Lisetta Carmi.
Il senso della vita.
Ho fotografato per capire

13 novembre 2015 – 31 gennaio 2016 prorogata al 7 febbraio 2016
Loggia degli Abati
 
Genova rende omaggio a Lisetta Carmi con una mostra personale a Palazzo Ducale, con il pù alto numero di fototografie mai esposte : 220 immagini che ripercorrono l’intero percorso creativo della grande fotografa.
 
Lisetta Carmi nel corso della sua lunga attività artistica ha sempre saputo cogliere l’attimo, ha capito quale potere può contenere l’immagine, quale può essere il “dono” dell’inquadratura perfetta. Un dono come il talento per la musica, la sua prima grande passione. Di origine ebraiche, ha conosciuto l’orrore delle persecuzioni razziali, quelle che segnarono anche la sua adolescenza; espulsa dalla scuola, mentre i suoi fratelli andarono a studiare in Svizzera, rimase nella solitaria casa di Lungoparco Gropallo con un solo amico a tenerle compagnia: il pianoforte. Guidata dagli insegnamenti del maestro They e dalla sua naturale inclinazione riuscì a diventare concertista ma “quando gli avvenimenti politici italiani con il governo Tambroni generano una svolta a destra – scrive nel saggio in catalogo Giovanna Chiti – Lisetta sente l’urgenza di prendere posizione, non può più accettare di rimanere in casa a proteggere le sue mani di pianista da possibili incidenti”. Abbandona il pianoforte e la carriera musicale. L’amico etnomusicologo Leo Levi le propone di accompagnarlo in Puglia dove doveva studiare i canti di una comunità ebraica. Affascinata dalla luce e dalla bellezza del Salento compra la sua prima macchina fotografica, un’Agfa Silette, e comincia a conoscere la Puglia attraverso l’obiettivo. San Nicandro, Rodi Garganico, Venosa, le catacombe ebraiche i suoi primi scatti. L’incontro magico con la fotografia.
Come nella musica, nelle mie foto c’è ritmo, il ritmo della musica che ho studiato per 35 anni”. Il ritmo della vita – ci viene da aggiungere. Quella che passa dalle tavole del palco (per tre anni, dal 1961 al 1964, è fotografa di scena al Teatro Duse di Genova) al deserto, dagli studi degli artisti alle vie di città desolate, dove i volti dei profughi, sempre dannatamente attuali, colpiscono lo sguardo e il cuore al di là di ogni latitudine. La vita che scorre lenta sulle chiatte del porto genovese o tra le pieghe delle lenzuola di un letto dove i travestiti, all’epoca erano gli anni settanta, potevano mostrarsi sfidando il pudore di una società perbenista che preferiva ignorare la loro esistenza. Volti di bambini, belli e indifesi da proteggere sempre da non sgridare mai, ammonisce: “sono i genitori che devono imparare dai loro figli, che devono avere una condotta esemplare; amo i poveri, gli emarginati, i bambini sono la vera ricchezza del mondo” e a quel mondo con le sue foto lei ha dato voce. Dietro il suo obiettivo non sono passati solo i protagonisti del mondo culturale che animava la Genova negli anni settanta ma anche tutta la città, fermata nelle sue contraddizioni più profonde e nascoste: il porto, lo scarico dei fosfati, i volti sfigurati dalla fatica, da una quotidianità spesso lacerante, dalla sofferenza che è sintomo di emarginazione. Come pure la sofferenza che appartiene al ciclo vitale dell’umanità: undici scatti, per molti ancora oggi scioccanti, della sequenza del parto. La vita fermata negli attimi cruciali ma anche straordinariamente naturali. Eventi che accomunano l’umanità.
La mostra, allestita nella Loggia degli Abati, curata da Giovanni Battista Martini, si apre con la sezione dedicata alla sua città natale, con immagini che documentano la forte identità sociale e culturale della Genova degli anni ’60 e ’70.
L’intensa attività portuale, la forte presenza industriale e la crescita smisurata dell’edilizia pongono la città al centro di forti tensioni sociali, non di meno in quegli anni nascono realtà culturali all’avanguardia nell’ambito del teatro, della musica e delle arti visive che il suo obiettivo riprende con rigore e lucidità.
Una sezione è dedicata agli straordinari ritratti di Ezra Pound. Pur se realizzati in un breve incontro con il poeta nella sua casa di Rapallo, ne restituiscono la complessità e la straordinarietà. Saranno esposte anche molte immagini inedite dedicate ai ritratti di artisti come Lucio Fontana, Luigi Dallapiccola, Leonardo Sciascia, Claudio Abbado, Joris Ivens, Carmele Bene e Lele Luzzati.
Se le fotografie della Carmi rimangono un punto imprescindibile per la conoscenza di quegli anni a Genova, sono altrettanto analitiche e significative quelle realizzate durante i numerosi viaggi compiuti in quegli anni: da quelle scattate in Sicilia dove si reca per un progetto congiunto con Sciascia, a quelle della Sardegna così come quelle realizzate in paesi lontani come l’America Latina, Israele, La Palestina, l’Afghanistan e l’India.
Chiudono l’esposizione due sezioni, la prima dedicata al momento della nascita con la ripresa di un parto nella sua sequenza temporale e la seconda con una selezione delle fotografie dei travestiti che furono raccolte in un volume uscito nel 1970 e che sono tra le sue immagini più note.
In contemporanea, alla Galleria Martini &Ronchetti di Genova, viene proposta una mostra di una trentina di foto vintage, stampe originali d’epoca dei celebri ritratti di Ezra Pound e dodici rare immagini scattate nel 1966 ad Amsterdam del movimento di protesta Provo.

Brassaï, pour l’amour de Paris

3 ottobre 2015 – 24 gennaio 2016 prorogata al 7 febbraio 2016
Sottoporticato

A cura di Agnès de Gouvion Saint-Cyr,
organizzata da Fratelli Alinari Fondazione per la Storia della Fotografia

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250 fotografie vintage e una proiezione per raccontare la storia eccezionale di una passione, quella che ha unito per più di cinquant’anni lo scrittore, il fotografo e cineasta Brassaï agli angoli e ai più nascosti recessi della capitale ma anche a tutti quegli intellettuali, artisti, grandi famiglie, prostitute e mascalzoni, in breve, a tutti coloro che hanno contribuito alla leggenda di Parigi.
 
Brassaï, il fotografo venuto da un altro luogo
Nato nel 1899 a Brasso in Transilvania, Gyulus Halasz, che prende il nome di Brassaï quando inizia a fotografare nel 1929, ha quattro anni quando suo padre lo porta con se a Parigi dove è stato invitato, in qualità di professore di letteratura, a trascorrere un anno sabbatico. Questo periodo affascina il giovane e resta impresso nella sua memoria. Il fascino per Parigi porta Brassaï a raggiungere la capitale francese nel 1924 dopo i suoi studi d’arte a Berlino. Ben presto incontra Desnos e Prévert i quali lo inseriscono nell’ambiente degli artisti e degli intellettuali che hanno contribuito a rinominare gli Anni Folli di Montparnasse e lo introducono al surrealismo. Il suo pensiero si concentra nel trasformare il reale in decoro irreale. Egli ricerca gli oggetti più ordinari e ne trasforma il significato, osa giustapposizioni insolite e defamiliarizza la percezione togliendo il reale dal suo contesto. Ecco come nascerà la sua ostinata ricerca dei graffiti a partire dal 1929.
 
Anni folli e passeggiate notturne
Allo stesso tempo, Brassaï inizia a braccare nella luce notturna della città una Parigi insolita, sconosciuta e disprezzata. Durante le sue lunghe passeggiate che lo portano solo o in compagnia di Henry Miller, Blaise Cendrars e Jacques Prévert, complici nell’alimentare le sue curiosità, rende visibili le umili prostitute dei quartieri “caldi” o i lavoratori della notte alle Halles, trasforma il rigore classico dell’architettura parigina in scene particolari e fissa l’insolita bellezza delle silhouettes fuggitive, delle illuminazioni accecanti o delle nebbie della Senna. Questo perdigiorno impenitente descrive la città seguendo i punti di vista che gli sono propri e che la luce gli offre come la visione panoramica di Parigi dall’alto della torre di Notre Dame, il riflesso ripetuto all’infinito degli archi del ponte sulla Senna, la pavimentazione dei Jardins des Tuileries disegnata dall’ombra dei cancelli, i fiori del castagno che emergono dalla notte come un bouquet nuziale o le apparizioni delle “belle di notte” nei portici oscuri.
 
Le sue amicizie surrealiste
Nel 1932, Picasso impressionato dal lavoro di Brassaï gli affida il compito di fotografare la sua opera scultorea fino ad allora sconosciuta e che deve essere pubblicata nel primo numero di una nuova rivista d’arte: Le Minotaure. I due artisti scoprono di avere dei gusti e delle affascinazioni in comune che hanno segnato il loro lavoro: le atmosfere sensuali delle Folies Bergères, e non è sorprendente per questi innamorati delle forme femminili, o quelle sempre misteriose delle feste delle fiere nelle quali regnano cartomanti e indovini. Tra tutti questi spettacoli, quello che attira maggiormente la loro attenzione è certamente il circo. Qui vi ritrovano la bellezza dei corpi umani e la virtuosità degli sforzi fisici, il dialogo tra la bestia e l’uomo, il senso dell’equilibrio e il gusto per il mistero.
 
Parigi, bella di giorno
Scopritore infaticabile della Parigi notturna, Brassaï non è insensibile al fascino della capitale alla luce del giorno. Egli ci propone così una visione del tutto personale dei giardini del Luxembourg, una sedia abbandonata o un leone minaccioso sotto la neve, piccoli artigiani, – il gelataio, il venditore di palloncini, un fotografo ambulante, il giardiniere che raccoglie le foglie o le statue svestite.
La stessa naturale empatia per gli argini della Senna che egli percorre per incontrare gli innamorati, i pescatori, i senza tetto e anche i cani. Brassaï passa da un quartiere all’altro – il Quartiere Latino, Bercy, Auteuil, e analizza le specificità di ciascuno. Mentre documenta le vita reale di questi spazi, sa anche catturare lo spirito di ogni quartiere di Parigi: la folla elegante di rue de Rivoli, i passanti davanti ai negozi dei Grands Boulevards, i carbonai lungo la Senna a Bercy, ma anche l’imponenza dei monumenti, la torre Eiffel, l’Arco di trionfo e soprattutto Notre-Dame e i suoi doccioni zoomorfi che rappresenta di giorno come di notte. Così, da qualsiasi lato si guardi il suo lavoro, vi si ritrova Parigi, sempre Parigi.
 
 

Conferenza Stampa

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Inaugurazione:

Dagli Impressionisti a Picasso
From the Impressionists to Picasso

I capolavori del Detroit Institute of Arts

Van Gogh, Gauguin, Monet, Cézanne, Degas, Renoir, Matisse, Modigliani, Kandinsky, Picasso

25 settembre 2015 – 10 aprile 2016
September 25th – April 10th, 2016
Appartamento del Doge
 

Rassegna stampa

 
 
 
 
 Secolo XIX – 22 settembre 2015
ADNKRONOS – 21 settembre 2015
Ansa – 21 settembre 2015

Repubblica Genova – 21 settembre 2015

 Corriere della Sera – 20 settembre 2015

Primo canale – 19 settembre 2015
InsideArt – 18 settembre 2015

 

Dagli Impressionisti a Picasso
From the Impressionists to Picasso

I capolavori del Detroit Institute of Arts

Van Gogh, Gauguin, Monet, Cézanne, Degas, Renoir, Matisse, Modigliani, Kandinsky, Picasso

25 settembre 2015 – 10 aprile 2016
September 25th – April 10th, 2016
Appartamento del Doge
 
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Le opere che saranno a lungo esposte nello splendido Appartamento del Doge ripercorrono il tragitto all’inverso che da Detroit porta al Vecchio Continente. La ricchezza della collezione di arte europea tra XIXX e XX secolo è data dalla sua completezza e dalla molteplicità dei linguaggi: un dialogo che coinvolge Van Gogh, Matisse, Monet, Modigliani, Degas, Monet, Manet, Courbet, Otto Dix, Degas, Picasso, Gauguin, Kandinsky, Cézanne, Renoir. Per la presenza di tutti i protagonisti, e per l’importanza delle opere, è possibile tracciare l’intera vicenda dell’arte europea dall’impressionismo alle avanguardie.
Il percorso della mostra è costantemente accompagnato da supporti didattici che inseriscono dipinti, artisti e movimenti nella dinamica storica di cinquanta anni densi di capolavori, organizzati secondo un criterio cronologico.

Si comincia con la grande sala in cui si racconta la nascita del movimento, dell’idea che ha cambiato per sempre la storia della pittura: l’impressionismo.
La volontà di aprirsi alla luce libera della natura è una conquista che passa attraverso il realismo intenso di Courbet (Bagnante addormentata presso un ruscello) e le opere piacevolmente narrative di pittori “alla moda” come Gervex e Carolus-Durand, per approdare alla gloria del colore di un capolavoro di Monet, i radiosi Gladioli databili intorno al 1876. Altrettanto significativo è il luminoso Sentiero di Camille Pissarro, che costituisce un autonomo, libero sviluppo dell’impressionismo, riflesso in un ampio paesaggio di campagna. Significativa è la presenza di tre opere affascinanti di Renoir, a cominciare dalla Donna in poltrona che coincide con la prima mostra dell’Impressionismo (1874), per giungere a due opere della tarda maturità, ormai dopo la svolta dell’anno 1900.

Uno spazio autonomo, quasi una vera “mostra nella mostra”, è dedicato alla figura di Edgar Degas, di cui sono presenti cinque tele, in cui sono sviluppati tutti i temi fondamentali del grande pittore parigino: il ritratto, i cavalli, le inconfondibili ballerine. In ciascuna di queste tele si riconosce la grande perspicacia del disegno, con cui Degas fissa espressioni, gesti, sentimenti, con un percorso che è parallelo a quello degli impressionisti, ma anche di una grande, nobile autonomia.

Segue, subito dopo, un altro spazio monografico, quello che raccoglie quattro straordinari dipinti di Paul Cézanne. Anche in questo caso, le collezioni del museo di Detroit comprendono tutti i campi di ricerca del pittore: la figura umana, il paesaggio provenzale nei dintorni di Aix (con una delle ultime versioni della prediletta Montagna Sainte Victoire), la natura morta, le Bagnanti nel bosco. All’opposto di Van Gogh, Cézanne non si lascia travolgere dai sentimenti, ma ritorna più volte sugli stessi soggetti, indagandone con pazienza la forma, e combinando il colore luminoso degli impressionisti con una rigorosa logica geometrica ben radicata nella tradizione.

La sala più grande della mostra affronta uno dei temi più delicati e significativo dell’arte di fine Ottocento: il superamento dell’impressionismo, e l’aprirsi di nuovi orizzonti. La figura-chiave è quella di Vincent Van Gogh, che trasferendosi in Francia “scopre” la luce, e rispecchia una vicenda umana esaltante ma terribilmente sofferta in pennellate cariche di materia e di espressione. La Riva della Oise ad Auvers, del 1890, è un capolavoro che si impone per la esplosiva carica del colore, ma anche per le dimensioni significative. Indimenticabile è poi l’Autoritratto con il cappello di paglia (1887), un’esplosione di colore e di emozione, ma anche un primato assoluto: questa è la prima opera di Van Gogh esposta in un museo degli Stati Uniti. Immediato e molto intenso è il confronto con l’Autoritratto di Paul Gauguin (1893), meditabondo e un po’ sornione.
Alle dinamiche del postimpressionismo partecipano Pierre Bonnard, con l’incantevole Donna con un cane, e l’originalissimo Odilon Redon, la cui Evocazione di farfalle è uno dei dipinti più suggestivi e sorprendenti di tutta la mostra.

All’aprirsi del Novecento, Parigi si conferma il centro delle arti e della cultura. I pittori internazionali convergono sulle due leggere alture di Montmartre e di Montparnasse, alle estremità opposte rispetto al centro della Ville Lumiére. Prendono corpo gruppi e avanguardie, ma nel suo insieme si parla di una École de Paris, la “scuola parigina”. Uno dei massimi protagonisti è Henri Matisse, qui presente con tre opere memorabili, fra cui l’indimenticabile Finestra (1916), in cui un classico interno borghese viene scomposto in una serie di forme, tra la penombra e la piena luce. Appassionante è il dialogo con i tre ritratti (uno femminile e due maschili) di Amedeo Modigliani, il raffinato livornese, maestro indiscusso della linea, capace di evocare sentimenti segreti, con una intensità struggente. Le tele dei francesi Dufy e Rouault e del bielorusso Soutine confermano la spiccata internazionalità del contesto artistico parigino nei primi due decenni del XX secolo.

Il gruppo di capolavori delle avanguardie tedesche presenti a Detroit è senza paragoni nei musei nordamericani. Questa parte della mostra è quasi fisicamente dominata dall’Autoritratto di un ancora giovanissimo Otto Dix (1912), impressionante per la fermezza grafica e l’espressione decisa. Accanto ad artisti di spiccata autonomia, come Nolde (Girasoli) e Kokoshka (davvero spettacolari le due vedute di Dresda e di Gerusalemme), troviamo i protagonisti delle diverse tendenze in cui si articola il movimento espressionista in Germania. Il “Ponte”, con gli elettrizzanti Paesaggi di Kirchner e di Schmidt Rottluff, e le figure inquiete di Heckel e Pechstein; la “Nuova oggettività” di Beckmann; e infine la svolta geniale verso l’astrattismo, carico di colore e di emozione, impressa da Kandinsky, con il precoce Studio per quadro con forma bianca, del 1913.

La sala monografica dedicata a Pablo Picasso presenta sei tele, in un percorso che attraversa in pratica l’intera vicenda dell’arte del Novecento, dalla giovanile Testa di Arlecchino (1905) fino alla magmatica Donna seduta, dipinta nel 1960, quando Picasso era ormai alle soglie degli ottant’anni. Da un capolavoro all’altro, si seguono le svolte, gli scatti geniali, il continuo dinamismo mentale del grande pittore spagnolo. Si parte dal periodo blu, ancora legato alle lezioni accademiche, e con il Ritratto di Manuel Pallarés (1909) ci si ritrova sulle soglie della scomposizione cubista, una indagine sulle forme che si ispira chiaramente a Cézanne; la natura morta intitolata La bottiglia di Anìs del Mono (1915) è una evoluzione di questa ricerca, con gli oggetti disposti liberamente nello spazio, riconducibili alle sagome e alle materie essenziali. Sorprendente è il passaggio successivo, il “classicismo” dei primi anni Venti, conseguenza di un viaggio in Italia: il grande ritratto di Donna seduta in poltrona ne è un esempio di formidabile intensità e importanza. La ragazza che legge (1938) ci porta poi nel clima stilistico di Guernica (dipinta l’anno prima), con l’espressiva deformazione di visi e mani, pur senza perdere la forza intima del personaggio.

Inaugurazione

Haiti. In viaggio con la solidarietà
Una storia da raccontare

4 settembre – 4 ottobre 2015
Sala Liguria

A Palazzo Ducale un evento speciale ed unico che accomuna felicemente la musica con la fotografia. Il sassofonista Andy Sheppard, il chitarrista Marco Tindiglia e il fotografo Pino Ninfa daranno vita ad un progetto multimediale all’insegna della solidarietà per le attività sostenute ad Haiti da Progetto sud (ONG) e Prosolidar (Onlus).
La situazione di Haiti dopo il terribile terremoto del 2010 sarà presentata agli spettatori dalle fotografie di Pino Ninfa secondo una chiave di lettura volta non tanto a evidenziare il disagio di situazioni difficili, ma a cogliere aspetti di dignità e speranza per un futuro migliore.
Luoghi, visi, incontri, in uno scenario che ha come sfondo il palcoscenico della vita.
 
Alla mostra in Sala Liguria si unisce uno spettacolo musicale nella Sala del Minor Consiglio il 17 settembre alle ore 21.
I personaggi sfilano in un ordine non prestabilito, il fotografo li incontra, alla ricerca di storie da raccontare a se stesso e agli altri, i musicisti ne raccolgono le emozioni, per restituirle sotto forma di storie musicali.

Liguria: un ritratto dal cielo.
40 anni in volo

24 luglio – 4 ottobre 2015
Loggia degli Abati

Inaugurazione 23 luglio, ore 18

Liguria, terra “verticale”, di bellezza sfrontata e selvaggia, stretta tra montagne scoscese ed un mare dalle furie imprevedibili, terra di faticose certezze che pur ha stregato molti e tra questi il fotografo genovese Roberto Merlo, specializzato in fotografia aerea.
In centinaia di ore di volo compiute con tutte le condizioni atmosferiche, Merlo ha sorvolato la Liguria e le sue città in lungo e in largo, salendo in quota per poi tornare a volo radente a scoprire e riscoprire una terra sempre differente, genuina e semplice nel farsi apprezzare.
Così, in occasione dei quarant’anni della sua professione, dal 23 luglio al 4 ottobre si potrà visitare a Palazzo Ducale una mostra interamente dedicata alla Liguria e a Genova, intitolata LIGURIA: UN RITRATTO DAL CIELO (40 anni in volo), destinata ad un pubblico di ogni età ed estrazione sociale e culturale.
Saranno esposte un centinaio di foto aeree di grande fascino e impatto emozionale, accompagnate dallo slideshow degli scatti più curiosi e salienti della lunga carriera; lungo il percorso espositivo vetrine con apparecchi fotografici, obiettivi, illuminatori ed altri accessori, che hanno accompagnato l’evoluzione del lavoro fotografico, e poi libri, calendari, stampati.
Negli spazi della mostra, in Estate, anche un concerto da camera di musica classica, evento nell’evento. E infine, nella seconda metà di settembre, in concomitanza con la ripresa scolastica, saranno in programma anche interessanti incontri-laboratorio con gli studenti delle scuole. L’obiettivo di Merlo è offrire un primo approccio alla fotografia professionale, creando uno spunto per una futura possibilità lavorativa e nel contempo offendo un arricchimento culturale che coinvolga tutti i giovani, dalle elementari all’università.
Se davvero volare è da sempre il sogno di tutti, ammirando le immagini scattate dal fotografo sarà come compiere un immaginario volo con lui sull’amato elicottero, alla scoperta emozionante e sorprendente di Genova e della Liguria, tra cielo e mare.

 

 

La mostra è organizzata in collaborazione con:
BANCO DI CHIAVARI E DELLA RIVIERA LIGURE
AUTORITA’ PORTUALE DI GENOVA
SAN GIORGIO DEL PORTO
AEGOA
COOP LIGURIA
AB EVENTI GENOVA
MANUELINA
AEROPORTO DI GENOVA
FREEMAGE
COSTA EDUTAINMENT
CAMOGLI CARTE NAUTICHE
ELICUNEO
SWS
VIDEO CLAUDIO MACCAGNO
TOTALPRINT
ANDREA NICOLINI E DUO NOVECENTO

Inaugurazione:

In mostra:

Una Genova di Giorgio Bergami

18 luglio – 23 agosto 2015
Ducale Spazio Aperto

Inaugurazione: 17 luglio, ore 18

“Non cercate in Giorgio Bergami un testimone, non lo è. Lui non testimonia, lui abita.
Il suo sguardo non è più alto, non è superiore, non è oggettivo, ma appartiene alla realtà.
La vive con gli occhi all’altezza degli occhi di tutti noi, abitatori con lui di questa nostra storia, delle nostre epoche, della nostra città. È un uomo della città che si prende cura della città, è un uomo della sua storia che ha sentimenti per la sua storia.
Abitatore del secolo ne è costruttore e manufatto. Ciò che vi mostra è quello che di sé è stato abitato da ciascuno di noi, con sguardo meno vigile, con abitudini meno mattiniere, con minore curiosità e più fievole passione; abbiamo tenuto le mani in tasca mentre lui le avvolgeva in una fotocamera.”

Maurizio Maggiani

 

Genova e i genovesi sono i veri protagonisti di questa mostra. Bergami ha iniziato a ritrarli negli anni Cinquanta. Appena sedicenne inizia a collaborare con l’agenzia Publifoto, che rileverà nel ’58: «avevo solo i calzoncini corti, andavo in giro con quelli – racconta – e ho avuto la fortuna di conoscere subito i giornalisti e i reporter più noti in città». Da quella prima esperienza capisce che la sua strada è quella. Ha lavorato tanto nel cinema e nel teatro: «circa duemila spettacoli, che significa cinquemila giornate di lavoro. Fotografare gli attori durante le prove mi è servito anche per i servizi che ho fatto in seguito nelle strade», dice.
 
I vicoli, molto prima che diventassero sinonimo di movida, sono stati per molto tempo (e sono ancora) il suo campo d’azione. La loro atmosfera e soprattutto gli artigiani, lo hanno sempre ispirato. Le case dei portuali, le principali trasformazioni della città, tante persone comuni, sono i protagonisti delle sue fotografie, nate dal suo sguardo attento. Con personalissimo stile documenta poi la speculazione edilizia nella circonvallazione a monte degli anni Sessanta.
 

Biennale – Le Latitudini dell’Arte – 2° edizione – Ungheria e Italia

da 13 luglio al 17 agosto 2015
Sala del Munizioniere

Inaugurazione: domenica 12 luglio ore 18.30
Dopo la Finlandia, protagonista della prima edizione, per il 2015 la scelta è caduta su un altro Paese europeo di solide tradizioni artistiche, quale è l’Ungheria.
La mostra che vede la partecipazione di settanta artisti, 35 ungheresi e 35 italiani, è curata, per l’Ungheria, da Márta Simonffy, direttrice dell’Associazione Ungherese degli Artisti d’Arte Figurativa e Applicata di Budapest, e per l’Italia da Virginia Monteverde, presidente di Art Commission, ideatrice e curatrice dell’evento. Presentazione critica a cura di Viana Conti.

La mostra, organizzata dall’Associazione di promozione sociale della cultura ART Commission, in collaborazione con Palazzo Ducale Fondazione per la Cultura e del Consolato di Ungheria a Genova, nasce con l’obiettivo di favorire lo scambio artistico-culturale tra l’Italia e gli altri Paesi.

Morire di classe

28 giugno – 5 luglio 2015
Ducale Spazio Aperto
 
Inaugurazione: 27 giugno ore 19.30
 
Nessuna teoria può svilupparsi senza incontrare una specie di muro ed è necessaria la pratica per sfondarlo.
Gilles Deleuze, conversazione con Michel Foucault – Gli intellettuali e il potere, 1972
 
Anno 1968.
Franco Basaglia già dal 1961 aveva iniziato, a Gorizia, la sua opera di smantellamento dall’interno dell’istituzione psichiatrica. Il suo lavoro iniziava a conseguire i primi risultati nonostante fosse pesantemente osteggiato dalla comunità terapeutica tradizionale e da una parte della società stessa.
Franco Basaglia, Antonio Slavich e un piccolo, almeno inizialmente, gruppo di operatori del settore avevano iniziato a scardinare la realtà manicomiale sostituendo la prassi dell’isolamento con quella della libertà e del rispetto, ma la società del tempo poco ne sapeva e ancora meno ne voleva sapere.
Nacque così l’idea di “Morire di classe”, progetto voluto da Franco e Franca Basaglia, appoggiato da Einaudi e Bollati e che coinvolse due grandi fotografi, Carla Cerati e Gianni Berengo Gardin, i quali furono invitati, non senza difficoltà, a recarsi all’interno di alcuni manicomi per fotografare, per la prima volta, i pazienti internati.
Come loro stessi testimoniarono in seguito, l’esperienza fu terribile dal punto di vista umano ed emozionale ma la loro abilità e professionalità permise di creare un documento straordinario che con forza spalancava gli occhi a una società che, da quel momento, non poté più rimanere indifferente. Solo partendo da queste immagini si poteva cogliere la durezza e la difficoltà della battaglia intrapresa contro un’istituzione che la psichiatria tradizionale avallava e contro una società che ne richiedeva l’esistenza per mantenere l’ordine. Le norme basate sul controllo e sull’esclusione degli elementi di disturbo e di scarto avevano generato mostri monolitici all’interno dei quali si perpetrava un vergognoso e continuo annullamento dell’uomo.
Le atrocità del nazismo bruciavano ancora sulla pelle e nelle menti degli uomini ma queste torri d’avorio, incredibilmente, continuavano a grondare sangue e dolore. Furono queste fotografie a mostrare chiaramente una situazione che non fu più possibile ignorare contribuendo, nel frattempo, alla crescita di quel movimento di opinione che si propose la chiusura dei manicomi e che condusse alla legge 180 del 1978.
Uomini e donne trasformati in fantasmi iniziarono così, lentamente, a ritornare esseri umani.
Lo scopo di questo libro denuncia era stato ottenuto: una parte della storia italiana che da troppo tempo copriva un intollerabile stato di cose era finalmente emersa ed era sotto gli occhi di tutti; non si poteva più fare finta di non sapere né, tantomeno, girarsi dall’altra parte anche se qualcuno, vergognosamente, continuò a farlo.
 
Le immagini della Cerati e di Berengo Gardin rafforzarono le parole e le azioni di Basaglia e dei suoi collaboratori; il muro era stato squarciato e ora si trattava di abbatterlo definitivamente.
 
Anno 2015.
Riproporre queste testimonianze è particolarmente importante sia per raccontare il passato a chi non lo ha vissuto, sia per riflettere su come la storia a volte, purtroppo, si ripeta anche se mutando volto e obiettivi.
Soltanto continuando a lottare contro istituzioni corrotte o troppo interessate, contro stupidi pregiudizi e contro quella parte di società che si disinteressa degli accadimenti ingiusti e negativi o, peggio ancora, gli avvalla, potremo riportare altri fantasmi alla condizione di esseri umani.
 
Vorrei cogliere quest’occasione per ricordare con grande affetto il professor Antonio Slavich il quale, dopo aver lottato insieme a Franco Basaglia, giunse a Genova nel 1978 per dirigere l’ex Ospedale psichiatrico di Quarto portando al suo interno, non senza difficoltà, quel rinnovamento democratico che molti, tuttavia, anche in ambito genovese continuavano a osteggiare. Figura controversa, spigoloso e determinato nelle azioni ma affabile e generoso nell’aiutare il prossimo, Slavich ha lasciato a Quarto un ricordo indelebile in tutte le persone oneste che ebbero la fortuna e il privilegio di conoscerlo.
Fabrizio Boggiano

X Biennale DE FABULA. Cibo, territorio, creatività

26 giugno – 5 luglio 2015
Sala Liguria

Il buon cibo, lo spirto spinge a volar in alto sopra la terra

Motivo portante della X Biennale, è quello di EXPO2015 Milano: “Nutrire il pianeta, energia per la vita”.
Il progetto della Biennale propone l’interpretazione, in maniera molto originale ed innovativa, dei diversi aspetti del concetto di nutrizione anche attraverso la partecipazione dell’artista Walter Di Giusto, del gruppo teatrale Gi-CAP e dell’associazione di promozione sociale A.TRE, con i quali si pone l’accento sulla conoscenza degli usi e delle tradizioni del passato come unico e autentico strumento sul quale fondare lo sviluppo del futuro.
Appuntamenti
Venerdì 26 giugno ore 17,30:
Inaugurazione della X Biennale
Saluti delle autorità
Presentazione a cura di ass. De Fabula e A.TRE
“AperiCena con arte”, a cura del gruppo GiCAP

Lunedì 29 giugno ore 17,00
La salatura delle acciughe, Conferenza – laboratorio:
prof. Remo Bagnasco e “Pescheria Da Ciccio, Rapallo”
Venerdì 3 luglio ore 17,00:
“Dalla tovaglia al dessert. Sei secoli di tavole genovesi”
Conferenza: Dott.ssa Loredana Pessa
Domenica 5 luglio ore 11,00:
premiazione del 3° Concorso Internazionale “Biennale De Fabula”
Ogni giorno “L’arte dei fili”: macramé, ricami, merletto
a cura dell’Associazione “De Fabula”
Opere in Mostra
“Gustose lettere”
Un’opera progettata dall’artista Walter Di Giusto, composta da 25 quadrati, che – nel loro insieme – riproducono la scritta: Il buon cibo, lo spirto spinge a volar in alto sopra la terra.
Ventiquattro quadrati, sono stati realizzati da artiste di vari Paesi del mondo, ognuno con una tecnica differente e riportante due cifre della frase. Al centro un quadrato dipinto dall’artista W. Di Giusto “Il filo… del discorso” (Le stagioni a tavola)
La scuola De Fabula presenta alcuni quadri ispirati alle stagioni dell’artista Giuseppe Arcimboldo realizzati con varie tecniche di ricamo e merletto.
Saranno, inoltre, esposte tavole imbandite con piatti tipici, prodotti alimentari, dolci e tanto altro legato alle varie produzioni stagionali, tutto realizzato con il filo.
Per l’allestimento di questa mostra saranno utilizzati accessori, tovaglie ed altro, offerti da una collezione privata.
3° Concorso Internazionale Biennale De Fabula
Il sogno, un mondo fantastico dove si vivono esperienze e situazioni incredibili.

Walter Di Giusto
Nasce a Cassacco, (Udine) il 9 Novembre 1946.
L’artista vive a Genova dal 1960. Nel decennio successivo inizia la sua attività artistica indirizzandosi verso una ricerca che andrà dalle esperienze
iperrealiste dei primi anni 70 alla elaborazione di immagini di matrice fotografica del “76,77. Fra le numerose mostre vanno ricordate la X
Quadriennale di Roma e Lavori in corso alla Galleria d’Arte Moderna di Bologna. Negli anni “80 elabora una pittura di paesaggi dell’interiorità e della
memoria, animati da rievocazioni mitiche ed arcaiche, che lo avvicina al movimento della Pittura Colta, significative a questo proposito le sue
presenze nelle mostre: Pittura Colta, Milano, La Nuova Maniera Italiana, Bari, Archeologie dell’anima, Genova, II Mito e il Classico nell’Arte
Contemporanea Italiana, Sarzana e nella grande installazione Lo Sguardo di Giano al Museo Santa Monica, di Barcellona.
Nonostante le numerose sperimentazioni tecniche, l’artista si è sostanzialmente mantenuto fedele all’espressione pittorica, a cui ha affiancato anche opere scultoree, è presente con
due opere nella raccolta del Museo del Parco di Portofino. Nel 2000 espone ad Atlanta e partecipa, alla “Via Crucis” al Museo di S. Agostino e a due importanti rassegne presso il
Museo di Villa Croce a Genova, seguono sue presenze in tutte le più importanti Fiere dell’arte in Italia, da MIART a Arte Fiera First a Bologna.Tre sue opere entrano a far parte delle
collezioni del Museo delle Generazioni di Cento (Bo). Partecipa a l’Ulivo nell’Arte a Imperia e al Bosco del Mito a Migliarino (Pisa). Nel 2004 con Alinari, Bertocci, Chia,
Ceccobelli,Donzelli e Pozzati è tra gli artisti italiani ricevuti in Vaticano da Papa Benedetto XVI per le Tavole della Pace. Nel 2009:espone a Nuovi scenari a Teglio ( Sondrio ), Omaggio
a Lucio Piccolo a Capo D’Orlando e Art Council, Ottawa, nel 2011 è alla 54° Biennale di Venezia e alla 1* Biennale Internazionale a Brescia. Il 2013 lo vede tra gli artisti di Cofani
Porsche D’Autore e il 2014 tra gli artisti di I Have a Dream promossa dalla Fond.Kennedy a Palazzo Reale a Milano. Del 2015 la partecipazione alla mostra Corporate Art alla Galleria
Nazionale d’Arte Moderna di Roma. Oltre centoventi le personali ultima delle quali ad Ascoli Piceno.

Non solo selfie. Jotaf, Opera Recente

13 – 21 giugno 2015
Sala Liguria
 
Inaugurazione: 12 giugno ore 17
 
Un cammino caratterizzato sovente anche da errori. Nella fotografia l’atto artistico ha inizio prima di riprendere l’immagine: non è questione di stile e non dipende dal soggetto della scena, ma dalle intenzioni e dalle pratiche di realizzazione. L’arte di Jotaf si potrebbe ritrovare in quella che viene definita “fotografia soggettiva” di stampo californiano. Nelle sue competenze pedagogico-artistiche, in una visione dell’” educazione alla fotografia”, include anche un approccio empatico e una lettura psicologica delle immagini. Esse, infatti, sono la punta dell’iceberg
di un progetto, o la realizzazione finale di un procedimento che si allontana sempre più dall’idea romantica e naif del fotografo che vaga tra le vicende della vita quotidiana, in attesa di catturare un atteggiamento od un’inquadratura.
Perché l’uso del bianco e nero? A volte il colore può risultare un elemento percettivamente molto forte che attrae oltremodo molto l’attenzione dell’osservatore. Di conseguenza, la sola presenza del colore può distogliere dagli altri elementi di una fotografia, come la luce o la trama della superficie degli oggetti. Qualora poi si tratti di pigmenti molto forti e brillanti, il loro effetto distraente è maggiore, oltre ad assumere, di primo acchito, un valore documentaristico, di mera registrazione degli eventi. Il bianco e nero invece, per sua natura, si differisce dalla realtà e lascia maggiore spazio all’interpretazione. L’impatto visivo rende “automaticamente” la ripresa in bianco e nero più indistinta, ipotetica, irreale. Ma, quasi d’incanto, l’utilizzo del colore diviene necessario, è l’immagine stessa che te lo chiede gridando, e la sua forza diviene indiscutibile. In realtà, è solo quando vedi la fotografia che riuscirai a sapere se debba essere a colori oppure no!
Perché l’uso del bianco e nero a colori? la luce è somma di tinte, toni e sfumature che penetrano nei nostri corpi e condizionano le nostre reazioni, il nostro umore, le nostre emozioni. Il colore avvolge le ore del giorno e delle stagioni, intervallato dalla notte, metronomo che ritma il trascorrere del tempo. Si creano relazioni inconsce profonde tra colori e sensazioni, simili in tutte le civiltà, tanto che persino il linguaggio è pregno di espressioni che usano i colori per esprimere concetti indescrivibili. Per esempio la percezione del giallo è molto sviluppata
tanto da riuscire a distinguere ed a “classificare” una moltitudine di sfumature: i popoli primitivi distinguevano molti più gialli di noi “civilizzati”, così come gli uomini del Settecento discernevano molte più gradazioni, quantità e qualità di suoni di noi “moderni”. Non sempre il “progresso” è sinonimo di miglioramento. Feliz sperimenta la “teoria dei colori” in bianco nero
quale apporto importante al messaggio che intende trasmettere, sfruttando con coerenza ed armonia il “dipingere con la luce” che è somma di animazione tra monocromatismi e mancanza di colore, ossia il bianco-nero ma pur esso, a tutti gli effetti, colore. Per questi motivi Non solo selfie supera il difficilissimo esame del tempo, allo scopo di restituire “un ricordo” a noi orfani della nostra storia e della nostra cultura.
Un risultato comunicativo davvero di altissimo livello!
Andrea Panizzi

Giornale Antropomorfo

4 – 14 giugno 2015
Spazio46 di Palazzo Ducale
 
Inaugurazione mercoledì 3 giugno 2015 ore 18
 
personale di Silvio Monti
a cura di Virginia Monteverde
 
ART Commission Events
 
presentazione critica a cura di Stefano Bigazzi
La mostra rimarrà allestita fino al 14 giugno e vedrà l’esposizione di una serie di opere che Monti ha realizzato utilizzando la carta di un quotidiano. L’artista sottolinea in questo modo l’importanza della carta stampata e della presenza dei quotidiani nella nostra società e nella nostra cultura.
 
… Una babele di parole, notizie, suggerimenti, moniti, recensioni nei giornali antropomorfi di Silvio Monti, che nello Spazio46 di Palazzo Ducale dispone sei grandi installazioni la cui materia prima è costituita dalla carta. Pagine di Repubblica lasciano la quotidianità per aggregarsi come materia nuova in un nuovo contesto, fisico e mentale… (Stefano Bigazzi)
 
Silvio Monti è nato a Borgomanero nel 1938. Ha frequentato la Spolecznos Akademia Uniwersytetu Batorego a Londra. E’ stato allievo di Marian Bohuz Szysko. Ha frequentato lo studio di Oscar Kokoschka. Nel 1963 da Londra si trasferisce a Parigi, Bruxelles, Wiesbaden, Dublino, Beyrouth, Roma, per poi stabilirsi a Varese dove attualmente vive e lavora.
Disegna e illustra diversi CD del cantautore Angelo Branduardi e con lui partecipa al Tour Europeo “Paint Session” nel 2003, con performance e pittura in teatri di Germania, Austria, Svizzera, Belgio e Italia. Sue opere sono esposte in Musei ed Enti Pubblici italiani ed esteri.

Tonino Conte. Due volte quaranta
Un compleanno patafisico

29 maggio – 28 giugno 2015

A cura di Fondazione Luzzati Teatro della Tosse

Per gli ottant’anni di Tonino Conte, regista, scrittore, artista visivo e visionario, un percorso espositivo con fotografie, bozzetti, manifesti, modellini, scenografie, testi letterari e
incursioni teatrali.

Un omaggio all’immaginario poetico di Tonino Conte, originale, complesso ma non complicato, semplice ma non facile, popolare ma non banale.

Un’esposizione ostinatamente patafisica per raccontare un modo di fare arte, teatro e letteratura “artigianale” e fuori da tutti gli schemi.

August Sander
Ritratto del XX secolo

11 aprile – 23 agosto 2015
Sottoporticato, Palazzo Ducale
 
Palazzo Ducale presenta, dal 11 aprile al 23 agosto, una retrospettiva di uno dei massimi fotografi tedeschi del XX secolo: August Sander, realizzata in collaborazione con la Photographische Sammlung / SK Stiftung Kultur di Colonia e con il Goethe Institut Genua.
 
Le oltre cento immagini selezionate suddivise in diverse sezioni offrono una panoramica sulla sua intera e variegata produzione: dagli scatti della sua serie più famosa “Uomini del XX secolo” – che offre uno spaccato della società del suo tempo non limitandosi a rappresentare personaggi famosi ma gli uomini di tutte le età, di tutte le classi sociali impegnati nelle più disparate occupazioni – ai numerosi altri progetti che realizzò durante la sua vita. La sezione Uomini del XX secolo è suddivisa in 7 sottosezioni che presentano varie categorie umane: I Contadini, Gli abili Commercianti, Le Donne, Classi sociali e Professioni, Gli Artisti, La Città, Gli Ultimi. Con “Studi, l’Uomo” egli approfondì la sua ricerca sul ritratto combinando dettagli di mani e volti in collage di grande formato. Nella fotografia di paesaggio tratteggiò il carattere di molte regioni e indugiò con l’obiettivo anche su dettagli geologici e botanici.
 
Sander scrisse: “Ho incominciato i primi lavori della mia opera “Uomini del XX secolo” nel 1911, a Colonia, mia città d’adozione. Ma è nel mio paesetto del Westerwald che sono nati i personaggi della cartella. Queste persone delle quali io conoscevo le abitudini fin dall’infanzia mi sembravano, anche per il loro legame con la natura, designati apposta per incarnare la mia idea di archetipo. La prima pietra era così posta, e il “tipo originale” mi servì da referente per tutti quelli che ho trovato in seguito per illustrare nella loro molteplicità le qualità dell’universale umano”.
“Uomini del XX secolo” raccoglie un ampio campionario dei diversi gruppi sociali, dai contadini agli artigiani, operai, studenti, professionisti, artisti e uomini politici chiamati a svolgere il delicato ruolo di testimoni e archetipi della loro epoca. Ciò che sorprende in queste fotografie è l’atteggiamento dei personaggi così apparentemente distaccato dall’istante dello scatto, come se l’espressione delle persone così riprese fosse conforme all’idea che quelle avevano di sé, di ciò che in loro è più tipico, anziché l’adozione di una posa per loro più vantaggiosa, ma, al tempo stesso, più artefatta. E’ come se le qualità narrative dei soggetti fossero già presenti e che il compito del fotografo fosse solamente quello di rispettare la loro più autentica natura. Il rigore e l’attenzione di Sander nel voler cogliere le peculiarità di un paesaggio e dei suoi abitanti, anche al di fuori del suo ambiente familiare, sono evidenti nelle foto di paesaggi, monumenti e costumi tradizionali che scattò durante il suo viaggio in Sardegna nel 1927. Documentò l’isola proprio come Colonia, la sua patria di adozione i cui edifici storici furono per la maggior parte distrutti durante il secondo conflitto mondiale.
 
Scriveva Alfred Döblin: “La sua opera non consiste nella produzione di ritratti somiglianti, in cui si possa riconoscere con facilità e certezza un individuo determinato, ma di ritratti che suggeriscono intere storie”.
E ancora: ”chi guarda queste immagini nette, potenti, ne sarà illuminato più che da conferenze o teorie e imparerà molto su di sé e sugli altri”.
 
Come si possa fare sociologia senza scrivere, ma presentando invece immagini, immagini di volti e non per esempio costumi regionali, lo dimostra questo fotografo, con la sua intelligenza, la sua osservazione, la sua scienza e, non ultima, la sua enorme capacità fotografica.” (Alfred Döblin).

Social Illusion

31 marzo – 12 aprile 2015
Sala Dogana, Palazzo Ducale
 
progetto di Pawel Kuczyński
 
a cura di Emilia Saglia, Karolina Kowalcze e Raffaello Franiuk
 

inaugurazione 31 marzo, ore 18
opening March 31th, 6pm
 
Dal 31 marzo al 12 aprile si terrà presso Sala Dogana a Palazzo Ducale di Genova la mostra “Social Illusion”, illustrazioni del noto artista Pawel Kuczyński.
 
Kuczyński è un giovane artista polacco che attraverso le sue opere, piene di ironia e di sarcasmo, riflette sui problemi dell’attuale società, ovvero quelli del consumismo, della guerra, dei meccanismi politici, della povertà, della dipendenza da internet e dai social media.
Le sue diagnosi sociali illustrate sono estremamente suggestive e non hanno bisogno di essere accompagnate da nessuna spiegazione. L’artista, infatti, non dubita dell’intelligenza dell’osservatore e grazie all’umorismo nero delle sue illustrazioni raffigura in modo diretto e spesso sfrontato il peso delle responsabilità di ciò che è stato creato dall’uomo.
 
La mostra, curata da Emilia Saglia, Karolina Kowalcze e Raffaello Franiuk, è il primo appuntamento del progetto “Prossima fermata: Polonia” che dal 31 marzo al 29 aprile proporrà un ciclo di incontri artistici, letterari e gastronomici sulla cultura polacca.
Il progetto è stato ideato dall’Associazione culturale Gulasch in collaborazione con il Consolato Generale della Repubblica di Polonia in Milano e la Sezione di Polonistica dell’Università degli Studi di Genova. Il progetto è realizzato con il sostegno del Ministero degli Affari Esteri della Repubblica di Polonia.
 
L’associazione culturale e di promozione sociale “Gulasch” nasce a Genova nel 2013 dall’incontro di un gruppo di persone unite dall’interesse comune per quello che geograficamente – ma anche politicamente e in senso storico – è chiamato, dal mondo Occidentale, Est Europa.
Ai numerosi Paesi che lo compongo i membri dell’associazione sono legati da ragioni affettive, di sangue e di provenienza, ma anche di studio, lavoro e passione. Gulasch è l’identità attraverso la quale promuovono eventi culturali per raccontare, vivere e condividere il loro “mal d’Est”.
 
Prossimi apputnamenti:
 
I seguenti appuntamenti saranno ospitati in via dei Giustiniani 3r, presso il ristorante “Kowalski”.
 
8 aprile – ore 18.30
Evento gastronomico “Una Mela al Giorno”
Sarà una lezione tenuta dalla cuoca del ristorante, Agnieszka Zareba, durante la quale verrà raccontato un menù interamente polacco in cui il fil rouge sarà la mela, simbolo ufficiale del padiglione polacco all’Expo 2015. Alla fine, i partecipanti siederanno ad un’unica tavola per degustare l’oggetto della lezione appena tenuta. È necessaria la prenotazione.
Prezzo Lezione e cena a seguire: 25 euro. Inizio lezione: ore 18.30. Inizio Cena ore 20.00
 
9 aprile – ore 18.30
Evento letterario “Tra italofobia e italomania”: l’immagine dell’Italia nella letteratura e nell’arte polacca a cura di Fabrizia Scortecci e Karolina Kowalcze
I rapporti tra Polonia e Italia vantano una tradizione secolare di cui troviamo tracce non solo in ambito culturale e artistico, ma anche nella vita sociale e quotidiana dei due popoli. Le relatrici approfondiranno le peculiarità di tali relazioni, soffermandosi sull’alternanza in esse di tensioni opposte e spesso conflittuali: adorazione e disprezzo.
 
9 aprile – ore 20.00
“Kowalski Backs to Poland: MAŁOPOLSKA (La Piccola Polonia)!”
La prima di un ciclo di cene a tema dedicate alle regioni della Polonia. Un viaggio gastronomico che parte dalla terra sulla quale sorge la meravigliosa città di Cracovia e ai cui confini si erge la catena montuosa dei monti Tatra.
 
10 aprile: – ore 19.00
Evento fotografico: Mittelphoto Polonia a cura di Alberto Rizzerio e Karolina Kowalcze
Presentazione di alcuni giovani fotografi contemporanei polacchi nell’ambito del progetto Mittelphoto che pruomuove l’arte fotografica dell’Europa Centro-Orientale.
 
15 aprile: – ore 20.00
“Kowalski Backs to Poland: MAZURY (Masuria)!”
Il nostro viaggio gastronomico in terra Polacca approda nella regione dei laghi. Kowalski proporrà un menù nel quale il pesce d’acqua dolce sarà assoluto protagonista.
 
17 aprile – ore 18.30
Workshop gastronomico: “La Mela Alcolica”
Lezione su come confezionare interessanti drink a base di mela. E’ gradita la prenotazione mentre sarà obbligatorio degustare! Prezzo lezione più degustazione: 10 euro.
 
22 aprile – ore 19.00
Incontro lettearario: “Amori proibiti nella letteratura polacca del 900″, a cura della Prof.ssa Laura Quercioli, responsabile della Sezione di Polonistica dell’Università di Genova
L’incontro seguirà il filo rosso di come alcuni dei massimi scrittori polacchi del Novecento abbiano scelto di illustrare pulsioni ed amori “illeciti”, sia etero che omosessuali.
 
23 aprile – ore 20.00
“Kowalski Backs to Poland: POMORZE (Pomerania)!”
In occasione dell’arrivo sui muri del “Kowalski” della mostra personale di Pawel Kuczynski, viene offerto al pubblico un menù dedicato alla regione polacca dalla quale proviene l’artista.
 
29 aprile – ore 20.00
“Kowalski Backs to Poland: ŚLąSK (Slesia)!”
Il piccolo tour delle regioni polacche visitate attraverso le loro caratteristiche gastronomiche termina con la visita alla regione della Slesia. Un affascinante assaggio dei piatti tipici di questa terra del sud polacco.
 
La gelateria Profumo di Rosa di via Cairoli presenterà nel mese di aprile uno speciale gelato pensato per omaggiare “Prossima fermata: Polonia!”.
 
L’associazione culturale e di promozione sociale “Gulasch” nasce a Genova nel 2013 dall’incontro di un gruppo di persone unite dall’interesse comune per quello che geograficamente – ma anche politicamente e in senso storico – è chiamato, dal mondo Occidentale, Est Europa.
Ai numerosi Paesi che lo compongo i membri dell’associazione sono legati da ragioni affettive, di sangue e di provenienza, ma anche di studio, lavoro e passione. Gulasch è l’identità attraverso la quale promuovono eventi culturali per raccontare, vivere e condividere il loro “mal d’Est”.

Viaggio col Poeta.
La poesia incontra la pittura

31 marzo – 12 aprile 2015
Palazzo Ducale, Sala Liguria
 
Inaugurazione 31 marzo 2015
 
Una mostra nata dalla collaborazione tra il poeta Guido Zavanone, alcuni Artisti e la Fondazione Mario Novaro.
L’idea è quella di attraversare le pagine del suo poema Il viaggio stellare, edito da S. Marco dei Giustiniani, ricavandone dipinti e disegni liberamente ad esse ispirati. Un viaggio che coinvolge lo spettatore in una sorta di giostra vertiginosa, costellata di parole, figure, colori.
A questa avventura con Zavanone, poeta visionario e recente vincitore del premio Cesare Pavese, hanno dato il loro prezioso apporto nove artisti, differenti tra loro per tendenze e dati anagrafici, ma tutti con una ricca storia artistica alle spalle:
Milly Coda
Gigi Degli Abbati
Walter Di Giusto
Sergio Giordanelli
Luigi Grande
Bruno Liberti
Sergio Palladini
Raimondo Sirotti
Giuseppe Trielli
 
Alla mostra, che raccoglie le opere (quattro per ogni artista per un totale di 36) e i versi che le hanno ispirate, si affianca una pubblicazione con le immagini e i testi poetici, introdotta da una presentazione di Giulio Sommariva (Conservatore del Museo dell’Accademia Ligustica di Genova).
Curata da Walter Di Giusto con il patrocinio della Fondazione Mario Novaro Onlus e dell’ UNESCO, l’iniziativa avrà carattere itinerante: prima tappa dal 7 al 22 Marzo 2015 presso Il Castello di Rapallo, la seconda nella sala Liguria del Palazzo Ducale di Genova dal 31 Marzo al 12 Aprile 2015.
 

Mai perdute forme del Mondo

12 – 22 marzo 2015
Inaugurazione 12 marzo, ore 17

La mostra Mai perdute forme del Mondo, la persistenza del figurativo in alcune esperienze contemporanee, sarà allestita a Palazzo Ducale (Liguria Spazio Aperto) nel periodo che va dal 12 al 22 marzo (vernissage, 12 marzo, ore 17), dove saranno esposte opere di artisti figurattivi contemporanei e dove, il 20 marzo alle ore 17, si svolgerà nell’auditorium attiguo allo spazio della mostra un Convegno in cui la storica e critica dell’arte Lorena Gava traccerà un profilo di tutti gli artisti partecipanti e spiegherà il senso della mostra e l’importanza di rilanciare il figurativo italiano di qualità, quello che attinge alla nostra grande tradizione e nel contempo la rinnova.

Interverranno al Convegno Alessandra Gagliano Candela, docente dell’Accademia Ligustica di Belle Arti, per riaffermare la centralità di questa prestigiosa istituzione per la formazione degli artisti e Luisa Caprile, presidente della Fondazione Garaventa, per presentare un bando di concorso nazionale sul ritratto celebrativo, onde proseguire il processo di attenzione sull’arte figurativa.

L’iniziativa è organizzata dall’Associazione Voltar Pagina, presidente Miriam Pastorino, e dal Circolo Arci Pinetti, presidente Giampiero Ielli, col patrocinio della Regione Liguria e del Comune di Genova.

Gli artisti:
Elisabeth Cyran, Luisa Caprile, Dionisio di Francescantonio, Paola Ginepri, Sergio Massone, Dario Modena, Vittorio Morandi, Fabio Prati, Svevo Salvini, Maria Luisa Seghezza, Elisabetta Semeria, Rossella Tassinari, Alessandra Varbella, Lenka Vassallo.

Inaugrazione:

Da Kirchner a Nolde
Espressionismo tedesco 1905-1913

5 marzo – 12 luglio 2015

“L’uomo è una corda tesa tra la bestia e l’uomo nuovo, una corda che attraversa un abisso…
la grandezza dell’uomo sta nel suo essere un ponte, non un fine”  Nietzsche

Dal 5 marzo al 12 luglio 2015 Palazzo Ducale di Genova presenta in collaborazione con il Brücke Museum di Berlino una rassegna sulla nascita dell’Espressionismo Tedesco e in collaborazione con il Goethe Institut Genua, curata da Magdalena Moeller, direttrice del Brucke Museum di Berlino.

Il termine Espressionismo Tedesco deve la sua origine principalmente alla fondazione del movimento Die Brücke (“Il Ponte”) da parte di Fritz Bleyl (1880-1966), Erich Heckel (1883-1970), Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938), Karl Schmidt-Rottluff (1884-1976) a Dresda il 7 giugno 1905. Lo scopo di questi artisti è quello di gettare un ponte tra la pittura classica neoromantica e un nuovo stile che si definirà in seguito come “espressionismo”.

In mostra oltre 150 opere tra dipinti, stampe e disegni dei fondatori del gruppo, tutte provenienti dal Museo berlinese a documentare una rivoluzione artistica, nel fermento che porterà l’Europa alla Grande Guerra del 15-18 di cui quest’anno si ricordano i cento anni.

L’espressionismo tedesco nasce dal vissuto degli artisti, è la ricerca del soggettivo nella realtà che li circonda. Le metropoli, la vita di strada, il circo, stimolano riflessioni sulla solitudine dell’uomo, sull’alienazione dell’individuo, sull’immoralità. Il segno incisivo – utilizzato ad esempio da Kirchner nel suo Nudo disteso davanti allo specchio del 1909 – e la gamma cromatica acida e accentuata divengono tratti distintivi di questo movimento. Se gli impressionisti cercavano di fissare un’impressione sulle loro tele, e si dedicavano alla realtà esteriore, l’espressionismo si dedica all’emozione, alla sensualità, al raggiungimento di una espressione efficace, capace di stimolare, impressionare, coinvolgere lo spettatore.
Il movimento (costituitosi nel 1905 contemporaneamente – non casualmente – a quello dei Fauves francesi) esprime temi come il disagio esistenziale, l’angoscia, la critica all’ipocrisia della società borghese. Munch e Ensor sono fonte d’ispirazione per gli esponenti del movimento: da essi si assume l’idea del grido interiore che porta in superficie il dolore degli artisti. Gli autori del Der Blaue Reiter (Monaco di Baviera, 1911) elaborano il concetto, portandolo ad una svolta: l’espressione interiore diventa il motore fondamentale, tale da portare talvolta al totale rifiuto dalla realtà. Questa visione getta le basi per la nascita dell’astrattismo, del quale Vasilij Kandinskij sarà il padre.

La loro forma grafica espressiva era essenziale e alquanto semplificata. I loro modelli principali furono Van Gogh, Gauguin, Rousseau, Munch, Matisse, ma anche le figurazioni sintetiche dell’arte primitiva – conosciuta al Museo Etnografico di Dresda – nonché le deformazioni espressive e le stilizzazioni dell’antica tradizione gotica tedesca. La pittura di “Die Brücke” si caratterizza per l’alterazione dello spazio e della prospettiva, la definizione di contorni netti e taglienti, spesso evidenziati da tratti di nero e l’impiego di tinte forti e contrastanti. Nelle composizioni domina spesso la figura umana, sotto forma di nudo, e compaiono altresì paesaggi, scene cittadine, interni.
Dei nudi, tutti accomunati da un’indistinta sensazione di pietà per un’umanità piegata e affaticata dalla spossatezza dell’esistere, risalta la tela di Ernst Ludwig Kirchner Nudo femminile di schiena con specchio e figura maschile del 1912, dove si percepisce fra le figure anche lo spettro divoratore dell’uomo che è la città: la sofferenza dell’essere si insinua fra le sue vie e i suoi vicoli, toglie il fiato con la sua frenesia, lascia storditi e apatici. I tratti dei nudi, specialmente quelli di Kirchner appaiono intrappolati fra la rigorosità delle linee e le tensioni dei piani mentre la cromia intensifica la forza espressiva dell’opera in sé.

Un aspetto fondamentale della loro attività fu la produzione grafica, di cui diventarono maestri, specie nella pratica della xilografia. Importantissimi a questo riguardo i lavori di Kirchner, Heckel , Pechstein e Schmidt-Rottluff. Per Kirchner è cruciale il lavoro di grafica, scriverà nel 1921: “la volontà che spinge l’artista verso l’opera grafica è forse in parte il desiderio di plasmare e fissare definitivamente la forma, originariamente libera, del disegno”. Possiamo dire che la produzione xilografica della “Brucke” può essere considerata a pieno titolo una componente essenziale dell’arte germanica del XX secolo. In mostra troviamo diverse stampe artistiche di Brucke, tra queste l’imponente xilografia a colori di Kirchner Bagnanti fra le rocce bianche del 1912, quella in nero e giallo di Heckel Due donne del 1909, le Barche a vela di Pechstein, gli Abeti di Schmidt-Rotluff dove tutto diventa segno espressivo di grandezza interiore e i piani bianchi e neri si scontrano con violenza e brutalità nella composizione austera.

La mostra spazia da olii su tela e su cartone a tempere, incisioni su legno, carboncini, pastelli e acquerelli su carta, litografie e acqueforti. Di Kirchner, pittore di punta del movimento, sono in mostra numerosi dipinti, come Artista-Marcella del 1910, Nudo che si pettina del 1913, l’Autoritratto del 1914, ma anche acquarelli pastelli e disegni raffiguranti contesti urbani, come Scene di Strada datato 1913-1914, All’angolo di Uhlandstrasse di Berlino e Wittenbergplatz Berlino, entrambe del 1915, dove vengono raffigurate strade, piazze, sempre filtrate dalla lente deformante della polemica sociale. In mostra troveremo anche le immagini – di una modernità sconvolgente per l’epoca – dello studio in cui si riuniva il gruppo, e in cui tanti capolavori furono dipinti.

Gli altri artisti del movimento sono cosi rappresentati in mostra: la pittura di Erich Heckel, inizialmente composta da linee spezzate e da un inquietante afrore orientale come in Ragazza che suona il liuto, e poi da un disegno sommario e colori stridenti, lo vediamo in Cisterna a forma di torre del 1910, e tuttavia capace anche di un lirismo più armonioso, come in Giovane uomo e ragazza del 1909; i quadri dal colore ricco e modulato di Max Pechstein, come La maglia gialla e nera, Bosco nei pressi di Moritzburg, Coppia distesa o La danza, rivelano un’interpretazione meno accesa e violenta rispetto alla poetica espressionista. E ancora Karl Schmidt-Rottluff che si dedicata a ritratti, straordinari Ragazza intenta nella toilette e Donna pensierosa entrambi del 1912, e paesaggi dalle eco impressioniste, come Frontone rosso del 1911, anche se poi l’interesse per la litografia lo portò verso rappresentazioni dalle forme sintetiche e spigolose come vediamo nelle incisioni Marito e moglie o Cortigiane dopo il bagno.

Emil Nolde arriva infine a una pittura caricaturale della figura umana, aspetto che appare evidente nelle Villeggianti del 1911 mentre nelle Due figure esotiche del 1912 il rozzo intaglio discende dalla scultura primitiva africana, eppure un artista capace anche di grande raffinatezza nella tempesta di colori, Tronchi bianchi e La casa della famiglia Jager ad Alsen dipinti che più di altri si prestano a fare da portavoce al movimento dell’Espressionismo come sintesi di nuove prospettive artistiche. Nolde anticipa i pittori del primo dopoguerra e rimane, con Kirchner, “l’artista del gruppo” più coerente e vicino alla poetica espressionista.

La “Brucke” si sciolse nel maggio del 1913, a causa di contrasti originati dal testo scritto da Kirchner per la Cronick del Brucke – una Cronaca, destinata a tutti i membri passivi della Brucke, che doveva contenere stampe a mano e foto delle opere dei fondatori del gruppo. Heckel spiegò più tardi che il testo non corrispondeva più all’idea di rifiuto di un programma artistico e dunque decisero di non pubblicare e di restituire ad ognuno le stampe e le foto.

Negli anni della guerra alcuni espressionisti guardano al grande conflitto come alla possibilità di un nuovo ordine sociale. Una guerra mondiale può essere il colpo di spugna da loro desiderato per far nascere un nuovo stile di vita: si auspica la purificazione dell’Europa, il tramonto di tutte le antiche strutture di potere. Molti artisti, animati da questi principi, si arruolano e combattono al fronte come volontari, ma il risultato è quello di prender coscienza degli orrori della guerra, che sconvolge al punto di portare molti di loro ad abbandonare la pittura. In altri casi, la guerra diventa contemporaneamente fonte di ispirazione, incubo, ossessione.

Dopo la guerra l’espressionismo tedesco si trasforma, assumendo connotazioni esasperatamente realistiche che si spingono fino all’estrema durezza, alla brutalità, alla rappresentazione dell’orripilante con artisti in grande debito verso i pittori del Brucke come Otto Dix (1891-1969), Max Beckmann (1884-1950) e George Grosz (1893-1959).

L’esposizione di Palazzo Ducale documenta dunque la varia creatività artistica all’interno di questo gruppo rivoluzionario che riportò l’arte tedesca sulla scena internazionale a un livello qualitativo pari a quello delle opere dei fauves, dei cubisti o ancora, dei futuristi italiani.

La mostra è organizzata da Palazzo Ducale Fondazione per la Cultura in collaborazione con il Brücke-Museum di Berlino e prodotta da MondoMostre Skira.

Eugenio Carmi. Speed Limit 40

27 febbraio – 17 maggio 2015
 

Palazzo Ducale presenta dal 27 febbraio al 17 maggio 2015 un’ampia antologica delle opere di Eugenio Carmi, artista nato a Genova, dove ha anche lavorato dal 1956 al 1965 come responsabile dell’immagine per l’industria siderurgica Cornigliano-Italsider, e che durante la sua vita da cosmopolita ha costruito un percorso artistico riconosciuto a livello internazionale.
La mostra, curata da Nicoletta Pallini, raccoglie più di cento opere di tutti i suoi periodi, dalla fine degli anni ’40 al 2013: dipinti su tela, su tavola e su carta, fra “latte litografate”, video, libri illustrati per bambini in collaborazione con Umberto Eco, “segnali immaginari”, fotografie e documenti, permette di mettere a fuoco l’universo creativo, poetico e immaginifico di Carmi, che più che artista e pittore ama definirsi un “fabbricante di immagini”.
Un’occasione per approfondire la sua singolare vicenda artistica a cominciare da alcune opere giovanili della fine degli anni ’40, ancora figurative, per arrivare ai collages informali degli anni ’60 e all’invenzione delle latte litografate e dei suoi cartelli antiinfortunistici, fino a un ritorno alla pittura vera e propria negli anni ’70 scandita dalla scoperta di una “geometria lirica” fatta di figure euclidee, di piani colorati che si intersecano e si inseguono in equilibri inattesi e mai scontati.
Il percorso espositivo che si snoda lungo la Loggia degli Abati inizia con alcune opere dei suoi anni giovanili, due vedute di Genova, il suo autoritratto e quello dell’artista Kiky Vices Vici, sua moglie. Sono dipinti della fine degli anni Quaranta e dei primi Cinquanta e nella composizione, nei toni del colore, nella stessa pennellata, si avverte l’importanza che Felice Casorati, suo maestro, ebbe in quel periodo.
Dagli anni ’50 agli anni ’60 Eugenio Carmi ha vissuto un intenso momento di sperimentazioni: ha lavorato sulla tela, sulla carta ma anche con smalti su acciaio, ha disegnato stoffe e si è misurato molto con la grafica. Il suo quadro Appunti sul nostro tempo del 1959, dove il segno è appena abbozzato su una macchia di colore, fa pensare nella sua essenziale purezza all’arte giapponese, non privo di un’ intensa musicalità. La stessa che troviamo in altre opere di quegli anni, come Senza titolo del 1956, Senza titolo del 1963 e Alfabeto dello stesso anno. Musicalità che ritorna nelle sue opere successive, quelle degli anni ’70, quando la sua ricerca pittorica si concentra su una rigorosa astrazione geometrica.
 
Pochi anni fa, una vera rivelazione per Carmi è la riscoperta della sezione aurea e come dice nella bella conversazione, introduzione al catalogo della mostra (Skiraeditore), fatta con Nicoletta Pallini: “Il mio interesse a realizzare opere sulla sezione aurea nasce pochi anni fa, mano a mano che aumenta il mio interesse per le regole della natura e che aumentano le mie letture scientifiche sulla presenza nella natura di regole molto precise e funzionali. Già i greci avevano conoscenza del rapporto 1,6… che esiste nella sezione aurea e un esempio dei più famosi è il Partenone”.
Alcune opere su questo tema sono in mostra e in catalogo.
E da allora a oggi la sua ricerca prosegue, dando vita a ulteriori approfondimenti e lasciando aperto uno spiraglio che offre nuove possibilità di indagine sul mistero della natura, della forma e dell’universo.
 
La mostra gode del Patrocinio del Ministero dei Beni e delle Attività Culturali e del Turismo.

Gli adulti non esistono
Adults don’t exist

26 febbraio – 15 marzo 2015
Sala Dogana, Palazzo Ducale
 

inaugurazione giovedì 26 febbraio, ore 18
opening Thursday February 26th, 6pm
 
progetto di Cristina Gardumi
a cura di Beatrice Giovannoni
 

installazioni, materiali vari
toe story, 2015, video installazione, in stop motion
da 1 a 13, 2014-2015, tecnica mista su carta velina + qr code technology, suono
 
Gardumi presenta un progetto site specific per indagare sulla possibilità di rituali personali, quotidiani, anche routinari, come forma replicante e nevrotica nella contemporaneità del mito, precedente l’organizzazione del pensiero razionale per l’uomo all’inizio della sua storia, e apparato/frammento abbastanza necessario a sostenerne la capacità di guardare la sua condizione esistenziale. Dice Gardumi che questo processo sperimentale, di conoscenza e autoaffermazione della specie, che da sempre continua senza esclusione di colpi, avviene oggi secondo modalità che appaiono meno codificate in ortodossie collettive, macro rituali, e più probabilmente riferibili a minuscoli, ossessivi esercizi di controllo, preferibilmente? autoreferenziali, condotti nello spazio, privato, che meglio definisce il nostro limite individuale, confortevole, spietato, eternamente piccolo, tra(n)scendente? Cosi, la macaca è l’antropoide e la psiche da toeletta, la scimmia esplorata, manipolata, abusata, ammaestrata, il mandylion che restituisce nello sguardo il segno penoso del confronto, vicinissimo, da uomo a uomo, un tentativo di autoidentificazione, e di evoluzione controllata, tollerabile, della specie umana, su ogni altra.
 
Al suo ingresso, il visitatore è provvisto di QR code, la cui scansione per il tramite di una applicazione per smartphone consente l’ascolto della fase sonora dell’installazione.
 
Cristina Gardumi, Brescia 1978, artista visiva, performer, attrice. Vive e lavora tra Pisa, Roma e Genova. Ha vinto il Premio Celeste Pittura 2011 e il Premio Arte Laguna Pittura 2012.
info ABOUTNESS contemporary art, 333 1344345

Srebrenica 1995-2015
Bosnia-Erzegovina 20 anni dopo. Un futuro perduto?

22 febbraio – 8 marzo 2015
Sala Liguria
 
A vent’anni dal genocidio di Srebrenica (il più grande eccidio in Europa dalla fine della seconda guerra mondiale) e dalla fine della guerra nella ex Jugoslavia, il Centro Culturale Primo Levi, in collaborazione con l’Associazione Culturale 36° Fotogramma e Genova Palazzo Ducale propone, la mostra fotografica “Srebrenica 1995-2015”, contenente le immagini di reportage realizzate in occasione del grande funerale collettivo che si celebra ogni anno nel mese di luglio, sui luoghi della strage (Fotografie di: Carmelo Calabria, Marco Dragonetti, Stefano Fazio, Federico Montaldo, Rosanna Ponsano, Marco Tomassini). Palazzo Ducale di Genova – Sala Liguria. Dal 22 febbraio all’8 Marzo 2015.Inaugurazione domenica 22 febbraio 2015, ore 18. Presentazione di Silvio Ferrari.
In collaborazione con Dipartimento Scienze Politiche (DISPO) dell’Università di Genova si terrà inoltre un incontro dal titolo “Bosnia-Erzegovina 20 anni dopo. Un futuro perduto?”. Palazzo Ducale di Genova. Sala Minor Consiglio, 1 Marzo 2015, ore 17.

Outsiders
Tre artisti fuori schemi

20 febbraio – 18 marzo 2015
Spazio 46 Rosso

La mostra, promossa da Massoero 2000, Associazione San Marcellino, Museo del caos e curata da Sandro ricaldone, raccoglie i lavori recenti di piero Mauro Bisogno, Marina Junyent Mercader e Michele Ventricelli, tre autori che hanno coltivato la loro creatività al di fuori degli schemi e dei contesti dell’ “asfissiante cultura” di cui dubuffet rimarcava i limiti nel celebre saggio apparso nel 1968, dando vita ad opere nelle quali agglomerati di oggetti di scarto vengono convertiti in delicate costellazioni poetiche (Bisogno), i corpi vengono fissati in posture contratte, d’implosa energia (Junyent), gli scenari urbani sono sbozzati attraverso l’affollarsi di tratti martellanti (Ventricelli).

Decidi tu?
Mostra fotografica interattiva

14 – 26 febbraio 2015
Ducale Spazio Aperto
 
“decidi tu?” è una mostra interattiva che sarà alle stita a Genova a Palazzo Ducale dalla Associazione Presente Futuro . Si tratta di un percorso con fotografie, testi, installazioni, video che affronta in modo insolito il tema della violenza sulle donne spostando l’attenzione sulla complessità della scelta. La mostra comprende un laboratorio virtuale di discussione attraverso una pagina Facebook gestita dalle artiste. “decidi tu?” è il titolo provvisorio della mostra, saranno i visitatori a proporne uno dopo averla visitata.
Ogni giorno donne e uomini si incontrano e cercano di conoscersi e di capirsi…a volte è bellissimo altre così difficile da perdere la pazienza… a volte è così drammatico da perderci la vita……capire il nostro vero ruolo in un rapporto, in qualsiasi rapporto, è importante e difficile…non capirlo costituisce distanze molto pesanti da attraversare…
Chi siamo noi nei rapporti che viviamo? Chi siamo per l’altro che ci accompagna? Chi è lui per noi? Siamo noi a decidere se essere vittime o carnefici? A decidere cosa fare delle nostre emozioni, delle nostre frustrazioni, della nostra sconfinata paura?
Decidi tu? siamo sempre chiamati a decidere…siamo noi a decidere? La mostra interattiva fotografica Decidi tu?, realizzata da alcune giovani artiste della associazione Presente Futuro,
pone questa domanda ai visitatori chiedendo loro di entrare e commentare le emozioni che le fotografie, i filmati e i testi propongono dando della violenza contro le donne una lettura particolare… questa pagina che accompagna l’evento vuole chiedere a chi la apre di fare la stessa cosa.
Mostra a cura della Associazione Presente Futuro, laboratorio di idee creative attivo in città
La mostra rientra nelle attività del progetto L.E.T. Presente Futuro
 
Associazione Presente Futuro
L’associazione Presente Futuro è attiva da anni in città per iniziative di aggregazione e promozione della creatività giovanile.
In tale direzione realizza laboratori, spettacoli, mostre, eventi, produzioni editoriali, radiofoniche (siamo una delle radio del network di Zainet) e musicali nonché attività di educativa di strada e iniziative a difesa dei diritti dei minori promuovendo una idea interculturale di cittadinanza attiva.
Tutto questo in collaborazione con le istituzioni cittadine (gestisce tra l’altro dal 2000 il L.E.T. per adolescenti in Valbisagno), con altre realtà come Fondazione Cultura (la finale di FestiValbisagno si è tenuta a Palazzo Ducale), studi di incisione come Nadir Music, con Teleliguria, con case editrici, con associazioni tra cui Nuovi Profili, con le cooperative del privato sociale quali Agorà, Lanza del Vasto, S.A.B.A. e con UNICEF.

Segrete. Tracce di memoria.
Artisti alleati in memoria della Shoah

25 gennaio – 8 febbraio 2015
Torre Grimaldina e Carceri, Palazzo Ducale

Inaugurazione, sabato 24 gennaio alle ore 18

Interverranno alla presentazione:
Luca Borzani, presidente di Genova Palazzo Ducale Fondazione per la Cultura e
Mino Ronzitti, presidente dell’ILSREC.

Segrete – Tracce di Memoria è una rassegna d’arte contemporanea ideata e curata da Virginia Monteverde, organizzata da ART Commission con la collaborazione di Genova Palazzo Ducale Fondazione per la Cultura e ILSREC. Come per le precedenti edizioni gli artisti hanno a disposizioni le suggestive celle delle antiche carceri della Torre Grimaldina. In questo luogo, di per sé evocativo di drammatici eventi, gli artisti, attraverso installazioni site specific, offrono letture diverse e riflessioni sulla Memoria, creando un percorso artistico di forte impatto emozionale ed evocativo.

Gli artisti di questa VII Edizione:
Francesco Arena, Stefano Cagol, Pier Giorgio De Pinto, Michel Kiwic, Margherita Levo Rosenberg, Valter Luca Signorile, Cristina Treppo.

Si ringrazia per la collaborazione: Galleria Michela Rizzo, Venezia – MACT/CACT Arte Contemporanea Ticino, Bellinzona – Die Kunstgalerie, Colonia

Per la sezione videotestimonianze, per tutta la durata della mostra sarà proiettato il documentario The silent memory, il genocidio rom raccontato da Piero Terracina, da un’idea di Seo Cizmic, artista poliedrico di origine rom, già mediatore e conciliatore interculturale del Concilio d’Europa. Filming and Editing sono a cura di Seo Cizmic e Giuseppe Galante, giovane artista, vincitore del premio Creativity in Milan nel contest internazionale Who Art You? 2014.

L’edizione del 2015 da spazio inoltre ai giovani artisti con il progetto “Peace Project”
Al piano superiore della torre sarà allestita un’installazione, frutto del lavoro di un gruppo di giovani artisti provenienti da paesi diversi: Mihail Ivanov, Kristina Kostova, Zlatolin Donchev, Shaghayegh Kashiloo, John Eirik Sandli and Eirik Rønneberg.

Due gli appuntamenti teatrali per la VII edizione di Segrete:
Sabato 31 Gennaio alle 18.00, Thomas Simpson, docente alla Northwestern University di Chicago e attore teatrale presenterà il monologo RUMORE DI ACQUE.
Sabato 7 Febbraio 2015 alle 18.00, l’attrice genovese Manuela Valenti presenta il monologo “DIARIO DI UNA DONNA”

GEneration Y³ – potenze al cubo

inaugurazione  venerdì 16 gennaio, ore 18
opening  friday 16 january, 6.00 pm

orario d’apertura dal martedì alla domenica, ore 15.00-20.00
visit tuesday-sunday, 3.00-8.00 pm

Progetto di / Project by / Selena Candia e / and / Jacopo Tedeschi — Studio_IN2

 Il comunicato stampa

“GEneration Y³–potenze al cubo” è un’esposizione in divenire. Esperienze e conoscenze diverse come la pittura, la musica e la fotografia si uniscono potenziando al cubo l’espressione creativa. Eventi, laboratori, performance e opere realizzate dal vivo rendono partecipe il visitatore del processo creativo.
Tanti giovani artisti e un’unica generazione.

“GEneration Y³–third power” is a flowing exposition. Different experiences and knowledge, as painting, music and photography are connected increasing, till the third power, the creative expression. Events, workshops, live performances and paintings get the visitor involved in the creative process. Many young artists but only one generation.

Di roccia, di luce

Impressioni di montagne 1920 – 1940

Inaugurazione  venerdì 16 gennaio, ore 18.00 In occasione del centenario di fondazione dell’Unione Ligure Escursionisti, la mostra presenta al pubblico il lavoro di due ex soci ed appassionati fotografi tra loro contemporanei, attivi in un arco di tempo che va dagli anni ’20 agli anni ’40 dello scorso secolo.

 

 

Eugenio Molini ci accompagna alla scoperta dell’escursionismo di altri tempi attraverso i suoi interpreti: gli uomini e la loro fatica.

Umberto Saukkonen ci regala invece prospettive sorprendenti delle vere protagoniste di questo racconto: grazie alle sue eccezionali fotografie stereoscopiche possiamo ammirare le montagne nella loro concretezza, comprendere la mole dei loro chiaroscuri, sfiorare con gli occhi la trama rocciosa delle loro grandiose pareti.