalle Istruzioni Ufficiali che regolano gli insegnamenti artistici nelle scuole francesi: “l’educazione artistica nella scuola elementare come nell’insieme dei corsi scolastici, ha una doppia visuale, estetica e culturale:
- estetica, nel senso etimologico del termine e cioè esplorare il mondo con l’aiuto di tutti i suoi sensi, con emozione, intelligenza e sensibilità;
- culturale, nel senso in cui favorisce l’incontro con luoghi e oggetti riconosciuti come portatori di valori, e la possibilità, per il bambino, di sviluppare la sua riflessione critica, la sua capacità di confronto fra le opere che decide di avvicinare, confrontare o di opporvisi”.

Questo progetto permette ai bambini e agli insegnanti delle scuole materne ed elementari di Parigi di andare incontro spontaneamente, all’interno della scuola, alle molteplici forme dell’arte contemporanea, agli artisti e alle loro opere.

Nell’anno scolastico 1999 15 scuole, 120 classi e più di 3000 bambini hanno potuto beneficiare di un’esposizione che ha presentato per lo meno 20 opere di artisti contemporanei. Ogni mostra è stata installata per un periodo di 3-4 settimane e ha permesso ai bambini di concentrarsi sulle opere esposte e ai maestri di sviluppare nella loro classe dei progetti pedagogici. Attraverso questi progetti e l’apprendimento derivatone gli alunni hanno potuto sviluppare le loro potenzialità estetiche, il loro spirito critico, le loro capacità di creazione ed analisi del reale.

MAIL-ART O ARTE POSTALE

Il progetto “corrispondenze straniere” nelle scuole materne e elementari del 16º Distretto di Parigi ha per obiettivo la creazione di una nuova forma di espressione: l’arte postale che permetterebbe un approccio artistico e ludico verso la comunicazione scritta.

Le “creazioni” realizzate in questo progetto uniscono scrittura, immagini, colori, forme, materie… presentandosi sotto forme e oggetti di nature differenti. Creando insieme agli artisti buste, francobolli, cartoline postali, oggetti da rispedire, i bambini del 16º Distretto di Parigi hanno scoperto il mondo sotto un aspetto nuovo, quello dell’arte.

Il progetto della durata di tre anni è rivolto ora alle classi italiane per corrispondere con loro al rientro scolastico 1999.

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AQUA
Shinji Yamamoto

16 – 18 settembre 1999
Momenti del divenire

L’idea di uno spazio percepibile come illimitato; di un tempo che dilata la propria dimensione sensibile; la ricerca della spiritualità delle forme attraverso la loro estrema purezza ed elementarità, il loro essere “naturali” e suscettibili di mutazione per gli elementi stessi della natura. E ancora: evocare l’assenza per mezzo di segni e forme; richiamare l’idea della leggerezza attraverso un materiale solido quale la pietra; riportare il gesto del fare alla sua lontana ascendenza sacra e trasferire sull’opera la metafora di una ritualità ancestrale: sono questi, io credo, tra gli elementi di più grande fascinazione che ritroviamo nelle opere di Shinji Yamamoto e che segnano una sorta di impalpabile linea di confine tra la nostra cultura e la sua.

Shinji Yamamoto nasce a Osaaka in Giappone nel 1965.
Nel 1991 si laurea alla Kyoto City University of Arts in pittura. Nel 1992 ottiene una borsa di studio del governo italiano per approfondire i suoi studi sull’affresco. Studia pittura all’accademia di Belle Arti di Bologna, successivamente scultura. Nel 1999 vince il concorso Pépinières européennes puor jeunes artistes ’99-2000. L’attività espositiva dell’artista, iniziata nel 1987 a Kyoto prosegue ora anche in Italia con mostre collettive e personali. Attualmente vive e lavora fra Bologna e Osaka.

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DINOSAURI

Loggia della Mercanzia
(Piazza Banchi)
4 settembre 1999 – 9 gennaio 2000

In mostra sono esposti oltre 30 reperti fossili, tutti pezzi originali provenienti dal Palæontological Centre, Mongolian Academy of Science di Ulaan Bataar, Mongolia. Questa collezione di fossili è sicuramente la raccolta più importante che sia mai stata presentata sino ad oggi, sia per il numero di reperti presenti che per la loro rarità.

In relazione ai gruppi di dinosauri carnivori, infatti, la collezione mongola non ha eguali al mondo. Tutti i reperti sono stati rinvenuti nei giacimenti cretacici (65 – 125 milioni di anni fa) del Deserto dei Gobi in Mongolia: questo sterminato deserto costituisce ancora oggi uno dei maggiori giacimenti di dinosauri del mondo, poichè le particolari condizioni climatiche di tale ambiente hanno permesso un’eccellente consevazione dei fossili.

Gli scheletri esposti sono di vario genere e dimensione. Tra i numerosi reperti due giganteschi TARBOSAURI (oltre 10 metri di lunghezza), parenti coevi dei Tirannosauri americani; i GALLIMIMI; gli immensi arti superiori del DEINOCHEIRO, sauro dalle “terribili mani” con gli artigli lunghi più di trenta centimetri; l’agile scheletro dell’OVIRAPTOR e moltissimi altri ancora.

Tra gli scheletri più piccoli in esposizione, un esemplare di PROTOCERATOPO appena uscito dal nido, e i resti di un ADROSAURO, sauro dal “becco ad anatra”, lungo poco più di trenta centimetri. Arricchiscono la collezione alcuni rarissimi embrioni e uova di dinosauro.

A completare la mostra troviamo una serie di modelli animati che prospettano al pubblico il presumibile aspetto, nonchè il suono e il movimento, di alcuni gruppi di dinosauri. I modelli, grazie alla notevole abilità artistica con cui sono stati realizzati, sono estremamente spettacolari e cattureranno la curiosità di ogni visitatore sia grande che piccino.

La mostra è corredata da didascalie esplicative e da fotografie che facilitano e completano il percorso. Nella sua globalità, questa importante esposizione condurrà il visitatore a conoscere l’aspetto di questi misteriosi rettili e ad immaginare i luoghi e gli ambienti in cui vivevano milioni di anni orsono.

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SCULTURE DI RAINER KRIESTER

4 settembre – 24 ottobre 1999

La voce delle origini

L’esposizione dedicata a Rainer Kriester vuol essere l’omaggio a uno scultore di fama internazionale che dal 1982 lavora periodicamente in Liguria e più precisamente a Castellaro, sulle alture di Albenga.

L’artista, nato a Plauen in Germania nel 1935, si è prepotentemente rivelato agli inizi degli anni Settanta a Berlino con la realizzazione, nel bronzo e nel marmo, di teste antropomorfe trafitte da dita e di torsi virili d’impianto drammaticamente surreale. Costituivano lo specchio evidente del disagio di chi era costretto a vivere in una città “assediata”.

Lo sottolineavano altri elementi del suo impegno: teste ora imbrigliate dalla cecità, ora compresse in cappucci chiodati a mimare certe maschere medievali usate come strumenti di tortura. Negli anni Ottanta queste forme hanno assunto un carattere più essenziale raggiungendo il rigore di modulo solcato da fenditure scandite da ritmi geometrici: la presenza di due padiglioni auricolari lasciavano trasparire un residuo di umanità.

A Castellaro le opere emerse dalla “pietra di Finale” hanno acquisito il corpo di un parallelepipedo, sono diventate stele protese verso il cielo. Da ultimo il processo creativo si é avvalso di nuovi elementi: i numeri, scavati nel bronzo o nella pietra ad indicare teste-calendario che possono trasformarsi in “pali funebri”, ovvero in totem arricchiti di segni; altre stele assumono l’aspetto di feticci filiformi provvisti di aculei che di recente si sono vestiti di brani poetici, di epitaffi collegabili ai versi di Montale, Ungaretti, Lorca, Neruda, Pavese…

La mostra, curata da Luciano Caprile, è realizzata in collaborazione con il Goethe Institut Genua.

Il catalogo è edito da Hirmer.

Alcune sculture monumentali saranno visibili dai primi giorni di agosto nelle piazze De Ferrari e Matteotti e nel Cortile Maggiore di Palazzo Ducale.

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CARLO CARRÀ

Segni della Liguria (1917-1927)
8 luglio – 24 ottobre 1999

La mostra si propone come naturale prosecuzione e completamento della “Scoperta del mare. Pittori lombardi in Liguria tra ’800 e ’900″, ospitata nelle stesse date al piano nobile di Palazzo Ducale.

Come il titolo della mostra principale rappresenta un’evidente citazione di uno scritto di Carrà, così anche la mostra di disegni e incisioni del grande maestro costituisce l’occasione per comprendere il ruolo importantissimo esercitato dall’ambiente ligure nell’opera dell’artista a partire dai soggiorni del 1917-18 a Cengio, in Val Bormida.

Dopo un anno di studi e ricerche in cui non realizza neppure un quadro, nel 1921 Carrà trascorre le sue vacanze a Moneglia dove dipinge un’opera celeberrima, “Il pino sul mare” e altri paesaggi. L’anno dopo dipinge a memoria “Rocce e mare” e nel 1923 si trova a Camogli dove dipinge e realizza numerosi disegni che nello stesso anno e nel 1924 diventeranno compiute acqueforti.

La mostra e il catalogo (Editore Mazzotta Milano) – curati da Franco Ragazzi – presentano l’opera grafica completa di Carrà (disegni e incisioni) realizzata fra il 1917 e il 1927, e il suo rapporto con i luoghi della realtà e della memoria evocati dall’artista durante i suoi soggiorni.

 
Catalogo:
Edizioni Mazzotta, www.mazzotta.it

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SCOPERTA DEL MARE

Appartamento del Doge
8 luglio – 24 ottobre 1999

Pittori lombardi in Liguria tra ’800 e ’900

“Sebbene per natura io non sia un navigatore desideroso di continuamente vivere in paesi marini, tuttavia il mare ha sempre esercitato sul mio spirito una potente attrattiva … Trascorsa l’estate del 1921 a Moneglia vi dipinsi alcune marine in un silenzioso raccoglimento …. L’estate del 1923 la trascorsi a Camogli ….
Principio fondamentale delle mie ricerche era di fermare la commozione suscitata nel mio animo a contatto del mare …”

(Carlo Carrà, La mia scoperta del mare, 1940)

Dalla seconda metà dell’Ottocento la pittura di paesaggio è per gli artisti lombardi o di formazione culturale lombarda uno dei generi più frequentati, anche a seguito dell’ottimo successo commerciale riportato. Accanto ai più tradizionali e conosciuti filoni dedicati alle vedute lacustri alpine e delle varie località della Brianza, frequentate durante le villeggiature, si affermano ora anche le marine.
Nonostante lo spoglio dei cataloghi delle esposizioni dell’epoca e quello delle collezioni pubbliche e private confermino la rilevanza anche numerica di tele dedicate a vedute del mare, questo soggetto non è mai stato considerato significativo dalla critica moderna nella ricostruzione del percorso pittorico dei vari artisti. Al contrario, il confronto con il paesaggio marino stimola anche pittori abituati a misurarsi con l’atmosfera e la luce di altre realtà naturali, arrivando ad interpretazioni di alta qualità pittorica, che arricchiscono con soluzioni originali la fisionomia del genere.

La rassegna, e l’indagine scientifica originale che la precede, risultano quindi innovative per l’angolazione dello sguardo attraverso cui il fenomeno viene valutato. La Liguria come “luogo tendenza”, destinato inizialmente a pochi privilegiati, famiglie nobili e borghesia imprenditoriale, viene proposta dai pittori lombardi attraverso immagini suggestive ed evocative.

La mostra presenta 120 dipinti, realizzati da oltre 50 artisti in un periodo compreso fra la Prima esposizione nazionale di Belle Arti di Brera, svoltasi con grande risonanza nel 1872, e la quarta edizione del Premio Bergamo del 1942.

Entro questo arco temporale la pittura di paesaggio compie un percorso che tocca tutti i movimenti che hanno interessato la storia dell’arte.

Dai primi accenni al naturalismo, databili dalla metà degli anni Settanta – con opere di Marzorati, Saporiti, Ricci -, si passa alla riappropriazione del vero tra gli anni Ottanta e il decennio successivo – con tele di Gignous, Dell’Orto, Mariani, Giuliano -, fino all’affiorare di spunti simbolisti nelle interpretazioni di Belloni, Carpi, Morbelli e Previati.
Il nuovo secolo si apre con il clamore suscitato dalle marine di Emilio Gola. Gli artisti delle nuove generazioni sono, da un lato, indirizzati verso il “richiamo all’ordine” da parte di “Valori Plastici”, Realismo Magico, “Novecento”, come Carrà, Tosi, Salietti, Funi, Dudreville, Oppi, Marussig, dall’altro ricalcano un tardo naturalismo, espresso nelle opere di Barbieri, Prada, Frisia e Amisani.

Il tema del mare di Liguria tornerà con assidua frequenza anche nei dipinti dei “Chiaristi” come Lilloni e De Rocchi.
Gli artisti, dunque, assecondavano una tendenza sociale, offrendo nel contempo immagini che riproponevano i vari aspetti delle località frequentate dai loro stessi acquirenti. A volte decidevano addirittura di trasferirsi in riviera: é il caso di Pompeo Mariani che compra una villa-atelier a Bordighera, o di Alberto Salietti che decide di vivere e dipingere a Chiavari.

I luoghi topici erano numerosissimi e si estendevano alle Riviere di ponente e di levante: Bordighera, Sanremo, Oneglia e Porto Maurizio, Ospedaletti, Alassio, Finale, Noli, Spotorno, Savona, Varazze, Arenzano, Cornigliano, il porto di Genova con l’immancabile Lanterna, Quarto e il suo scoglio, Nervi, Camogli, Portofino, S. Margherita Ligure, Zoagli, Chiavari, Lavagna, Sestri Levante, le Cinque Terre, Porto Venere, il Golfo della Spezia, Lerici e Bocca di Magra.

La mostra è articolata secondo otto argomenti:
- la marina come genere
- il naturalismo lombardo
- l’eredità romantica
- la natura tra simbolo e decorazione
- il porto e il lavoro sul mare
- la storia
- la villeggiatura lo sport e il tempo libero
- il Novecento

 
Catalogo
Edizioni Mazzotta, www.mazzotta.it

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DELLE MAGIE E DEI MITI

24 aprile – 15 maggio 1999

Presenze nell’arte contemporanea in Liguria

La mostra di Palazzo Ducale costituisce il secondo appuntamento del progetto biennale “De Fabula”, avviato nel corso del 1996 con il volume di ricerche etnografiche e la mostra “Presenze magiche in Liguria” allestita nella Commenda di Pré.

Alla fine dello scorso anno è stato pubblicato il secondo volume del progetto, “Il diavolo e l’acqua santa” curato da Rosalba Niccoli e Marcella De Ferrari, edito da Erga. Nel volume Franco Ragazzi ha presentato il progetto e l’articolazione della mostra “Delle magie e dei miti. Presenze nell’arte contemporanea in Liguria”.

Il progetto “De Fabula 1999″ e la mostra sono organizzati dalla Associazione culturale De Fabula con la collaborazione della Regione Liguria, del Comune e della Provincia di Genova ed hanno ottenuto l’Alto Patronato del presidente della Repubblica On. Oscar Luigi Scalfaro.

Nella mostra saranno esposte una cinquantina di opere fra pitture, sculture e installazioni realizzate da dieci artisti.
Rispetto alla prima edizione della manifestazione il curatore ha ritenuto di contenere il numero degli artisti invitati al fine di consentire un migliore approfondimento degli stessi e del loro lavoro. Gli artisti saranno presenti con opere realizzate per l’occasione o con una selezione di opere sufficientemente ampia in termini di qualità e di diffusione cronologica, tale da restituire l’immagine di un interesse per i temi della magia e del mito non episodico.

L’eposizione si apre con un doveroso omaggio alla figura e alla ricerca di Claudio Costa di cui si offrirà – attraverso una ventina di lavori fra opere a parete, sculture e installazioni – una rilettura della sua “stagione alchemica” (1978 – 1986) con opere provenienti da collezioni pubbliche e private.

Altri artisti sono stati invitati a realizzare alcune installazioni appositamente progettate per la mostra come Piergiorgio Colombara, “Auraprora”, una aerea scultura in rame, ottone, vetro e bronzo; Giovanni Job, “Nascita di una Fé”, in cui ritorna la sua ricerca condotta sulle tradizioni popolari della Liguria con le incisioni “Se ghe vedde, se ghe sente” (1979 – 1982); Anna Ramenghi, con i dipinti di una mitologia corporale che compongono “La stanza di Orfeo” e Walter Di Giusto con l’installazione “Riflessi nell’occhio di Giano”, in cui il mitico fondatore di Genova rivive nei riflessi fra l’immagine dipinta e quella elettronica.

Oltre alla Ramenghi e a Di Giusto l’interesse per la mitologia é presente nelle grandi tele dipinte da Roberto Martone e nelle pitture di Aurelio Caminati che compongono il ciclo della “Leda e il cigno” (1982), mentre una specifica attenzione verso la favola considerata come metafora della realtà quotidiana si ha con la pittura di Ugo Sanguineti.
Pier Paolo Kos inaugurerà la mostra con la sua nuova performance “Corpo Ermetico”.

La mostra è conclusa da pitture su vetro e su ardesia di Rosalba Niccoli e Marcella De Ferrari animatrici della Associazione culturale “De Fabula” che preludono ad una rassegna di illustratori curata da Walter Fochesato. Completano la seconda edizione di “De Fabula” le opere degli allievi dell’Accademia Ligustica di Belle Arti e una esposizione di libri curata dalla Biblioteca Civica Berio di Genova, dal Centro Sistema Bibliotecario della Provincia di Genova e dalla Biblioteca Internazionale “E. De Amicis” di Genova.
Durante la mostra sarà svolto un intenso programma di incontri e dibattiti.

Catalogo Erga Edizioni, Genova.

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IO VIVRÒ PER SEMPRE

1 aprile – 20 giugno 1999

Storia di Pasherenesi Sacerdote nell’Antico Egitto

Nell’Egitto di 2600 anni fa moriva il sacerdote Pasherenesi, profeta del dio Horus, della dinastia dei sacerdoti del tempio di Edfu, nell’Alto Egitto.

Eli affidava le speranze di vita eterna all’imbalsamazione del suo corpo e alla magia, un rituale di gesti, strumenti ed oggetti che gli avrebbero permesso di raggiungere il dio Osiride e, una volta superato il suo giudizio, diventare anch’egli come lui, cioè rinascere per sempre nella dimora dell’aldilà.

La mummia, il sarcofago e molti oggetti di Pasherenesi sono giunti fino a noi nelle collezioni del Museo di Archeologia di Genova.
Essi segnano il percorso di una mostra che, avvalendosi del prestito di oltre un centinaio di pezzi dai principali Musei Egizi italiani, vuole aprire uno spiraglio su quel mondo e scoprire da dove nascesse quella speranza di immortalità.

I pezzi dell’esposizione sono stati scelti in buona parte fra quelli di età saitica, l’arco di tempo all’interno del quale si colloca la vicenda umana di Pasherenesi (VII – VI secolo a.C.), un periodo tardo della millenaria storia dell’Egitto ma forse l’ultimo di indipendenza del Paese, durante il quale l’Egitto conobbe un’epoca di rinascenza che sembrò riportarlo ai tempi più gloriosi della sua storia.

Come spesso accade, un Paese che esce da un lungo periodo di crisi si rivolge al passato, a quei momenti che sono visti a modello cui ispirare le proprie azioni del presente: ecco che nasce quindi, in quest’età, un gusto “arcaicizzante” – in particolare nelle arti figurative – che richiama palesemente il gusto e lo stile del Regno Antico o Medio.

I PEZZI RILEVANTI DELL’ESPOSIZIONE

Il sarcofago in forma umana appartenuto a Pasherenesi e donato al Museo di Archeologia Ligure da un collezionista privato.
È in legno intonacato, dipinto e figurato con scene e geroglifici.

Saranno in esposizione anche la mummia del sacerdote e la sua “protezione magica” di amuleti, contenuti all’interno del sarcofago.

Un Libro dei Morti, quasi completo, in papiro con scene dipinte relative a funerali, dal Museo Egizio di Torino. Il testo era di importanza fondamentale per il destino del defunto: il rispetto del cerimoniale in esso indicato gli permetteva di “uscire al giorno”, cioè di raggiungere la felicità nel regno ultraterreno.

Quattro vasi canopi in fayence dal Museo Egizio di Firenze. Destinati a contenere gli organi molli del defunto estratti prima della mummificazione, venivano posti nella camera funeraria ai piedi del sarcofago.

Alcune bende di mummia in lono, dal Museo di La Spezia, con geroglifici iscritti con formule dal Libro dei Morti.

Il Gruppo dei geni “guardiani”, in granito, dal Museo Archeologico di Bologna: avevano il compito di proteggere il sonno del defunto dagli spiriti malefici.

La Clessidra in basalto dal Museo Barracco di Roma: è un pezzo di eccezionale fattura artistica, parte di un orologio ad acqua che, nel tempio, scandiva le ore del culto durante la notte.

PRESTITI

Il nucleo più consistente è quello del Museo Egizio di Torino: più di 80 pezzi.

Altri Musei prestatori sono:
- Civico Museo Archeologico di Bologna
- Museo Egizio di Firenze
- Museo Formentini di La Spezia
- Museo Barracco di Roma
- Facoltà di Giurisprudenza dell’Università di Genova.

RESTAURI

Il restauro del sarcofago di Pasherenesi è stato eseguito presso il laboratorio Nicola Restauri di Aramengo d’Asti, specializzato in materiali egizi, con i fondi messi a disposizione da:

- Regione Liguria (Servizio Programmi e Strutture Culturali)
- Comune di Genova (Servizi Culturali / Settore Musei)

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RICCOBALDI

29 gennaio – 7 marzo 1999

La magia della visione nei manifesti e nelle illustrazioni di un maestro del Novecento

La mostra, prodotta dall’archivio storico della pubblicità di Genova, è nata con il contributo della Regione Liguria – Assessorato alla Cultura e viene ospitata al Palazzo Ducale di Genova grazie alla collaborazione del Comune di Genova – Assessorato alla Cultura.

E’ costituita da circa 200 opere originali di Giuseppe Riccobaldi (Firenze 1887 – Genova 1976), in particolare manifesti, bozzetti esecutivi per campagne pubblicitarie, illustrazioni di fiabe e racconti per ragazzi.

Accanto a questi lavori, prevalentemente conservati all’Archivio Storico della Pubblicità di Genova, sono presenti in mostra opere prestate da Istituzioni museali ex Archivi d’impresa, come la Collezione Salce di Treviso, gli Archivi storici Fiat, Pirelli, Martini & Rossi e, per le illustrazioni, la Biblioteca Internazionale per Ragazzi De Amicis, le Case Editrici Giunti e Utet.

Per la prima volta in Italia una mostra antologica del grande cartellonista degli anni Venti e Trenta presenterà un numero rilevante di bozzetti esecutivi di grande formato (oltre un centinaio) commissionate da grandi Aziende (Fiat, Pirelli, Magneti Marelli, San Giorgio, Ansaldo, Martini, Cinzano, Galbani, ecc.); Compagnie di Navigazione (NGI, Lloyd Sabaudo, Lloyd Triestino, Cosulich, Sidarma, Società di Navigazione San Marco) e per le più importanti manifestazioni in Italia (Biennale di Venezia, 1937 e 1938; Salone dell’Automobile, Roma 1929).

Come scriveva Roberto Melli nel 1935 “Riccobaldi fu il creatore del genere cartello pubblicitario cinematografico, inteso come arte” negli anni Venti.

A testimonianza di questo periodo, in mostra viene esposta per la prima volta una decina di grandi manifesti cinematografici, copie uniche di grande fascino e di indubbio valore documentale.

Un’importante sezione é dedicata a Riccobaldi illustratore di libri per ragazzi, attività che svolse per l’intero arco della sua professione (dagli anni Dieci agli anni Sessanta).

Oltre a collaborare al Corriere dei Piccoli dal 1916 al 1927, con le sue illustrazioni contribuì a rrendere magici più di 60 volumi per le Edizioni F.lli Treves, Bemporad, Marzocco, Genio, Salani, La Scala d’Oro.

Giuseppe Riccobaldi del Bava nasce a Firenze il 4 luglio 1887.
Nel 1901 dopo la morte del padre si trasferisce a Genova e, con il fratello, dà vita ad un teatro dei burattini, scoprendo il suo interesse per la scenografia. Nel 1903 si iscrive all’Accademia Ligustica di Belle Arti dove frequenta i corsi di disegno. Entra in stretta amicizia con Roberto Melli da cui prende lezioni di pittura.

Nel 1908 si trasferisce a Milano dove entra come aiuto nello studio di Odoardo Antonio Rovescalli, uno dei più importanti scenografi del tempo. Nel 1913 Rovescalli gli affida la progettazione della scena del terzo atto dell’opera “Parisina” per la Scala di Milano.

Sempre nel ’13 inizia l’attività di illustratore di libri, con l’opera di Darville “Colpo Fatale”, e collabora con “La Cultura Moderna – Natura ed Arte”, rassegna quindicinale di scienze lettere ed arti, pubblicata a Milano dall’editore Antonio Vallardi. Nel 1915 il Direttore della Compagnia Stabile del Teatro Manzoni gli affida l’incarico per la scenografia di una ripresa de “La figlia di Jorio” di G. D’Annunzio.

Dal 1916 inizia la sua attività di illustratore per “Il Corriere dei Piccoli”, attività che continuerà fino al 1927; per le Edizioni Treves, Bemporad, Marzocco ed altre.

Tra il 1919 e il ’20 viene chiamato dall’ “Ambrosio Film” di Torino, per il quale esegue numeroso materiale pubblicitario.
In questo periodo collabora come illustratore ai quindicinali “La vita cinematografica” e la “Cinematografia italiana e estera” pubblicati a Torino. Nel 1921 riceve numerose richieste di collaborazione da case cinematografiche e di noleggio. Si trasferisce nella capitale dove ritrova l’amico Melli ed entra in rapporto con numerosi artisti dell’ambiente romano e con “Valori Plastici”. Tra il 1925 e il 1926 viene assunto da una delle più importanti case di produzione americane presenti in Italia, la First National Film.

Nella seconda metà degli anni Venti, Riccobaldi oltre a continuare a produrre importanti manifesti cinematografici come quello per “Metropolis” di Fritz Lang e “Frate Francesco” di Giulio Antamoro, entrambi nel ’27, estende la sua attività a cartelli di carattere industriale e turistico, stampati dalla Barabino & Graeve di Genova, tra i quali “Lloyd Sabaudo – I gloriosi quattro Conti”, 1927; “Lenci Torino”, 1928; “Circuito di Alessandria-Campionato Automobilistico Nazionale-Fiera di San Giorgio”, 1928; “Il Salone Internazionale dell’Automobile in Italia-Roma”, 1929; “I° Mostra del giocattolo italiano”, 1929; “Lloyd Triestino M/S Victoria”, 1930; “Motori e trasformatori Ansaldo”, 1931; “3° Concorso Motonautico, Venezia”, 1931; “Giugno Genovese”, 1933; “Usate il telefono”, 1934; “Littorina FIAT”, 1934; “Martini Elixir China”, 1935; “VI Mostra Mercato dell’Artigianato-Firenze”, 1936, ed altri.

Esegue per la FIAT i manifesti per le campagne di promozione della “FIAT 1500″ del 1935, “FIAT 500″, del 1936; “Auto FIAT”, 1936; “FIAT – La nuova Balilla”, 1937.

Nel 1936 partecipa con i maggiori cartellonisti dell’epoca alla “I° Mostra Nazionale del Cartellone e della Grafica Pubblicitaria” allestita nel Palazzo delle Esposizioni di Roma. Viene ingaggiato in esclusiva, tra il 1936 e il ’39, dall’IGAP, insieme a M. Dudovich, M. Pozzati e L. Martinati. Da tale committenza nascono i manifesti: “Biennale di Venezia – V Esposizione d’Arte Cinematografica” del 1938; “XXI Biennale Internazionale d’Arte”, 1938; “Venezia – Festival Internazionale di Musica Contemporanea”, 1939.

Viene incaricato dalla Barabino & Graeve, negli anni tra il 1939 e il ’45, di studiare varie campagne pubblicitarie, per cui si trasferisce nuovamente a Genova. Frutto di questo periodo sono i manifesti: “Pola – Stagione Lirica”, 1940; “Terminillo”, 1940; “Estate nel Trentino” del 1941; “Mentone-Ponte San Luigi”, 1942.

Nel dopoguerra si dedica maggiormente all’attività di illustratore. La produzione di manifesti di questo periodo é unicamente legata alla valorizzazione turistica: “Pallanza – Lago Maggiore”, 1947; “Repubblica di San Marino”, 1948; “Lago di Garda – Terme di Sirmione”, 1949; “Terme Levico – Trentino”, 1950. Tra il 1952 e il 1960 viene ingaggiato dalla Sigla-Effe nuova industria grafica sorta a Genova in quegli anni.

Di rilievo, in questi anni, l’attività di illustratore di opere come: “Le Fiabe” di Grimm, Milano, Edizioni Genio 1945; “Le più belle fiabe di Perrault”, Firenze 1950; “Pinocchio”, Firenze, Edizioni Salani, 1956; “La guerra dei mondi”, La Scala d’oro, 1958; “Fiabe d’Oriente”, Genova, Edizioni Sigla-Effe, 1959.
Firma tra gli ultimi manifesti: “Vicenza città del Palladio”, 1951; “Ferrara”, 1952; “Mostra del Mobile di Pesaro”, 1956.

Muore a Genova il 21 aprile 1976.

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MARTORELL BOHIGAS MACKAY PUIGDOMENECH PAU

11 dicembre 1998 – 31 gennaio 1999

Opere, piani, progetti

Antologia dell’opera degli architetti spagnoli, incentrata in particolare sulla figura di Oriol Bohigas e sul suo ruolo di urbanista.
Nella rassegna sono riuniti i grandi progetti architettonici e urbani realizzati in Spagna dai primi anni Cinquanta – lo studio MBM nasce nel 1951 – sino ai giorni nostri.

Il percorso espositivo si articola in cinque sezioni tematiche:

- Dialoghi con la costruzione
- Dialoghi con il contesto
- Dialoghi con la società
- Costruire, integrare e servire
- Lavori realizzati per le amministrazioni italiane comprendenti progetti, disegni, plastici, fotografie, filmati.

Ampio spazio è riservato all’imponente operazione di rinnovamento urbano compiuta a Barcellona in occasione dei Giochi Olimpici del 1992.

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ROMANA PICTURA

16 ottobre 1998 – 10 gennaio 1999

La pittura romana dalle origini all’età bizantina

A GENOVA LA ROMA DI 2.000 ANNI FA

Le storie degli dei, la vita di tutti i giorni, i ritratti dei nobili, le scene di piazza: a Genova rivive la Roma di duemila anni fa. Con circa 150 opere tra pitture, sculture, mosaici e affreschi, la mostra vi accompagna attraverso i secoli alla scoperta della pittura romana e della sua evoluzione.

UN VIAGGIO NELLA STORIA

Il percorso parte dalle prime testimonianze delle pitture tombali (IV Sec. AC) e da alcune decorazioni delle pareti che imitano il marmo e le strutture murarie; solo più tardi compaiono raffigurazioni più ricche ed elaborate.
Si trovano inoltre preziose testimonianze della vita di tutti i giorni: insegne di locali pubblici, iscrizioni elettorali e cartelloni per gli spettacoli tracciano un quadro quanto mai attuale del I Sec. DC.

Non manca poi una “fotografia” di un fatto di cronaca raccontato anche da Tacito: una rissa all’anfiteatro.
Dalla cronaca alla poesia: graffiti o dipinti, sui muri si trovano i versi dei poeti più famosi. Nel I Sec. DC inoltre compaiono frequentemente i paesaggi, di ispirazione reale (ville, spiagge, boschetti e città) o di pura fantasia (scene “nilotiche” con pigmei in un’esotica ambientazione egiziana).
Preziose nature morte si accompagnano a racconti mitologici mentre scene di vita quotidiana, come la distribuzione dei pani o i musici ambulanti, svelano un volto vivace della storia antica.

Nelle pitture tombali si trovano miti legati all’oltretomba quali Orfeo ed Euridice e il Ratto di Proserpina.
Nella pittura tarda (IV Sec. DC) la decorazione pittorica trova nuovo impulso e si dedica principalmente a grandi figure umane: a questo periodo appartengono i Dapiferi della Casa sul Celio di Roma.
Una grande svolta viene segnata, tra II e III secolo, dalla pittura paleocristiana. Con chiaro intento catechetico, estremamente semplice, usa il linguaggio dei simboli e racconta episodi del Vecchio e del Nuovo Testamento.

All’interno del percorso cronologico si aprono alcune nicchie di grande interesse: la tecnica pittorica, le iscrizioni dipinte, gli eroti, la pittura “speciale”, il ritratto.

 
Catalogo
Electa, www.electaweb.it

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ARTI VISIVE 2

3 ottobre – 15 novembre 1998

Pittura, interventi metropolitani, installazioni, fumetto/illustrazione, fotografia, video

La mostra Arti Visive, giunta quest’anno alla sua seconda edizione, pur nascendo da un’iniziativa del Comune di Genova, si avvale del coordinamento organizzativo del circuito Giovani Artisti Italiani e in tal senso intende ribadire il suo carattere nazionale, attraverso il coinvolgimento del maggior numero delle realtà locali aderenti al circuito.
Inoltre, analizzando le modalità e gli obiettivi dell’evento, si è inteso proporre una mostra di ampio respiro, alternativa ai consueti canali di circolazione e diffusione delle ricerche artistiche giovanili, ma non concorrenziale con le forze che abitualmente interagiscono all’interno del sistema dell’arte. In sintesi si è tentato di coinvolgere, su un comune terreno operativo,i contributi delle istituzioni (musei, università ed accademie), delle gallerie e della critica, al fine di proporre una rassegna il più possibile adeguata a rappresentare l’effettiva fisionomia di un’area di ricerca nazionale.
Infine, le discipline artistiche prescelte a partecipare al concorso: FOTOGRAFIA, VIDEO, PITTURA, INSTALLAZIONI, INTERVENTI METROPOLITANI, FUMETTO/ILLUSTRAZIONE
garantiscono una lettura non univoca, ma estensiva della produzione artistica giovanile.
Se infatti i confini tra i campi di intervento dell’arte contemporanea si possono considerare ormai da tempo annullati da una sperimentazione che spesso travalica i codici linguistici, percorrendoli tutti indifferentemente, la scelta di questi campi di espressione è adeguata alle esigenze di tale contesto artistico.

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IL LITOCEMENTO A GENOVA

25 settembre – 23 ottobre 1998

I cementi decorativi e l’architettura genovese
La storia di un materiale dimenticato

I litocementi, meglio conosciuti come cementi decorativi di getto, vennero impiegati in edilizia a partire dalla seconda metà dell’Ottocento in Francia e successivamente in Italia, sia come elementi strutturali sia, soprattutto, nella decorazione.

Questo materiale, per sua natura molto duttile, se armato permetteva di realizzare qualsiasi forma anche di notevoli dimensioni, pur conservando l’aspetto di pietra naturale; tale caratteristica, unita alla sua economicità, ne favorì la grande diffusione all’inizio del secolo e, contemporaneamente, contribuì allo sviluppo di nuove industrie specializzate nella decorazione con pietre artificiali, ad imitazione di qualsiasi pietra o marmo. I manufatti da impiegare nelle architetture più prestigiose venivano spesso impreziositi da opere litocementizie “gettate” dal modello di uno scultore.

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WILDLIFE

1 – 20 settembre 1998

Una mostra del Museo di Storia Naturale di Londra a Genova

La mostra vuole presentare al pubblico le 100 migliori immagini di natura a livello mondiale, selezionate nell’ambito del concorso promosso dal Museo di Storia Naturale di Londra e dalla BBC inglese “Wildlife Photographer of the Year”, concorso giunto alla 14° edizione.
Una competizione ad altissimo livello che nel 1997 ha visto aderire, con oltre 20.000 diapositive, fotografi di oltre 68 Paesi diversi.

Una galleria di incredibile suggestione che sviluppa non solo il tema della bellezza del creato esaltata da immagini straordinarie di piante, animali e paesaggi, ma anche quello del rapporto ambiente-uomo e delle inevitabili ripercussioni negative e devastanti di uno stile di vita che ignora le leggi della natura.

La selezione è ripartita in 12 categorie (Natura britannica; Comportamento animale: uccelli, mammiferi, tutti gli altri animali; Il mondo subacqueo; Ritratti di animali; In lode alle piante; La natura nei giardini e nelle città; Dall’alba al tramonto; Composizione e forma; Luoghi selvaggi; Il mondo nelle nostre mani) e per due grandi fasce: adulti e junior.
Questi ultimi a loro volta sono ripartiti in tre classificazioni: fino ai 10 anni; dagli 11 ai 14 anni; dai 15 ai 17 anni.

L’immagine vincente per l’edizione 1997 è stata “Rondine di mare che pesca” di Tapani Räsänen (Finlandia). Per la categoria junior si è invece aggiudicata il primo premio l’immagine “Parrocchetto alirosse” di Rebecca Dean (Gran Bretagna). Le immagini presenti in mostra sono non soltanto eccezionali per bellezza formale, ma narrano ciascuna una storia resa più facile dalla didascalia che l’accompagna, un testo che non è solo una scheda tecnica, ma un vero e proprio racconto di come la foto è nata. Racconto di passione, abilità tecnica, estro creativo e profondo rispetto per la natura.

La mostra Wildlife a Genova è stata resa possibile grazie al patrocinio dell’ASSOCIAZIONE AMICI DI PALAZZO DUCALE, del PALAZZO DUCALE e del COMUNE DI GENOVA.

BRITISH GAS ITALIA è lo sponsor nazionale (si tratta di un’azienda leader nell’esplorazione e produzione di gas così come nel suo trasporto e nella sua distribuzione, con un’immagine particolarmente coerente rispetto ai temi di Wildlife, trattandosi di una società che si prefigge di mantenere minimo l’impatto delle sue attività sull’ambiente).

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AURELIO CAMINATI

Liguria Spazio Aperto
4 luglio – 27 settembre 1998

La mostra, attraverso la scelta di circa un centinaio di opere dal dopoguerra a oggi, affiancate da video legati alle realizzazioni di performances degli anni Settanta / Ottanta, si pone lo scopo di documentare l’insieme del percorso creativo di Aurelio Caminati, artista genovese che da oltre quarat’anni è uno dei protagonisti del dibattito culturale non solo nella città, ma nel panorama italiano.

La sua esperienza operativa si è caratterizzata e si caratterizza specificatamente nel costante confronto con le vicende artistiche del dopoguerra, ma, soprattutto, ponendosi in una puntuale e personale dialettica con gli andamenti culturali di questo dopoguerra, offrendo originali interpretazioni delle problematiche culturali contemporanee.

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L’ARTE DELLA PORCELLANA

5 – 14 giugno 1998
L’opera Lladró a Genova

L’esposizione è la seconda del genere che la firma spagnola Lladró allestisce in Italia, dopo quella tenuta a Modena nel 1995.
La mostra ospita opere diverse quali “Cervi perseguitati”, “Carrozza del XVIII secolo” o “Don Chisciotte”, che attualmente fanno parte dei fondi permanenti di prestigiosi musei quali l’Ermitage di San Pietroburgo, il Museo del Cinquantenario di Bruxelles, l’Arita Porcelai Park del Giappone e il Museo Nazionale di Ceramica Gonzáles Martí di Valencia.

In questa occasione verrà anche presentata la collezione completa delle figure create in esclusiva per i membri della Società dei Collezionisti Lladró, costituita nel 1985 e attualmente formata da più di 100.000 amanti della porcellana d’arte in tutto il mondo.

La mostra itinerante “L’arte della porcellana”, che ad oggi è stata visitata da più di 400.000 persone, ha iniziato il suo cammino nel giugno del 1991 dal Museo Ermitage di San Pietroburgo.

Successivamente è proseguita in varie città europee nell’ambito delle celebrazioni del 10º Anniversario della Società dei Collezionisti Lladró.

Alcune tra le sedi più prestigiose che hanno ospitato la mostra sono il Convento di San Francesco nella città di Santiago di Compostela, il Palazzo di Blenheim in Gran Bretagna, il Collegio San Carlo a Modena e il Casino Spagnolo a México D.F.

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AMERICAN POP ART

10 aprile – 1º maggio 1998

Nella grande stagione italiana che ripresenta il tema della Pop Art internazionale come una delle maggiori espressioni artistiche del nostro secolo, anche Genova a Palazzo Ducale ospita un’importante retrospettiva della pop art americana.

La mostra, curata da Sam Hunter (curatore della Fondazione Leo Castelli), con saggi in catalogo del critico Achille Bonito Oliva e di Paul Schimmel (Direttore del Whitney Museum di New York), presenta una selezione di oltre 60 opere provenienti da collezioni pubbliche e private dei maggiori artisti statunitensi che hanno dato vita alla Pop Art: Jim Dine, Robert Indiana, Jasper Johns, Roy Lichtenstein, Claes Oldenburg, Mel Ramos, Robert Rauschenberg, James Rosenquist, George Segal, Andy Warhol e Tom Wesselmann.

La Pop Art, nata alla fine degli anni ’50 da percorsi individuali accomunati dalla reazione dell’espressionismo astratto e dall’interesse per le forme di comunicazione di massa, conosciuta in Italia con la Biennale di Venezia del 1964 e affermata attraverso personalità di grandissima notorietà, rappresenta molto probabilmente la corrente d’arte più longeva e uno dei movimenti più interessanti e creativi del nostro secolo che, con la sua straordinaria vivacità, ha esercitato una grande influenza sul panorama artistico internazionale.

“La Pop Art – secondo Achille Bonito Oliva – è quel linguaggio che, dando statuto d’arte alle immagini e agli oggetti di consumo della società di massa americana, ha indicato le vie di un linguaggio sperimentale capace di dare rappresentazione al nostro quotidiano ormai globalizzato dalla telematica”.

La mostra viene presentata a Genova dall’Assessorato alla Cultura del Comune di Genova, dalla Palazzo Ducale spa, con la cura della casa editrice “Nuova Tavolozza” di Palermo che ne ha realizzato il catalogo, e con la collaborazione della Mercedes Benz Italia, sponsor ufficiale della manifestazione.

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FIGURE DELL’ANIMA

27 marzo – 3 maggio 1998

Arte irregolare in Europa

La questione della follia e del suo legame con l’ispirazione artistica attraversa tutta la storia della cultura occidentale, da Platone in avanti; in particolare nei primi decenni del ’900 molti artisti ed intellettuali si confrontarono con questo rapporto.

Il primo ad analizzare scientificamente la relazione tra arte e follia fu lo psichiatra di Heidelberg Hans Prinzhorn che, dopo aver collezionato più di 5000 opere prodotte da malati di mente, scrisse nel 1922 il famoso libro “L’arte dei folli”.

La sua pubblicazione ebbe grande influenza su movimenti artistici quali il dadaismo e il surrealismo e su artisti come Paul Klee e Max Ernst.

Nel 1949 l’artista francese Jean Dubuffet occupandosi di questo tipo di arte coniò la definizione ART BRUT e fondò a Losanna un museo ad essa dedicato.

La mostra “Figure dell’anima – Arte irregolare in Europa” offre una panoramica sui più importanti artisti e collezioni di questo secolo.

Il percorso storico incomincia con la collezione, risalente agli anni 1929-31, di Hans Prinzhorn, presentata per la prima volta in Italia in modo così ampio.

Dal Kunstmuseum di Berna sono invece state prestate le opere di Adolf Wölfli, vero e proprio artista totale che in musica, pittura e poesia ha raccontato un mondo mirabolante e dettagliatissimo.

Dal museo svizzero di Solothurn vengono le opere di Aloïse, che ha definito in colori smaglianti tutte le varianti dell’amore e della passione nelle coppie celebri della storia e della letteratura.

La collezione Eternod-Mermod di Losanna ha offerto le opere di Louis Soutter, il colto artista svizzero che ha passato la maggior parte della sua vita in una casa di riposo per anziani indigenti; e dei britannici Madge Gill e Scottie Wilson.

Presente in mostra anche l’italiano Carlo Zinelli, le cui opere di grande inventiva e complessità immaginifica sono considerate veri e propri capolavori dell’Art Brut.

Come ponte tra il passato e il presente figurano le opere create tra il 1960 e oggi nella clinica psichiatrica Maria Gugging, vicino a Vienna, all’interno della quale venne creata, negli anni Ottanta, la “Casa degli Artisti”. Personalità artistiche sviluppatesi in questo contesto come Johann Hauser, August Walla e Oswald Tschirtner hanno sicuramente influenzato con la loro forza espressiva l’arte contemporanea.

La sezione più attuale della mostra si compone di opere nate in laboratori creati all’interno di ospedali psichiatrici, o sotto la loro sfera d’influenza, come la già citata “Casa degli Artisti” di Gugging.

La situazione italiana è documentata dalle opere di artisti raggruppabili attorno a cinque importanti laboratori:
- l’Istituto per le materie e le forme inconsapevoli di Genova Quarto, attivato dalla grande energia artistica e umana di Claudio Costa, dove sono cresciute personalità artistiche come Davide Raggio e Stefano Grondona;
- Genova Cogoleto, con le opere realizzate alla fine degli anni Trenta da Gino Grimaldi a decoro della chiesa di Cogoleto;
- La Tinaia di Firenze, fondata da Massimo Mensi e Dana Simionescu, che è il laboratorio che da più anni lavora in questo campo;
- Wurmkos, un gruppo di artisti coordinati da Pasquale Campanella all’interno della Cooperativa “Lotta contro l’emarginazione” di Sesto S. Giovanni;
- Adriano e Michele, laboratorio di formazione recente coordinato da Michele Munno, unico ad essere inserito, come la “Casa degli Artisti”, all’interno di una istituzione ospedaliera (Istituto Fatebenefratelli di San Colombano al Lambro).

Un’ultima sezione completa la mostra occupandosi dell’aspetto trasgressivo di quest’arte, dell’interazione e del fruttuoso rapporto tra artisti dell’Avanguardia e “arte irregolare”, facendo riferimento ad opere create a quattro mani da Arnulf Rainer e dei pazienti della “Casa degli Artisti” di Gugging.

Al fianco di tali opere troviamo i disegni di Mary Barnes a documentare la vitalità della ricerca artistica europea negli anni Settanta, e la produzione del genovese Claudio Costa.

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FUTURISMO. I GRANDI TEMI 1909-1944

17 dicembre 1997 – 8 marzo 1998

Dopo il grande successo della mostra “Van Dyck a Genova. Grande pittura e collezionismo”, Palazzo Ducale presenta un’altra importante rassegna espositiva, promossa da Comune di Genova, Regione Liguria, Comune di Milano e Regione Lombardia, dedicata alle complesse vicende del Futurismo in Italia nel periodo compreso fra l’uscita del “Manifesto del Futurismo” (1909) e la morte del suo fondatore Filippo Tommaso Marinetti (1944).

Malgrado le numerose esposizioni già realizzate in particolare negli ultimi due decenni sul Futurismo italiano, sia in Italia che negli Stati Uniti e in Giappone, finora non è mai stata tentata una rilettura organica dei grandi temi che hanno sollecitato l’immaginario futurista, nelle sue svariatissime manifestazioni tanto nell’ambito plastico-visivo quanto nell’ambito letterario e teatrale lungo l’effettiva durata dell’attività creativa e pubblicistica del Movimento.

Viene presentata quindi una mostra non cronologica che, cercando di leggere e rileggere nelle opere note, meno note o addirittura inedite, scopre e ne mette a fuoco l’intenzionalità tematica.
Provenienti da collezioni pubbliche e private, nazionali ed estere, sono presenti in mostra oltre cento opere fra dipinti, sculture, progetti architettonici, oggetti d’arte applicata, di artisti quali : Boccioni, Balla, Carrà, Severini, Sironi, Sant’Elia, Funi, Dudreville, Depero, Prampolini, Fillia, Russolo, Tato, Dottori, Tullio d’Albisola, Farfa e numerosi altri, accanto a circa duecento disegni, documenti, libri, fotografie e filmati.

SEZIONI DELLA MOSTRA

Metropoli
Velocità
Simultaneità
Individuo
Stato d’animo
Natura-Cosmo
Guerra
Spiritualità Casa
Scena
Liguria futurista

 
Catalogo
Edizioni Mazzotta, www.mazzotta.it

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ANDY WARHOL

10 settembre – 20 novembre 1997

“Andy Warhol – Viaggio in Italia”, che approda al Palazzo Ducale di Genova dopo le tappe di Napoli e Roma con l’integrazione di un nucleo di disegni provenienti dalla Andy Warhol Foundation di Lugano, offre al pubblico genovese l’occasione di rivedere la ricca campionatura dell’opera grafica dell’artista americano presentata con successo a Villa Croce nell’estate dell’89. Rivedere Andy Warhol del resto è perfettamente in sintonia con l’intenzione e l’ispirazione dell’artista, il cui lavoro si fonda proprio sull’iterazione dell’immagine che, moltiplicata e consumata dalla traduzione massmediologica e pubblicitaria, finisce per smarrire i suoi contenuti iniziali (drammatici, ideologici, decorativi, commerciali) omologando nei termini di una pittura di superficie, cui non a caso si affianca e spesso si sostituisce la serigrafia, la sedia elettrica e la zuppa Campbell’s, Jackie Kennedy al funerale del presidente e i chiassosi fiori da carta da parati, Mao o Gianni Agnelli.

L’ambiguo rapporto di critica e insieme di complicità e adesione che caratterizza tutta la pop art americana si esplicita in Andy Warhol, più che negli altri artisti del movimento, nella mescolanza di beffarda ironia e di compiaciuta mondanità che anticipa di parecchi anni certi atteggiamenti dell’arte contemporanea volutamente ispirati al kitsch.

Catalogo
Edizioni Mazzotta, www.mazzotta.it

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LE MERAVIGLIE DEI PRIMI LIGURI

5 aprile – 11 maggio 1997

La regione intorno al Monte Bego, nella Alpi Marittime dell’entroterra di Ventimiglia (provincia di Imperia), comprende alcune vallate (Valle delle Meraviglie e Fontanalba) caratterizzate da paesaggi aspri e suggestivi, cosparsi di blocchi, lastroni, pareti rocciose sulle quali sono state incise decine di migliaia di figure.

Le più recenti sono del nostro secolo, ma le prime ci riportano ad oltre 2000 anni AC, quando il Monte Bego era una montagna sacra e le vallate intorno costituivano un grande santuario all’aperto, frequentato durante l’estate dalle popolazioni circostanti.

Le figure rappresentano migliaia di animali cornuti, scene di aratura, carri, pugnali, alabarde, uomini in varie pose, segni geometrici di vario genere ed alcuni straordinari personaggi chiamati “Capo Tribù”, “Stregone”, “Danzatrice”, “Dea Terra” …
Questo eccezionale complesso di incisioni permette di avanzare ipotesi sul mondo simbolico e spirituale di antiche popolazioni della Liguria protostorica.

Le raccolte del Museo di Archeologia di Genova furono arricchite negli anni ’20 da una piccola collezione di circa 100 disegni e ‘calchi’ eseguiti dal primo studioso scientifico dei graffiti rupestri di Monte Bego, Clarence Bicknell, nell’estate del 1897, cento anni fa. Questi materiali vengono oggi presentati al pubblico nell’ambito di manifestazioni ed iniziative anche a carattere internazionale, come l’inaugurazione del Museo delle Meraviglie a Tenda, ed a seguito dei risultati di decenni di ricerche effettuate dagli studiosi francesi nella regione del Monte Bego.

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VAN DYCK

22 marzo 1997 – 13 luglio 1997

Grande pittura e collezionismo

La mostra ripercorre gli anni della permanenza a Genova di Anton van Dyck (Anversa 1599 – Londra 1641), dal 1621 al 1627, ed offre un suggestivo panorama del vivace ambiente culturale in cui l’artista, giunto in città appena ventiduenne, potè raggiungere la piena maturità espressiva.

In quegli anni Genova viveva infatti il momento del suo massimo prestigio, testimoniato da una eccezionale vitalità culturale che trovava riscontro nel fiorire di commissioni artistiche di altissimo livello e nel sorgere di straordinarie collezioni private. In questo ambiente carico di suggestioni Van Dyck avviò il suo rapporto formativo con i modi della grande pittura italiana, soprattutto con quella di Tiziano. Nel rielaborarli originalmente non dimenticò, tuttavia, la lezione di Rubens, che era stato suo maestro ad Anversa e lo aveva preceduto a Genova nel primo decennio del secolo.

Oltre 100 le opere esposte, di Van Dyck e dei principali maestri del suo tempo – Rubens, Caravaggio, Procaccini, Vouet, Gentileschi, Strozzi, ma anche Tiziano, Tintoretto, Sofonisba Anguissola – dipinti un tempo appartenenti alle straordinarie collezioni del patriziato locale ed ora divise tra i principali musei del mondo – La National Gallery di Washington e quelle di Londra e di Edimburgo, Louvre ed il Prado, i Musei Capitolini, tra gli altri – e le raccolte private italiane e straniere più prestigiose.

Il taglio non antologico della mostra permette un approccio del tutto originale con la pittura di Van Dyck e dei grandi maestri che concorsero in maniera determinante alla sua formazione.

Catalogo
Electa, www.electaweb.it

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EMANUELE LUZZATI

21 dicembre 1996 – 23 febbraio 1997

Dalla scenografia all’illustrazione
Palazzo Ducale diventa palcoscenico di una grande mostra antologica dedicata al celebre artista genovese, scenografo, illustratore ma anche pittore, decoratore, ceramista, creatore di costumi teatrali, di film e di disegni animati.

La rassegna, promossa dal Comune di Genova, presenta l’attività del Maestro dagli anni ’40 ai giorni nostri, ed è articolata in due sezioni.

La prima parte, Emanuele Luzzati Scenografo, riprende la precedente mostra organizzata al Beaubourg nel 1993 dall’Unione dei Teatri dell’Europa, ed è ampliata utilizzando scenografie del Teatro della Tosse, del Teatro dell’Opera Carlo Felice di Genova, del Teatro Comunale di Bologna.

Presentata nel Sottoporticato, in ambienti organizzati come un teatrino, in un gioco di riferimento al teatro nel teatro, induce il visitatore ad entrare nel mondo fantastico e sentimentale di Luzzati, nella fiaba teatrale di meraviglia con cui amerebbe stupirci. L’allestimento presenta circa 400 progetti per realizzazioni sceniche nelle diverse tecniche del collage, disegno, pastello, china, matita, pennarello. Il percorso si snoda dall’iniziale sezione ebraica, attraverso le creazioni per “Obu”, “Pulcinella” e le “Mille e una notte”, fino all’ultima sezione con le realizzazioni per “Il Flauto Magico” di Mozart”.

Bozzetti di scena, figurini, modellini da parete e da tavolo, sagome ad altezza naturale rivestite con costumi, maschere, manifesti, fotografie e tavole per il cinema d’animazione che contribuiscono a ricreare l’atmosfera unica del teatro di Luzzati.

La seconda parte della mostra Emanuele Luzzati Illustratore, completa il ritratto dell’artista presentando l’attività che ha fatto conoscere ai lettori di tutto il mondo, adulti e bambini, il suo segno personalissimo e innovativo associato ai grandi nomi della narrativa di ogni tempo.

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ODONE DI SAVOIA

20 dicembre 1996 – 9 febbraio 1997

Le collezioni di un principe

La mostra è dedicata a un principe di casa Savoia, Odone, duce di Monferrato, lo sfortunato figlio di Vittorio Emanuele II che morì, non ancora ventenne, a Genova, dopo un’esistenza breve e tormentata. Essa non vuole soltanto offrire al pubblico le straordinarie collezioni archeologiche, numismatiche, artistiche, naturalistiche da lui raccolte, con appassionata intelligenza, nei quattro anni che trascorse a Genova: si propone anche di restituire, con allusioni decorative e spaziali, l’atmosfera, il gusto, gli arredi dei palazzi e degli ambienti genovesi dove il giovane principe passò gli ultimi anni, e il clima intellettuale che lo circondava.

Affetto fin dalla nascita da una grave malformità fisica, e perciò emarginato dalla vita di corte e familiare, ma dotato di una forza di volontà e di un carattere per molti aspetti davvero eccezionali, ad appena quindici anni Odone elesse, a causa della mitezza del clima e della vicinanza al mare – che fu sempre una sua grande passione – Genova a propria residenza. E in questa città trascorse gli anni forse più felici della sua vita: lontano dall’ufficialità della corte torinese, si legò ad alcuni dei nomi più prestigiosi della cultura contadina – Santo Varni, già artista e collezionista affermato, fu di Odone consigliere e amico; Tammar Luxoro e Pasquale Domenico Cambiaso gli furono maestri – istituì stretti e positivi rapporti con le accademie e gli istituti culturali della città, e decise infine di assumere un ruolo preciso: quello di principe munifico, protettore e promotore delle arti e delle opere dell’intelletto. Di intelligenza vivace e intraprendente quanto costretta era l’esistenza, curioso di tutti gli aspetti della cultura, sia umanistica che scientifica, riuscì, in pochi anni, a realizzare una collezione straordinaria, per varietà e, soprattutto, per qualità.

Le sue raccolte archeologiche – delle quali, grazie a recenti ricerche, possiamo oggi ricostruire la provenienza – accolgono reperti di eccezionale valore, che documentano alcuni dei più importanti siti archeologici esplorati nell’Ottocento.

La sua collezione d’arte contemporanea – alla quale i recenti restauri, realizzati per questa occasione, hanno restituito l’originario splendore – sono ricche di opere di artisti – Ernesto Rayper, Pasquale Domenico Cambiaso, Tammar Luxoro, Giuseppe Bellucci, Gabriele Castagnola, Alfredo D’Andrade, Vincenzo Cabianca, Luigi Bechi – che la connotano in senso chiaramente “unitario” e nazionale, e dimostrano la progressiva apertura del giovane verso le esperienze più nuove della pittura en plain air; ed anche tra le opere d’”arte antica” spicca un autentico capolavoro, quale la Carità di Jan Massys.

Il percorso espositivo rende la complessa varietà degli interessi e delle raccolte del giovane, presentando fotografie, volumi, strumenti scientifici dell’epoca, “cineserie”, le ricche collezioni malacologiche e numismatiche, dando tuttavia particolare rilievo, com’è ovvio, agli accezionali reperti archeologici e alle opere d’arte, specie nel nostro Ottocento.

Alla morte di Odone – avvenuta nella notte tra il 21 e il 22 gennaio 1866, nel Palazzo Reale di Genova – Vittorio Emanuele, da cinque anni primo sovrano d’Italia, esaudendo l’esplicito volere del figlio, donò a Genova le sue ricche collezioni di Belle Arti e Industrie antiche. Esse andarono a costituire il fondamento del patrimonio artistico della città ed il primo nucleo dei musei civici. Questa mostra vuole essere un omaggio al principe, e alla sua ostinata passione di collezionista, da parte della città che amò, fino a farle l&rsquo:estremo dono del suo “privato” museo.

Catalogo
Edizioni Mazzotta, www.mazzotta.it

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LACCHE DAL GIAPPONE

16 ottobre – 1° dicembre 1996

Magnificienza e splendore della Collezione Chiossone

LA MOSTRA E LE SUE SEZIONI
Sono esposti – per la prima volta – pezzi in gran parte inediti, che illustrano lo stile di vita e la concezione esistenziale delle classi dominanti del periodo Edo (1600-1868), epoca della massima fioritura dell’arte della lacca (I-X). Sono documentati gli aspetti di rappresentanza della vita del samurai . guerriero non meno che conoscitore d’Marte e collezionista di rare lacche cinesi (I-II), letterato e adepto della cerimonia del tè (III) – e il mondo di usi e abitudini esistenziali legato alle supelletili e agli oggetti che arredavano i quartieri privati delle residenze aristocratiche: arredi e utensili da studio, da gioco, da toeletta, da tavola ed oggetti devozionali (IV-VIII).

Gli orologi e altri strumenti di misurazione, meno frequentemente decorati in lacca, sono presentati in apposita sezione (IX), come i complementi in lacca dell’abbigliamento maschile, oggetti legati alla moda e al vestiario (X). Nell’XI sezione sono raccolte le opere di alcuni grandi maestri del periodo Meiji (1868-1911), che preservarono e trasmisero le tradizioni tecniche e artistiche della lacca durante l’epoca della “modernizzazione”. Infine, alcuni arredi provenienti dall’arcipelago di Okinawa documentano una particolare cultura regionale dell’arte della lacca, frutto dei secolari influssi incrociati della Cina e del Giappone (XII).

URUSHI – LA LACCA GIAPPONESE
La lacca dell’Estremo Oriente è il lattice estratto da una pianta chiamata in giapponese urushi no ki, “albero della lacca”: la straordinaria qualità di questa materia, definibile come una “plastica naturale”, consiste nel fatto di consolidarsi formando una superficie lucente e praticamente inalterabile. Urushi, il lattice giapponese, è la lacca di migliore qualità in Estremo Oriente, ed ha consentito agli artisti nipponici, dall’VIII al XX secolo, di sviluppare tecniche di lavorazione e di decorazione assolutamente originali, come il makie, la lacca d’oro. I maestri laccatori hanno infatti creato opere di straordinaria raffinatezza lavorando materiali disparati, incorporandoli e proteggendoli con strati di urushi: metalli nobili in polvere, fiocchetti o briciole, in foglia e lamina, madreperla bianca e iridescente, avorio, tartaruga, ceramica e perfino guscio d’uovo e altri tegumenti cornei. L’arte del laccatore richiede perciò non soltanto l’addestramento visivo e manuale e la coltivazione dell’immaginazione creativa indispensabili ad ogni arte, ma anche una infinita pazienza e un’amorevole attenzione per i dettagli: le opere in lacca, anche quelle che appaiono nude e semplici, sono in realtà costruzioni molto elaborate.

Catalogo Edizioni De Luca – Roma

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LA COLLEZIONE WOLFSON

16 ottobre – 1 dicembre 1996

Aspetti dell’arte italiana tra le due guerre

La mostra presenta al pubblico, per la prima volta in Italia, una parte della Collezione di Mitchell Wolfson Jr., collezionista americano che da anni raccoglie appassionatamente opere di arte applicata, pittura, scultura, grafica e progettazione architettonica del periodo 1885-1945.

Nel 1986 ha istituito a Miami Beach, Florida e a Genova la Wolfsonian Foundation che, attraverso un programma articolato di iniziative comprendenti mostre, convegni, conferenze, borse di studio, pubblicazioni e altre attività didattiche, promuove e favorisce lo studio, la ricerca, la conservazione e la valorizzazione dell’arte del periodo tra gli ultimi due decenni dell’Ottocento e la fine della Seconda Guerra Mondiale.

A Miami Beach la sede principale della Wolfsonian, un edificio in stile moresco degli anni Venti situato nell’Art Deco District, ha aperto al pubblico nel novembre 1995 con la mostra “The Arts of Reform and Persuasion, 1885-1945″ che sta per iniziare un tour internazionale.

A Genova la collezione, ancora priva di una sede museale, è composta da oltre 7.000 oggetti e si concentra principalmente su opere d’arte italiana, alcuni interessanti esempi internazionali.

“La Collezione Wolfson. Aspetti dell’arte italiana tra le due guerre” esamina un periodo specifico della storia contemporanea italiana efficacemente testimoniato dalla Collezione.

Utilizzando la vasta gamma di tipologie delle opere, vengono presentati, da punti di vista differenti ma complementari, alcuni aspetti salienti delle vicende artistico-culturali del periodo 1920-1945, alla luce della situazione storica, politica e sociale.

Il percorso espositivo è articolato in quattro sezioni, “Le arti figurative”, “Gli spazi dell’architettura”, “Arte e propaganda”, “Le arti applicate”, in cui vengono presentati dipinti, sculture, disegni architettonici, oggetti di arte applicata e arredi.

Catalogo Tormena Ed. di Genova

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ARTI VISIVE 1

13 settembre – 13 ottobre 1996

Giovani Artisti Italiani

Settanta lavori tra dipinti, sculture, installazioni e opere multimediali giungono al Palazzo Ducale di Genova da tutta Italia, selezione finale del Concorso Nazionale per Giovani Artisti bandito nel febbraio di quest’anno.

Circa 500, di cui 122 liguri, sono stati i giovani dai 18 ai 35 anni che hanno partecipato all’iniziativa attraverso il Circuito Giovani Artisti Italiani, un coordinamento di Amministrazioni comunali, provinciali e regionali che dal 1989 svolge attività di sostegno e promozione delle realtà artistiche locali a favore di giovani artisti.

Da Aosta a Trento ad Agrigento – le città che aderiscono al circuito sono attualmente una trentina – le commissioni locali, composte da personalità del mondo accademico e culturale, hanno selezionato i lavori fino a una massimo di 8 per città.

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DIPINTI FIAMMINGHI E OLANDESI DELLA GALLERIA DORIA PAMPHILJ

16 marzo – 9 giugno 1996

La mostra vede uscire per la prima volta dalla Galleria Doria Pamphilj di Roma – una delle più prestigiose raccolte private italiane di arte antica – una ricca selezione di dipinti fiamminghi e olandesi, di epoca compresa tra la fine del XV secolo e la metà del XVIII. In mostra opere di grande suggestione: piccole, raffinatissime immagini religiose; paesaggi incantevoli popolati di una flora e una fauna di sogno; sontuose tavole imbandite, sottilmente allusive; battaglie e feste campestri; ariosi e sereni scorci idealizzati, creati da quegli artisti nordici che nel Seicento trovarono in Italia la loro nuova patria d’elezione.

Da segnalare con particolare riguardo il prezioso Compianto su Cristo morto con un donatore di Hans Memling, un dittico di Jan van Eyck ed una straordinaria serie di opere di Jan Brueghel dei Velluti.

L’esposizione permette di seguire le diverse articolazioni che la pittura fiamminga e olandese assunse nei secoli nel collezionismo italiano.

Benché provenienti per la maggior parte dal ramo romano della famiglia Doria Pamphilj, le opere prescelte si legano quindi idealmente anche all’ambiente genovese, luogo privilegiato, già a partire dal primo Quattrocento, per la diffusione di opere provenienti dalle Fiandre.

Catalogo Tormena Editorez

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Francisco Goya e Arnulf Rainer

Il sonno della ragione genera mostri
16 novembre 1995 – 18 febbraio 1996
Loggia degli Abati

Due cicli sui “disastri della guerra” attraverso le incisioni di due maestri, Francisco Goya e Arnulf Rainer. Distanti nel tempo ma vicinissime nello spirito, le loro opere dimostrano quanto sia forte e radicato nell’arte moderna occidentale l’impulso degli artisti a lottare contro la barbarie.

www.mazzotta.it

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ARTE DELLA LIBERTÀ

16 novembre 1995 – 3 marzo 1996

Antifascismo, guerra e liberazione in Europa 1925-1945
La mostra, ispirata ai temi dell’opposizione alle dittature fascista e nazista, alla tragedia della guerra e alla lotta per libertà, presenta dipinti, sculture, disegni, incisioni provenienti da importanti musei e collezioni europei e statunitensi, dei più significativi artisti del secolo tra i quali Chagall, Dix, Ernst, Giacometti, Klee, Mafai, Manzù, Mirò, Munch, Picasso, Sassu.

La mostra si articola in diverse sezioni che testimoniano le inquietudini e le consapevolezze degli artisti di fronte alla drammaticità degli eventi che coinvolgono l’Europa: dalla prefigurazione di un’apocalisse prossima ventura, alla denuncia delle dittature, la guerra di Spagna, la tragedia e le atrocità della guerra, le rivolte e la liberazione.

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IL TEMPO DELLE ILLUSIONI

7 giugno – 30 luglio 1995

Arte russa degli anni Venti

Il tempo delle illusioni è il suggestivo titolo della mostra che, come spiega il sottotitolo, propone al pubblico una selezione di ottanta capolavori provenienti dal Museo Russo di Stato di San Pietroburgo.

Una mostra bella e inconsueta, rivolta agli specialisti, ma anche al grande pubblico che scoprirà con sorpresa come l’arte russa di questo periodo non sia l’astrazione di Kandinsky o la geometria simbolica di Malevich, ma un realismo malinconico e sognante come quello del Castello di carte di Zinaida Serebriakova, immagine guida della mostra, o la spazialità metafisica di Petrov-Vodkin che nel suo Terremoto in Crimea inserisce una nobile umanità dalle fattezze neorinascimentali nello spazio sghembo della lezione cubista. Anche l’avanguardia, laddove è presente come nel Ritratto della moglie di Annenkov, costituisce una sorta di filtro applicato alla realtà che la semplifica e la riduce all’essenziale.

Sospesi sull’orlo di una vertigine che è destinata a cambiare o a travolgere destini individuali e collettivi, gli artisti esposti in mostra distillano nella forma di una figurazione rarefatta le ansie e le segrete angosce di un tempo delle illusioni destinato a crollare come il castello di carte che i bambini sorvegliano con lo sguardo inquieto.

Per orientarsi nel percorso di questa mostra che presenta per la prima volta in Europa occidentale una stagione dell’arte russa sino ad ora sconosciuta e ignorata dalla critica, l’allestimento prevede apparati didattici che illustrano i diversi raggruppamenti degli artisti russi di quel periodo e la loro appartenenza alle due scuole di Mosca e di San Pietroburgo/Leningrado.

Correda la mostra, realizzata per gli spazi di Palazzo Ducale dell’Ufficio Arte Contemporanea del Comune di Genova, un catalogo edito dalla casa editrice Charta di Milano, a cura di Guido Giubbini e Laura Gavioli, con testi dei curatori e di Evgenja Petrova, Direttrice del Museo Russo di Stato di San Pietroburgo, e di Olga Shikhireva.

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BERNARDO STROZZI (Genova 1581 – Venezia 1644)

6 maggio – 6 agosto 1995

Straordinario sperimentatore delle tecniche pittoriche e grafiche, il percorso artistico dello Strozzi è strettamente legato alle diverse fasi della sua vita. Egli fu subito attento e ricettivo nei confronti degli stimoli che nella Genova del primo ’600 giungevano non solo dalla Toscana ma anche dalla Lombardia e dai fiamminghi.

Da tutte queste diverse componenti culturali e stilistiche, lo Strozzi pare estrapolare una matrice comune, seppur interpretata con diverse accezioni, che diverrà la linea maestra della sua pittura: colore intenso come elemento strutturale rivelatore della rappresentazione e strumento principe della resa pittorica.

Nel periodo veneziano la pittura dello Strozzi acquista una maggiore concretezza di tinte, tendendo all’uso di colori intensi, caldi, utilizzati in modo da definire la figura nella sua volumetria.

Lo Strozzi affina la sua già evoluta tecnica alla luce delle nuove influenze che raccoglie nella città lagunare, in particolare quelle di Paolo Veronese, riconoscibile soprattutto nel raggiungimento di una dimensione più monumentale e più aperta, in cui enfatizza l’aspetto scenografico.

Catalogo
Electa www.electaweb.com

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PIERRE PUGET (Marsiglia 1620 – 1694)

4 marzo – 4 giugno 1995

Un artista francese e la cultura barocca a Genova
La mostra su Puget giunge da Marsiglia a Genova con opportune modifiche collegate alla importante attività, svolta dal grande scultore nel capoluogo ligure dal 1663 al 1669, e all’influenza che egli esercitò sulla scultura e pittura genovese del ’600.

Sono presenti circa 80 opere tra sculture, disegni e dipinti di Puget e della sua scuola, a cui si accostano capolavori dei maggiori artisti genovesi dell’epoca, tra i quali il Grechetto, Domenico Piola, Valerio Castello, Gregorio De Ferrari, Filippo Parodi.

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SARDEGNA

18 dicembre 1993 – 20 febbraio 1994

Civiltà di un’isola mediterranea

La manifestazione Sardegna. Civiltà di un’isola mediterranea vuole portare a conoscenza del grande pubblico il patrimonio archeologico di un’isola che è stata per millenni al centro di scambi e contatti tra popoli diversi.

Il tema dei rapporti avvenuti via mare si sviluppa attraverso numerose scoperte archeologiche, buona parte delle quali inedite e di recentissimo rinvenimento, le grandi diapositive retroilluminate e le ricostruzioni scenografiche che suggeriscono o ricompongono l’ambientazione e i monumenti della Sardegna prenuragica e nuragica, modellini didattici che permettono di ricollegare i reperti al mondo che li ha prodotti. Si tratta di una rassegna importantissima di reperti ed immagini che presentano i protagonisti della preistoria e della storia antica dell’isola, dai cacciatori paleolitici ai primi agricoltori, dai costruttori delle grandi architetture megalitiche di menhir, dolmen e di un altare simile ad una piramide mesopotamica a gradoni, ai guerrieri, sacerdoti, pastori raffigurati nelle piccole statue scoperte negli oltre 7000 complessi nuragici sparsi nell’isola, per finire con gli abitanti dei grandi porti fenici, punici, romani di Tharros, Nora, Cagliari e Turris Libysonis (Porto Torres).

Pezzi di grandissima importanza storica e artistica come le ceramiche greche di Alghero, i bronzetti nuragici, il calderone bronzeo conservato nelle Civiche Raccolte di Milano, il vaso miceneo rinvenuto nel grandioso nuraghe a più torri di Arrubiu (NU) attestano il vitale rapporto tra l’isola ed il mondo mediterraneo.

Un’eccezionale conferma è costituita d un rinvenimento di archeologia sottomarina: la testa fittile di Eracle scoperta nel Golfo di Olbia, copia di alto livello stilistico e tecnico di un originale greco in bronzo perduto.

Per la prima volta sono radunati ed esposti anche i reperti di provenienza sarda conservati nel Museo Archeologico di Genova: ceramiche risalenti all’Antica Età del Bronzo, vasi fenici, punici e romani, terrecotte di fattura ellenistica, sigilli di produzione punica.

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VENITE ADOREMUS

10 dicembre 1993 – 10 gennaio 1994

Presepe Genovese del ’700
La storia del presepe genovese a partire dal XVII secolo.
La mostra si tiene in contemporanea anche a Ottawa alla National Gallery of Canada.

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DAL MEDITERRANEO ALL’ATLANTICO

13 marzo – 30 maggio 1993

La marineria ligure nei mari del mondo
I genovesi e il mondo della navigazione, dall’epoca di Andrea Doria all’età dei transatlantici.
La mostra è qualcosa di diverso da un semplice percorso storico e cronologico: obiettivo dell’esposizione è entrare nel mondo marittimo dei secoli scorsi, vederne gli aspetti di cultura materiale, dagli oggetti alle carte, alle armi, ma anche entrare nel mondo dei suoi simboli, delle sue immagini: la paura del naufragio, la schiavitù, la guerra in mare.

Ma questa storia è anche evoluzione della tecnologia, di come costruire le navi e di come guidarle con sicurezza.

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GIORGIO DE CHIRICO – PICTOR OPTIMUS

13 marzo – 30 maggio 1993

Pittura, disegno, teatro
Con queste parole de Chirico parla degli esordi della pittura metafisica nata a Firenze nell’autunno del 1910: “La parola ‘metafisica’ con la quale battezzai la mia pittura destò malumori e malintesi. In compenso però i difensori non mancarono e primo fra tutti devo citare il mio povero amico Apollinaire”

Nascono in quest’epoca i temi ricorrenti del pittore: le piazze d’Italia, i monumenti equestri torinesi, le torri porticate e le ciminiere delle fabbriche disabitate.

A ottant’anni descrive la sua opera così: “Nei miei primi quadri ho cercato di esprimere idee. Più tardi mi premeva soltanto ancora la qualità della pittura. Ho dipinto sempre quadri metafisici e fisici cioè realistici: secondo come mi veniva voglia. Questo è tutto”.

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SE QUESTO È … UN UOMO

27 febbraio – 2 maggio 1993

Strumenti di tortura dal Medioevo all’epoca industriale
La collezione in mostra è frutto di un’iniziativa intrapresa da un ristretto gruppo di collezionisti italiani non di strumenti di tortura ma di oggetti che, sebbene rappresentino inestimabili valori documentari, sono generalmente destinati a marcire nell’oblìo e nellrsquo;incuria: e cioè i reperti e i relitti dell’artigianato e dell’industria di ieri e di arti agricole ormai dimenticate. Questi oggetti costituiscono una testimonianza culturale di grande fascino e sono soprattutto una miniera di informazioni che non possono essere attinte solo dalle fonti archvistiche o iconografiche.

Gli esempi qui esposti, dall’alto Medioevo alla metà del secolo scorso, sono nella maggior parte originali e integri, alcuni invece sono stati riscostruiti in base a frammenti ritrovati in Italia e all’estero.

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I MACCHIAIOLI E L’AMERICA

Appartamento del Doge
12 dicembre 1992 – 14 febbraio 1993

La mostra si muove attraverso le sei fondamentali fasi della storia del movimento macchiaiolo, ossia il Caffè Michelangiolo e la nascita della Macchia, gli anni livornesi di Fattori, la Scuola di Castiglioncello, la Scuola di Piagentina, i Macchiaioli e il Naturalismo europeo, gli ultimi anni di Lega, Fattori e Signorini.
La storia della Macchia ha inizio al Caffè Michelangiolo che nel 1853 divenne il punto di ritrovo di un’intera generazione di patrioti e artisti progressisti.
Essi elaborarono nuovi principi estetici seguendo l’esempio dei maestri francesi di Barbizon. Gli artisti toscani ricercarono nel chiaroscuro quel giusto potenziamento della materia cromatica che correggeva la scarsa consistenza plastica, l’estrema levigatezza del colore e dunque la poca aderenza al reale della pittura accademica.

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CORO CORALE CONVENTO

I codici liturgici in Liguria dal 1170 al 1699
16 novembre 1992 – 6 gennaio 1993

Il codice liturgico è un insieme di fogli in pergamena, cuciti e rilegati, utilizzato per celebrare riti religiosi.
Assume denomianzioni differenti a seconda dei contenuti: Graduale, Kyriale, Messale, Antifonario, Salterio, Breviario e così via. In questa mostra sono esposti settantanove codici liturgici.
Il manoscritto viene realizzato da scribi professionisti, formati in scuole dette “scriptoria”, e da miniatori e decoratori.
Malgrado il diffondersi della stampa, in diversi centri religiosi i codici vengono trascritti secondo l’antica tradizione degli amanuensi. La scrittura utilizzata nei codici più antichi fra quelli esposti è la “minuscola libraria”, semplice ed ordinata.
Nei codici successivi, che per lo più hanno dimensioni maggiori, compare la “gotica libraria”, caratterizzata via via da decorazioni e abbellimenti grafici ed anche da notevoli abbreviazioni.

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Due mondi a confronto

- Cristoforo Colombo e l’apertura degli spazi
- Uomini e culture
- La Preghiera del Marinaio
16 maggio – 25 ottobre 1992

La mostra è suddivisa in tre sezioni.
1- Cristoforo Colombo e l’apertura degli spazi:
il vero “cuore” di questa sezione è la presentazione di materiali cartografici che
registrano progressivamente le scoperte degli esploratori, e come man mano venga a
precisarsi un nuovo atlante geografico fondato sul mutare della stessa concezione della
terra

2- Uomini e culture:
questa sezione presenta il “Nuovo Mondo” come un universo umano fornito di una propria
cultura e civiltà, ben prima dell’arrivo di Colombo.
In tale contesto, in cui l’uomo era profondamente inserito nel suo ambiente naturale, in
armonia con esso, l’arrivo degli europei costituisce la conclusione di un percorso e
l’inizio di una nuova èra, non necessariamente migliore di quella precedente.

3- La Preghiera del marinaio, il Mare nella Fede e nella Storia della Cultura Cristiana:
la terza parte della mostra documenta, attraverso libri antichi, rare incisioni, oggetti di
culto, riproduzioni fotografiche e documenti, il percorso culturale che lega il mare alla
storia della Chiesa e a quella della devozione popolare.

Cataloghi:

Istituto Poligrafico e Zecca dello Stato, www.editoria.ipzs.it

Cristoforo Colombo e l’apertura degli spazi

ISBN 88-240-0259-5

La Preghiera del Marinaio
ISBN 978-88-240-3357-2

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