Sport, Music&Exhibition
22 novembre 2019 – 8 dicembre 2019
prorogata fino al 15 dicembre
Sala Liguria

Inaugurazione giovedì 21 novembre, ore 16.30

da lunedì a venerdì, ore 10-19
Sabato e domenica, ore 11-18
Ingresso libero

La mostra si propone di ripercorrere la storia dello spazio architettonico del Palasport dallo studio urbanistico dell’arch. Luigi Carlo Daneri al concorso di architettura del 1960 vinto dall’ing. Franco Sironi, ing. Leo Finzi, arch. Lorenzo Martinoia e ing. Remo Pagani voluto dal Presidente della Fiera Internazionale prof. Giuseppe De Andrè con la collaborazione del CONI.
Dall’inaugurazione del 1965, attraverso immagini, disegni, testi e documenti d’epoca si ricorderanno le molte manifestazioni a carattere sportivo, musicale ed espositivo che si sono succedute negli anni fino al 2010 in questo grande contenitore polifunzionale. Grandi eventi, dai concerti dei Beatles e dei Rolling Stones a quello di Fabrizio De Andrè, dai Campionati Europei Indoor di Atletica Leggera al Superbowl di Motociclismo, passando dalla pista di ghiaccio ai grandi Tornei calcistici estivi, e poi dal Salone Nautico ad Euroflora insieme a tante manifestazioni che hanno coinvolto il pubblico genovese ed internazionale.
Scopri qui la locandina della mostra

Eventi collaterali alla mostra

La mostra è a cura di Roberta Ruggia Barabino e Massimo Sotteri
Con il patrocinio di Regione Liguria, Comune di Genova, CONI Comitato Regionale Liguria, Ordine e Fondazione degli Architetti di Genova

Roberta Ruggia Barabino e Massimo Enzo Maria Sotteri laureati a Genova presso la Facoltà di Architettura, svolgono attività da liberi professionisti nel settore per l’edilizia per esterni ed interni e degli allestimenti museali, teatrali e fieristici. Organizzazione eventi, incontri, mostre e conferenze in campo culturale e sportivo con particolare attenzione alla memoria storica e alle valenze territoriali.

progetto di Viviana Dal Lago
a cura di Mixta Gallery
3 – 20 ottobre 2019
 
Sala Dogana

Ingresso libero
Inaugurazione 3 ottobre, ore 18
Orario: 15-20 dal martedì alla domenica

111 cubetti di zucchero è un’immersione in un immaginario sospeso. 111 fotografie raccontano la necessità di rappresentare quella distanza sempre presente tra l’occhio di chi guarda e l’essenza di quel che viene guardato. Vedere è come non vedere, e forse essere ciechi significa vedere meglio: ecco qui un mondo leggero che, silenzioso, ti apre la porta e ti invita ad annegare nella sua stanza per osservare la frontiera tra interiore ed esteriore.
Nella ricerca di Viviana dal Lago – che prima, durante e dopo la laurea in Scenografia si è dedicata alla fotografia – non ha importanza che l’immagine fotografica abbia una speciale valenza semantica: molta più importanza va alla consistenza dello spazio, o degli spazi – fisici e psicologici.
111 cubetti di zucchero è un discorso aperto, dall’ampio respiro. 111 perché «Il numero 1 è molto ricorrente nella mia vita, è il numero più unico che c’è, divisore di tutti i numeri, e poi siamo tutti un tutt’uno» dice Viviana Dal Lago, per motivare la scelta del numero delle foto in mostra; mentre riguardo ai cubetti di zucchero il riferimento è un ricordo d’infanzia: la nonna anziana, non vedente, teneva sul comodino una zuccheriera di legno colma di zuccherini, e mangiava sempre e solo quelli – almeno, questo è il ricordo.
«Ricordo la malattia e la sua cecità, e la camera da letto organizzata come una stanza di ospedale: sul suo comodino una zuccheriera, dentro dei cubetti bianchi di zucchero.»
Da qui il nucleo della ricerca, che gira intorno alla volontà di vedere altro, come la nonna che non vedeva, ma sentiva. Alla staticità quasi afona delle immagini si affianca un flusso continuo di pensieri e ricordi malinconici, processo che mescola insieme sensibilità di ordini differenti e che denota un’attenzione speciale, appunto, per le diverse consistenze degli spazi: quello fisico, probabile deformazione da scenografa, e quello psicologico, più proprio oggetto di interesse della sua ricerca.
111 è un mondo un po’ confuso e annebbiato, in cui vive un immaginario che sta sospeso tra il ricordo, la dolcezza e la malinconia. Eppure, incredibilmente, 111 è anche geometrico e ben delineato: per questo motivo si configura come una specie di caos organizzato. L’invito è quello di immergersi e sondare la complessa relazione tra spazio fisico e spazio psicologico – ovvero, la relazione tra interiore ed esteriore.
 

Viviana Dal Lago, 1993, Genova.
Frequenta il liceo artistico Klee Barabino a Genova, continua poi gli studi nel 2012 all’Accademia Ligustica di Belle Arti con indirizzo Scenografia, concludendo i 5 anni nel marzo del 2019. I suoi studi scenografici riprendono il lavoro di Appia e Craig che influenzeranno la sua ricerca fotografica che, inizialmente concentrata su paesaggi urbani e naturalistici, con il passare degli anni si avvicina ai vari personaggi che ne occupano lo spazio, parallelamente come uno spettatore che osserva una commedia a teatro. E’ affascinata dalla fotografia analogica che le permette di sperimentare varie tecniche di stampa e antichi apparecchi fotografici.
 
>>> Progetto MIXTA Galleria Fluida – Storie di opere d’arte
Mixta è una galleria fluida di arte contemporanea nata a Genova nel 2019 dall’idea di tre giovani artiste (Arianna Maestrale, Silvia Mazzella e Giulia Ottonello), e con la collaborazione grafica di wall:in (Gabriele Bricola). Tra le mire del progetto – che ricerca l’unione delle arti contemporanee, delle idee e delle persone – vi è la tendenza all’unione e alla mescolanza ,come già presuppone il nome stesso della galleria (mixtus, a, um dal latino mischiato, mescolato), di pensieri, persone e arti.
Mediante la formazione di un clima che favorisce la circolazione di idee, ricco di fermenti, incontri e dibattiti, Mixta vuole raggiungere e incoraggiare l’attività dei giovani artisti genovesi operanti nel campo delle arti contemporanee tramite eventi culturali, mostre, divulgazione editoriale e sociale.
La forza comunicativa dei nuovi emergenti, definita dalla loro qualità estetica e concettuale, è stata estesa a luoghi insoliti e non di comune approccio al mondo delle arti contemporanee. Mixta si è allontanata dall’esposizione in galleria, classica e tradizionale, per comparire all’interno di spazi che mirano ad una forma più adatta al mondo contemporaneo così dinamico e fluido. Da qui la scelta di non garantire una sede fissa alla galleria, che infatti prende la forma degli spazi che la ospitano.
In virtù delle capacità creative si promuovono il fermento e le idee dei giovani emergenti, affrontando le diverse sfaccettature artistiche attraverso il dialogo e l’esposizione, studiando e approfondendo una dialettica semplice e immediata la cui comprensione possa essere agibile anche ad un pubblico ampio e non per forza elitario: l’arte diventa accessibile, l’interesse cresce e perciò lo scambio di idee e pensieri si fa ricco e prolifico incrementando così la curiosità per le pratiche artistiche contemporanee anche sul territorio ligure.
La crescente tendenza al dialogo e allo scambio ambisce a una dinamica di crescita culturale e artistica di un’arte in fermento, cercando anche di avvicinarsi alle innumerevoli variazioni che l’arte stessa può avere.
Il binario perseguito dal progetto della galleria, pertanto, si affianca e allo stesso tempo si svincola dal contesto artistico istituzionale, fornendo ai giovani un’occasione di inserimento in un mondo difficile e sottile come quello dell’arte.

Capitani di mare, navi e viaggiatori tra Otto e Novecento
3 ottobre – 3 novembre 2019
Sala Liguria

Mostra progettata da Fondazione Ansaldo
a cura di Domenico Braccialarghe, Claudia Cerioli, Maurizio Gregorini

Cosa significava viaggiare e come si è evoluta questa pratica nel corso del tempo?
Da sempre il viaggio per mare è stato metafora dell’esistenza stessa, della vita e della conoscenza, offrendosi a interpretazioni diverse a seconda di quanti e quali erano i protagonisti: i capitani di mare, le compagnie di navigazione, le navi che ne hanno fatto la storia, e non ultimo il comune viaggiatore.
A partire dalla seconda metà dell’Ottocento, con l’avvento dell’ultima fase della rivoluzione industriale e con la conseguente evoluzione dei mezzi di trasporto, il viaggio per mare subisce importanti modificazioni, cambiando nei fini, nelle modalità e nell’accessibilità. Dalla vela si passa al vapore, dai vascelli di medie dimensioni ai grandi transatlantici.
 
In seguito, nel corso del Novecento, le navi si fanno sempre più lussuose, aumentano gli agi anche per le classi economiche, il design raffinato dei transatlantici diventa di fatto uno dei principali portavoce del gusto italiano e del made in Italy all’estero.
Negli anni sessanta infine, si afferma quel modello di successo dedicato al turismo vero e proprio e all’intrattenimento che conosciamo come “crociera”. Maestose navi si producono nei cantieri genovesi, il porto della città si anima periodicamente grazie all’arrivo e alle partenze di questi magnifici alberghi galleggianti.
Lungo il percorso dell’esposizione il visitatore potrà ammirare alcuni splendidi modellini, numerosi documenti originali, diari di bordo, oggetti, disegni, foto e filmati d’epoca, suddivisi in quattro sezioni:
Dalla vela al motore a vapore – i primi piroscafi
Le compagnie di navigazione italiane tra Otto e Novecento
La navigazione a controllo statale – la Finmare e le quattro compagnie di Preminente Interesse Nazionale
Un nuovo modo di viaggiare – le crociere Costa

Da lunedì a venerdì 10 – 19
sabato e domenica 10 – 18
ingresso libero

Una mostra in due sedi:
Spazio 21, ex ospedale psichiatrico di Quarto,
dal 13 settembre al 10 ottobre 2019
Inaugurazione giovedì 12 settembre ore 18
 
Ducale Spazio Aperto, Palazzo Ducale,
dal 14 settembre al 13 ottobre 2019
Inaugurazione venerdì 13 settembre ore 18

Le mostre intendono documentare la produzione di Jane McAdam Freud nella sua residenza d’artista effettuata nell’arco del 2018 negli atelier di Arte terapia dell’IMFI (Istituto per le Materie e le Forme Inconsapevoli) nell’ex ospedale psichiatrico di Genova Quarto di cui Claudio Costa è stato, dalla fine degli anni ’80, il promotore e l’animatore coinvolgendo attivamente nella struttura numerosi artisti di generazioni e orientamenti diversi.
Una selezione di installazioni di “oggetti trovati” sarà esposta nello Spazio 21 dell’ex ospedale psichiatrico di Quarto e una selezione di elaborazioni grafiche su carta e un’installazione interattiva saranno esposte in Ducale Spazio Aperto a Palazzo Ducale.
 
Il referente tematico dell’evento scaturisce dalla relazione tra antropologia e psicoanalisi, rinviante al libro di Sigmund Freud, bisnonno dell’artista, Totem und Tabu del 1913 e, in parallelo, a quello omonimo realizzato da Claudio Costa, artista di segno antropologico-concettuale, nel 1988 e improntato ad un work in regress che muove dal presente per risalire alle origini delle società tribali primitive. L’intento sotteso alla mostra, è quello di far parlare, come dichiara la stessa McAdam Freud, ognuno con sè stesso, di far affiorare dall’opera l’inconscio dell’artista e dello spettatore, il tutto in una visione creativa di rigenerazione dei nomi, dei significati loro attribuiti, di nuove realtà conferite agli oggetti e ai concetti messi in opera. Sia i disegni tridimensionali che le installazioni detengono, accanto a un’indicibile forza primaria, una pulsione estremamente liberatoria, che motiva l’accostamento di Jane McAdam Freud a Claudio Costa.
 
L’iniziativa è promossa da I.M.F.I. – Istituto per le Materie e le Forme Inconsapevoli, in collaborazione con Palazzo Ducale Fondazione per la Cultura, Comune di Genova – Assessorato alla Cultura, ASL 3 Liguria. Le mostre sono a cura di Viana Conti e Rossella Soro.

Jane McAdam Freud nasce a Londra il 24 febbraio 1958, prima di quattro figli di Katherine McAdam e Lucian Freud.

“Ho fatto arte sin da bambina e non ho mai desiderato fare altro!”

Artista concettuale multidisciplinare realizza sculture, installazioni e video. La sua ricerca artistica si muove ai margini in cui l’arte e la psicoanalisi si incontrano.
Un profondo legame con Sigmund Freud supporta l’interesse verso il rapporto che l’arte dell’inconscio gioca nell’arte. Questo ha guidato la sua ricerca dal 2005, quando ha iniziato una residenza artistica di 20 mesi al Freud Museum di Londra, culminando nella sua mostra, intitolata ‘Relative Relations’.
Si è diplomata alla Central School of Art nel 1981 e al Royal College of Art nel 1995, ha ricevuto la borsa di studio British Art Medal a Roma (86-89) e Freedom of the City nel 1995.
Le numerose mostre personali realizzate includono Gazelli Art House di Londra che ha rappresentato Jane a Londra, National Arts Club di New York, Pushkin Museum of Fine Art, Moscow, Wooyang Contemporary Art Museum in S. Korea e il Freud Museum di Londra.
Le sue opere sono rappresentate in collezioni pubbliche nazionali e internazionali tra cui il British Museum, la National Gallery Archives, Londra, Victoria and Albert Museum, London, l’Ashmolean Museum , Oxford e Fitzwilliam Museum, a Cambridge. Le collezioni internazionali includono il Brooklyn Museum, il National Arts Club, il Carnegie Museums di Pittsburgh, la Greek National Gallery e il Berlin State Museums.

Cinquant’anni di storia
degli Ultras Tito Cucchiaroni
dal 13 al 22 settembre 2019
Sala Liguria

Inaugurazione 12 settembre 2019, ore 18
Ingresso libero, aperta tutti i giorni dalle ore 11 alle 18

Palazzo Ducale ospita una mostra sui cinquant’anni di storia degli Ultras Tito Cucchiaroni in relazione anche ai cambiamenti e alle trasformazioni sociali che la città di Genova ha vissuto in quegli anni. L’esposizione, allestita in Sala Liguria, pensata e organizzata dagli Ultras Tito Cucchiaroni, promossa da Comune di Genova e Regione Liguria, documenta attraverso fotografie e filmati, manifesti e oggetti la storia di quel gruppo, nell’intento di raccontare non solo la nascita strutturata di una tifoseria calcistica, ma come questa sia cresciuta e modificata anche secondo gli importanti avvenimenti che hanno segnato la storia di Genova e dell’Italia nell’arco degli anni Settanta e Ottanta.

La nascita degli Ultras Tito Cucchiaroni, tifosi della squadra Sampdoria, è riconducibile all’anno 1969. Da allora si contano cinquant’anni di attività, mezzo secolo, per uno dei gruppi più longevi del movimento ultras italiano, tra i primi nel mondo, se non proprio i primi, ad aver usato il termine Ultras. Gli Ultras Tito Cucchiaroni rappresentano un polo aggregativo in grado di attirare giovani di generazioni diverse in una città, Genova, tanto sventurata quanto orgogliosa, parsimoniosa e come poche capace di rialzare la testa quando il destino lo richiede. Gli Ultras Tito Cucchiaroni sono a Genova, in Italia ed in Europa, per seguire e sostenere l’U.C. Sampdoria, squadra di calcio fondata a Genova il 12 agosto 1946, poco dopo la fine della seconda guerra mondiale.
 
I cinquant’anni sono raccontati grazie a una timeline, ovvero una linea del tempo, che tiene il filo della narrazione e dona risalto ai momenti più importanti della storia del gruppo. Sarà quindi un filo conduttore temporale a guidare il pubblico lungo un percorso scandito da una timeline ed i pannelli esposti, le immagini ed il contenuto delle didascalie, mostreranno in primis ciò che ha segnato la vita, i passaggi fondamentali, i momenti di rottura e trasformazione del gruppo Ultras Tito Cucchiaroni dal 1969 ad oggi. Ad arricchire questo viaggio e contestualizzarlo nel tempo, fatti ed avvenimenti, per lo più collegati alla storia della nostra città, che hanno lasciato un segno sia nella memoria collettiva che sulla pelle della Superba. Genova, con i suoi cambiamenti sociali, economici, strutturali, ha infatti inevitabilmente accompagnato gli Ultras Tito Cucchiaroni in questo mezzo secolo, così come gli Ultras Tito Cucchiaroni hanno a loro volta lasciato un segno (piccolo o grande che sia) nella storia della città.

dal 12 al 29 settembre 2019
Munizioniere
mostra a cura di Donatella Failla

Ingresso libero, tutti i giorni ore 10-18

Un grande maestro della pittura a olio della Cina contemporanea, che da anni raffigura il Tibet e le sue genti, tra inclinazione mistica, forza spirituale e stupefacente resilienza a condizioni climatiche estreme. Da giovedì 12 a domenica 29 settembre la Sala del Munizioniere di Palazzo Ducale ospita Splendore e purezza: il Tibet nell’Arte di Han Yuchen, prima personale genovese del maestro cinese curata da Donatella Failla. L’inaugurazione della mostra si svolgerà mercoledì 11 settembre (ore 18)

 
Pittore, calligrafo, fotografo, professore emerito, deputato, imprenditore di successo e fondatore di un museo dedicato alla pittura europea dell’Ottocento ad Handan nella Provincia di Hebei (Cina): Han Yuchen è un artista dai mille volti e dalle straordinarie risorse. Le sue opere sono parte di collezioni in ogni angolo del mondo, da quella privata dell’ex presidente della Repubblica francese Nicolas Sarkozy al Museo Nazionale di Cina. In Splendore e purezza l’ artista cinese raffigura il Tibet e il suo popolo. «La tecnica pittorica di Han Yuchen è magistrale – racconta Donatella Failla, curatrice della mostra – poiché riesce a catturare la potenza della luce, la vividezza dei colori e lo splendore atmosferico delle grandi altitudini. Questa straordinaria padronanza dei mezzi formali e tecnici consente all’artista di effigiare con possente realismo la vita quotidiana legata agli ambienti naturali, di documentare la persistenza delle tradizioni nomadiche e pastorali, monastiche e sociali in una ricchissima serie di ritratti individuali e di gruppo che con accenti vibranti e umanissimi ci parlano del destino esistenziale e spirituale del popolo del ‘Tetto del Mondo’, intimamente pervaso dalla luminosità del cielo e dalla purezza della terra e dell’aria».

progetto di Martina Giovene (Pigna)
5 – 22 settembre 2019
 
Sala Dogana

Ingresso libero
Inaugurazione 5 settembre, ore 18
Orario: 15-20 dal martedì alla domenica

Freak show è un progetto ispirato agli omonimi spettacoli circensi degli Stati Uniti a cavallo fra l’ultima metà del diciannovesimo e l’inizio del ventesimo secolo, in cui uomini e animali dalle sembianze anomale si esibivano per il pubblico. In particolare, viene preso d’esempio il periodo fra gli anni ’30 e ’40, non solo nel contenuto ma anche nella forma: i soggetti proposti difatti riprendono le caratteristiche dei protagonisti della cultura pop delle animazioni statunitensi di quell’epoca, riproposti in chiave grottesca e inquietante. L’obiettivo dell’esibizione è presentare un ambiente in cui il fruitore possa essere affascinato da uno spettacolo sinistro e curioso creato dal contrasto fra creature deformi e colori brillanti.
Lo spettatore sarà accolto da una serie di animazioni sinistre accompagnate da melodie nostalgicamente angoscianti. Successivamente, all’interno della mostra effettiva, verranno presentate opere dipinte su legno, oppure realizzate tramite il ricamo, le quali prendono ispirazione inizialmente dalle icone religiose, fino ad arrivare alle illustrazioni di “De Monstris” di Fortunio Liceti.
 
Martina Giovene è un’artista emergente nata a Genova nel 1996. Laureata in Pittura all’Accademia di Belle Arti di Bologna con il massimo dei voti, ha alle spalle molteplici esperienze nell’organizzazione e nella partecipazione attiva a diversi eventi di natura artistica in Italia e all’estero. Oltre all’adesione ad eventi organizzati dall’Accademia di Bologna e ad esposizioni in differenti gallerie bolognesi, fra il 2016 e il 2018 Martina ha avuto l’occasione di prendere parte a performance durante rassegne musicali e a collaborazioni con collettivi artistici nell’ambito del fumetto, avendo la possibilità di partecipare a fiere in gran parte d’Italia.
Nel corso dei suoi studi la poetica artistica di Martina si è sviluppata verso la riproposizione di elementi ludici in chiave grottesca, creando così un contrasto tra i personaggi dei cartoon americani della prima metà del ‘900 e ciò che essi rappresentano (deformità, volti sardonici, ambientazioni sinistre).

IV edizione – Olanda e Italia
Dal 21 luglio al 31 agosto 2019
Munizioniere

Inaugurazione sabato 20 luglio 2019, ore 18
 
martedì-domenica, ore 16-19.30

Art Commission, in collaborazione con Palazzo Ducale Fondazione per la Cultura, inaugura la quarta edizione della Biennale d’arte contemporanea Le Latitudini dell’arte. La rassegna, ideata e curata da Virginia Monteverde e presentata quest’anno dal critico d’arte Viana Conti, si avvale dei patrocini della Regione Liguria, del Comune di Genova e dell’Ambasciata dei Paesi Bassi.
La Biennale è nata nel 2013 con l’obiettivo di promuovere e favorire l’interscambio artistico-culturale tra l’Italia e gli altri Paesi europei. Questa IV edizione, che ha come tema “Acqua e Luce”, vede la partecipazione di 60 artisti che vivono e operano in Italia e in Olanda.
Come per le precedenti edizioni, gli artisti sono stati selezionati grazie alla collaborazione con Gallerie e Fondazioni dei due Paesi.
 

La multimedialità, a livello linguistico, e la condizione liquida del tessuto sociale della postmodernità, teorizzata dal politologo e filosofo Zygmunt Bauman, connotano ricorsivamente le scelte artistiche dell’ampio panorama culturale delineato dalla curatrice. In epoca di globalizzazione, de-estetizzazione dell’arte versus un’estetizzazione diffusa di una merce-feticcio, questa società, a capitalismo avanzato, presenta, inevitabilmente, le sue tensioni, i suoi conflitti risolti o irrisolti, i suoi flussi migratori, i suoi disperati viaggi della speranza, il suo degrado o recupero ecologico, i suoi interrogativi aperti sul presente e sul futuro. Lo scenario risultante da un panorama selettivo di trenta esponenti olandesi e altrettanti italiani, non manca, infatti, di riflettere i segni, i sintomi, le aperture o chiusure d’orizzonte, che ogni artista, come sensibile sismografo creativo del contesto che lo circonda, proietta nella sua opera.

tratto dal testo di Viana Conti tratto dal catalogo della mostra edito Liberodiscrivere

L’edizione 2019 della Biennale Le Latitudini dell’arte inoltre, in alleanza con il circuito dei Musei di Genova, invita i visitatori della mostra a percorrere l’itinerario “Olanda e Fiandre – Le Latitudini dell’arte nella Genova del Passato” che si snoda fra Palazzo Reale, Musei di Strada Nuova, Galleria Nazionale di Palazzo Spinola e Trust (Villa del Principe).
 
Gli artisti della della Biennale Le Latitudini dell’arte – IV edizione Olanda e Italia
Olanda:
Annemieke Alberts, Roland Berning, Federico Bonelli, Wim Claessen, Lin de Mol, Lara de Moor, Kitty Doomernik, Stephen Eastaugh, Peter Edel, Theo Eissens, Kim Habers, David Lascaris, Lynne Leegte, Danielle Kwaaitaal, Kiki Lamers, Raquel Maulwurf, Hidenori Mitsue, Jef Nassenstein, Pieter Obels, Monica Ragazzini, Joseph Sassoon Semah, Charlotte Schrameijer, Ingrid Simons, Ellen Schippers, Hugo Tieleman, Willem van den Hoed, Aaron van Erp, Roos van Haaften, Marc Philip van Kempen, Tessa Verder.
Italia:
Maria Rebecca Ballestra, Mirko Baricchi, Carla Bedini, Stefania Beretta, Stefano Cagol, Loris Cecchini, Andrea Chiesi, Davide Coltro, Vania Comoretti, Philip Corner, Roberto de Luca, Chiara Dynys, Federico De Leonardis, Franco Donaggio, Inés Fontenla, Mauro Ghiglione, Riccardo Gusmaroli, Carla Iacono, PierPaolo Koss, Federica Marangoni, Giulia Marchi, Viviana Milan, Anna Oberto, Nicolò Paoli, Angelo Pretolani, Saverio Rampin, Roberto Rossini, Silvano Tessarollo, Valentina Vannicola, Stefano Mario Zatti.

Alla conquista della luce
Sala del Maggior Consiglio
6 luglio – 25 agosto 2019

da martedì a domenica, ore 10-19.30
lunedì chiuso

Alla conquista della luce esprime compiutamente lo spirito creativo di Pablo Atchugarry (nato a Montevideo nel 1954), un artista capace di interrogare il marmo attraverso un gesto di seduzione tattile che travalica e vanifica l’idea del tempo. La sua conquista dell’astrazione passa infatti attraverso una classicità che rimanda all’antica cultura greco-romana e a successivi agganci barocchi che l’aiutano a proiettare nello spazio misteri assoluti di linee e di forme.
 
Infatti queste sue forme si nutrono della ritmica rincorsa dei vuoti e dei pieni nel rievocare talora il transito di un dinamico panneggio che assorbe e diffonde la luce. E un simile incanto emerge sia dal candore del marmo di Carrara, sia dal grigio del bardiglio: lo possiamo ammirare nelle venticinque opere in rassegna che rinnovano la magia narrativa della pietra. Pari seduzione scaturisce inoltre dalla quindicina di bronzi che sono conquistati e accarezzati da un variabile monocromatismo. L’imponente opera, intitolata La danza della vita, che accoglie i visitatori nell’ampio atrio a piano terra del Palazzo Ducale costituendo l’avvio dell’intero percorso contemplativo, entra decisamente nella filosofia del processo indagatore tipico di Pablo Atchugarry: si tratta di un albero d’ulivo, ormai disseccato, scavato e interrogato da appositi attrezzi per farlo rivivere come opera d’arte, per elevare i contorcimenti e gli sviluppi radicolari a sublime narrazione. Proprio come succede al blocco di marmo a cui l’artista chiede di rivelare l’anima ovvero quella realtà michelangiolescamente custodita nel suo interno.
 
Sarà quindi l’ampio salone del Maggior Consiglio a incrementare e a completare il viaggio alla conquista della luce attraverso seducenti stazioni contemplative che coinvolgono tutti coloro che entrano in empatico colloquio con le composizioni del nostro autore. Si tratta infatti di opere che scandiscono mirabilmente gli spazi di questo suggestivo interno, rimodellato nel Settecento in stile neoclassico, fino a toccare l’apice percettivo ed emozionale nel plastico crescendo marmoreo che Atchugarry ha sistemato nella sacralità di un ipotetico altare al termine del percorso. La mostra, visitabile dal 6 luglio al 25 agosto, è accompagnata da un catalogo edito da Skira introdotto dai testi di Luca Bochicchio, Luciano Caprile e Tiziana Leopizzi.

Biglietto di ingresso: 5€

mostra alla Wolfsoniana – Musei di Nervi
dal 5 luglio 2019 al 3 maggio 2020

Considerato uno dei principali protagonisti della rinascita della ceramica albisolese del Novecento, Ivos Pacetti collaborò con alcune tra le più importanti manifatture locali (M.A.S.; Casa dell’Arte; Alba Docilia, ILSA e SPICA) e fondò la Fiamma, aprendo infine, nel 1956, il nuovo modernissimo stabilimento Ceramiche Minime Fratelli Pacetti.
Folgorato, al pari di Tullio D’Albisola, dalla dinamica e rivoluzionaria estetica futurista, Pacetti, che a fianco dell’attività di ceramista fu attivo anche come fotografo, pittore, scrittore e pubblicista, aderì nella seconda metà degli anni venti al movimento di Marinetti, abbracciandone le innovative soluzioni linguistiche e partecipando alle principali esposizioni del gruppo, in Italia e all’estero.
La mostra, realizzata grazie al sostegno dell’Archivio Pacetti – Studio Ernan Design di Albisola Superiore e ai prestiti provenienti da alcune tra le principali collezioni italiane di ceramica, intende dunque offrire uno sguardo a 360° gradi sulla poliedrica attività artistica di Pacetti, privilegiando la sua produzione di ceramista (anche oltre il futurismo), ma documentando pure le sue sperimentali ricerche in campo fotografico e i più significativi aspetti della sua intensa attività pittorica.
Nato nel 1901 a Figline di Prato, ma trasferitosi durante la Grande Guerra a Genova, dove si impiegò come disegnatore di lucidi alle Medie Artiglierie, Pacetti si avvicinò giovanissimo – nonostante la perdita di una mano – al mondo dell’arte.
La fondamentale svolta nella sua carriera avvenne nel 1920 quando, trasferitosi ad Albisola, iniziò a collaborare con la M.A.S. (Maioliche Artistiche Savonesi) di Dario Ravano. Tuttavia se la ceramica rappresentò il suo principale campo d’azione, come artista e imprenditore, altrettanto significativo fu il suo impegno in altri ambiti espressivi. Pacetti traspose infatti dalla poetica futurista una peculiare inclinazione al progetto globale e alla multidisciplinarietà linguistica, come testimoniato dalla varietà delle sue innovative proposte tecniche e formali e dalla sua intensa e poliedrica attività imprenditoriale, che lo portò a relazionarsi con alcuni tra i più rinomati artisti italiani e stranieri operanti ad Albisola: una rete di conoscenze e di amicizie tangibilmente documentata dal museo di ceramica all’aperto, annesso al suo stabilimento e in cui, ancora oggi, si possono ammirare gli straordinari frutti di quella straordinaria stagione artistica albisolese.
A cura di Matteo Fochessati e Gianni Franzone

Orario estivo: da martedì a venerdì, ore 11-18
Sabato e domenica ore 12-19
Lunedì chiuso.
Informazioni: 0103231329 – info@wolfsoniana.it
www.wolfosniana.it
Ingresso: intero 5€, ridotto 4€, scuole 3€

mostra
Ducale Spazio Aperto
dal 22 al 30 giugno

Erede della tradizione del carnet de voyage, il movimento, composto di grafici, illustratori o semplici appassionati, espone oltre 200 disegni e acquerelli realizzati dal vivo, durante i meeting che il gruppo Urban Skechers Liguria organizza a cadenza mensile, con una nutrita sezione dedicata all’ultima edizione dei Rolli Days tenutasi nel maggio scorso.
Un’iniziativa che rafforza la positiva collaborazione con il Comune di Genova con l’obiettivo di far conoscere gli angoli più nascosti ed autentici della nostro territorio, attraverso gli occhi dei disegnatori, uno sguardo importante che dà vita a dei piccoli capolavori in grado di far scorgere, a chi osserva, punti, palazzi o panorami che spesso, a seguito dei ritmi frenetici odierni, vengono tralasciati. Un approccio totalmente diverso, rispetto alla fotografia, verso i luoghi che vengono visitati per favorire un turismo lento e consapevole.
 
L’avventura degli Urban Sketchers ha preso il via a Seattle nel 2007 da un’idea di un gruppo di artisti americani, Nel 2011 Urban Sketchers viene riconosciuta dall’Internal Revenue Service degli Stati Uniti come organizzazione no-profit il cui intento è quello di innalzare il valore artistico, narrativo ed educativo del disegno sul posto, promuovendone la pratica e collegando le persone in tutto il mondo che disegnano i luoghi in cui vivono o viaggiano. Oggi quella degli Urban Sketchers è una vivace comunità globale con 238 gruppi regionali presenti in tutto il mondo e che portano avanti il cosiddetto local drawing (espressione di sintesi che riunisce in sé il concetto di disegno a chilometro zero e di esercizio rappresentativo en plein air) che viene posto al centro di una riflessione culturale precisa e sintetica, contenuti nel manifesto informale del movimento stesso, che raccoglie oltre 120.000 Urban Sketchers praticanti.
 
Nella nostra Regione il gruppo Urban Sketchers Liguria è nato nel 2016 ed è stato riconosciuto nel marzo 2017 come “Official Regional Chapter dalla American Urban Sket-chers Organization”. Il gruppo raccoglie amanti del disegno, di qualsiasi capacità e tecnica, che raccontano ciò che vedono usando taccuini, matite e colori di vario genere. Dallo scorso anno il gruppo organizza meeting di disegno a cadenza mensile, liberi ed aperti a tutti per scoprire e raccontare gli angoli caratteristici di Genova, con particolare riguardo ai palazzi dei Rolli, e della Liguria; scorci che si potranno apprezzare attraverso i disegni realizzati da persone talentuose o appassionate nella mostra a Palazzo Ducale dal 22 fino al 30 giugno con ingresso gratuito.
Un’occasione per conoscere questa realtà che sta coinvolgendo sempre più persone sia appassionati sia professionisti, ma anche operatori di marketing e turismo. Sarà anche possibile partecipare a diversi incontri previsti in diversi luoghi della città, con nomi di rilievo fra questi: Umberto Torricelli, Roberto Cariani, Pedro Loureiro e Jonatan Alcina Segura oltre alle maratone di disegno previste per domenica 23 e 30 giugno.

Informazioni e approfondimenti: www.urbansketchers.org – www.facebook.com/groups/urbansketchersliguria/ – www.genovacreativa.it – www.visitgenoa.it
Ingresso libero, da lunedì a venerdì ore 16 – 19.30
sabato e domenica, ore 10 – 19.30
Inaugurazione sabato 22 giugno, ore 18.30

Corso di Pittura
A.A. 2018-2019
20 giugno – 7 luglio 2019
 
Sala Dogana

Ingresso libero
Inaugurazione 20 giugno, ore 18
Orario: 15-20 dal martedì alla domenica

Il progetto Frammenti del contemporaneo ha come punto di riferimento primario il “fare pittura” e trae la sua origine e la sua motivazione dalla considerazione che l’appartenenza alla contemporaneità all’interno delle discipline artistiche non debba necessariamente ed esclusivamente essere legata al medium o alla tecnologia ma, al contrario, ad una imprescindibile elaborazione del linguaggio (o dei linguaggi).
 
La mostra è anche il pretesto per una riflessione, seppure parziale e non assoluta, sullo “stato della pittura” nel contemporaneo, con particolare riferimento a quello che è attualmente uno dei modus operandi all’interno delle Accademie: in questo caso quello del corso di Pittura dell’Accademia Ligustica di Belle Arti di Genova.
I protagonisti di questa selezione allargata appartengono ad una generazione che convive quotidianamente con il digitale, ma che fa di una visione non gerarchica rispetto ai “mezzi” e trasversale rispetto alla pittura la propria cifra identificativa, senza timori reverenziali o rifiuti pregiudiziali verso la Storia dell’Arte.
 
La “smaterializzazione” dell’immagine operata dall’avvento del digitale, ha arricchito in modo sconfinato le potenzialità espressive del fare, complicandone in maniera sostanziale la materia teorica. La possibiltà è quella di muoversi tra i differenti codici costitutivi della rappresentazione, attraversare le potenzialità espresse dai singoli media, trovandone il comune denominatore nella ricostruzione fisica che il procedimento della pittura fa dell’immagine stessa.
 
Il risultato è una sorta di installazione “transmediale”: uno spaccato e un caleidoscopio delle opere degli allievi sia del Triennio che del Biennio del corso.
 
Federico Palerma, Pietro Millefiore, Roberto Merani
(docenti corso di Pittura – Accademia Ligustica di Belle Arti)

photo by Giorgio Bergami

La mostra
Infaticabile, intenso e poliedrico Emanuele Luzzati (Genova, 3 giugno 1921 – 26 maggio, 2007) è un artista abile e colto, capace di usare con maestria ogni tipo di materiale: dalla ceramica alla carta, dai tessuti all’illustrazione. E’ stato scenografo, cartellonista, illustratore, pittore, ceramista, autore di pluri-premiati e raffinati cartoni animati: la mostra mette in luce proprio la fantasia, l’ingegno e la joie de vivre che caratterizza l’uomo e l’artista, in un percorso tematico e biografico.
 
Costretto a rifugiarsi a Losanna nel 1940 a causa delle Leggi Razziali, Luzzati ebbe modo di essere a contatto con le correnti artistiche più vivaci e interessanti del primo Novecento. Picasso, Paul Klee e il Teatro Russo sono solo alcuni dei modelli artistici di riferimento durante gli anni di studio all’Ecole des Beaux-Arts de Lausanne, che si riflettono molto nella produzione di questo periodo. È in questi anni che si sviluppa anche la passione per il teatro, e una volta rientrato in Italia alla fine della guerra, firmerà la prima scenografia per Lea Lebowitz di Alessandro Fersen nel 1947.
A partire dagli anni Cinquanta si afferma con scenografo, collaborando con i più importanti teatri nazionali come La Fenice di Venezia, La Scala di Milano, il Teatro Stabile di Genova. Nella sua lunga carriera Luzzati ha firmato fino a 400 scenografie per spettacoli teatrali, per il balletto e la lirica, utilizzando le tecniche più diverse: collage, disegno, pastello, china, matita e pennarello.
Nel 1968 inizia un lungo sodalizio con Tonino Conte ed insieme a lui e ad Aldo Trionfo fonda a Genova il Teatro della Tosse, di cui rimarrà direttore artistico per oltre trent’anni realizzando moltissimi spettacoli, tra cui Nel Campo dei Miracoli o il Sogno di Pinocchio, premio Ubu per la scenografia nel 1995.
Il genio creativo di Luzzati non conosce confini, e spazia con maestria dall’attività di scenografo e costumista agli arredi urbani e per le navi da crociera, alla ceramica (in particolare il Pozzo della Garitta di Albissola, frequentato anche da altri artisti come Lucio Fontana e Wilfredo Lam), all’illustrazione e al cinema di animazione, ricevendo ben due nomination agli Oscar per i film La gazza ladra nel 1965 e Pulcinella nel 1973.
La ricchezza del suo mondo fantastico, il suo stile immediato e fortemente espressivo lo hanno reso uno degli artisti più amati e ammirati del nostro tempo.

Radio Monte Carlo è Radio ufficiale della mostra
 

Progetto artistico
di Stefano Boccardo
30 maggio – 16 giugno 2019
 
Sala Dogana

Ingresso libero
Inaugurazione 30 maggio, ore 18
Orario: 14.30 – 19.30 dal martedì alla domenica

Quotidianamente ci confrontiamo con il tema dei confini, siano essi barriere protettive, limiti intangibili o frontiere militarizzate. Ognuno di essi nasce da un istinto di sopravvivenza e determina uno spazio di controllo, nonostante scienza e storia dimostrino come non vi sia crescita senza interazione.
Confini e Commistioni presenta alcuni lavori realizzati negli ultimi anni che declinano il tema secondo un’accezione più intima, offrendo al visitatore un pensiero sul proprio rapporto con i confini personali, con l’intenzione di porre domande più che offrire risposte.
Ognuna delle opere tratta una differente forma di confine innegabile e personale: la pelle, la lingua, la proprietà, i muri… attraverso la ricerca e la creazione di oggetti fisici si pone la domanda su come questi possano essere considerati più che limiti, delle aree di interazione con l’altro per la crescita collettiva, cercando un equilibrio più che un controllo.
 
STEFANO BOCCARDO, 1983. Architetto.
Laureato a Genova nel 2008 con tesi sulla Rigenerazione Urbana, ha collaborato con lo studio Topotek1 di Berlino, Recetas Urbanas di Santiago Cirugeda a Siviglia e Alianza Internacional de
Habitantes a Buenos Aires.
A Genova con Gruppo Informale porta avanti dal 2011 ricerca e sperimentazione su architettura partecipata, lavoro condiviso, riuso e spazio pubblico, attraverso progetti in autocostruzione e cocreazione.
Negli ultimi anni, attraverso differenti residenze (Quarto Pianeta/Genova 2015, Creart/Linz 2018, Landxcapes/Puglia 2018, Bosco Nordio/Chioggia 2019), ha sviluppato una ricerca artistica sull’influenza tra uomo, habitat, costruito e natura, le cui restituzioni prendono forma di oggetti, progetti ed installazioni territoriali, tramite il lavoro manuale, di recupero e costruzione diretta.

Esposizione degli elaborati finali
di tesi dell’a.a. 2017/2018
a cura di Accademia Ligustica di Belle Arti

10 – 26 maggio 2019
 
Sala Dogana

Ingresso libero
Inaugurazione 10 maggio, ore 18
Orario: 15 – 20 dal martedì alla domenica

Venerdì 10 maggio alle ore 18.00 negli spazi di Sala Dogana a Palazzo Ducale inaugura la mostra Approdi, che presenta una selezione delle tesi più interessanti discusse dagli studenti dell’Accademia Ligustica di Belle Arti nell’anno accademico 2017/2018.

Dalla pittura alla fotografia, dal video alla grafica, alla scenografia, all’installazione, i risultati finali della ricerca condotta dai giovani al termine del loro percorso di studio offrono una testimonianza importante del lavoro che si svolge quotidianamente nelle aule dell’Accademia. La natura stessa dell’insegnamento, che combina ed intreccia riflessione teorica e formazione artistica, rende il lavoro di tesi un momento imprescindibile di sintesi del cammino intrapreso da ogni studente, nel quale spesso si rivela il raggiungimento di un’autonomia espressiva che gli consentirà di avviare una propria ricerca.
 
Le tesi di Alice Baiardi, Viviana Baroni, Laura Bianchi, Beatrice Bracchi, Francesca Bregante, Maria Cesare, Viviana Dal Lago, Margherita Ferraris, Giulia Giorgi, Chiaretta Guidi, Chiara Giovannini, Melanie Macacho, Clara Orlando, Armin Taghdisirad, Yuko Wakasugi, costituiscono un punto di arrivo, dal quale ripartire per il futuro, proponendo uno sguardo originale sulla ricerca dei giovani, la molteplicità e l’intreccio dei media che vengono declinati da ciascuno in maniera sempre differente.
 
Al termine della settimana nella quale l’Accademia Ligustica presenta i propri corsi di diploma (Open Week 6 – 10 maggio) ed i possibili percorsi di ricerca, anche innovativi, Approdi si propone come un appuntamento per conoscere quello che si muove nell’antica Istituzione genovese, che si è ormai avviata a diventare statale.

mostra fotografica di
Michela Battaglia e Stefano De Luigi
dal 10 maggio al 2 giugno
Sala Liguria

A cura di Chiara Oggioni Tiepolo con Gloria Viale
 
 
 
 
 
 
 
 
Ingresso libero
lunedì-venerdì, ore 10-19
sabato e domenica, ore 15-18

‘Babel’ è un progetto fotografico realizzato da Michela Battaglia e Stefano De Luigi ispirato all’attentato al Bataclan (Parigi, 2015) ma che ha origine da una ricerca iniziata qualche anno prima. È una riflessione visiva sull’uso della fotografia attraverso testimonianze e scatti della cartellonistica pubblicitaria della metropolitana di Parigi e di immagini estrapolate dalle riviste di propaganda Daesh.
In questo lavoro realizzato a quattro mani vediamo elementi che si vanno a sovrapporre visivamente e mescolarsi su un nuovo piano, dove le stratificazioni di fotografie pubblicitarie e propagandistiche danno vita a nuove opere.
Michela Battaglia (’82) e Stefano De Luigi (’64) partono da un omaggio a Mimmo Rotella e scelgono come punto di incontro un quadrato bianco dove si trovano, su un nuovo piano, le loro diverse generazioni ed educazioni visive. Così le stratificazioni di fotografie pubblicitarie e propagandistiche danno vita a nuove immagini che, in qualche modo, costringono a fermarsi. In esposizione ci saranno 32 opere, alcune delle quali prevedono l’intervento dello spettatore stesso, nel tentativo di svelare i diversi piani che compongono l’immagine.

Salah Abdeslam, 26 anni, francese nato a Bruxelles. Bilal Hadfi, 20 anni, francese. Ibrahim Abdeslam, 21 anni, fratello do Salah.
Qualcuno, leggendo la prima riga, non riconoscerà quei nomi. Sono quelli di alcuni degli attentatori del Bataclan e dello Stade de France, sono gli autori dell’11 settembre dell’Europa, i protagonisti di una cesura netta, fondamentale, fra quello che fu e quello che è. Sono le persone che ci hanno portati a coniare un nuovo slogan: “terroristi in casa nostra”. Non venuti da fuori, dunque, non stranieri, non estranei.
Sbagliato. Loro sono estranei, perché da tali son stati trattati, nonostante una nascita regolare, un passaporto europeo, una crescita in quelle capitali illuminate che hanno fatto della capacità di integrazione il loro vessillo, il loro vanto.
Tutte bugie. Sarebbe errato, per quanto facile, attribuire tutta la colpa a un soggetto solo. O due. Sarebbe ancora una volta distogliere lo sguardo, puntare il dito, utilizzare uno stratagemma che autoassolve. In linea perfetta con quello che la nostra religione ci ha insegnato.
Questa storia comincia in Francia, a Parigi, alla vigilia del giorno che ha mutato le regole del perdono rivolto a se stessi. Perché si poteva prevedere sarebbe successo.
Giovani europei che si sono “radicalizzati”. Nella speranza di un futuro migliore, qui o in un’altra dimensione, per se stessi e i propri cari. Ricorda qualcosa?
Giudizi preconfezionati scorrono sul nastro delle prime pagine dei giornali, nei titoli dei telegiornali, sulle copertine delle riviste. Favorendo l’elevazione a potenza del concetto di straniero, dell’idea di estraneo, un altro da sé con cui non si può, non si deve scendere a compromessi. Perché ci distruggerà tutti.
Non importa che abbia la faccia di un poco più che adolescente, il nervosismo tipico di quell’età e la rabbia, la frustrazione di vedersi preclusa la realtà che lo circonda. E il desiderio, legittimo, di sentirsi al centro di qualcosa.
Poco conta che la propaganda di Daesh, guarda caso, abbia fatto propri i basilari concetti del marketing occidentale. Qualcosa di simile a quegli stessi manifesti pubblicitari che campeggiano nelle metropoli e nelle metropolitane di tutte le nostre capitali.
Michela Battaglia e Stefano De Luigi ci costringono all’analisi, regalando delle immagini perfino gradevoli all’impatto, ma che deflagrano a uno sguardo più attento. Mimmo Rotella che strizza l’occhio ai videogiochi. La leggiadria dell’estetica alza il suo velo su un pensiero denso, che resta appiccicato addosso anche se non lo si vuole, in una sequenza di piani di lettura che costringe alla pausa, alla riflessione. Due generazioni distinte, diverse abitudini di linguaggio, contaminazioni distanti fra di loro. Ma una profondità quasi simbiotica.
C’era una volta la pubblicità, una macchina dei desideri in perenne funzionamento. Poi comparve un cartello con su scritto “divieto di accesso”. Ma arrivò qualcun altro, da lontano, a suggerire che un meccanismo quasi gemello poteva esistere, ed era proprio dedicato ai reietti.
“E adesso, senza barbari, cosa sarà di noi?//Era una soluzione, quella gente”, scriveva Costantino Kavafis. Decisamente servirebbero, quanto meno per non diventarlo a nostra volta.

Chiara Oggioni Tiepolo, aprile 2018.

Michela Battaglia (Palermo, 1982) dopo avere conseguito la laurea magistrale in Filologia Moderna presso l’Università degli Studi di Palermo nel 2009 si trasferisce a Milano per dedicarsi alla fotografia. Nel 2012 pubblica il libro Storie di Mafia, Postcart Edizioni. I suoi lavori sono stati esposti sia in Italia che all’estero. Nel 2013 si sposta a New York dove si diploma all’International Center of Photography. Vive a Milano.

Stefano De Luigi (Colonia, 1964) vive a Parigi dal 1989 al 1996 dove lavora per il Museo del Grand Louvre. Ha al suo attivo diversi libri: Pornoland, Blanco e iDyssey. Tra i vari riconoscimenti ha vinto 4 volte il World Press Photo, lavora con diverse testate internazionali come New Yorker Geo Paris Match Stern. Ha esposto i suoi lavori a New York, Parigi, Ginevra, Roma. È fotografo dell’agenzia VII dal 2008 e vive a Parigi.

La mostra è realizzata con il contributo di La Settimanale di Fotografia, OFFICINE FOTOGRAGICHE – Roma, Tohu Design – Studio grafico Genova, TOP Market Foto Video

Antonio Giuseppe Santagata
e la pittura murale del Novecento
 
mostra al Teatro del Falcone
di Palazzo Reale
dal 19 aprile al 8 settembre 3 novembre 2019

A cura di Matteo Fochessati e Gianni Franzone

Palazzo Reale, nel Teatro del Falcone, apre al pubblico dal 19 aprile all’8 settembre 2019, una mostra, a cura di Matteo Fochessati e Gianni Franzone, organizzata in collaborazione con la Wolfsoniana – Palazzo Ducale Fondazione per la Cultura e dedicata all’opera dell’artista genovese Antonio Giuseppe Santagata (Genova, 10 novembre 1888 – 13 settembre 1985), ispirato dalla sua diretta partecipazione al conflitto bellico. Rispetto al tema della guerra, l’aspetto che i curatori hanno scelto di celebrare – e attorno a cui l’evento espositivo è costruito – è quello della memoria poiché il ricordo di quel terribile conflitto, ancora oggi, mescola sentimenti di sgomento e marcati accenti retorici, ben persistenti in un certo immaginario bellico e patriottico.

La rievocazione e l’eco del conflitto negli anni tra le due guerre furono d’altronde improntate da caratteri ideologici che scaturivano dall’azione propagandistica del regime fascista e che contribuirono, in maniera determinante, alla formazione di un’estetica della politica che trovò la sua più naturale espressione linguistica nella cultura figurativa del Novecento italiano. La ripresa, in tale ambito di ricerca, di antiche tecniche pittoriche e lo stretto dialogo instauratosi tra artisti e architetti rappresentarono uno dei momenti più significativi di questa tendenza che, al di là delle sue compromissioni ideologiche, è stata centrale nel panorama artistico nazionale di quel periodo.

Non a caso il percorso espositivo sarà costruito intorno al consistente nucleo di cartoni di Santagata prestati da una preziosa casa privata e riferiti ai suoi principali interventi di pittura murale, dagli affreschi per il salone delle adunate della Casa Madre dei Mutilati di Roma (1928) a quelli per il cortile delle Vittorie (1936) nello stesso edificio progettato da Marcello Piacentini, dalla vetrata e dall’affresco per la Casa dei Mutilati di Genova (1938-1939) al grande affresco Vita eroica di Antonio Locatelli per la Casa Littoria di Bergamo (1940). Insieme a questi grandi cartoni, si esporranno opere provenienti dalla Wolfsoniana – Palazzo Ducale Fondazione per la Cultura, dal Museo del Risorgimento di Genova e da diverse collezioni private.

La scelta di posare lo sguardo sulla rappresentazione della guerra proposta da Santagata può offrire una precisa e documentata narrazione dei principali eventi storici e militari dell’esercito italiano, ma anche una sincera testimonianza, meno retorica e più umana, sulla vita quotidiana dei fanti al fronte. Grazie alla sua amicizia con Carlo Delcroix, presidente dal 1924 dell’Associazione Nazionale Mutilati e Invalidi di Guerra, Santagata, autore dei cicli pittorici per la Casa Madre dei Mutilati di Guerra di Roma, fu coinvolto anche nella decorazione delle principali Case del Mutilato, edificate in quegli anni in tutta la penisola, e divenne così uno tra i principali protagonisti della grande stagione murale, che contrassegnò la ricerca artistica italiana tra le due guerre.

Focalizzata sui principali avvenimenti della partecipazione italiana alla Grande Guerra e sugli eroici sacrifici sopportati dai militi lungo il cruento percorso verso la vittoria, i grandi cicli murali e decorativi di Santagata, nonostante alcune rappresentazioni più allegoriche – come nel caso della raffigurazione della vetrata sulla facciata principale della Casa del Mutilato di Genova – testimoniano la profonda partecipazione dell’artista alla materia trattata e documentano, quasi in presa diretta, la vita quotidiana e gli episodi più comuni della guerra di trincea.

Per tali ragioni la mostra La memoria della guerra, focalizzata sulla produzione artistica di Santagata, ma integrata da alcuni cartoni e bozzetti di altri artisti italiani attivi nello stesso ambito, può offrire spunti di riflessione e di interesse per un ampio pubblico. In particolare l’esposizione sarà accompagnata da eventi e incontri di approfondimento sui temi affrontati all’interno del percorso espositivo e da programmi didattici per le scuole, dedicati non solo alla storia della Grande Guerra, ma anche a un’indagine sulle antiche tecniche riprese dagli artisti italiani in occasione dei cicli decorativi del Novecento.

Per valorizzare l’approccio originale della mostra e rafforzarne la valenza didattica è previsto che una sezione sia dedicata alle Case del Mutilato, in quanto tipologia architettonica presente unicamente nel contesto italiano, a differenza dei molti monumenti commemorativi, ossari e sacrari sparsi nel resto d’Europa. Saranno ovviamente messi in evidenza gli edifici in cui Santagata lavorò: oltre alle già citate Casa Madre di Roma e Casa del Mutilato di Genova, anche quelle di Palermo, Ravenna, Milano, ma anche di Padova, Firenze e Bologna.

Ne emerge un panorama di estrema varietà linguistica, in cui a modelli di chiara impostazione razionalista – come, ad esempio, il progetto di Giuseppe Spatrisano per Palermo – si affiancano altri più tradizionali, spesso realizzati trasformando edifici già esistenti per ospitare le sedi dell’associazione fondata da Carlo Delcroix. Scopo non ultimo della sezione sarà anche quello di invitare il pubblico a riflettere sulla conservazione e il riuso di questi manufatti architettonici, nel momento in cui, per ovvie ragioni, il numero dei soci dell’Associazione Nazionale Mutilati e Invalidi di Guerra si sta riducendo sempre più e vengono a mancare le ragioni per cui tali edifici vennero costruiti.

La mostra si trova nel Teatro del Falcone, a Palazzo Reale in via Balbi 10, ed è aperta da martedì a domenica, ore 14-19, chiusa il lunedì.

 
Biglietti:
5€ biglietto mostra; gratuito fino a 18 anni;
8€ intero (con ingresso al Museo di Palazzo Reale); 4€ ridotto (con ingresso al Museo di Palazzo Reale)
I biglietti da 8€ e da 4€ danno accesso al Museo di Palazzo Reale nei seguenti giorni e orari: martedì e venerdì 9.00/14.00; mercoledì e giovedì 9.00/19.00; sabato, domenica e festivi 13.30/19.00
Fino a sabato 7 settembre 2019 sarà possibile visitare, esibendo il biglietto di ingresso della mostra “La memoria della guerra. Antonio G. Santagata e la pittura murale del Novecento”, il Museo del Risorgimento a prezzo ridotto (3€). La promozione ha valore reciproco.
 
Scuole e gruppi su prenotazione al numero 0102710236

progetto artistico
di Caterina Lorenzetti
18 aprile – 5 maggio 2019
 
Sala Dogana

Ingresso libero
Inaugurazione 18 aprile, ore 18
Orario: 10.30-13 / 15-19.30 dal martedì alla domenica

 untitled_2019_laboratori.pdf
 untitled_2019_call_lorenzetti.pdf
 
Untitled (The Ausilum Seeker) introduce il migrante come singolo individuo.
La narrativa mira a decostruire l’identificazione sistematica e fredda che la società occidentale attribuisce alla persona migrante.
Numeri e statistiche sono in contrasto con uno stato d’animo emotivo: delle persone da conoscere, con cui ogni sorta di barriera culturale verrà possibilmente messa in questione, stimolando un interesse verso degli esseri umani che abbiamo alienato e reso fantasmi nella nostra comunità. Sviluppato sotto forma di un’installazione interattiva, l’esposizione in sala Dogana prende forma in tre fasi principali:
> il richiedente asilo nel nostro sistema politico, economico, legale e sociale;
> ritratti e immagini metaforiche esplorano il mio stato mentale attraverso le loro vite presenti e passate: uno spostamento attraverso il quale l’osservatore è condotto a un punto di vista più
intimo;
> il risultato di un laboratorio artistico legato alla cognizione di “casa” vissuta con un gruppo di ragazzi Africani nell’estate del 2017.
L’esposizione si fa capo inoltre di un quadro più ampio dove appuntamenti satellite – performance, installazioni viventi e spazi di dibattito e sensibilizzazione – daranno luogo ad una
piattaforma di dialogo e confronto in diversi spazi urbani della città in cui il pubblico sarà stimolato a interagire.
 
Caterina Lorenzetti
Nata a Santa Margherita Ligure nel 1994, sono cresciuta tra Stati Uniti, Spagna e Italia prima di trasferirmi a Parigi, dove ho conseguito il diploma di fotografia all’Ecole de l’image, Les Gobelins.
L’adattamento e l’evoluzione in luoghi culturalmente diversi hanno stimolato un profondo e costante interesse per l’identità, il senso di sé di una persona e l’appartenenza locale.
I valori riemergono costantemente lungo la mia scrittura artistica.
Da settembre 2017 sono coinvolta attivamente nella crisi migratoria mondiale, attraverso lo sviluppo sul territorio italiano di un sistema di integrazione culturale alternativo con una piattaforma artistica itinerante di scambi concreti tra persone di provenienze diverse.
 
>>> Gli appuntamenti saranno frutto del lavoro dei partecipanti ai laboratori, individuati attraverso la call
http://www.genovacreativa.it/content/call-partecipare-al-ciclo-di-eventi-artistico-sociale-untitled-asylum-seeker-project
 
>>> I workshop http://www.genovacreativa.it/sites/default/files/uploads/laboratori_dialogo_interculturale.pdf

Concorso di opere figurative
“La vita è sogno”
19 aprile – 5 maggio 2019
Ducale Spazio Aperto

Inaugurazione giovedì 18 aprile, ore 18
 
 
Da martedì a domenica, ore 16-19
lunedì chiuso
ingresso libero

Per ricordare il pittore, illustratore, incisore, scenografo e umorista genovese Sergio Fedriani (1949-2006), illustre esponente della figurazione poetica e surreale, l’Associazione culturale a lui intitolata propone annualmente un concorso per giovani artisti, volto a segnalare personalità emergenti nei campi della produzione figurativa fantastica.

Il concorso di opere figurative per giovani artisti “La vita è sogno”, tredicesima edizione del Premio “Sergio Fedriani”, organizzato dall’omonima Associazione in collaborazione con Palazzo Ducale Fondazione per la Cultura e con i patrocini del Comune di Genova e dell’Associazione Autori di Immagini, si è concluso dopo lo spoglio degli elaborati inviati da tutta Italia.

La Giuria, presieduta dall’illustratore Libero Gozzini e composta dalla storica dell’arte Alessandra Gagliano Candela, dagli illustratori Fausto Montanari e Francesco Poroli, dal Presidente dell’associazione Chiara Fedriani e dalle socie Anna Baraggioli (operatrice sociale) e Carla Scarsi (giornalista), con segretario senza diritto di voto Ferruccio Giromini, esaminate le opere selezionate (56 per 49 autori finalisti), ha così deliberato l’assegnazione dei riconoscimenti:

1° Premio a Fernando Cobelo di Torino con l’opera “Il lavoro emotivo di chi migra”
2° Premio a Nicolò Canova di Torino con l’opera “La fatica”
3° Premio a Joey Guidone di Ivrea (TO) con l’opera “La prima frase”

I premi in denaro sono messi a disposizione dall’Associazione culturale “Sergio Fedriani”.
 
La Giuria ha inoltre ritenuto di segnalare 4 opere: “La fabbrica dei sogni” di Maria Chiara BASILE da Cinisello Balsamo (MI) , “Il semplice è sempre un faticoso lavorare” di Claudia BERNARDI da Revine Lago (TV), “Il lavoro della vita” di Francesco CIAMPA da Roma, “Spostare le montagne” di Ilaria DEMONTI da Valdisotto (SO).

In mostra e in catalogo saranno presenti le opere di Sergio Fedriani, dei premiati e dei segnalati già citati e dei finalisti Lisa ALBIZZATI, Erika ARREGHINI, Giacomo ALIPRANDI, Lorenzo ASSENNATO, Anita AZINWI, Giacomo BAGNARA, Matteo BALLOSTRO, Federica BALOSTRO, Saskia BATTISTONI, Andrea BONETTI, Silvia CANCELMO, Giulia Rosa CARDIA, Daniela CIANI, Alessandra CINISELLI, Sara COLAUTTI, Antonella COVIELLO, Mattia DISTASO, Luca ELLI, Flora FACCHI, Erica FICHERA, Camilla GAUDENZI, Ilaria GENERELLI, Niccolò MASINI, Silvia MASDEA, Tania MAZZA, Federica MENOZZI, Jessica MORICHI, Paolo MOSCHENI, Michela NEGRI, Alessia NITTI, Francesco ORAZZINI, Virginia Elena PATRONE, Lucrezia POMPA, Aurora RAVASI, Marianna RESTA, Claudia SASSO, Silvia STECHER, Lucia VENDER, Paolo VINCI, Annalisa VISCONTI, Daniele ZERBI, Luigi ZITELLI.

Domande e risposte in forma di storie
laboratorio di scrittura creativa
per La Storia in Piazza
4 – 7 aprile 2019
 

Ingresso libero
Aperta dalle ore 10 alle 19

www.lastoriainpiazza.it
 
Citiamo Bukowski pensando all’utopia come a una forma di follia. Una follia necessaria, auspicata da Steve Jobs (“siate affamati. Siate folli!”) per creare, per rivoluzionare, per cambiare le cose, per andare lontano. Di grandi utopie è fatta la storia della nostra specie ma di piccole utopie è fatta la nostra vita quotidiana. Le utopie non sono sogni, sono progetti affascinanti e impossibili. Ciascuno di noi coltiva qualche utopia. Le racconteremo in brevi storie da lasciare alla Dogana che, per La Storia in Piazza, si trasformerà nel deposito delle UTOPIE. Compagne delle utopie sono le Domande. Un’utopia è una risposta impossibile a una domanda possibile, è una risposta folle. Emilia Marasco
 
Il Laboratorio di scrittura creativa è la proposta che sala Dogana rivolge ai giovani creativi e a coloro che amano scrivere, nell’ambito della decima edizione de La Storia in Piazza, il festival principale di storia in Italia e fra i più importanti d’Europa, curato da Luciano Canfora e Franco Cardini, dedicato quest’anno al tema UTOPIA.
 
Evento inaugurale, il 4 aprile, del laboratorio sarà il gioco delle Domande ideato da Mario Benvenuto (ledomande.it)
 
Nel giorni seguenti si svolgerà il laboratorio di Piccole storie di ordinaria utopia a cura del gruppo di Officina Letteraria (officina letteraria.com).
Il workshop privilegerà la partecipazione di giovani under 35. Le storie saranno via via appese alle pareti, anche in assenza del laboratorio i visitatori potranno entrare, scrivere una breve
storia sulla base di tracce lasciate a disposizione e appenderla insieme alle altre.
 
>>> Gli appuntamenti
@ @ @ Giovedì 04.04 _ h18.30
 
EVENTO INAUGURALE
LE DOMANDE gioco ideato e condotto da Mario Benvenuto
@ @ @ Venerdì 05.04 _ h15 e h17.30
@ @ @ Sabato 06.04 _ h10.30, h15 e h17.30
@ @ @ Domenica 07.04 _ h10.30, h15 e h17.30
 
LABORATORIO DI SCRITTURA CREATIVA
Coordinamento: Emilia Marasco con Manuela Romeo e con la collaborazione di Martina Morando.
Tutor: Claudia Badaracco, Sabrina Branchi, Alice Campani, Nadia Carì, Silvia Casaccio, Cristina Colombo Bolla, Elena Gallia, Patrizia Minetto, Marcello Mistrangelo.
 
* L’evento inaugurale Le Domande è a libero ingresso fino ad esaurimento posti
* Per il workshop è necessaria la prenotazione:
saladogana@comune.genova.it
010 5574806/73975 dal lunedì al giovedì | ore 9.30/13

Deir Mar Musa el-Habasci
Fotografie di Ivo Saglietti
 
dal 4 aprile al 5 maggio
Sala Liguria

Sotto la tenda di Abramo racconta del dialogo possibile e necessario tra le religioni e gli uomini attraverso l’esperienza comunitaria dell’antico monastero siro antiocheo di Deir Mar Musa el-Habasci (San Mosè l’Abissino), luogo di ospitalità e di scambio interreligioso cattolico e musulmano abbarbicato sulle montagne della Siria.
I monaci fotografati da Ivo Saglietti sono uomini e donne di diverse chiese e di diversi Paesi che sperimentano quotidianamente le difficoltà e la ricchezza della diversità, dimostrando che Dio è uno e si può vivere insieme nella sua fede, indipendentemente dalla religione che si professa. Il bianco e nero intenso di questo lavoro, che documenta dall’interno la vita della comunità nel suo quotidiano, ben rappresenta il contrasto di luci e ombre di due mondi in perenne conflitto ideologico, che nell’enclave di Deir Mar Musa el-Habasci trovano invece un luogo di dialogo e di costruttivo confronto.

La mostra, a cura di Federico Montaldo, si inaugura il 4 aprile alle ore 17.30 nell’ambito della X edizione de la Storia in Piazza
Aperta dal lunedì al venerdì, ore 10-18; sabato e domenica ore 15-18

Maria Rosa Vendola
mostra
 
2-17 marzo 2019
Ducale Spazio Aperto

Aperta tutti i giorni, ore 10-30-12.30 e 15.30-19
ingresso libero

Maschere, vasi, busti, sculture monocrome e pitture informali: una mostra antologica che raccoglie e approfondisce l’originale ricerca di Maria Rosa Vendola. Una ricerca dedicata alla sperimentazione sulla materia, a partire dagli anni Novanta, con l’utilizzo del polywood che Vendola riesce a trasformare in sculture di luce, opere che all’aspetto plastico uniscono l’effetto luminoso.

Altre forme di identità culturali e pubbliche | seconda edizione
un progetto a cura e di Francesco Arena ©2019
9 – 23 marzo 2019
 
Galleria ABC-ARTE, Galleria Guidi&Schoen-Arte Contemporanea, PRIMO PIANO di Palazzo Grillo, Sala Dogana-Palazzo Ducale

Ingresso libero
Opening in tutte le sedi: venerdì 8 marzo, ore 17
Orario Sala Dogana: da martedì a domenica, ore 16-20

Mostra collettiva, evento internazionale d’arte contemporanea (Fotografia – Installazioni – New Media Art – Videoarte – Electronic Music)
Con il patrocinio della Regione Liguria e Comune di Genova In collaborazione con: Goethe-Institut Genua, Galleria ABC-ARTE, Galleria Guidi&Schoen-Arte Contemporanea
Organizzazione: Benedetta Spagnuolo/ARTISTI ITALIANI-arti visive e promozione
Partner e sponsor tecnici: Radiobabboleo, Il Secolo XIX, Locanda di Palazzo Cicala, EdArte-Associazione Culturale, AA Photography di Alessandro Arnò e M. Lucia Menduni, Valentino Visuals, Capra Pictures Cover photo: Chiara Cordeschi
 
Giunta alla sua seconda edizione Other Identity desidera decifrare un fenomeno ormai diffuso che ha cambiato radicalmente il modo di “vivere” e “interpretare” la nostra immagine, costantemente esibita e pubblicizzata: il nostro modo di autoritrarci e di presentarci al mondo, la spettacolarizzazione di un privato che si trasforma in pubblico attraverso i social media, creando nuove forme di identità in continua trasformazione.
“Other Identity” vuole essere una tappa di un progetto espositivo, che funga da cartina al tornasole capace di misurare di volta in volta lo stato di una nuova grammatica narrativa, di nuove forme di interpretazione della nostra immagine. A confrontarsi sul tema dell’identità e dell’autorappresentazione sono artisti italiani e stranieri uniti da una comune piattaforma emotiva e tematica, dalla quale poi sfociano ricerche personali ben distinte, e dal comune linguaggio fotografico.
Una nostra peculiarità è quella di presentare artisti per la maggior parte inediti per la città per favorire e stimolare la conoscenza del loro lavoro e l’interesse del pubblico.
La fotografia è qui il medium privilegiato in ogni sua forma, sia essa analogica o digitale, utilizzata attraverso reflex professionali o smartphone, usata sempre con consapevolezza e coerenza dall’artista che la piega alla propria ricerca personale, senza abusare di quelle post-produzioni spesso
impiegate per mascherare un’inesistente qualità dell’immagine. Il comune denominatore dei nostri artisti è la loro “onestà intellettuale” nel senso di un consapevole, intelligente, lucido, semplice uso del mezzo espressivo, a tratti brutale nella sua desolante rappresentazione del reale, spesso filtrato da emotività malinconiche e sognanti, crudo iper-realismo, graffiante autobiografia, esibizionismo pubblicitario e complesse dinamiche di intimità familiari. Non è corretto parlare di “artisti selezionati”, ma di artisti che si sono scelti, avvicinati con quell’istinto “animale” che ci fa riconoscere i nostri simili anche in cattività, identificare una piattaforma emotiva comune da cui poi sfociano ricerche personali ben distinte legate però da questa tematica di fondo.
 
Artisti
Karin Andersen | Holger Biermann | Silvia Bigi | Isobel Blank | Manuel Bravi | Silvia Celeste Calcagno | Marco Cappella | Ivan Cazzola | Maurizio Cesarini | Cinzia Ceccarelli | Chiara Cordeschi | Giacomo Costa | Davide D’Elia | Amalia De Bernardis | Emanuele Dello Strologo | Montserrat Diaz | Boris Duhm | Patricia Eichert | Nadja Ellinger | Erresullaluna + Chuli Paquin | Francesca Fini | Nadia Frasson | Giorgio Galimberti | Debora Garritani | Chiara Gini | Federica Gonnelli | Christina Heuring | Corinna Holthusen | Giacomo Infantino | Donatella Izzo | Richard Kern | Sebastian Klug | Sandra Lazzarini | Francesca Leoni | Francesca Lolli | Mater_ia | Giulio Romolo Milito | Monica Mura | Alessandra Pace-Fausto Serafini | Alexi Paladino | Carmen Palermo | Phoebe Zeitgeist | Ophelia Queen | Francesca Randi | Bärbel Reinhard | Christian Reister | Natascia Rocchi | Solidea Ruggiero | Paula Sunday | Marcel Swann | Roberta Toscano | Mauro Vignando | Ramona Zordini
 

Performance
Vernissage Venerdì 8 Marzo:
H. 17:00 | Nadia Frasson (Guidi&Schoen-Arte Contemporanea)
H. 19:00 | Cinzia Ceccarelli (ABC-ARTE)
H. 20:30 | Francesca Fini (Sala Dogana-Palazzo Ducale)
H. 21:30 | Electronic Live: FLeUR/Enrico Dutto-Francesco Lurgo (Sala Dogana-Palazzo Ducale)
Sabato 23 Marzo:
H. 20:00 | Electronic Live: Luca Fucci; The Deep Society/Valerio Visconti-Mirko Grifoni (Sala Dogana-Palazzo Ducale)
 

Video Rassegna
Vernissage Venerdì 8 Marzo:
H. 17:00 | Francesca Fini (Sala Dogana-Palazzo Ducale)
Venerdì 15 Marzo:
H. 17:00 | Phoebe Zeitgeist; Francesca Lolli (Sala Dogana-Palazzo Ducale)
 
Anche in questa edizione abbiamo associato al progetto, come da nostra consuetudine, diversi elementi:
Performance che si alternano durante il periodo della mostra, all’interno delle diverse location; azioni live site specific strutturate appositamente per l’evento, l’opportunità di un confronto con un pubblico molto ampio che potrà così vivere da vicino il contatto diretto con artisti che hanno privilegiato il media live nel proprio lavoro. Gli artisti selezionati con linguaggi molto diversi tra loro affrontano man mano diverse sfumature legate all’identità e alle sue possibili interpretazioni mettendo in gioco senza riserve il proprio corpo, non solo esposto ma in molti casi “offerto” agli spettatori che saranno invitati ad interagire alle azioni.
Un Catalogo Web che si occupa dell’immagine coordinata dell’evento e che pubblichiamo in concomitanza della vernice; contiene tutti i materiali realizzati per la mostra, le schede tecniche degli artisti, gli approfondimenti critici del curatore Francesco Arena e i contributi che molteplici personaggi nel mondo dell’arte, della moda e dei blog hanno espresso circa le tematiche trattate; uno strumento immediatamente scaricabile su qualunque piattaforma mobile o fissa attraverso codice QR-code o indirizzo url che permette in tempo reale di disporre di tutte le informazioni o le curiosità su Other Identity ed i suoi partecipanti. Si abbattono quindi le barriere tra catalogo fisico e fruizione dell’informazione rendendo tutto molto più disponibile e condivisibile.
Un Video-Catalogo che non è soltanto una trasposizione video di quello on line ma contiene tutte le riprese live delle azioni, dei pezzi esposti, documenti inediti sugli artisti, brevi video interviste, e backstage sull’evento, un modo per poter vivere Other Identity non soltanto dal vivo ma dall’interno della propria genesi. Tutti i materiali prodotti sono di volta in volta disponibili presso il Sito Ufficiale della manifestazione.
 
Hanno scritto su Other Identity Giampaolo Abbondio | Edoardo Acotto | Alessandra Arnò | Claudia Attimonelli | Lidia Bachis | Emanuele Beluffi | Chiara Boni | Marco Bruschi | Bettina Bush | Anita Calà | Lorenzo Canova | Mario Casanova | Giulia Cassini | Annalisa Cattani | Piera Cavalieri | Claudio Cerritelli | Maurizio Cesarini | Rossana Ciocca | Anna d’Ambrosio | Valerio Deho | Amalia Di Lanno | Isabella Falbo | Anna Fiordiponti | Matteo Fochessati | Patrizia Gaboardi | Alessandra Gagliano Candela | Carlo Gallerati | Francesca Galliani | Roberto Garbarino | Nunzia Garoffolo | Carlo Garzia | Ferruccio Giromini | Caterina Gualco | Romina Guidelli | Chiara Guidi | Flavia Lanza | Amelì Lasaponara | Marla Lombardo | Karolina Mitra Lusikova | Luciana Manco | Angelo Marino | Gianluca Marziani | Chiara Messori | Roberto Milani | Lorenzo Mortara | Ivana Mulatero | Maya Pacifico | Massimo Palazzi | Luca Panaro | Sabrina Paravicini | Claudio Parentela | Claudio Pozzani | Domenico Quaranta | Sandro Ricaldone | Mariella Rossi-Stefano Cagol | Claudia Sensi | Stefania Seoni | Ivano Sossella | Benedetta Spagnuolo | Federica Titone | Caterina Tomeo | Roberta Vanali | Venette Waste | Bruno Wolf
 
Spazi e orari
Galleria ABC-ARTE: Via XX Settembre, 11/A > Mart-Sab 09:30-13:30 | 14:30-18:30 Dom e Lun su appuntamento
Galleria Guidi&Schoen-Arte Contemporanea: Piazza dei Garibaldi, 18R > Mart-Sab 10:00-12:30 | 16:00-19:00
PRIMO PIANO di Palazzo Grillo: Vico alla Chiesa delle Vigne, 18R > Merc-Dom 16:00-20:00
Sala Dogana-Palazzo Ducale: Piazza Matteotti > Mart-Dom 16:00-20:00

Claire Fontaine. La borsa e la vita
8 marzo – 5 maggio 2019 prorogata fino al 19 maggio

Progetto di Francesca dall’Acqua
allestimento di Art Commission
 
15 – 16 – 17 febbraio 2019
Ducale Spazio Aperto

Il progetto Donne in Luce di Francesca dall’Acqua nasce dalla necessità ideale di dare voce e spazio a tutte le Donne attraverso ogni forma artistica: dalla pittura, alla scultura, alla realizzazione di opere intellettuali.
Dall’incontro di esperienze artistiche condivise, le artiste di Donne in Luce, vogliano trasmettere il proprio vissuto, nell’intento di raccontare una storia comune.
Sono opere narrative, che nascono da un ricordo, un’emozione, una sensazione, un desiderio o una necessità e pur restando in forma libera, ciascuna connaturata con l’artista, hanno in comune e come filo conduttore la testimonianza dell’essere donna.
 
Le Artiste che parteciperanno alla Mostra Donne in Luce sono:
Antonietta Anfossi, Laura Anfossi, Francesca Dall’Acqua, Ilaria Di Meo, Chiara Gennaro, Maria Mantero, Maddalena Palladini, Alice Passadore

Ingresso libero
Inaugurazione giovedì 14 febbraio 2019, ore 18
venerdì, sabato e domenica ore 10-13 e 15-19

Diario di viaggio
Francesca Gorzanelli
8 – 9 – 10 febbraio 2019
Ducale Spazio Aperto

Francesca Gorzanelli, modenese, da anni si occupa di documentare la situazione attuale nella Zona di esclusione di Chernobyl, ad oltre trent’anni dal disastro che la rese pericolosamente famosa nel mondo intero.
In collaborazione con il collega fotoreporter, Emanuele Cosimi, si recano con cadenza bimestrale nell’area colpita dal fallout nucleare, esclusivamente in territorio ucraino, esattamente dove si trova la centrale elettro-nucleare Lenin il cui reattore #4 esplose la notte del 26 Aprile 1986. I loro viaggi non si limitano solo alla documentazione fotografica, ma esplorano anche la situazione sociale ed umana dell’area, portando aiuti pratici ai Samosely, ovvero gli anziani che vivono illegalmente all’interno del perimetro interdetto. Dal 2015 si recano in visita a queste persone entrando nelle loro case ed aiutandoli anche nella manutenzione delle abitazioni.
Questo loro progetto si è allargato rivolgendosi anche alle scuole italiane, di ogni grado e genere, dove loro si recano personalmente portando le proprie testimonianze, in termini umani e fotografici. Inoltre hanno ideato progetti di aiuto che possano coinvolgere gli italiani, attraverso donazioni all’Associazione Serra X il mondo-ONLUS o partecipando in prima persona ai loro viaggi culturali/umanitari nell’area di alienazione.

Ingresso libero
Inaugurazione venerdì 8 febbraio, ore 17.30-19
sabato e domenica ore 10-19

arte e storia
dal 25 gennaio al 3 febbraio 2019
Ducale Spazio Aperto

Ingresso libero
ore 10.30-12 e 16.30-18

Felix Diaz Josaf, Boom, acrilico su tela 2018

Miracolo economico, compreso negli anni 1954/1964 e si compone di 13 tele, cm. 70 x 70 x 3, che affrontano altrettanti momenti salienti del periodo storico scelto.
 
Ad ogni opera è collegato un breve testo esplicativo, e i temi affrontati e l’autore sono i seguenti:
1. ECONOMIA, interpretato da Carlo SIPSZ
2. TELEVISIONE, interpretato da Carlo PIZZICHINI
3. STATUS SYMBOL, interpretato da Jorge Felix DIAZ
4. MUSICA, interpretato da Giacomo LUSSO
5. TEMPO LIBERO, interpretato da Angelo BARABINO
6. IMMIGRAZIONE, interpretato da Albert BARREDA
7. CATENA DI MONTAGGIO, interpretato da Stefano PACHI’
8. CASE CHIUSE, interpretato da Renata MINUTO
9. LOTTE OPERAIE, interpretato da Arturo SANTILLO
10. CONCILIO VATICANO, interpretato da Aldo PAGLIARO
11. OLIMPIADI, interpretato da Martina LAGORIO
12. GOVERNO TAMBRONI, interpretato da Bruno VOLPEZ
13. TRAME NERE, interpretato da Maurizio MALMIGNATI

Alleanza di artisti in memoria della Shoah
XI edizione
Torre e carceri
24 gennaio – 9 febbraio 2019

 
inaugurazione 24 gennaio 2019, ore 18

Art Commission in collaborazione con Genova Palazzo Ducale Fondazione per la Cultura e ILSREC “R.Ricci” presenta la XI edizione della rassegna “SEGRETE Tracce di Memoria” Alleanza di Artisti in Memoria della Shoah
La rassegna di respiro internazionale, ideata e curata da Virginia Monteverde, sarà inaugurata giovedì 24 gennaio 2019 alle ore 18.00 nelle antiche prigioni della Torre Grimaldina di Palazzo Ducale a Genova. Le antiche celle ospiteranno come sempre le installazioni site-specific degli artisti, dando vita a una mostra di forte impatto emozionale.
A proporre le proprie riflessioni sul tema della Memoria saranno gli artisti: Davide Coltro, Carla Iacono, Fukushi Ito, Ilaria Margutti, Fried Rosenstock, Joseph Sassoon Semah.
Diversi gli eventi organizzati nei quindici giorni della mostra: spettacolo teatrale, incontri-dibattiti, reading poetici e la speciale sezione “Progetto Giovani” con incontri a scuola e proiezione di docufilm realizzato da studenti a Palazzo Ducale.
La rassegna si avvale del patrocinio del Comune di Genova e della collaborazione di: Memoriale della Shoah di Milano, Goethe Institut-Genua, Comunità Ebraica di Genova, Anpi Provinciale di Genova, Anpi Borghetto Lodigiano e Bologna, Liceo Classico Andrea D’Oria, Teatro Apollo.
 
PROGRAMMA
Giovedì 24 gennaio ore 18.00 – Torre Grimaldina di Palazzo Ducale
INAUGURAZIONE
Intervengono:
Serena Bertolucci, direttore Palazzo Ducale; Mino Ronzitti, presidente ILSREC; Alessandra Jarach, membro del direttivo del Memoriale della Shoah di Milano; Stefano Bigazzi, giornalista e critico.
Artisti in mostra: Davide Coltro, Carla Iacono, Fukushi Ito, Ilaria Margutti, Fried Rosenstock, Joseph Sassoon Semah.
 
EVENTI
Dal 24 al 9 febbraio – Torre Grimaldina (cella di Ruffini) e Spazio46 di Palazzo Ducale Io rEsisto – progetto artistico sociale, in mostra i dipinti di Antonella Cinelli e la video intervista Francesco Bellinzoni-Ricordi Resistenti realizzata da Federico Gaudenzi, fotografo e giornalista, e Alessandro Torchiani, videomaker, a cura di Manuela Composti, direttivo 167° B.ta Garibaldi f.lli Biancardi ANPI Borghetto Lodigiano con la collaborazione di ANPI Bologna
 
Venerdì 25 gennaio ore 10.00 – Liceo Classico Andrea D’Oria
SCUOLA E MEMORIA (Progetto Giovani)
La Difesa della razza – 1938 Gli italiani si scoprono razzisti
Incontro con Alessandra Jarach, membro del direttivo del Memoriale della Shoah (Binario 21) di Milano
In collaborazione con ANPI Borghetto Lodigiano 167° B.ta Garibaldi f.lli Biancardi
Performance di danza ispirata a “Schindler’s list” realizzata da Ginevra Ferro, Beatrice Massone, Ester Verdiani, studentesse del Liceo.
*Evento riservato alla scuola con diretta facebook sulla pagina di Segrete.Tracce di Memoria.
 
Domenica 27 gennaio ore 16.00 – Spazio46 di Palazzo Ducale
Artisti dell’Olocausto
Incontro con Roberto Malini, scrittore, studioso della Shoah e dell’arte dell’olocausto, che parlerà del recupero da parte sua – e della successiva donazione allo Stato italiano per il Museo Nazionale della Shoah di Roma – di oltre 170 opere di artisti scomparsi nei campi di concentramento o sopravvissuti alla Shoah.
Nell’occasione, sarà esposta un’opera dell’artista sopravvissuta alla Shoah Eva Fischer e di un suo ritratto fotografico, opera di Steed Gamero (Roma, 2008).
 
Giovedì 31 gennaio ore 20.30 – Sala del Munizioniere di Palazzo Ducale
TEATRO E MEMORIA
Art Commission e Teatro Apollo
Corso Gastaldi 25 Nero
testo di Matteo Aldo Maria Rossi, regia di Raffaele Casagrande, con: Alessandro Damerini, Federico Giovannini De Nardo, Ilaria Marano e Danilo Spadoni. Con la partecipazione di Simona Bisconti, Carola Ottonello (violino), Constantin Rebasso, Luca Terzolo (pianoforte).
“Nel 1972, durante un’occupazione della Casa dello Studente di Genova, un gruppo di ragazzi, a colpi di piccone, portò alla luce le prigioni dove, tra il ’43 e il ’45, SS e Gestapo torturarono partigiani e oppositori. ‘Corso Gastaldi 25 Nero è un racconto immaginario della vicenda che tuttavia vuole restituire lo spirito di quella impresa e di quegli anni.”
 
Lunedì 4 febbraio ore 18.00 – Sala del Munizioniere di Palazzo Ducale
SCUOLA E MEMORIA (Progetto Giovani)
Scuola del Mediterraneo – Una storia da raccontare
Presentazione e proiezione del docufilm realizzato dall’Istituto Comprensivo Bogliasco-Pieve-Sori. Intervento di Carla De Barbieri e Adel Oberto, presentazione a cura di Stefano Bigazzi.
“Il docufilm rievoca la storia della Scuola del Mediterraneo di Villa Palme a Recco, diretta da Hans Weil, che negli anni bui del nazismo ospitò decine di ragazzi ebrei tedeschi. Era una scuola innovativa senza voti né diplomi, dove lo studio si alternava ad attività pratiche come fotografia, teatro, cura dell’orto, insegnamento del nuoto. Alla chiusura della Scuola a causa delle leggi razziali, Weil riuscì a far emigrare in Svizzera i suoi studenti, organizzando una falsa gita sugli sci.”
 
Mercoledì 6 febbraio ore 18 – Sala del Munizioniere di Palazzo Ducale
Film documentario “Rinascere in Puglia” (regia di Yael Katzir)
Proiezione del film e incontro con il produttore Gady Castel, presentazione a cura di Donatella Alfonso.
“Il film racconta una storia di accoglienza e solidarietà: al centro della vicenda i profughi ebrei che alla fine della seconda guerra mondiale, nell’impossibilità di raggiungere Israele, furono accolti in Puglia. Nelle ville salentine, i profughi godettero del mare, del sole e soprattutto dell’affetto degli abitanti, che contribuì in maniera determinante al ritorno a una vita normale. Centinaia di matrimoni e di nascite tra i profughi vengono registrate in quel periodo di poco meno di tre anni, una testimonianza evidente della forza di cominciare di nuovo, di “rinascere”.
 
Giovedì 7 febbraio ore 18.00 – Torre Grimaldina di Palazzo Ducale
POESIA E MEMORIA
Reading in collaborazione con Il Festival Internazionale di Poesia di Genova.
Con Dario Arkel, Maddalena Leali, Rossella Maiore Tamponi, e con la partecipazione straordinaria di Endre Szkarosi e Claudio Pozzani.

Per tutti gli eventi l’ingresso è gratuito ma è consigliata la prenotazione. Per teatro e memoria “corso gastaldi 25nero” la prenotazione è obbligatoria.
ORARI MOSTRA TORRE GRIMALDINA:
da martedì a domenica dalle 15.00 alle 19 biglietto ingresso 5 euro
domenica 27 gennaio, Giornata della Memoria, ingresso gratuito
Per le scolaresche: su prenotazione al mattino, ingresso gratuito
 
Associazione di promozione sociale della cultura Art Commission – piazza Matteotti 9, Palazzo Ducale Genova
artcommissionevents@gmail.com

Progetto artistico di Andy Caraway
24 gennaio – 10 febbraio 2019
 
Sala Dogana

Ingresso libero
Inaugurazione 24 gennaio, ore 18
Orario: da martedì a domenica, ore 15-21

L’effimero, nelle sue molteplici sfaccettature, è rintracciabile in tutto ciò che concerne la nostra esistenza. Nella ricerca della popolarità, nella nostra infanzia, nelle relazioni umane e nel solco fondamentale della nostra stessa vita.
L’artista tenta, attraverso un percorso che spazia tra diversi linguaggi, di portare alla luce gli effetti dell’effimero sull’essere umano, approdando all’analisi della naturale contrapposizione
tra esso e il nostro innato desiderio di eternità. Si osserveranno così i suoi tentativi di colmare tale mancanza, il suo rapporto con la sessualità e l’effetto di queste lotte interiori sulla sua salute mentale.
Fotografie, installazioni e video interverranno con l’obiettivo di creare un percorso all’interno della nostra psiche, seguendo il filo rosso del fugace, del temporaneo e del transitorio. Tutto
ciò all’interno di un contesto ricco di citazioni e omaggi (dalla pop art alla letteratura inglese, dall’arte contemporanea al surrealismo) in cui niente è off-limits e niente è troppo sacro o
spaventoso per poter essere messo sotto la lente di ingrandimento.
 
Andy Caraway
Nata a Genova nel 1996, si appassiona fin da bambina alla fotografia e alla storia dell’arte.
Frequenta perciò il Liceo Artistico Paul Klee – N. Barabino e, dopo un anno trascorso all’Università degli Studi di Genova al Dipartimento di Architettura e Design, si iscrive al DAMS di Torino.
Dal 2014 comincia ad approcciarsi alla fotografia di nudo e avvia le sue ricerche sul corpo umano, in particolare sulla sua relazione con la natura, rifacendosi ai valori del romanticismo.
Da quel momento espande la sua ricerca fino all’approdo ad una pulizia completa dell’immagine e ad una rappresentazione statuaria e marionettistica dei corpi, mettendoli tuttavia in relazione con diversi materiali e oggetti.
Oltre a ciò sperimenta con diversi linguaggi, tra cui quello cinematografico, dirigendo la fotografia di molteplici cortometraggi e studiando le tecniche di montaggio in funzione della
video-arte.
 
Info:
www.andycaraway.com
www.instagram.com/andycaraway