Dagli Impressionisti a Picasso
From the Impressionists to Picasso

 
DAGLI IMPRESSIONISTI A PICASSO
 
Percorrendo al contrario l’itinerario di Cristoforo Colombo, cinquantadue dipinti di grande importanza lasciano l’America e arrivano a Genova. Accogliere i visitatori in questa mostra è un compito felice: il Detroit Institute of Arts, fondato nel 1885, uno dei più grandi e completi musei degli Stati Uniti, ha selezionato e messo a disposizione per questa iniziativa le principali opere delle sue collezioni dall’impressionismo alle avanguardie, con un percorso denso e affascinante che ci conduce da Monet a Picasso.
Il racconto visivo di questa mostra attraversa non meno di sette decenni di arte e di emozioni: il passaggio da una sala all’altra è lo specchio di un mondo in rapido cambiamento tra Otto e Novecento, nell’alternanza fra la genialità di singoli protagonisti e la compattezza dei gruppi e dei movimenti artistici. Nell’Appartamento del Doge si squadernano pagine intere di storia della pittura, scandite da dipinti sempre di profonda bellezza e, in molti casi, di decisivo significato per gli snodi dell’arte europea alle soglie della modernità. Ciascuna delle opere esposte, nessuna esclusa, è una parte preziosa e insostituibile di una storia che ci appartiene profondamente, e che ci parla una volta di più con l’universale linguaggio della bellezza.

 
CERCANDO IL SOLE
LA NASCITA DELL’IMPRESSIONISMO
 
Poco dopo il 1860, prende avvio a Parigi una delle più importanti svolte nell’intera storia dell’arte occidentale. Pittori come Monet, Pissarro e Renoir lasciano la penombra degli atelier ed escono en plein air (all’aria aperta) per riprendere in modo libero e diretto le luci, i colori, l’atmosfera del paesaggio, la vita della borghesia parigina, nei piccoli piaceri domenicali come nelle vie affollate della città.
Nel 1874 viene organizzata la prima mostra collettiva: dal titolo di un dipinto di Monet, vengono chiamati “Impressionisti”. Quello che rende amabili le loro tele (la luce naturale, i soggetti di vita quotidiana, la mancanza di convenzioni accademiche, l’uso di colori limpidi, quasi direttamente spremuti dal tubetto) era considerato all’epoca “la negazione delle regole più elementari del disegno e della pittura”.
Per diversi anni le tele degli Impressionisti sono accolte con freddezza dai critici e trovano poco spazio nel gusto dei parigini, che preferivano le scene di vita cittadina dipinte con cura da pittori come Gervex o Carolus-Duran. A poco a poco, tuttavia, il gruppo che comprende Monet, Pissarro, Renoir e Degas comincia a ottenere un crescente successo. Si organizzano mostre e aste in diverse nazioni: collezionisti russi, inglesi e americani si appassionano alla pittura impressionista, il che spiega la presenza di numerose opere importanti nei musei fuori dalla Francia.
Intorno al 1880 il gruppo perde l’iniziale compattezza: nascono proposte nuove e orizzonti espressivi inaspettati.

 
Scena di caffé a Parigi
 
Questo dipinto rappresenta in modo perfetto le aspettative del pubblico parigino: la rappresentazione realistica e precisa della vita moderna, con i dettagli dipinti con cura e non con la frettolosa 
tecnica impressionista.
La scena è ambientata dietro la vetrina di un locale parigino: alla tranquillità un po’ assorta della coppia sulla destra si contrappone la vivacità più disinvolta del gruppo principale, caratterizzato dallo scintillìo brillante dell’abito della giovane donna di schiena. L’altra ragazza, accanto all’uomo che sta leggendo il giornale, sta fumando, mostrando così un tratto di emancipazione ancora piuttosto insolito.
Acclamato interprete della brillante vita sociale parigina, Gervex non rinuncia mai a una eleganza accademica nella inquadratura della composizione, nell’impeccabile disegno delle figure, nella attenta esecuzione dei dettagli: si noti, ad esempio, la riproduzione del divanetto imbottito in pelle. È proprio questa accuratezza, non priva di compiacimento, a dividere stilisticamente Gervex dai suoi coetanei Impressionisti, e in modo particolare da Degas.

 
DEGAS
LEZIONI DI STILE
 
In questo importante gruppo di opere, tutte degli anni della prima maturità, Edgar Degas (1834-1917) propone uno stile educato, colto e insieme inquieto, modernissimo: notevole è la differenza delle sue scene di interno con quelle di Gervex o Carolus-Durand, esposte nelle sale precedenti. Degas segue la parabola dell’Impressionismo da vicino, partecipando alle esposizioni collettive, ma mantenendo sempre una autonomia personale che lo porta a rifiutare sempre l’appellativo di “Impressionista”. Semmai, Degas mostra con chiarezza l’interesse per la fotografia, soprattutto nella novità del taglio prospettico rispetto alla secolare tradizione della pittura accademica.
La pittura di Degas si evolve lungo un ampio arco di decenni, mostrando via via una nuova interpretazione umana e sociale. Il tutù delle ballerine diventerà il grembiule sdrucito delle stiratrici, all’arredamento curato delle case alto-borghesi si sostituirà una tinozza ammaccata in un povero sottotetto, il bel mondo delle corse ippiche lascia il posto ai tavolini dimessi di un bar quasi deserto, dove non resta altro che la solitudine intorno a un bicchiere di assenzio.
Intanto, la vista del pittore peggiora gradualmente, tanto da portarlo alla cecità. Degas non si arrende, esplora alternative creative. Le mani si sostituiscono agli occhi: ciò che Degas non riesce più a vedere diventa tocco, materia, manipolazione, dai pennelli ai pastelli, dalla tela alla creta, dalla linea alla macchia, dalla pittura alla scultura.

 
CÉZANNE
SOLITARIO E GENIALE
 
Paul Cézanne segna il passaggio dalla prima stagione dell’Impressionismo ai successivi movimenti delle avanguardie. Dopo aver faticosamente strappato al padre banchiere il permesso di dedicarsi alla pittura, da giovane Cézanne si affaccia su Parigi, ma non la ama, preferendo uno stretto e sobrio circuito di luoghi familiari, tra Aix-en-Provence e la campagna circostante.
Da quando Pissarro lo convince a schiarire la tavolozza e a dipingere i paesaggi en plein air, Cézanne comincia i suoi quadri all’aperto, portando cavalletto, tele e colori in campagna, ma li finisce sempre nell’atelier. Per lui il paesaggio non è una “impressione” di luce e colore, ma una costruzione mentale di solidi geometrici regolari come il cubo, la sfera, il cilindro. Per raggiungere una concreta sintesi di forma e colore, Cézanne ripete più volte vedute di luoghi particolari, come la amata Montagne Sainte-Victoire.
Di famiglia benestante e di abitudini morigerate, Cézanne non aveva bisogno di vendere i suoi dipinti per vivere: lontano dai riflettori della critica e del mercato artistico parigino, le sue opere vengono esposte di rado, e quasi nessuno si accorge della sua grandezza. Solo dopo la sua morte, quando nel 1907 gli viene tributata una mostra retrospettiva, giovani pittori come Picasso e Matisse capiscono il debito nei confronti di un grande maestro, un “classico” che dà un senso nuovo all’intero corso dell’arte moderna.

 
OLTRE L’IMPRESSIONE
PROPOSTE E PROSPETTIVE
 
Dopo il 1880, con l’esaurirsi della fase più intensa dell’impressionismo, la pittura europea vive un periodo di grande vivacità creativa: Parigi è la vetrina della modernità, sostenuta anche dalle conquiste tecniche e scientifiche. D’altra parte, molti intellettuali sentono di voler evadere dal convenzionale mondo della borghesia. Si consuma in pochi anni la vicenda di Van Gogh, finita tragicamente con uno sparo in un campo di grano maturo. Van Gogh conferisce a ogni quadro una dimensione spirituale, in cui i colori forti e accesi manifestano emozioni e stati d’animo: con le sue pennellate drammatiche, pone le basi per l’Espressionismo.
Anche Paul Gauguin è il protagonista di una straordinaria avventura: oppresso da una vita parigina da cui si sentiva estraneo, decide infine di partire verso orizzonti esotici, non “corrotti” dalla civiltà occidentale. Gauguin si sofferma in contemplazione di forme essenziali, quasi l’evocazione di un paradiso perduto.
Nel 1890 Maurice Denis pubblica il “manifesto” dei Nabis, i “profeti”, un gruppo di pittori che si riuniscono nel paese di Pont-Aven, in Bretagna e propongono la semplificazione delle forme e un uso del colore in chiave non naturalistica. Un’ analoga esperienza viene vissuta in Germania, nella cittadina rurale di Worpswede: Paula Modersohn-Becker ne è una delle più appassionate animatrici. Gli sviluppi del postimpressionismo si indirizzano soprattutto verso temi di silenzioso intimismo. Ne sono ottimi esempi le opere dello svizzero Vallotton e gli interni di Bonnard.

 
MATISSE
E L’ÉCOLE DE PARIS
 
In occasione del Salon d’Automne del 1905 un critico, colpito dai colori accesi e dall’uso aggressivo della linea, definisce fauves, belve feroci, alcuni artisti che trovano in Matisse il principale rappresentante. I Fauves considerano il quadro l’occasione per esprimere in modo forte, persino brutale, emozioni e sentimenti. Il movimento, del quale fanno parte anche Dufy e Rouault, non è omogeneo: tuttavia, il suo ruolo appare determinante per lo sviluppo delle avanguardie.
Parigi è una città pianeggiante, ma sul suo panorama si delineano due collinette, alle estremità opposte rispetto alla Senna: Montmartre e Montparnasse. I caffé del Quartiere Latino e gli atelier di Montmartre e Montparnasse sono lo scenario di straordinarie novità, raccolte sotto la definizione generica di École de Paris, la scuola di Parigi.
Montmartre è il centro prediletto dei cubisti: Picasso, Braque, Gris. Nel gruppo cosmopolita di Montparnasse molti degli artisti sono ebrei e vengono dall’Est: a Parigi cercano non solo gli stimoli per l’arte, ma anche una maggiore libertà sociale e di espressione. Chaim Soutine, ebreo russo come Chagall, arriva a Parigi nel 1912: è uno dei pochi veri amici di Amedeo Modigliani, forse il più grande e certo il più sfortunato fra i pittori di Montparnasse. Figura controversa nel panorama dell’arte moderna, il pittore livornese incarna perfettamente la figura dell’artista maudit, maledetto, alla continua, tormentata ricerca di un equilibrio fra il successo e l’estrema, solitaria raffinatezza formale dei suoi ritratti.

 
ESPRESSIONISMO
L’AVANGUARDIA CHE PARLA IN TEDESCO
 
Il Detroit Institute of Arts ha potuto contare su una risorsa che lo contraddistingue tra i musei degli Stati Uniti. Per oltre vent’anni (1924-1945) è stato diretto dallo storico dell’arte tedesco Wilhelm (poi William) Valentiner, che non solo ha portato a Detroit i primi Van Gogh e Matisse esposti nei musei americani, ma soprattutto una competenza specifica sull’Espressionismo tedesco, con scelte di altissimo livello.
La definizione di espressionismo non indica un unico movimento o un gruppo di artisti, quanto una generale tendenza di genere stilistico. Alcuni aspetti accomunano molti pittori: tratti grafici asciutti e taglienti, contorni nettamente definiti, figure spesso nude, paesaggi appena accennati eppure carichi di energia, sentimenti di disagio espressi in modo esplicito, nessuna decorazione inutile, colori innaturali. Si distinguono tre principali correnti: die Brücke (“il ponte”) fondato da Kirchner, Heckel e Schmidt-Rottluff nel 1905 a Dresda; der blaue Reiter (“il cavaliere azzurro”), animato da Kandinsky a Monaco di Baviera dal 1911; e la neue Sachlichkeit (“nuova oggettività”), sviluppato dopo la Prima Guerra Mondiale a Berlino da Grosz, Beckmann e Dix.
Significativo è inoltre il desiderio di purezza, di evasione verso mari lontani di maestri come Pechstein e Nolde, e più tardi i lunghi viaggi di Kokoschka: un po’ come era accaduto a Gauguin nei confronti di Parigi.
Con la salita al potere del partito nazista, tutto cambia. L’espressionismo viene definito entartete Kunst, cioè “arte degenerata”, e messo al bando. Alcuni artisti sono costretti a emigrare e le loro opere vengono distrutte o comunque espulse dai musei.

 
PICASSO. CUBISMO E CLASSICITÀ PER L’ARTE DEL NOVECENTO
 
Strada maestra dell’arte del Novecento, il percorso di Picasso (1881-1973) scandisce le tappe di un’evoluzione rapida e ben riconoscibile. Picasso non ha mai rifiutato l’arte del passato: ogni scatto in avanti, anche il più provocatorio e inatteso, si fonda su uno studio profondo e consapevole. Le delicate e talvolta dolenti armonie figurative dei periodi blu e rosa, le fasi appassionate del Cubismo, il “ritorno all’ordine” classicista degli anni ‘20, i legami con il Surrealismo, la poetica dell’objet trouvé, i ritratti di Dora Maar e delle altre donne amate con voracità inestinguibile, Guernica, l’impegno politico e pacifista, le grandi tele dipinte a Vallauris, la varietà di esperimenti tecnici in scultura, ceramica e incisione; nelle metamorfosi continue di uno stile inafferrabile e sempre personale, Picasso ha dato un volto al Novecento.
Picasso sembra inarrestabile. È diventato popolarissimo, la sua immagine inconfondibile riempie le pagine dei rotocalchi. L’ultimo segmento della sua vita vede all’opera un uomo che con le sue magliette col collo a barchetta, a strisce orizzontali come quelle di un eterno monello, supera gli ottanta e poi anche i novant’anni, sempre sorretto da una energia veramente di fuoco, di sole e di acciaio. Senza mai nemmeno un accenno di malinconia o di rimpianto, Picasso rilegge temi e svolte stilistiche, interpretate alla luce di un’esperienza umana e artistica senza confronti.