L’Italia farà da sé
Propaganda, moda e società
negli anni dell’autarchia

 
20 dicembre 2014 – 15 febbraio 2015
Loggia degli Abati
 
Inaugurazione venerdì 19 dicembre, ore 18
 
Di fronte alle due crisi economiche determinate dalle conseguenze del primo conflitto mondiale e dal drammatico crollo di Wall Street del 1929, Mussolini impostò la politica economica del regime
attraverso due azioni principali: l’espansione coloniale in Africa e una politica autarchica in campo agricolo e industriale. Attraverso opere provenienti dalle collezioni della Wolfsoniana, la mostra documenta le strategie in quest’ambito della propaganda del regime e i loro effetti sulla vita quotidiana degli italiani.
A cura di Matteo Fochessati e Gianni Franzone.
 

Franco Fontana. Vita Nova

29 novembre 2014 – 6 gennaio 2015
 
A cura di Sabrina Raffaghello.

 
Un progetto fotografico che Franco Fontana concepisce nel 2010, per misurarsi con il tema della morte, partendo da un luogo di grande rilevanza estetica e simbolica: il Cimitero di Staglieno.  
 
Quaranta fotografie dove il tema della morte è affrontato nel suo delicato rapporto di Eros e Thanatos conferendo alle statue funebri una sensualità che le rende vive e suadenti.

Il Malawi visto da vicino

 
21-24 novembre 2014
Atrio di Palazzo Ducale
 
Mostra fotografica di un’estate di solidarietà
 
Conferenza e inaugurazione 21 novembre, ore 17.30
Sala del Camino, Palazzo Ducale

Moving Memory
I giovani testimoniano la Shoah

 
21 novembre – 7 dicembre 2014
Sala Dogana
 
inaugurazione / venerdì 21 novembre 2014, ore 18
 

Progetto a cura di Luciana Di Serio, Fabio Negrino e Franco Repetto e delle Classi 5H e 5M del Liceo artistico statale Klee-Barabino di Genova, con la collaborazione di Fabio Contu, Jacopo Morando e Jacopo Tuzza.
Si ringraziano: l’Ex-Ospedale Psichiatrico di Genova Quarto, il Museo delle Materie e Forme Inconsapevoli (I.M.F.I. – Genova Quarto), la Comunità Ebraica Genovese, nonché il Prof. Pietro Ciliberti del Centro di Salute Mentale Asl 3 Genovese.
 
La Shoah sta via via perdendo i suoi testimoni. La testimonianza è una forma molto particolare di trasmissione della conoscenza: il testimone che racconta è, egli stesso, il fondamento della verità che trasmette, la sua più evidente giustificazione. La sua parola non ha lo scopo di convincere attraverso l’argomentazione, ma permettere a chi ascolta di entrare nel vivo di quanto è accaduto. Anche attraverso il silenzio, anche attraverso la reticenza di fronte al ricordo doloroso, attraverso i particolari di un fatto dimenticati in un’occasione e ricordati in un altro, attraverso il volto, i gesti, a volte le lacrime. Per questo la Shoah è molto più di un “fatto” appiattito tra le pagine di un manuale di storia; essa è – e deve restare – memoria viva, che si muove nel tempo, come un testimone che passa di generazione in generazione e che fa appello alla dimensione universale della nostra umanità, interrogandoci spietatamente su di essa, nel modo più radicale. Ai giovani spetta il compito di raccogliere questo testimone e far risuonare la voce della memoria della Shoah, con la sensibilità e la fragilità dei loro, dei nostri tempi. I giovani sono così chiamati a far riecheggiare dentro di sé le parole dei testimoni e restituirle al futuro, con forza rinnovata, nelle forme e nel linguaggio della contemporaneità.
E’ da questa riflessione che è nata l’idea di questo progetto, scaturito dall’adesione del Liceo Klee- Barabino al corso di didattica della Shoah, promosso nel 2014 dall’Ufficio scolastico Regionale nella persona del suo coordinatore, il prof. Aureliano Deraggi.
Il titolo dell’evento è “Moving memory” e ha come tema la testimonianza della Shoah, non come muto monumento a ricordo dello sterminio, ma come parola viva che si trasmette alle generazioni future. Esso ha previsto la realizzazione di una installazione artistica e di un video.
Lo spazio dell’installazione è caratterizzato da un’area quadrata il cui perimetro è delineato da una fila di steli metallici, sottili e liberi di oscillare al passaggio dei fruitori, alti circa un metro, i quali terminano con riproduzioni in cartone di avambracci e mani di uomini, donne e bambini, rivolti al cielo. Al centro dell’area, in alto e alla base, vi sono due stelle di David in legno; in basso al centro è posta una vecchia scarpa in cuoio evocativa del dramma della deportazione. Alla stella del soffitto sono fissate strisce di nylon semitrasparente che penderanno libere.
 
Nel video i ragazzi daranno la loro personale testimonianza sulla Shoah attraverso una performance gestuale accompagnata da un brano musicale e da frasi da loro stessi scritte. Gli studenti vedono coinvolte in questa esperienza tutte le loro abilità nel comunicare su vari livelli espressivi, mettendo in gioco, oltre ai contenuti, la propria percezione corporea, la propria capacità introspettiva, le proprie risorse emotive.
La finalità è dunque quella di educare i giovani alla cittadinanza, nonché alla “Civiltà”, nella sua accezione più alta, responsabilizzandoli attraverso la testimonianza attiva e consapevole, con un progetto che, collegando competenze sviluppate nel corso di materie quali italiano e storia al mondo delle arti visive e delle discipline plastiche, ne evidenzia possibili potenzialità e corrispondenze.

Variazioni Biasetton

Spazio 46R
19 novembre – 8 dicembre 2014

Un percorso assoluto attraverso i segni – di ispirazione e suggestione calligrafica contemporanea – declinati su diversificate superfici e “giocato” nello spazio.
La calligrafa Francesca Biasetton esplora le affascinanti, nonché numerose variazioni artistiche della scrittura a mano, dal suo valore di testo, di contenuto semantico, di segno astratto.
In questi simboli si evidenzia il lungo e intenso rapporto dell’artista coi segni alfabetici e le loro diversificate declinazioni e interpretazioni.

www.biasetton.com

Casa Garibaldi, una storia levantina
La Società Operaia Italiana di Mutuo Soccorso
in Costantinopoli

17- 30 novembre 2014
Ducale Spazio aperto, Cortile Maggiore
 
Inaugurazione 17 novembre, alle ore 17 con conferenza di Sedat Bornovali, direttore dei restauri di Casa Garibaldi.
 
In occasione del gemellaggio fra il Comune di Genova e la Municipalità di Galata – Beyoglu di Istanbul l’Associazione Culturale Balumina con il sostegno di Palazzo Ducale presenta la mostra Casa Garibaldi, una storia levantina. La Società Operaia Italiana di Mutuo Soccorso in Costantinopoli
 
a cura dell’Architetto Francesca Faiella.
 
L’esposizione presenta materiale documentario, fotografie d’epoca e filmati che ripercorrono la storia della Società Operaia Italiana di Mutuo Soccorso dall’anno della sua fondazione ad oggi.
 
Il giorno 3 Maggio 1863 alcuni Operai Italiani appartenenti alla Comunità Italiana di Costantinopoli, stabilirono di costituire una Società ispirandosi ai principi di fratellanza e ne definirono lo statuto, in testa al quale si legge:
“Fratelli, in tutte le epoche ed in tutti i tempi la mancanza di associazione generò la discordia e dalla discordia ne venne la guerra. L’unione soltanto costituisce la forza – e da questa ne viene la grandezza e la gloria di ogni Nazione”.
 
Fu così che in data 17 Maggio 1863 nacque il primo sodalizio italiano a Costantinopoli che con il motto “Chi ama la patria la onori con le opere” prese il nome di “Società Operaia Italiana di Mutuo soccorso in Costantinopoli”.
 
Furono eletti all’unanimità il Presidente Effettivo della Società, “L’Eroe dei due Mondi” Giuseppe Garibaldi e il Presidente Onorario Giuseppe Mazzini.
Nel 1864 la società accolse sotto la sua bandiera anche le donne, che costituite in Sezione Femminile si radunarono per la prima volta il 20 settembre e la Presidenza Onoraria fu assegnata alla “Madre della Patria” Adelaide Cairoli.
Lo scopo principale della Società Operaia era la fratellanza degli operai, il Mutuo Soccorso, la beneficienza – e quanto della solidarietà umana, della moralità e della civiltà dei popoli – ma si propose altresì il miglioramento delle condizioni morali e materiali dell’operaio, dell’istruzione, l’incremento degli interessi nazionali e il decoro del Nome Italiano.
 
La prima pietra della sede definitiva della Società Operaia fu posta Il 2 Novembre 1884 sotto il Regno del Re d’Italia Umberto I e del Sultano Abdul Hamid II.
 
Il percorso della Società Operaia ci permette di ripercorrere storicamente i 151 anni trascorsi dalla sua fondazione accompagnandoci nella scoperta di una emigrazione italiana nel Mediterraneo Orientale e in Turchia che resta, ad oggi, una parte di storia italiana importante ancora poco approfondita.
Dal 2012 questo edificio, considerato come esempio classico dell’architettura levantina di Istanbul, è in pieno percorso di restauro e verrà restituito nella sua integrità al pubblico nel corso dell’anno 2015. La Società Operaia che prenderà il nome popolare di Casa Garibaldi, sarà sempre attiva secondo il suo statuto in nome della cultura italiana, e la sede accoglierà uno spazio polivalente che ne permetterà l’accesso agli archivi storici, ai cimeli, alla biblioteca.

Recenti scoperte archeologiche di reperti datanti l’epoca bizantina, rinvenuti nel sottosuolo durante gli attenti lavori di restauro in corso, hanno destato l’interesse del Museo Archeologico di Istanbul. Si auspica che le scoperte e i reperti venuti alla luce potranno essere visitabili in loco in una sezione museale permanente a loro dedicata.
Il filmato, che accompagna la parte documentaria, presenta la memoria storica vivente della Società Operaia di Mutuo Soccorso in Costantinopoli.

Fra altri preziosa è la testimonianza del più anziano socio, il signor Angelo Teresi, classe 1923 oriundo di Palermo, levantino.
In un settore apposito della mostra “100 anni di Souvenirs 1914-2014”
saranno proiettate le immagini di cartoline relative all’ “Esposizione Internazionale Coloniale di Marina e di Igiene Marinara” che ebbe luogo a Genova nel 1914, nel grande piazzale antistante la Stazione Brignole.
L’Architetto Gino Coppedè progettò per l’occasione il padiglione effimero che conteneva l’esposizione e in cui venne ricostruita in cartongesso la famosa Torre di Galata di Istanbul, la Torre del Cristo dell’antico possedimento genovese medievale, ancora oggi esistente.
Nell’Esposizione Internazionale, inaugurata il giorno 23 Maggio 1914, un intero padiglione fu dedicato alle antiche colonie genovesi. La raccolta di cartoline e di immagini fotografiche esposte, provenienti da diversi archivi, ci permetterà di viaggiare in esotiche località, ci suggerirà stilemi architettonici, ci farà visitare coste marittime molto simili a quelle della nostra Liguria. Mari in cui i nostri avi navigarono e crearono dei “comptoire”, delle colonie commerciali. Luoghi in cui le loro gesta divennero leggendarie e furono tramandate nelle storie orali come le storie dei “GIN dell’oltremare”, i guerrieri mercanti invincibili, “i signori del mare” appartenenti a Genova, “La Superba”.

Il Capo dello Stato Italiano Napolitano nel 2012 ha concesso l’onorificenza dell’Ordine della «Stella d’Italia» nei gradi di Ufficiale al dott. Başaran Ulusoy, presidente della TÜRSAB (Unione delle Agenzie di viaggio turche), – sponsor dei restauri in corso – per il sostegno al recupero della Società Operaia di Mutuo soccorso in Costantinopoli, ora ribattezzata popolarmente “Casa Garibaldi”.

Il Dr. Bornovoli nella sua visita in città sarà accompagnato dalla Dr.Sig.ra Pinar Günay, rappresentante dello sponsor del restauro TÜRSAB.

Il rumore e il viavai della folla sull’adiacente via Istiklal contrasta con il silenzio raccolto della piccola traversa dove si trova lo storico edificio della Societa’ Operaia Italiana di Mutuo Soccorso di Costantinopoli. Dalla fine dell’ottocento il palazzetto di tre piani ospita il prestigioso sodalizio fondato nel 1863 da alcuni italiani emigrati ad Istanbul. Animati da sentimenti patriottici e solidaristici, conferirono la Presidenza a Giuseppe Garibaldi, gia’ residente in città, e la Presidenza onoraria all’altro faro del Risorgimento, il genovese Giuseppe Mazzini.
Nel 2010, appena arrivato a Istanbul come Console Generale, visitai con il Presidente Enrico Boari l’edificio cosi’ ricco di ricordi e di storia ma purtroppo malandato e in larga parte inutilizzato. Decisi a recuperarne l’antico splendore e renderlo nuovamente un punto di riferimento per la comunita’ italiana di Istanbul, con un gruppo di volenterosi e qualificati professionisti abbiamo preparato un progetto per farne un luogo del ricordo della presenza plurisecolare degli italiani ad Istanbul ed un centro per attivita’ culturali legate all’Italia. La Confederazione Turca delle Agenzie Turistiche guidata dal Presidente Basaran Ulusoy ha sposato l’idea, anche per le connessioni con lo sviluppo del turismo nei due sensi, e si e’ impegnata a procedere ad un attento restauro scientifico e a gestire l’attivita’ dell’edificio per i prossimi anni. Grazie alla generosita’ di tutti i partecipanti al progetto, tra poco la citta’, gli italiani e gli amici turchi potranno tornare ad usufruire di questo storico luogo. Merita un ringraziamento speciale il dott. Sedat Bornovali, l’attuale direttore di Casa Garibaldi (nome ricco di suggestioni che indicherà il recuperato palazzo della Societa’ Operaia) che tanto si sta prodigando per il restauro e per far conoscere il ricco patrimonio culturale dell’associazione.

Gianluca Alberini
Presidente Onorario della Società Operaia Italiana di Mutuo Soccorso di Costantinopoli
 
SOSTENITORI DELLA MANIFESTAZIONE:
 
Palazzo Ducale Fondazione per la Cultura
Assessorato cultura e Turismo del Comune di Genova
Assessorato cultura e Turismo della Regione Liguria
Fondazione dell’Ordine degli architetti della Provincia di Genova
Organik Holding
TÜRSAB
Turkish Airlines
Ufficio Cultura e Informazioni dell’Ambasciata di Turchia
Centro di Documentazione per la Storia, l’Arte e l’Immagine di Genova.
Fondazione Ansaldo
Centro Studi Wolfsoniana
Società Ligure di Storia Patria
Camera di commercio di Genova
Vicosouvenir

Fausto Giaccone
Macondo
The World of Gabriel García Márquez

14 – 23 novembre 2014, Spazio Liguria
Inaugurazione mercoledì 13 ore 18
Nell’ambito della rassegna “L’altra metà del libro”

A cura di Clelia Belgrado.

Fausto Giaccone ha viaggiato a lungo in Colombia per raccontare il mondo di Gabriel García Márquez. Attraverso strade, fiumi, paesi, campagne e coste, Giaccone si è inoltrato nell’universo
dello scrittore, nei luoghi della sua vita e in quelli dei suoi romanzi, fotografando con un’attrezzatura ridotta al minimo, per raccontare una storia fatta di gente umile ma dignitosa, come
i personaggi di Gabo.

Un altro tiro di corda
Volti e storie del Club alpino a Genova

6 – 10 novembre 2014
Sala Liguria

A cura del CAI Genova

La Sezione Ligure – Genova del CAI, in collaborazione con Top Market Foto Video, inaugura il 6 novembre alle ore 17, presso la Sala Liguria di Palazzo Ducale, la mostra fotografica Un altro tiro di corda. Volti e storie del Club alpino a Genova, fotografie di Egidio Nicora e Federico Lombardo. Presenti i protagonisti.

Un altro tiro di corda è una mostra fotografica che racconta una pagina fondamentale della storia del CAI: quella che riguarda la generazione dei giovani alpinisti che fra gli anni ’50 e ’60, dopo la tragedia della guerra, tornarono a frequentare le alte cime e consentirono la ripresa dell’attività del CAI.

In città come in montagna, a Genova come in tutta Italia, l’alpinismo era allora praticato fra molte difficoltà e con scarsi mezzi: richiedeva grande determinazione e si praticava in forme molto più vicine all’alpinismo di fine ’800 che a quello attuale.

Corde di canapa, pantaloni alla zuava, giacche di tela: nulla di più lontano dall’ipertecnicismo di oggi. Tuttavia le motivazioni e i sogni erano gli stessi: la libertà, l’esplorazione, la conoscenza, l’avventura, l’amicizia.

Nata da un visionario progetto di Egidio Nicora, la mostra raccoglie 14 alpinisti accomunati da un lungo impegno nel CAI a Genova: Armando Antola, Renato Avanzini, Sergio Casaleggio, Pio Codebò, Gino Dellacasa, “Giangi” Fasciolo, Euro Montagna, Gianni Pastine, Vittorio Pescia, “Marno” Revello, Margherita Solari, Gianluigi ed Eugenio Vaccari, Giorgio Vassallo.

La mostra affronta questa pagina di storia locale, che ha però la forza delle grandi avventure internazionali, affiancando al ritratto ambientato di ciascun partecipante una serie di fotografie storiche.

Ogni singolo è stato fotografato nel proprio ambiente, vicino agli oggetti che meglio lo rappresentano, in modo da coglierne il carattere più profondo. A ciascuno è stato chiesto poi di proporre alcune fotografie della propria storia, per raccontare attraverso le immagini la propria biografia.

Aneddoti, racconti, alcune storie felici, altre tragiche ma di sicuro tanti ricordi: un dittico che unisce presente e passato, che racconta avventure di uomini ma anche di pezzi di Storia, che conferma la continuità di attività del CAI sul territorio.

Wandering – through the memory – of photography
collettiva di Juliana Mrvová, Milan Vagač, Adam Šakový

31 ottobre – 16 novembre 2014
Sala Dogana
 
a cura di Juliana Mrvová
 
INAUGURAZIONE venerdì 31 ottobre ore 18
 
Il progetto Wandering – through the memory – of photography unisce il lavoro di tre giovani artisti della scena slovacca contemporanea. La loro collaborazione non nasce per caso, i tre artisti hanno infatti recentemente avuto modo di confrontarsi partecipando a diversi progetti collettivi.
Nel progetto comune per Sala Dogana, gli artisti si concentrano sia sul tema del viaggio, come scoperta di luoghi nuovi e la loro origine, che sull’abilità mentale di memorizzare i ricordi. Un ulteriore tema affrontato è l’analisi della capacità-incapacità della fotografia di preservare i ricordi e di rappresentare la realtà.
 
Adam Šakový utilizza la fotografia come punto di partenza per la realizzazione di dipinti su carta fotografica o su tela. L’autore esamina il tema personale del corpo e della relazione emotiva usando delle fotografie sfocate ed evocative. In questo modo ogni sua opera presenta una voluta manipolazione della realtà e ci fa viaggiare contemporaneamente nel tempo e nello spazio.
 
Milan Vagač fa un uso intelligente di fotografie rappresentanti montagne e le manipola. Allo stesso tempo affronta i temi della memoria, del ricordo e della documentazione del passato e del presente. In Sala Dogana presenta anche disegni su diversi strati sul tema del viaggio e del pellegrinaggio che fanno riferimento all’esperienza personale.
 
Nel recente lavoro di Juliana Mrvová, che viene presentato in Sala Dogana, il disegno appare come documentazione di viaggio. L’intento dell’artista è quello di unire gli schizzi e i frammenti di ricordi memorizzati durante il viaggio creando nuovi legami e nuove storie nella forma di una grande mappa mentale. Il suo approccio al disegno si dirige verso la ricerca di nuove possibilità, alternative alla fotografia, di registrare gli eventi.
 
L’esibizione è finanziata dal Ministero della Cultura della Repubblica Slovacca e per questa occasione è stato pubblicato un catalogo con testi in italiano e in inglese.
 

Nickolas Muray Celebrity Portraits

dal 16 ottobre 2014 al 8 febbraio 2015
Sottoporticato

Nickolas Muray è uno dei più celebri e intriganti fotografi del XX secolo, ritrattista di star del cinema, personaggi dello spettacolo e dello sport, ma anche ideatore di campagne pubblicitarie per le più note riviste americane. In occasione dell’esposizione giungerà a Palazzo Ducale una selezione di circa 150 immagini in bianco e nero e a colori provenienti dalla George Eastman House, dagli archivi “Vanity Fair” e Condé Nast e da diverse collezioni private.
Una apposita sezione sarà dedicata ai ritratti fotografici di Frida Kahlo, sua amica e confidente, realizzati fra gli anni ’30 e ’40; è suo lo scatto che nel 2012 è divenuto copertina di “Vogue” ed ha definitivamente trasformato Frida in icona pop.
A cura di Salomon Grimberg con la collaborazione di Nickolas Muray Photo Archives e George Eastman House.

La mostra è promossa da Palazzo Ducale Fondazione per la Cultura, Comune di Genova e prodotta da MondoMostre Skira.

4 – 18 ottobre 2014

Immagini di un fotografo militante

Un percorso di immagini e parole maturate dentro a Senonoraquando e parole che raccontano le atroci verità sullo stupro in Siria, tratte dall’inchiesta giornalistica di Annick Cojean pubblicata sull’Internazionale a marzo 2014 numero 1042 .
Inaugurazione 4 ottobre ore 11,30 alla presenza di Fabrizia Giuliani co-fondatrice di Senonoraquando e deputata alla Camera
A cura di Snoq Genova, realizzazione artistica di Alessandra Raggi con l’aiuto delle donne di Senonoraquando Genova.

Prima luce

3 – 19 ottobre 2014
Sala Dogana

COLLETTIVA DI FOTOGRAFIA – III edizione

Inaugurazione venerdì 3 ottobre, ore 18

L’Associazione culturale Profondità di Campo presenta la III edizione della mostra fotografica PRIMA LUCE, nell’ambito della programmazione di ‘Sala Dogana. Giovani idee in transito’, progetto del Comune di Genova – Assessorato Cultura e Turismo, Ufficio Cultura e Città – e di Genova Palazzo Ducale Fondazione per la Cultura.
La mostra verrà inaugurata a Genova, in Sala Dogana a Palazzo Ducale, venerdì 3 ottobre alle ore 18.00.
Sarà visitabile a ingresso libero dal 4 al 19 ottobre 2014, dal martedì alla domenica con orario 15-20.
La mostra nasce dal concorso fotografico internazionale rivolto ai creativi under 35, ideato per mettere in luce i giovani talenti premiando i migliori progetti con una collettiva nella prestigiosa cornice di Palazzo Ducale, la più importante sede espositiva della città di Genova. La mostra viene presentata in Sala Dogana, uno spazio interamente ed esclusivamente dedicato alla creatività giovane, per la produzione culturale emergente, la sperimentazione, lo sviluppo di nuove tendenze e la contaminazione dei linguaggi.

Sono stati ammessi al concorso tutti i progetti sviluppati attraverso le diverse espressioni e tecniche della fotografia, dalle tradizionali alle più innovative: fotografia analogica e digitale, a colori e in bianco e nero, fotoritocco, progetti audiovisivi e installazioni.
Grazie alla collaborazione con GenovaFotografia, una Commissione di esperte – composta da Elisabetta Papone, Direttrice del Centro di Documentazione per la Storia l’Arte l’Immagine di Genova e docente di Storia della Fotografia presso l’Università degli Studi di Genova, da Paola Valenti, Ricercatrice in Storia dell’Arte Contemporanea dell’Università degli Studi di Genova, e dalla fotografa Federica De Angeli – ha selezionato tra i numerosi progetti pervenuti i più meritevoli, secondo criteri di creatività, ricerca, innovazione e contemporaneità.
Per la III edizione sono stati selezionati 9 artisti italiani e 4 stranieri: Luciano Baccaro (1981, Termoli) con il progetto “IO PARLO ITALIANO!”, Beatrice Baldacci (1993, Città di Castello) con “MI TROVO DOVE VOGLIO”, Giorgio Caione (1981, Borgomanero) con “ERIKLI’YE HOŞGELDINIZ / WELCOME TO ERIKLI”, Klodian Deda (1984, Albania) con “FREE SPACE”, Maura Ghiselli (1981, Genova) con “POSTCARD BY TWO MINUTES FROM MY MESSED UP LIFE”, Golsa Golchini (1986, Iran) con “IO FOTOGRAFO L’INVISIBILE”, Mihail Ivanov (1990, Bulgaria) con “LITTLE(R)’ WORLD(‘S)”, Michele Lepera (1979, Genova) con “A IMMAGINE E SOMIGLIANZA”, Emmanuele Panzarini (1984, Padova) con l’installazione “FAMILY LUNCH”, Mauro Pellegrini (1989, Bergamo) con l’installazione multimediale interattiva “DIALOGO TRA MIO NONNO E ALZHEIMER (TUTTO IL SUO ALZHEIMER SENZA DI LUI)”, Eliška Stejskalová (1991, Repubblica Ceca) con l’installazione “SITUATION I., II., III.”, Lorenzo Taccioli (1987, Cesena) con “RIFUGI”.

L’evento PRIMA LUCE, ideato e curato da Angela Ferrari, è organizzato quest’anno in occasione della X Giornata del Contemporaneo promossa da AMACI (Associazione dei Musei d’Arte Contemporanea Italiani), in programma sabato 11 ottobre 2014.

Pietro Germi. 1914-1974

1-29 ottobre 2014
Sala Liguria

Mostra organizzata dal Gruppo Ligure Critici Cinematografici (S.N.C.C.I.)

allestita da Claudio Bertieri
con materiali della Fondazione Mario Novaro Genova

si ringraziano
l’Archivio Museo Nazionale del Cinema per le pagine di sceneggiature dei film
e Walter Di Giusto
per la collaborazione all’allestimento della Mostra

Gli anniversari, si sa, sono sempre dei pretesti anche quando sono doppi come nel caso di Pietro Germi, di cui cadono ne! 2014 i 100 anni dalla nascita e i 40 dalla morte. Così è anche per la massima gloria cinematografica genovese, genovese solo per l’anagrafe, perché, come tutti quelli che intendono fare cinema, ha trascorso nella città d’origine poco più dell’adolescenza prima dell’approdo romano; il che non ha impedito a Germi di conservare comunque memorie genovesi, sparse qua e là nei film fatti.
L’omaggio che gli rende il Gruppo Ligure Critici Cinematografici, con la fattiva collaborazione di quanti figurano nel colophon qui accanto, non ha però una semplice motivazione occasionale. Al
contrario è l’opportunità per una riflessione su un autore tanto celebrato – e contrastato – da vivo quanto sovente rimosso dopo la scomparsa. Una certa discontinuità della sua produzione, la singolarità individualista dei suoi soggetti e del suo tono, e ancora l’aver condiviso i tempi di neorealismo, nuovecorrenti e commedia italiana – sposando però modi e maniere del cinema di genere in un ‘epoca in cui cominciava affacciarsi il cinema d’autore – fanno tuttavia di Germi un punto ftrmo: il regista genovese rappresenta infatti una sorta di test per la riflessione libera da preconcetti su chi fa cinema senza facili riferimenti a quanto è esterno alle immagini sullo schermo.

Ricordare oggi Germi con una mostra ha quindi un valore che va al di là della sua persona, il valore dello sguardo verso il senso del passato, che è la vera password per accedere al senso (eventuale) del presente.
Nell’anno in cui il Gruppo Ligure Critici Cinematografici ha appena avviato la quindicesima stagione della “Stanza del Cinema” – l’appuntamento mensile che guarda e medita sul presente della
settima arte – si realizza così la Pienezza della sua “missione” di affrontare il cinema in maniera criticamente articolata, cioè senza l’esclusiva attenz!one verso ifamosi, i diversi, gli schierati, gli strani di turno. E insomma come l’applicazione di quell’ ‘!Assalto al cinema” che quattro annifa comPilò !’inventario storico del gusto, della passione, della cultura cinematografiche, ripetutamente alimentate nella nostra città e nella nostra regione da generazioni.
E che speriamo lo saranno ancora in futuro.
Massimo Marchelli
Presidente
Gruppo Ligure Critici Cinematografici (S.N. C. C.L)

IL CINEMA DI PIETRO GERMI
La passione di Pietro. Germi per il cinema nasce nei numerosi pidocchiettl del centro stonco di Genova – dove il 14 settembre 1914 egli viene alla luce in via Ponte Calvi, figlio di Giovanni, portiere d’albergo, e della sarta Armellina Castiglione – e si alimenta poi negli anni in cui frequenta l’Istituto Nautico dopo di essersi trasferito con la famiglia, allargata ore a tre sorelle, in via Santa Croce a Sarzano. Più tardi dirà che tra i tanti film visti quelli che più lo avevano emozionato erano stati A me la libertà (1932) di René Clair e Il traditore (1936) di John Ford. Intanto, Germi faceva le prime esperienze d’attore (nella filodrammatica del teatrino di Santa Maria di Castello), di scrittore (alcuni racconti editi su “Il Lavoro”) e di soggettista cinematografico (la rivista “Cinema” gli pubblica il soggetto Piano regolatore). Era il 1937, lo stesso anno in cui Germi, abbandonato l’impiego da spedizioniere, si trasferisce per breve tempo a Milano e presenta domanda d’ammissione al Centro Sperimentale di Cinematografia.
Convocato a Roma in autunno, egli s’iscrive dapprima ai corsi di recitazione e poi anche a quelli di regia, tenuti da Alessandro Blasetti. Il suo battesimo dietro la cinepresa avviene con il saggio ambientato in un manicomio e girando con il compagno di studi Dino De Laurenilis il mediometraggio Pantaloni corti.
L’esordio di Germi nel professionismo avviene nel 1939, quando Blasetti lo chiama come co-sceneggiatore e assistente alla regia di Retroscena. Conseguito il diploma al Centro Sperimentale, seguono le collaborazioni con Palermi (La peccatrice, 1940), Elter (II figlio del Corsaro Rosso e Gli ultimi fillibustieri, 1941) e ancora, pur non accreditato, con Blasetti sui set di La corona di ftrro (1941) e Nessuno torna indietro (1943). Intanto, nel 1942, Germi si sposa con Anna Maria Bancio, che gli darà la figlia Maria Linda. Il passaggio alla regia, grazie anche all’appoggio di Blasetti (supervisore) e dell’amico Monicelli (aiuto regista) avviene nel 1945 con Il testimone. È l’inizio della prima fase della sua attività di autore cinematografico, che si muove su un crinale nel quale convergono l’esempio neo realista e il dichiarato amore per il cinema di “genere”. Seguono infatti Gioventù perduta (1947, “noir” d’ambientazione romana sulla criminalità giovanile nel dopoguerra), In nome della legge (1949, “western” siciliano SlÙ tema del rapporto tra la mafia e la giustizia), Il cammino della speranza (1950, epico viaggio dalla Sicilia alla Francia di un gruppo di emigranti: con tante citazioni cinematografiche interne, da Ejzenstein a Renoir, passando per Ford) e La città si difende (1951, “poliziesco” hollywoodiano ambientato a Roma).
Dopo un film su commissione (La presidenteJsa, 1952), un “western” risorgimentale (II brigante di Tacca de! Lupo, 1952), il ritorno in Sicilia con il letterario Gelosia (1953) da Capuana e un episodio di Amori di mezzo secolo (1953, Guerra 1915-1918), la fùmografia di Germi sterza verso il melodramma d’ambiente quotidiano con il “dittico familiare” che segna la sua definitiva rottura con la critica ufficiale: Ilftrroviere (1956) e L’uomo di paglia (1958), entrambi con lui stesso protagonista, a testimonianza del suo amore per la recitazione già evidenziato in Montecassino (1946) di Gemmiti, in Fuga in Francia (1948) di Soldati e ribadito nel seguente Un maledetto imbroglio (1959, da Gadda). Attore essenziale e molto amato dal pubblico, Germi dà ottima prova di sé anche in Jovanka e le altre (1959) di Ritt, Il rossetto (1960) e Il sicario (1961) di Damiani, La viaccia (1961) di Bolognini; ma la sua carriera d’interprete è bruscamente
interrotta dalla pare si facciale che lo colpisce durante le riprese di Divorzio all’italiana (1961). Questo film apre la stagione del “grottesco sociale”, cui appartengono anche Sedotta e abbandonata (1963), ancora la Sicilia, e Signore e signori (1965), ambientato a Treviso.

È per Germi il momento di massimo successo (Cannes, Oscar, Nastri d’argento, David di Donatello, ecc.), l’apice di una filmografia che da allora in poi sbanda da L’immorale (1966) ritratto di un poligamo per vocazione, alla favola agreste Serafino (1968); dall’apologo anti-contestazione di Le castagne sono buone (1970) alla paradossale misoginia di Alfredo Alfredo (1972). L’anno dopo, Germi viene stroncato dalla cirrosi epatica, mentre lavora al progetto di Amici miei, da lui lasciato in eredità a Mario Monicelli. Quel 5 dicembre 1974, al suo capezzale, c’erano la seconda moglie Olga D’Ajello, la figlia Maria Linda e i gemelli, Francesco e Francesca, avuti con la D’Ajello.

Molte indubbiamente a disposizione sono le scelte che si possono operare volendo raccontare in una mostra espositiva il percorso creativo di un personaggio. In questo caso, di un regista come Pietro Germi, il cui iter quasi trentennale vissuto a Cinecittà ha svoltato più volte tra i generi del racconto cinematografico. Per ovviare all’influenza di possibili adesioni personali, di opzioni privilegianti, si è preferito pertanto un percorso per così dire “uniforme”, volutamente asettico, assegnando eguale spazio testimoniale alle diciannove tappe del percorso, quanti
sono stati appunto i fùm diretti dal regista genovese tra il 1945 e il 1972. Una rilettura affidata dunque a foto di scena e ai materiali pubblicitari, e di promozione, realizzati per ciascuna pellicola, cercando di sottolinearne l’eventuale diffusione internazionale. Con una presenza accomunante: il francobollo con cui le poste italiane hanno ricordato l’attività di Germi nel 1997.

Germi alla stanza del cinema
Il 13 ottobre la “Stanza” monografica avrà per tema il regista-attore in mostra.
Parteciperanno alcuni soci del Gruppo Ligure Cinematografici.

Germi in convegno
Il 10 dicembre, alle ore 10.30, nell’Aula Magna di Via Balbi 2, si terrà un convegno promosso dall’Università di Genova, l’Università di Torino e CSC-Cineteca Nazionale con la collaborazione del Gruppo Ligure Critici Cinematografici.

Adriano Silingardi. Genova in movimento
Immagini di un fotografo militante.

26 settembre – 10 ottobre 2014
Cortile Maggiore

A cura di Associazione per un Archivio dei Movimenti

Le fotografie di Adriano Silingardi restituiscono una storia dall’interno dei movimenti politici degli anni settanta a Genova.

Un intervento di Luca Borzani
Le fotografie di Adriano Silingardi rimandano a una stagione politica e culturale, “gli anni Settanta”, di cui si è largamente deformata la memoria e con cui molti degli stessi protagonisti hanno a lungo evitato di fare i conti. Il racconto pubblico è oscillato tra autocelebrazione e rimozione, ridimensionato di fatto in stereotipi che risultano contradditori e poveri. Le ragioni di questa perdita di senso storico sono ovviamente molteplici, ma una appare di fondo: la difficoltà a misurarsi con la sconfitta. Perché di sconfitta insieme politica e generazionale si è trattato. La stessa definizione di “anni di piombo” assunta come sintesi dell’intero decennio e non del suo tragico epilogo è forse l’aspetto più emblematico dello svuotamento di una vicenda collettiva che ha avuto ben altri tratti e ambizioni. Non a caso la percezione della chiusura irreversibile di una fase, dell’improvvisa perdita di significato di linguaggi, comportamenti, autorappresentazioni appartiene, come forse ultima estrema condivisione, a tutti coloro che vissero “in movimento” quegli anni. Più che una ritirata fu una rotta, che rese nel tempo difficile distinguere la partecipazione diffusa, studentesca ma anche operaia, dall’azione terrorista e il conflitto sociale dalla violenza armata. Eppure gli anni settanta furono altra cosa. E’ bene dirlo. E furono sostanzialmente una generalizzata istanza di ribellione verso un paese ancora apertamente classista nelle sue strutture fondamentali, dalla scuola agli ospedali, dalla magistratura all’università, segnato da una classe di governo priva di alternanza, identificabile con la pura gestione del potere e non estranea a tentazioni autoritarie. Né la sinistra storica, ampiamente egemone a livello sindacale e di fabbrica, era in grado di riassorbire, per l’ossificazione ideologica e la sostanziale visione conservatrice della vita sociale che la caratterizzava, le spinte alla modernizzazione e democratizzazione dello stato, le differenze di genere, i nuovi diritti delle persone. Non che la nuova sinistra, più o meno extraparlamentare, non si muovesse su rigidi codici ideologici, su mutuazioni, talvolta patetiche altre volte paranoidi, del mitico partito delle avanguardie, su luoghi comuni rivoluzionari e innamoramenti acritici di regimi totalitari e ferocemente repressivi. Ma dentro quello scenario si affermava, appunto, il protagonismo di una generazione, la prima in Italia a non essere segnata dalla fame e dalla guerra, che rifiutava la pura logica dei consumi, che praticava esperienze di democrazia diretta, che rivendicava una reale eguaglianza sociale, la libertà sessuale, i diritti della donna. Vale poi la pena di ricordare che gli “anni settanta” cominciano con le bombe di piazza Fontana, con il clima cupo della strategia della tensione e il profondo rimescolamento del quadro geopolitico bipolare. Dalla primavera di Praga al Vietnam, a Cuba, all’Angola il quadro internazionale uscito dal dopoguerra sembrava progressivamente frantumarsi, con l’affermarsi dei popoli poveri in una lotta anticoloniale che era anche ricerca dell’emancipazione dall’imperialismo americano come dalla burocrazia sovietica. E in quelle lotte e vittorie si delineava un internazionalismo nuovo, non solo di maniera, che collegava le periferie delle città, le fabbriche con le paludi del Mekong o le cime andine. In un mondo non ancora globalizzato il mondo entrava nella vita quotidiana di migliaia di giovani italiani. Così come fermezza nella denuncia delle collusioni e con la controinformazione si contribuì a svelare le trame e gli inquinamenti della democrazia. Insomma uno sguardo nuovo sulle cose, la vita, i rapporti di classe che contribuì a smuovere, a formare coscienze, pensiero collettivo, legislazione più avanzata. E ancora la non neutralità del sapere e della scienza, le prime timide istanze ecologiche. Perché si perse? In realtà persero sia la sinistra storica che la nuova sinistra. L’incapacità di un programma di riforme radicali, la grigia strategia del compromesso storico, la ristrutturazione produttiva che avvia la deindustrializzazione del paese, l’inadeguatezza delle formazioni di origine extraparlamentare più attente alla costruzione dell’autoreferenzialità organizzativa che a processi unitari e poi l’esplosione del 1977 con una radicalità antagonista che si configura davvero come punto di svolta, insieme irruzione rivoluzionaria e impotenza. Ma è già un’altra composizione sociale, proletariato giovanile urbano, precari, operai “flessibili”, e altri modelli organizzativi. La nuova sinistra anticipò la fine dei partiti. E’ l’alba del “no future”. Lì finisce una storia e ne inizia un’altra. Questa si destinata a intrecciarsi con le formazioni armate. Anche in questo caso sarebbe però scorretto operare generalizzazioni e non vedere la convivenza di anime politiche profondamente diverse. Ma da lì in poi lo slogan del “privato come pubblico” si rovescia nel “pubblico come privato” in molteplici declinazioni: da quella del reduce a quella dei neoentusiasti promotori della modernizzazione craxiana. La deformazione della memoria si allargherà a comprendere, e non a caso, la sinistra tradizionale travolta, alla fine del decennio successivo, dalla caduta del muro di Berlino senza riuscire a produrre una riflessione critica sulla propria storia e definire strumenti per affrontare il mondo globalizzato e della finanziarizzazione dell’economia. Tanti nodi dell’oggi hanno le loro radici ancora lì negli anni Settanta. Ma ripercorrerli significa aprire più ferite che consolazioni nostalgiche. E con la consapevolezza di aver vissuto nell’ultimo ventennio veri “anni di ferro”. Le fotografie di Adriano Silingardi ripropongono frammenti genovesi di quell’età. E credo sia stata un’operazione utile riproporli in un volume corredato da una cronologia da lui stesso curata. Valgono credo alcune avvertenze di lettura. La fotografia e ancor più la cinepresa o la telecamera televisiva non erano strumenti di autorappresentazione politica. Anzi nei loro confronti vigeva una sorta di sospetto, di possibile uso poliziesco. Siamo lontani dai giorni dell’amplificazione mediatica come surrogato dell’identità. Non a caso la memoria visiva di quegli anni è sostanzialmente concentrata nelle immagini di due soli grandi fotografi affini culturalmente ai movimenti: Uliano Lucas e Tano D’Amico. La seconda: a Genova la nuova sinistra rappresentò sempre una componente politica ampiamente minoritaria, sostanzialmente studentesca, con bassa soglia di erosione della sinistra storica e poca influenza sia in fabbrica sia nei quartieri cittadini con esclusione del centro storico. Il centro storico di allora, caratterizzato da progressivo degrado e da una comunità umana socialmente variegata e tendenzialmente marginale ma capace di profonde solidarietà interne. La rappresentazione costruita da Adriano Silingardi rimanda non a caso soprattutto ai cortei e alle manifestazioni, spazio di visibilità per eccellenza dei movimenti e luogo simbolico e di centralità politica nella vita delle organizzazioni. Rimane anche attraverso queste immagini una dimensione forte di protagonismo collettivo e di straordinaria generosità sociale. A distanza di quasi quaranta anni difficile non leggere le occasioni mancate.
Luca Borzani

Shot! Generation Y!

 
12 – 28 settembre 2014
Sala Dogana
 
inaugurazione / venerdì 12 settembre 2014 ore 18
opening / friday 12 september 2014 6pm
 

Progetto di / Project by / Selena Candia e / and / Jacopo Tedeschi — Studio IN2
 
Progetto selezionato dal concorso internazionale SHOT. Sala Dogana Hands-On Transformation
 
Generazione Y è un allestimento sui Millenials genovesi, ragazzi che rispondono alla crisi lavorativa puntando sulla creatività.
L’allestimento comincia tra le vie della città per concludersi a Sala Dogana: punto di incontro tra arte e società. Attraverso le installazioni proposte, con schede informative tra un groviglio di fili e sagome, i ragazzi si presentano.
 
Project selected from an international competition SHOT Sala Dogana Hands-On Transformation.
Generation Y is an exhibition about the Genoa’s Millenials, youngsters who react to the work crisis betting on creativity.
Sala Dogana is the meeting point between art and society: though the proposed installations, with informative forms hanging down a tangle of filaments and silhouettes, the millenials introduce themselves.
 
Programma:
 
MARTEDI’ 23 ore 18
MIDORI RAIN chitarre acustiche, haiku giapponesi, percussioni etniche. Progetto artistico di Giorgio Cinquegrana e Stefano Tirasso
+ MISENTOTALE misentotale, ecco tutto
+ digital painting di STEFANO TIRASSO
a cura di UGA – Unione Giovani Artisti

MERCOLEDI’ 24 ore 18
FABIO DE LORENZO chitarra acustica

GIOVEDI’ 25 ore 18
NAIM ABID live

VENERDI’ 26 ore 18
SHIRTLESS rock italiano

SABATO 27 ore 18
TRIO ACUSTICO WOOD
La musica e la poesia di Fabrizio De Andrè, reinterpretata in chiave acustica e moderna

DOMENICA 28
ore 16
ATOMIC BOMBRASS quintetto di ottoni | classica, jazz, moderna
ore 17.30
TAGLIERE SONORO
breve storia della Musica attraverso la presentazione di diversi strumenti musicali

Tréuggi e Fontànn-e de Zena
Aurora Bafico Ferrari

dal 3 al 16 settembre 2014

GENOVA – PALAZZO DUCALE
Cortile Maggiore – Spazio 42r

Inaugurazione – Sala del Camino, martedì 2 settembre ore 17

Mostra personale della pittrice Aurora Bafico Ferrari.
Tra i quadri esposti uno avrà come soggetto il truogolo di Salita alla Chiesa di Staglieno, restaurato dalla Associazione Ponte Carrega

Andrei Molodkin
Transformer No. M208

Salone del Maggior Consiglio e Cappella del Doge
17 luglio – 24 agosto 2014
July 17 – August 24 2014

inaugurazione giovedì 17 luglio, ore 18
opening: Thursday July 17 2014, 6pm

curator: Linda Kaiser

Walter Vogel
Genua 1964_2014

1 luglio – 7 settembre 2014
Munizioniere

Inaugurazione lunedì 30 giugno, ore 18

Le forme dell’assenza

 
20 giugno – 6 luglio 2014
Sala Dogana
 
Di Giulia Vasta
 
Inaugurazione venerdì 20 giugno, ore 18

Viene inaugurata venerdì 20 Giugno alle ore 18 in Sala Dogana a Palazzo Ducale la mostra di Giulia Vasta “Le forme dell’assenza” a cura di Caterina Gualco, visitabile fino al 6 Luglio.
“Le forme dell’assenza” è un progetto site-specific della giovane artista genovese Giulia Vasta per Sala Dogana. La mostra è una riflessione sul tempo e sull’assenza, temi centrali nel lavoro dell’artista.

Giulia Vasta fotografa oggetti e cumuli di detriti trasportati dalle mareggiate. Cannicci, copertoni e tavole da surf spezzate, vecchi rosari e tronchi coperti da alghe. “Le forme dell’assenza” è la storia del flusso di un torrente, degli oggetti che trasporta, la storia di tante vite, di ricordi. Lungo il corridoio i visitatori inizieranno a percepire il suono di un fiume. La sensazione di essere all’interno di un flusso, di fare parte di un percorso, accompagnerà il visitatore lungo tutta l’esposizione. Nella prima sala verrà presentato un video, l’inquadratura fissa e in loop di un torrente visto da sopra un ponte. L’acqua scorre dall’alto verso il basso come la sabbia di una clessidra. La sala centrale ospiterà un’installazione site-specific composta da un accumulo di rami, canniccio e oggetti intorno alle quattro colonne. L’intenzione visiva sarà quella di riprodurre ciò che avviene dopo la piena dei torrenti, quando il flusso dell’acqua incontra degli ostacoli e gli oggetti trasportati dalla corrente si accumulano, formando dei nidi di ramaglie. Alle pareti della sala saranno esposte composizioni fotografiche, immagini di oggetti ritrovati in riva al mare dopo le mareggiate e luoghi abbandonati.

La mostra è accompagnata da un catalogo con testi di Viana Conti, Caterina Gualco e Grazia Previati.

Giulia Vasta nasce nel 1984 a Genova, dove vive e lavora. Specializzata in Pittura presso l’Accademia Ligustica di Belle Arti di Genova, partecipa a numerose collettive di prestigio in Italia e all’estero, tra le quali “Et verbum caro factum est” presso la Reggia di Venaria Reale di Torino, “…erba e fior che la gonna…” e “On your feet!” presso le gallerie UnimediaModern Contemporary Art e VisionQuest di Genova e “Lost & Found”, Tranzit (Bratislava). Nel 2010 vince il premio della critica al “First European Art Slam” e viene selezionata come finalista del Premio Nazionale delle Arti nel 2010 e nel 2011. Ha collaborato come performer con Ben Patterson, Philip Corner ed Eric Andersen. Nel 2012 partecipa al progetto di residenza per artisti “Aperto Uno” presso l’Atelier A di Apricale (IM). La sua ricerca si muove nell’ambito dell’esistenza. Le emozioni, la loro incomunicabilità e la ricerca del “senso” sono espresse attraverso diversi linguaggi: performativi, fotografici, pittorici e video.

Tra le esperienze più recenti:
2014 – “Le Forme dell’assenza” – UnimediaModern Contemporary Art – Genova – a cura di
Caterina Gualco (Pubblicazione su catalogo)
2013 – “Come non detto” – Celle Ligure – a cura di Celle Arte Giovani
2013 – Rolly Days 2013 – “Stone” – Palazzo Tobia Pallavicino – Genova – Courtesy UnimediaModern
2012 -”On your feet!” – UnimediaModern e VisionQuest – Genova – a cura di Clelia Belgrado e Caterina
Gualco
2012 -”Lost&Found” – Tranzit – Bratislava (SVK) – a cura di Juliana Mrvovà
2012 -”Aperto Uno” – Castello di Apricale – Apricale (IM) – a cura di Atelier A
2012 -”Abbey Contemporary Art”– Ex Abbazia San Remigio – Parodi Ligure (AL) – a cura di Michele Dell’Aria e Setsuko

Lorenzo Capellini.
Fotografie dal 1954 a oggi

14 giugno – 21 settembre 2014
Sottoporticato

Inaugurazione, 14 giugno, ore 17

Nei sessant’anni di vita con la fotografia Lorenzo Capellini, già fotografo de Il Mondo di Pannunzio, ha documentato il Novecento artistico e letterario: da Moravia a Hemingway, da De Chirico ad Alessandra Ferri e Sylvie Guillem, da Parise a Henry Moore, da Jonesco a Pavarotti, da Muti a Antonioni, da Pasolini a Marisa Berenson, da Mandela a La Capria.
“Per la fotografia è indispensabile avere un occhio speciale, una mano ferma e delle buone gambe. Occorrono sensibilità e immaginazione: se non si hanno queste qualità, non c’è nessuna scuola al mondo che possa insegnarle.
L’occhio del fotografo è come quello del pittore che gode della forma, della struttura, della luce. Le gambe devono essere a disposizione di una curiosità insaziabile, ma non indiscreta: una presenza lieve che disegna con la luce una immagine che solo lui, il fotografo, in quel momento vede.

Vedere cose che altri non vedono o che non sanno vedere.
La mano, l’indice della mano, ha il grande privilegio di fermare quell’attimo irripetibile. La tecnica in sé non esiste, ma esistono tecniche specifiche e utili a ciò che si vuole esprimere attraverso l’apparecchio fotografico che è come il pennello per il pittore o la penna per lo scrittore.
Ogni fotografo si costruisce la propria tecnica lavorando: e qui sta il superbo aspetto artigianale che determina la singolarità di ogni autore e del suo lavoro. Concentrarsi sulla tecnica significa ammettere di non avere molto da dire: spesso la fotografia bella tecnicamente non trasmette nessuna emozione. Emozione che io provo ogni volta che scatto una fotografia. L’unica grande inesauribile passione che mi accompagna nella vita.” (Lorenzo Capellini).
La mostra antologica dei lavori di Lorenzo Capellini presenta con oltre 200 fotografie il percorso artistico e di vita che ha portato il grande fotografo a farsi testimone del mondo artistico, dal balletto alla musica, di quello industriale, della moda, dell’architettura. Il mondo dell’arte, dalla letteratura alla scultura e all’architettura, dal cinema al teatro alla danza alla musica classica e non, è rappresentato in una antologica del secolo, che tassello dopo tassello ricostruisce la storia della creatività e del pensiero del Novecento.
I reportage dei suoi numerosi viaggi, che lo portano in Brasile, Messico e Cuba, in Africa con l’amico Alberto Moravia, ogni anno in Canada per fotografare la nascita delle foche, in Baja California per le balene, a Berlino per la Caduta del Muro, in Argentina per immortalare i più grandi tangueri, sono alcune delle esperienze che Capellini ci trasferisce attraverso questa esposizione.
Il mondi più intimo delle relazioni ci viene reso dalle straordinarie fotografie di personaggi incontrati e conosciuti, a cui spesso è legato da grande amicizia. E allora ecco Ernest Hemingway, Dino Buzzati, Alberto Moravia, Goffredo Parise, Giuseppe Ungaretti, Giò Pomodoro, Raffaele La Capria e molti altri ancora.
Le sezioni della mostra:

AMICI
Personaggi incontrati e conosciuti, Alberto Moravia, Nelson Mandela, Goffredo Parise, Eugene Jonesco, Carlo Ripa di Meana, Dino Buzzati, Ernest Hemingway, Raffaele La Capria, Sarah Ferguson, Isabella Rossellini, Giuseppe Ungaretti, Michelangelo Antonioni, Paolo Portoghesi, Maria Schneider, Arthur Miller, Pierpaolo Pasolini John Galbraith, ecc.

I VOLTI DELL’ARTE
Henry Moore, Arnaldo e Giò Pomodoro, Andrea e Pietro Cascella, Pietro Consagra, Marino Marini, Piero Dorazio, Giorgio De Chirico, Rauschemberg, Sebastian Matta, Pistoletto, Manzù, e una selezione delle Biennali di Venezia, ecc.

SULLA SCENA
Carla Fracci, Barisnikov, Alessandra Ferri, Silviè Guillem, BejartPina Baush, Leonide Massine, Luca Ronconi, Jerzy Grotowsky, Living Theatre, Pavarotti, Vittorio Gassmann, Claudio Abbado, John Cage, Pierre Boulez, Riccardo Muti, Luciano Berio Luigi Nono, Arthur Rubinstein, ecc.

SUI GHIACCI
Sul pack nell’Atlantico del nord con Brian Davies per la nascita delle foche.

BERLINO 1989
La caduta del Muro il 9 novembre 1989.

I NUDI
“L’anima del corpo” e “Il nudo nel nudo”.

AFRICA
Gli animali, i luoghi e la gente incontrate nei viaggi con Alberto Moravia.

ITALIA
La Capri di Raffaele La Capria, il Veneto di Goffredo Parise, la Pantelleria di Giorgio Armani, le Calabrie di Marina Valensise.

IL MONDO di MARIO PANNUNZIO
Una selezione di immagini pubblicate sul Mondo tra il 1959 e il 1962

ARCHITETTURE
Da Andrea Palladio a Gaudì, da Aldo Rossi al Bramante, da Oscar Niemeyer a Paolo Portoghesi

SGUARDI
Alcune fotografie così dette d’autore senza un preciso tema.

13 giugno, ore 10.30, l’anteprima stampa:

14 giugno, ore 17, inaugurazione:

La materia multiforme

dal 21 al 27 giugno 2014
Spazio 42 rosso

Inaugurazione:
venerdì 20 giugno 2014 alle ore 18.30
presso lo Spazio 42 rosso di Palazzo Ducale a Genova,
ART Commission Events presenta la mostra d’arte “La materia multiforme”.

La mostra presentata dal critico Lorenzo Mortara vedrà l’esposizione delle opere di sette artisti provenienti da liguria, toscana e lombardia. Diverse le tecniche utilizzate, dalla pittura alla ceramica alla scultura in marmo e in legno. In mostra anche una galleria video di altre opere degli stessi artisti. Allestimento a cura di Interni Ad Arte.

La mostra rimarrà allestita fino a venerdì 27 giugno e sarà visitabile nei seguenti orari: dal martedì alla domenica dalle 15.30 alle 19 – ingresso gratuito. Lunedì chiuso

Gli artisti: Mario Cicalese, Gabry Cominale, Franca D’Alfonso, Roberto Mazzonetto, Concetta Pisano, Riccardo Panusa e Alessandra Politi Pagnoni.

Se è vero quello che dice il poeta Ferdinando Pessoa, ossia che ognuno di noi è più di uno, è molti, è una prolissità di se stesso, e che il maggior poeta dell’epoca moderna sarà colui che avrà maggiore capacità di sogno, aforismi quanto mai attuali, e se reinterpretiamo e trasferiamo queste riflessioni nella visione e nella ricezione delle opere di pittura e di scultura della collettiva “La materia multiforme” allora è giocoforza che è il filo, l’arco, il ponte alchemico che tiene uniti i diversi mondi realtà-fantasia qui esposti, che ci deve condurre alla percezione e all’intuizione del sé interiore, magmatico, immaginativo, che ogni artista qui presente sperimenta.

Percorso non semplice, perché in questo divenire, mutare, sta il nocciolo, forse, della possibile conoscenza – fugace visione della realtà, che questi artisti esprimono con le loro opere, ossia nell’andare oltre il comune senso delle apparenze visive e il non arrendersi al sentimento del quotidiano trascorrere delle figure e delle forme della natura e del proprio io, nel multiforme gioco delle interazioni tra materia e tempo, volumi e assenze, colori e ombre, corpi e simboli.

Lorenzo Mortara

Quarto Pianeta.
Dall’emozione all’azione condivisa tra Progetti e Arte Inconsapevole

21 giugno – 21 settembre 2014
Spazio 46 Rosso

Inaugurazione, 21 giugno ore 18,
con introduzione a cura di Coordinamento x Quarto, Arch. Ruocco – I.M.F.I.

Presentazione del dipinto Un leopardo di Antonio Ligabue
a cura di Vittorio Zanini (Galleria Centro Steccata di Parma)

In mostra alcuni lavori provenienti da vari atelier di attività espressive del Museattivo Claudio Costa, dell’Istituto per le Materie e le Forme Inconsapevoli, in particolare quelli del Centro Socio-Riabilitativo Franco Basaglia della ASL3 Genovese. Inoltre sono esposte opere di artisti professionisti i quali, invitati da Claudio Costa a confrontarsi con quelle prodotte negli atelier, hanno donato le loro opere al Museattivo.

Tra loro, oltre allo stesso Costa, Aurelio Caminati, Plinio Mesciulam, Rodolfo Vitone, Luigi Tola, Raimondo Sirotti, Rocco Borella, Emanuele Luzzati, Edoardo Alfieri. Una sezione della mostra è dedicata al progetto dello Studio Icardi e Ruocco associati che consente una visione sia architettonica, che della struttura ed il suo uso a partire dalla sua costruzione fino ad oggi. A cura di Coordinamento per Quarto.

Robert Capa in Italia

7 giugno – 5 ottobre 2014
Palazzo Ducale, Loggia degli Abati

Inaugurazione, 6 giugno 2014, ore 18

Dopo il successo di Roma e Firenze arriva a Palazzo Ducale di Genova la mostra dedicata al grande fotoreporter di guerra Robert Capa, che racconta con 78 immagini in bianco e nero gli anni della seconda guerra mondiale in Italia.
Considerato da alcuni il padre del fotogiornalismo, da altri colui che al fotogiornalismo ha dato una nuova veste e una nuova direzione, Robert Capa (Budapest, 1913 – Th’i Binh, Vietnam, 1954) pur non essendo un soldato, visse la maggior parte della sua vita sui campi di battaglia, vicino alla scena, spesso al dolore, a documentare i fatti: “se le tue fotografie non sono all’altezza, non eri abbastanza vicino”, ha confessato più volte. In oltre vent’anni di attività ha seguito i cinque maggiori conflitti mondiali: la guerra civile spagnola, la guerra sino-giapponese, la seconda guerra mondiale, la guerra arabo-israeliana del 1948 e la prima guerra d’Indocina.
In occasione dell’Anno Culturale Ungheria Italia 2013 – 2014 che coincide con il centenario della nascita di questo grande maestro della fotografia, il Museo Nazionale Ungherese di Budapest, la Fratelli Alinari, Fondazione per la Storia della Fotografia in collaborazione con Palazzo Ducale Fondazione per la Cultura gli dedicano una mostra che raccoglie le fotografie scattate in Italia nel biennio 1943 – 44. L’esposizione è curata da Beatrix Lengyel ed è stata ideata e promossa in collaborazione con il Museo Nazionale Ungherese di Budapest, il Ministero delle Risorse Umane d’Ungheria, il Fondo Nazionale Culturale, l’Istituto Balassi – Accademia d’Ungheria a Roma e l’Ambasciata di Ungheria a Roma. A settanta anni di distanza, la mostra racconta lo sbarco degli Alleati in Italia con una selezione di fotografie provenienti dalla serie Robert Capa Master Selection III conservata a Budapest e acquisita dal Museo Nazionale Ungherese tra la fine del 2008 e l’inizio del 2009. La serie, composta da 937 fotografie scattate da Capa in 23 paesi di 4 continenti, è una delle tre Master Selection realizzate da Cornell, fratello di Robert Capa, anch’egli fotografo, e da Richard Whelan, biografo di Capa, all’inizio degli anni Novanta e oggi conservate a New York, Tokyo e Budapest. Le serie, identiche tra loro e denominate Master Selection I, II e III, provengono dalla collezione dell’International Center of Photography di New York, dove è conservata l’eredità di Capa.

6 giugno 2014, ore 18, l’inaugurazione

6 giugno 2014, ore 11.30, l’anteprima per la stampa

Electropark 2014

sabato 10 e domenica 11 maggio 2014

La dj parigina Chloé
festival musicale Sala Dogana Nuovo appuntamento di ELECTROPARK 2014 che chiude la prima parte del festival genovese di musica elettronica SABATO 24 MAGGIO a La Claque in Agorà Per la sessione di maggio ospite dalla Francia l’artista producer e dj parigina CHLOÉ, eccellenza a livello mondiale e in esclusiva italiana Electropark è una produzione Forevergreen.fm con la collaborazione di Institut Français, Alliançe Française Gênes, Suona Francese, Comune di Genova, Sala Dogana, Università di Genova, Teatro della Tosse, Goethe-Institut Genua.

dogana_electropark_chloe.pdf

Sabato 10 e Domenica 11 Maggio ore 10-18.30 @ Sala Conferenze del Museo di Sant’Agostino – Piazza Sarzano
Laboratorio formativo condotto dal professore Lucio Argano con l’Associazione Forevergreen.fm su ‘Il progetto e gli strumenti utili al project management di eventi culturali’
 dogana_electropark_attformative_2.pdf
Prorogata al 25 maggio la scadenza dei 3 bandi
dogana_electropark_bando_call_4_proposal.pdf
dogana_electropark_bando_make_your_idea.pdf
dogana_electropark_bando_make_your_sound.pdf

La performance Lumière consiste in uno spettacolo audiovisivo dal vivo della durata di 60-75 minuti dove musica elettronica e immagini esaltano il contesto teatrale. Tre potenti laser bianchi disegnano successioni di oggetti effimeri che sembrano galleggiare. I dati utilizzati per disegnare le forme proiettate si mescolano con le frequenze sonore in una sorta di dialogo improvvisato tra l’artista e la macchina audiovisiva. Lumière è un’esplorazione della sincronicità e della divergenza, della luce e dell’oscurità, di movimenti lenti e improvvise esplosioni di suono e movimento.

La video-intervista vimeo.com/84055347

 dogana_electropark_page1.pdf
 dogana_electropark_page2.pdf
 dogana_electropark_comunicato_stampa2.pdf

progetto di FOREVERGREEN.fm

Dopo il successo dell’edizione 2013 culminato nella strepitosa esibizione di ALVA NOTO FOREVERGREEN.fm, in collaborazione con Goethe-Institut e nell’ambito del progetto Sala Dogana. Giovani Idee in Transito di Comune di Genova e Fondazione per la Cultura, presenta ELECTROPARK 2014, festival e progetto culturale dedicato alla musica elettronica e alle arti visive che prende spunto e raccoglie dal panorama attuale della musica internazionale d’avanguardia, riunendo gli artisti più affermati con i talenti emergenti nel settore della produzione musicale e audiovisiva innovativa.
La terza edizione dell’evento prende il via i giorni 7 e 8 Marzo 2014 in Sala Dogana a Palazzo Ducale dalle ore 22 con una grande partecipazione di artisti legati a Forevergreen.fm protagonisti delle 2 serate di Dj-Set ad ingresso gratuito. Presenti anche i primi artisti emergenti iscritti al concorso Make Your Sound! e le prime esposizioni dei giovani creativi iscritti all’inedito concorso Make Your Idea! Il secondo appuntamento é previsto al Teatro della Tosse e vede protagonista l’artista tedesco di fama internazionale ROBERT HENKE (anche conosciuto come Monolake), tra i fondatori della nota software house Ableton e professore di Sound Design alla Berlin University of the Arts. L’Artista tedesco si esibisce in esclusiva italiana Sabato 5 Aprile al Teatro della Tosse di Genova con la sua ultima performance audiovisiva “Lumiére”. Il giorno precedente Venerdì 4 Aprile in Sala Dogana al Palazzo Ducale di Genova Robert Henke tiene un workshop gratuito “Lumiére: Tecniche-Strumenti” dedicato al suo lavoro performativo. Il festival prosegue nei mesi di Maggio, Giugno, Ottobre e Novembre con artisti e performer punti di riferimento italiani ed europei della musica elettronica nell’ambito audio-video e con la fase di votazione online dei concorsi Make Your Sound! e Make Your Idea! ISCRIZIONI APERTE dal 1 Febbraio al 2 Maggio 2014 Obiettivo primario del festival é la creazione di interconnessioni tra realtà locali e nazionali legate alla produzione artistica/musicale e tra diverse realtà europee di spicco nel panorama della musica contemporanea, per favorire lo sviluppo di correnti creative, stimolare il tessuto artistico locale e valorizzare la città di Genova come luogo di aggregazione culturale.

Uomini del Mare – I pescatori del Mediterraneo

 
30 maggio – 15 giugno 2014
Sala Dogana
 
progetto fotografico di Stratis Vogiatzis
a cura di Afrodite Oikonomidou
 
inaugurazione venerdì 30 maggio, ore 18 

 
Dal 30 maggio al 15 giugno, lo spazio espositivo di Sala Dogana a Palazzo Ducale ospiterà una serie di fotografie dell’artista Greco Stratis Vogiatzis. Un progetto voluto per rendere omaggio ai pescatori del Mediterraneo, a questo lavoro duro e faticoso ma nello stesso tempo magico, pieno di rituali che lo rende quasi un’attività sacra.
Negli ultimi quattro anni Stratis Vogiatzis ha dedicato gran parte del suo tempo a documentare la vita e il lavoro dei pescatori in nove paesi del Mediterraneo (Grecia, Italia, Francia, Turchia, Tunisia, Egitto, Spagna, Libano, Palestina). Penetrare nel mondo dei pescatori, un mondo così diverso da quello delle persone che abitano la terra ferma, rappresenta per l’artista un grande privilegio. Gli permette di venire a conoscenza dei segreti di un lavoro che è rimasto praticamente invariato nel corso del tempo, di vedere come i pescatori riescono a domare
i venti e le onde, di imparare i loro metodi per seguire le rotte marine, di ascoltare i loro racconti incredibili. Fotografando gli “uomini del mare” e documentando il loro lavoro, vive un’unica esperienza e instaura un vero rapporto con la semplicità e la magnificenza del mare. Con la sua arte e la sua sensibilità Stratis Vogiatzis trasforma queste forti emozioni in immagini eccezionali, piene di energia, che trasmettono allo spettatore la forza e la particolarità di un mondo quasi sconosciuto.
 
“Sapete, io sono nato in un’isola greca, il mondo dei pescatori fa parte integrante dei miei ricordi d’infanzia” dice l’autore. “Per me erano i viaggiatori, gente che lasciava lo spazio sicuro della terra e si perdeva nel mare aperto.
Erano creature lontane che rimanevano in silenzio per ore, a districare le loro reti. A volte avevo la sensazione che questo era più una meditazione che un lavoro, un canale che si apre e li collega con i segreti eterni di mare. E non vi è alcun dubbio che il lavoro del pescatore è uno dei lavori più duri: si lavora sulle barche in condizioni atmosferiche rigidissime, spesso con solo due o tre ore di riposo, a volte senza essere pagati se non con il pesce pescato, lontano dalle proprie famiglie e senza assicurazione sanitaria. Affascinato da questo mondo, ho deciso di seguirli e di documentarli. Ogni volta che la barca lascia un porto, un nuovo viaggio comincia per me, un nuovo mondo si apre davanti ai miei occhi”.
 
Stratis Vogiatzis
www.stratisvogiatzis.com
 

Stratis Vogiatzis è nato nel 1978 sull’isola di Chios, in Grecia. Ha studiato Economia e Scienze politiche all’Università di Salonicco e Antropologia Sociale ad Amsterdam, dove si è laureato con una tesi sui bambini e la violenza politica. Ha lavorato con i bambini in Palestina, come insegnante e educatore dei bambini zingari alla periferia di Salonicco, e come ricercatore per la ONG IALE di Nuova Delhi. Come fotografo freelance ha lavorato per progetti commissionati in vari Paesi del mondo come Turchia, India, Vietnam, Tanzania, Kosovo, Marocco, Messico e Iran. Dal 2005 ha deciso di dedicarsi a progetti sociali a lungo-termine. Dal 2011 ha cominciato a produrre film documentari con i quali ha partecipato in vari festival internazionali. Nel 2011 ha iniziato anche la collaborazione con Thekla Malamou per la realizzazione del Caravan Project, un viaggio a bordo di un camper nelle aree più remote della Grecia con lo scopo di documentare e svelare personaggi e storie personali di un mondo che sta scomparendo (www.anotherworldishere.com). All’inizio del 2014 ha partecipato alla grande mostra Nautilus, organizzata al Bozar di Bruxelles in occasione dell’apertura del semestre di Presidenza Greca all’UE.
 
MOSTRE
Inner World, Rosphoto-San Pietroburgo, Luglio-Agosto 2014
Naftilos, Bozar-Brussels, Gennaio 2014
People of the Sea, Beirut Souks-Beirut, Gennaio 2014
People of the Sea, Photomed-Marsiglia, Maggio 2013
Inner World, Consolato Greco ad Ankara, Gennaio 2012
Inner World, DEPO-Istanbul, Dicembre 2011
Topos, Mostra collettiva a Torino e Trieste, Ottobre 2010-Febbraio 2011
Unreal Steps, Centro Culturale-Stockholm, Novembre 2010
Inner World, Chelsea Hotel-New York, Maggio 2010
Inner World, Ambasciata Greca-Washington DC, Giugno 2010
Inner World, Thessaloniki Photobiennale-Salonicco, Aprile 2010
Inner World, Citrus-Chios, Agosto 2009
Athletes with Disabilities, Beijing Sports Hall, Marzo 2009
Foundation Maria Tsakos-Montevideo, Uruguay, Maggio 2008
 
PUBBLICAZIONI
People of the sea, 2013 / Inner World, 2009 / From Athens to Beijing, 2008
Chios, 2006 / Kosovo: Refugees Returning Home, 2003
 
FILM
Sculpting Land, 2014/ The Forest of Gold, 2014/ Man at Home, 2014/ Paporias, 2014
Black Land 2013/ The Blind Fisherman, 2011
 

End in nation. Andata e ritorno

25 maggio – 1 giugno 2014
Spazio 46 rosso del cortile Maggiore

END IN NATION/Andata e Ritorno è il titolo della “fermata” genovese di una mostra, partita da Studio Dieci – Centro Culturale no profit che opera da oltre quarant’anni nella città piemontese di Vercelli – nell’ottobre 2011.
L’evento che ha raggiunto e attraversato diverse città in Italia e in Europa, riguarda qualche decina gli artisti in mostra, quelli della storica galleria vercellese, che vengono a Palazzo Ducale, per incontrare un gruppo di artisti liguri sul tema del viaggio, in collaborazione con Art Commission Event di Genova, che rafforza gli intendimenti sociali e culturali del progetto stesso. Un progetto che nasce con l’intento e il bisogno di cercare alleanze, condivisioni, voci e pensieri, ma anche con il desiderio d’incontrare un nuovo pubblico di appassionati e sognatori.

ARTE-FICIO
Arte, comunicazione, linguaggi ed iconografie dei poteri dagli anni settanta ad oggi, nel percorso artistico di Ettore Pasculli e Giuliano Galletta.

8 – 29 maggio 2014
Loggia degli Abati

A cura di Roberto Mastroianni

In occasione della mostra, “ARTEFICIO”, viene pubblicato da Altralinea Edizione di Firenze, un volume che ripercorre l’esperienza artistica di Ettore Pasculli del quale vengono raccontati e mostrati gli interventi e le collaborazioni coi gruppi di lavoro più significativi, a cavallo di due secoli. L’esperienza dell’artista milanese, che ha dedicato la maggior parte della sua vita alla sperimentazione linguistica e tecnologica congiuntamente a un convinto impegno sociale e civile, viene poi messa in relazione con quella dell’artista genovese Giuliano Galletta.

Ettore Pasculli,
Laureato in Architettura e diplomato a Brera partecipa e organizza numerose mostre. Insegna Storia dell’Architettura contemporanea al Politecnico di Milano e per un decennio dirige e avvia l’innovazione tecnologica del gruppo di Cinecittà. Con numerose pubblicazioni e 23 lungometraggi a soggetto è tra i primi a sperimentare realtà virtuale e cinema digitale.

Giuliano Galletta,
Artista, giornalista, scrittore è attivo fin dalla seconda metà degli anni Settanta e ha esposto in gallerie e musei italiani e stranieri.

Roberto Mastroianni è filosofo, curatore e critico d’arte, ricercatore indipendente presso il C.I.R.Ce del Dipartimento di Filosofia dell’Università degli Studi di Torino dove si è Laureato in Filosofia Teoretica alla Facoltà di Lettere e Filosofia. Ha curato libri di teoria della politica, scritto di filosofia e arte contemporanea e curato diverse esposizioni museali.

Walter Vallini,
Architetto e designer, cura da anni con l’associazione “Fusion Art” importanti mostre ed eventi internazionali al fine di creare una sinergia tra la produzione culturale italiana e quella di altri paesi sia europei che extraeuropei

Smascherare gli inganni!
Il volume illustrato racconta la ricerca artistica e il percorso culturale di Ettore Pasculli, un protagonista della rivolta creativa degli anni settanta. Si tratta di una panoramica emblematica della sua più che quarantennale carriera artistica, che nel suo svolgersi mostra e svela un interesse per l’iconografia del corpo e del potere dei “segni”, l’immagine, il suo statuto disciplinate e la sua natura politica, tutte questioni che si pongono come fondamentali per la comunicazione, l’arte, lo spazio pubblico e le sue dinamiche a cavallo tra il XX e il XXI secolo.
All’estetizzazione della società l’artista ha provato a rispondere con la politicizzazione dell’arte adeguata agli sviluppi della contemporaneità. Si può affermare senza dubbio che nell’officina dell’arte e della comunicazione cui Pasculli ha dato vita siano stati messi in discussione i campi dell’arte stessa e dell’informazione, il valore delle immagini e della rappresentazione dell’umanità; tutto ciò l’ha portato alla consapevolezza che il valore disciplinante delle immagini è prima di tutto antropologico e che il disciplinamento politico è solo una parte dell’azione portata avanti dalla rappresentazione e dall’autorappresentazione della corporeità e del potere.
In appendice il lavoro di E.P. viene messo in relazione ad un’altro artista, Giuliano Galletta, un genovese, che negli stessi anni ha esplorato territori e pratiche.

 

Christian Lebrat – Le temps déroulé

9 maggio – 8 giugno 2014
Cortile Maggiore, Spazio 42 rosso

Promossa da Palazzo Ducale, Fondazione per la Cultura, la mostra è dedicata a Christian Lebrat, fotografo, cineasta, editore e video artista parigino.

L’artista nel corso della sua attività, iniziata nei primi anni 70, ha realizzato una ventina di film, video e performance per film, oltre a cicli di lavori come i rubans photographiques (nastri fotografici). L’esposizione presenta una serie di questi nastri, al confine tra otografia e cinema, che costituiscono il corpo principale dell’opera fotografica di Lebrat. Le immagini sono composte da più scatti in sequenze multiple e spesso sovrapposte, che moltiplicano lo spazio rappresentato con profondità differenti in una sorta di simultaneità dove anche l’architettura diviene elemento dinamico. Genova è più volte presente nelle opere dell’artista francese, a partire dal 1978, anno del suo primo nastro fotografico. In mostra, accanto alle immagini di Parigi, NewYork, Chicago, Venezia, Torino, saranno esposti diversi lavori che rappresentano i luoghi simbolo della città di Genova, come Boccadasse, Villa Pallavicini, Piazza de Ferrari, ma anche le visioni dell’altoforno dell’ILVA di Cornigliano prima dell’abbattimento che, come testimonia Lebrat, “è stato il (mio) modo di rendere omaggio agli uomini che hanno costruito queste acciaierie, che le hanno subìte, lasciandovi il sudore e le loro speranze”.

La vita è sogno
Bloc-notes: musica in immagini

 
9 – 25 maggio 2014
Sala Dogana
 
Premio “Sergio Fedriani” 2014
mostra concorso di opere figurative

inaugurazione venerdì 9 maggio, ore 18

 
Per ricordare il pittore, illustratore, incisore, scenografo e umorista genovese Sergio Fedriani (1949-2006), illustre esponente del disegno poetico e surreale, l’Associazione Culturale a lui intitolata propone annualmente un concorso per giovani artisti, volto a segnalare personalità emergenti nei campi della produzione figurativa fantastica.
Dopo le edizioni dedicate all’illustrazione, alla grafica incisoria, alla scenografia, alla pittura, alla grafica umoristica e ai temi “Il cinema, la fabbrica dei sogni” e “In viaggio: fantastiche istantanee”, questa ottava edizione è intitolata “Bloc-notes: musica in immagini”.
Il Concorso di opere figurative per giovani artisti “La vita è sogno”, ottava edizione del Premio “Sergio Fedriani”, organizzato dall’omonima Associazione culturale in collaborazione con il Comune di Genova, Genova Palazzo Ducale Fondazione per la Cultura e lo studio professionale SFL di Genova, si è concluso dopo lo spoglio degli elaborati inviati da tutta Italia.
 
La Giuria, presieduta dal pittore, illustratore e musicista Cesare Reggiani e composta dall’illustratrice Costanza Favero, dall’artista visivo e musicista Gianfranco Johnny Grieco, dai cantautori Max Manfredi e Claudia Pastorino, dal Presidente dell’associazione Chiara Fedriani e dai Soci Mariacleme Bartesaghi e Rossella Scunza, esaminando le opere selezionate (26 per 17 autori finalisti), ha così deliberato l’assegnazione dei riconoscimenti:
 
1º premio (€ 1500) a CALLA DI LATTA (LUCA CATTANEO e LAURA MANICARDI) di Cologno al Serio (BG) con l’opera Note(s)
2º premio (€ 1000) a FAUSTO MONTANARI di Genova con l’opera Suona-tori
3º premio (€ 500) a STEFANO MAESTRELLI di Villa Poma (MN) con l’opera Il mangiadischi
 
La Giuria ha inoltre ritenuto di segnalare con tre menzioni d’onore le opere: “La primavera (macchina da… suonare” di MARTA ALACEVICH da Pontassieve (FI), “The Last Thoughts About Music” di CHRISTIAN IMBRIANI da Lecce, “Quartetto” di BIANCA MONTANARI da Genova.
In mostra e in catalogo saranno presenti opere di Sergio Fedriani, dei premiati, dei segnalati e dei finalisti Giulio ALVIGINI, Caterina BALDI, Giorgia BELLINGERI, Lucia CARIANI, Roberta DALL’OLMO, Luisa FALETTI, Matilde GIULIANI, Giulia RAMBERTI, Mattia SANSEVERINO, William TARANTINO.
 
Nel corso dell’inaugurazione della mostra si procederà alla presentazione del catalogo e alla premiazione dei vincitori.
 

L’oriente di Pasolini “Il fiore delle mille e una notte” nelle fotografie di Roberto Villa

 
Spazio 46 rosso del cortile Maggiore
4 -21 maggio 2014
 
A cura di Virginia Monteverde
 
Inaugurazione, sabato 3 maggio, ore 18.30, sarà presente l’autore, introduce Matteo Lo Presti.

Attraverso una selezione fra oltre duecentosettanta immagini, l’esposizione ripercorre l’esperienza di Villa sul set del film Il fiore delle mille e una notte, un documento felice sul lavoro di Pasolini in Oriente, ma anche uno degli ultimi sguardi su un’area geografica che stava per trasformarsi in un enorme e prolungato scenario di guerra, come scrive Gian Luca Farinelli nell’introduzione del catalogo edito dalla Cineteca di Bologna nel 2011.
 
La mostra è articolata in due sezioni, trentacinque stampe fotografiche che testimoniano il lavoro di Pasolini sul set e una galleria multimediale in cui scorrono tutte le immagini dei volti, dei luoghi, del fuori set magistralmente documentati da Roberto Villa.
 

Le piazze del cibo

dal 10 al 27 aprile 2014
Loggiato Minore

I colori del cibo, i mercati dimenticati e quelli che vediamo tutti i giorni ma non abbiamo mai guardato, perché vetrate, pilastri e finestre scompaiono al nostrosguardo, concentrato sui banchi. Il viaggio della Scuola di Fotografia dello Studio Leoni, esplora i mercati genovesi e racconta anche particolari “invisibili”, un percoso dentro ai mercati per sentirne le voci, i rumori e rievocarne gli odori.

1936 – USA / Fuga dalla fame

10 – 27 aprile 2014
Loggia degli Abati

Una selezione di fotografie del progetto Farm Security Administration, scattate tra il 1936 e il 1943 da grandi fotografi americani, per documentare la recessione agricola dilagante negli Stati Uniti, dopo la grande crisi del ’29.
 
Sono “istantanee di povertà” scattate da Dorothea Lange, Walker Evans, Arthur Rothstein, Russell Lee e John Vachon.

La Spoon River contadina

10 – 27 aprile 2014
Loggia degli Abati

In collaborazione con la Fondazione Nuto Revelli, un omaggio a Nuto Revelli nel decennale della morte attraverso le foto di Bruno Murialdo e Paola Agosti, che ritraggono i protagonisti dell’epopea revelliana, i contadini de Il Mondo dei vinti ma anche le donne de L’Anello forte.

La cucina futurista

10 – 27 aprile 2014
Spazio 46r

 
Tra le opere esposte il libro La Cucina futurista, bozzetti di menù, menù originali, fotografie e ceramiche prodotte ad Albissola.
 
A cura di Matteo Fochessati.

I tempi del cibo

 
10 aprile – 4 maggio 2014
Munizioniere

Allestimento a cura di N!03

 
Un’installazione site specific, di forte impatto visivo negli spazi del Munizioniere, ambiente storicamente utilizzato come magazzino, ove venivano conservate le provviste alimentari del Palazzo. Il percorso interattivo, pensato per un pubblico eterogeneo e di ogni età, segue l’evoluzione del rapporto dell’uomo con il cibo nel corso della storia attraverso un racconto fatto di immagini, oggetti e suggestioni cinematografiche.
 
Si ringrazia il Museo del Passatempo di Rossiglione per alcuni prestiti (una ghiacciaia e un frigorifero anni Cinquanta, una stufa di ghisa e una cucina a gas anni Quaranta) funzionali ad illustrare come è cambiato il modo di conservare e cucinare i cibi dall’Ottocento al Novecento. Durante La Storia in Piazza il percorso sarà guidato da animatori (solo su prenotazione).

Tomás Saraceno

 
Installazione Site Specific
 
10 aprile – 14 settembre 2014
Cortile Maggiore
 

Saraceno presenta un piccolo mondo sospeso iridescente di circa tre metri di diametro, racchiuso dentro una rete di poliestere ancorata alle colonne. Pensato appositamente per l’antico cortile di Palazzo Ducale, il pianeta di Saraceno irradia dalla superficie, costituita da solar foil, una forma di energia cromatica, il cui spettro di colori è celestiale.
 
L’energia solare alimenta la luce interna dell’installazione durante il giorno e nel buio notturno la trasforma in una magia fluttuante.

Le Colonne (Arte Ceramica 2014) e
Notturni (Carlo Pizzichini)

18 – 27 aprile 2014
Spazio 42r

Inaugurazione, 17 aprile 2014, ore 18

Henry Hargreaves. No seconds.
Comfort food e fotografia

10 – 27 aprile 2014
Sala Dogana

henryhargreaves.com

Il vernissage è arricchito da un cocktail realizzato in collaborazione con Cambi Cafè di Genova.

Henry Hargreaves (1979), giovane artista-fotografo neozelandese ma newyorkese d’adozione, dopo aver raggiunto la fama sulle passerelle dell’alta moda internazionale decide di passare dall’altra parte dell’obiettivo creando, grazie a una capacità tecnica ineccepibile, un provocatorio gioco di contaminazioni con il cibo-cultura.
“È un viaggio che parte dalla quotidianità, dove la velocità nelle relazioni e nel nutrimento è indice di un’attenzione estetica che prevale su tutto, che ci identifica come soggetti dal pathos fragile e dalle facili consolazioni, dove il cibo può diventare vero strumento di conforto o segnale utile all’interpretazione di una psiche” dice Chiara Casarin, curatore della suggestiva mostra al Museo della Follia sull’Isola di San Servolo a Venezia, che ha inaugurato, nel 2013, il progetto europeo.

Dopo Treviso, Venezia e Remagen, arriva a Genova la serie No Seconds, dedicata ai piatti “ultimo desiderio” di famosi condannati a morte americani, progetto già famoso nel web ma mai visto in grande formato, abbinata per la prima volta a Frosted Dic Cakes: i volti dei grandi dittatori in uno dei nuovi progetti di contaminazione, anche politica, fra cibo e cultura di massa (Frosted Dic-Cakes commissioned by Vice by Henry Hargreaves and Amirah Kassem).

La visione della serie No Seconds è arricchita da un’installazione sonora 3D di Giuseppe Gavazza, musicista e sperimentatore attualmente impegnato in un dottorato di ricerca all’Ecole Doctorale Ingénierie pour la Santé, la Cognition et l’Environnement – Grenoble e, nello sviluppo del concept ideato da Mauro Zardetto, nel suo percorso di ricerca e produzione di eventi dedicati al cibo-cultura, dal materializzarsi del “comfort food” con una degustazione curata da Pietro Leemann, chef svizzero e titolare del ristorante vegetariano Joia di Milano, che da anni si occupa dell’intima relazione esistente tra cibo, psiche e spirito.

“Quando mi è stata presentata la mostra No Seconds” spiega Pietro Leemann “ho subito pensato che l’argomento fosse molto delicato e difficile, trattando soprattutto della relazione del cibo con le persone condannate a morte.

La mia paura era che si strumentalizzasse un argomento così delicato e di grande impatto emotivo per tutti. La mia partecipazione all’evento, attraverso il cibo, offrirà il mio vissuto e il mio personale punto di vista sul tema,
senza mai dare giudizi”.

Ma Henry Hargreaves, No Seconds – Comfort Food e Fotografia si propone anche al pubblico della rete con un movie contest dal titolo “L’Ultimo Desiderio” il cui obiettivo sarà quello di spingere i partecipanti a trovare e presentare, scavando nella memoria, il proprio piatto “ultimo desiderio”. Una commissione sceglierà fra i più votati dalla rete i tre food videomaker che hanno meglio interpretato il tema e che saranno chiamati a partecipare ai prossimi eventi dove, assistiti da un team di chef professionisti e mentre scorrono le immagini dei loro video, potranno far degustare al pubblico il loro “piatto dell’anima” in un mix esperienziale coinvolgente.

Henry Hargreaves è nato e cresciuto a Christchurch, in Nuova Zelanda. Ha lavorato come modello per le più prestigiose case di moda di tutto il mondo, collaborando con icone della fotografia come Stephen Meisel, Mario Testino e Richard Avedon. I lunghi viaggi e una full immersion nel mondo della moda hanno alimentato la sua passione per la fotografia fino al trasferimento a New York, dove lavora ancora oggi. Da allora si è affermato come fotografo grazie alle sue immagini divertenti, creative, provocatorie e memorabili. Ha lavorato per clienti come Ralph Lauren, Sagmeister e Walsh, GQ, V, New York Times, Vice e su progetti personali come il best-seller 3DD – la celebrazione dei seni in 3D e le foto della serie No Seconds, Band Riders, Deep Fried Gadgets. Nel 2012 la serie Food of the Rainbow si è posizionata al sesto posto nella Top Ten Most Viral Web Content su Trendland.com. Gli elementi che contraddistinguono il suo lavoro sono una mente inquieta e curiosa, il fascino per l’insolito o eccentrico, e il desiderio di scoprire come la fotografia possa illuminare il mondo e far discutere.

La mostra, un progetto di Mauro Zardetto, è stata realizzato in collaborazione con Boris Brollo, Giorgia Zardetto, AIAP – UNESCO, Comitato Italiano e Trieste Fotografia.

160 anni di immagini dalla Fototeca Ansaldo

4 aprile – 29 giugno 2014
Centro Civico Buranello

inaugurazione 4 aprile 2014, ore 18

Una grande mostra che testimonia, attraverso un migliaio di immagini fotografiche, la lunga stagione del ‘saper fare’ industriale italiano.
Centosessant’anni di radicate e ben diffuse capacità progettuali e costruttive, di straordinarie trasformazioni tecnologiche, documentati con immagini che provengono dalla Fototeca della Fondazione Ansaldo, istituzione culturale dove, oltre a 400mila preziose fotografie industriali d’epoca, è custodita oggi, in Italia, la più vasta e ricca concentrazione di archivi economici e d’impresa.
Nella mostra si trovano fotografie multimedializzate o esposte in originale, gigantografie che, a partire dalla metà del secolo XIX, illustrano il lavoro operaio nelle officine, nei cantieri e nei porti; il treno, il primo e più vistoso prodotto della rivoluzione industriale, simbolo e fattore di sviluppo economico e sociale; la grande meccanica delle caldaie, delle turbine, degli apparati motore; la produzione navale con al centro i maestosi transatlantici; l’epopea dell’acciaio e della ciclopica attività siderurgica; le mastodontiche centrali e gli impianti per l’elettrificazione e la modernizzazione del Paese; la produzione bellica con corazzate, cannoni, aerei e carri armati; le colonie e le gite sociali dei lavoratori negli anni Cinquanta; il ‘miracolo economico’ degli anni ’60 con l’automobile, il tempo libero e la trasformazione urbanistica; l’irrompere dell’informatica e dell’automazione. E ancora immagini sulle più diverse manifestazioni politiche e sindacali o su eventi, come ad esempio, la Resistenza che hanno segnato la storia del nostro Paese.

La mostra, pensata per raggiungere un pubblico vasto e culturalmente diversificato – e non solo coloro che hanno verso questi temi uno specifico interesse professionale o culturale – non obbliga il visitatore ad un percorso prestabilito, unidirezionale. Ci si può limitare ad una veloce ma comunque suggestiva vista d’insieme percorrendo, in pochi minuti, la galleria delle gigantografie; stampate con accuratezza nel bianco e nero delle lastre originali e disposte in ordine cronologico, permettono di intravvedere le forme del paesaggio industriale, le filiere produttive, gli uomini al lavoro e i loro manufatti dalla metà dell’800 sino all’oggi, sino all’esplosione di colore delle fotografie contemporanee di Edoardo Montaina.
Ma per chi vuole vedere e conoscere di più può intrattenersi con le lavagne touch screen (Dall’originale al virtuale) o usare le torce multimediali (La città da scoprire), può
entrare in un antico laboratorio fotografico (Il laboratorio do sciù Campostano) o sostare presso le postazioni interattive collocate al centro dello spazio espositivo dove importanti vicende industriali prendono corpo e vengono narrate grazie alle fotografie (Racconti industriali).

 
14 – 30 marzo 2014
Sala Dogana
 
progetto di Alexandru Nicolae Teodorescu
a cura di Monica Russotto

 
Nell’ambito di “Giovani idee in transito” in Sala Dogana a Palazzo Ducale – Genova, venerdì 14 marzo 2014, alle ore 18, inaugura 3b, mostra personale di Alexandru Nicolae Teodorescu, a cura di Monica Russotto, in mostra fino al 30 marzo 2014.
 
Alexandru Nicolae Teodorescu si è laureato presso la Facoltà di Architettura di Genova.
Qui approfondiamo la sua incline passione per la matita nata con lui a Bucarest.
I suoi disegni nascono da quello che noi chiamiamo muffa, ‘marcio’, emarginato, escono dalle voci delle ragazze di strada, dalla gente anonima, dalle persone che non sanno fare niente, dai ‘perdenti’, scorrono nelle strade buie, sporche e maleodoranti ma nascono anche dai fiori colorati, dai bambini, dagli uccelli del cielo, dai campi di grano sulle colline e dall’acqua che scende nei fiumi e nei mari.
Nascono dal profondo inconscio e da quello che aveva ancora prima di saper leggere e scrivere, quando decifrava l’alfabeto delle sue mani sporche che facevano buche nella terra e dei graffi sul suo corpo fatti delicatamente dai rami degli alberi su cui saliva.
Il disegno nasce e vive come semplice atto creativo e comunicativo, è un gesto primitivo che manifesta ciò che sente. Si pone a noi attraverso un linguaggio che tutti possono comprendere ma non svela la sua essenza, ti chiama ad immaginare.
 
Si mostra in piccoli segni come in grafiche articolate; il singolo tratto e l’intera realizzazione sono in equilibrio.
 
L’artista fa suo ogni strumento che può giovare all’esprimere, mai senza la sua migliore amica. La 3b.

La caserma Gavoglio

20 marzo – 4 aprile 2014
Cortile Maggiore, Spazio 46r
inaugurazione 20 marzo, ore 16.30

Workshop dalle ore 17
“Trasformare il Lagaccio. Progetti e idee per la Caserma Gavoglio”
Salone del Maggior Consiglio
Le immagini realizzate nella primavera del 2013 hanno l’intenzione di lasciare traccia documentale di un’area della città di Genova non visibile alla gran parte della popolazione e di custodire memoria solida dei luoghi. La Caserma Gavoglio, situata nel quartiere del Lagaccio, attualmente è un complesso di edifici in parte dismesso.
Federica De Angeli
 
 

L’urlo della crisi

9 – 23 marzo 2014
Loggiato Minore

Mostra collettiva

Inaugurazione sabato 8 marzo alle ore 17 nel Loggiato Minore

 
In occasione della grande mostra di Edvard Munch a Palazzo Ducale di Genova, l’Associazione ART Commission in collaborazione con “Spazioporpora” di Milano, presenta una collettiva di artisti provenienti da diverse città italiane chiamati a presentare la propria opera che, insieme a tutte le altre, darà vita a un grande urlo collettivo.

Erika Sambiase “Ghimel”

 
16 febbraio – 2 marzo 2014
Loggiato Minore
 
Inaugurazione 16 febbraio 2014, ore 17

 
Domenica 16 febbraio 2014 alle ore 17.00 nel Loggiato Minore di Palazzo Ducale, si inaugura la personale di Erika Sambiase “Ghimel”. La mostra, organizzata da ART Commission, si apre con la performance di pittura e corpo in movimento di Erika Sambiase e Federica Bastoni, sulle musiche originali di Marcello Gori. Presentazione critica a cura di Bettina Bush.
Erika Sambiase.
 
Nata a Genova il 10 Maggio 1979, dopo un percorso di studi scientifici nel 2003 si avvicina al mondo dell’arte iscrivendosi all’Accademia Ligustica di Belle Arti. Laureata in Scenografia nel 2006 inizia subito a lavorare come assistente scenografo e costumista in ambito teatrale e cinematografico, collaborando con i principali teatri genovesi e con diverse produzioni cinematografiche nazionali. Nel frattempo inizia un proprio percorso di ricerca artistica, fondato sull’uso di diversi linguaggi presi in prestito dal palcoscenico, consolidando uno stile pittorico e plastico espressivo, profondamente intimo, dirompente e necessario. Alla sua prima esperienza performativa, in collaborazione con Federica Bastoni, è ideatrice del progetto e autrice dell’istallazione che ne costituisce lo spazio agito.

Biografia di un sogno

 
8 – 23 febbraio 2014
Sala Dogana
 
progetto di Alessandra Elettra Badoino e Chiara Morando
a cura di Roberto Mastroianni
 
inaugurazione 7 febbraio ore 18

 
Nell’ambito di “Giovani idee in transito” in Sala Dogana a Palazzo Ducale – Genova, venerdì 7 febbraio 2014, alle ore 18, inaugura BIOGRAFIA DI UN SOGNO, mostra personale del duo artistico genovese “Articolazione” formato da Alessandra Elettra Badoino e Chiara Morando, a cura di Roberto Mastroianni, in mostra fino al 23 febbraio 2014.
Mostra personale del duo artistico genovese “Articolazione” formato da Alessandra Elettra Badoino e Chiara Morando, a cura di Roberto Mastroianni.
 
La personale è stata ospitata nel 2013 negli spazi torinesi della Fusion Art Gallery a cura di Roberto Mastroianni e Walter Vallini, e rappresenta evoluzione e conclusione di un percorso, che vede in Genova la tappa finale arricchita da lavori inediti pensati appositamente per Sala Dogana. Le due artiste – Alessandra Elettra Badoino e Chiara Morando – hanno potuto sviluppare questo progetto, in quanto vincitrici del primo premio del concorso “Verticalità” promosso dalla Regione Liguria, dalla Fondazione Regionale per la Cultura e lo Spettacolo, dal CRAC – Centro Regionale per l’Arte Contemporanea – dal Comune di Genova e da Genova Palazzo Ducale Fondazione per la Cultura.
Nella mostra saranno presenti opere nate dalla riflessione sul legame tra dimensione reale e onirico. Prato, ferro, pietra sono le materie prescelte per parlare di un sogno mai abitato, ma sempre spiato dal di fuori. Questo sguardo restituisce un’idea di sogno diversa da quella a cui si è soliti pensare; non un sogno leggero, etereo, fragile e bidimensionale, ma “un sogno che vuole un proprio peso specifico, un sogno che vuole essere”.
In questo sogno nudo non emerge la memoria di un movimento onirico, neppure la sua interpretazione, bensì tutta la pesantezza di uno stare reale.
L’uomo, il corpo, la testa sono costantemente assenti, ma in questa non presenza si delinea un richiamo silenzioso ed incalzante ad abitare le forme del sogno.
 

Il viaggio

25 gennaio – 16 febbraio 2014
Cortile Maggiore, Spazio 42 rosso
mostra di Angelo Baghino
Inaugurazione 24 gennaio, ore 17

È il filo spinato che segna il percorso del viaggio. Filo spinato che è anche il confine tra universi non comunicanti. Non tra umanità e dis/umanità perché sia le vittime che i carnefici erano uomini. Non esiste il male assoluto, esiste il male inferto da uomini contro altri uomini, esistono le responsabilità, le colpe. L’oblio della memoria porta a cancellarle. Si ricordano i sommersi ma non i colpevoli. Angelo Baghino con il suo lavoro ci consegna immagini di rabbia, non di paura o di sottomissione. Rabbia con cui è utile confrontarsi per non consegnarsi alla retorica, al vuoto dei sentimenti, per conservare la consapevolezza di quanto è successo.

sabato 24 gennaio 2014, l’inaugurazione:

I colori del mondo

31 gennaio – 1 aprile 2014
Loggia degli Abati

mostra fotografica a cura di Guglielmo Pepe

Un’esposizione fotografica di National Geographic Italia che focalizza l’attenzione su “I Colori del Mondo”, organizzata da Pho_To Progetti per la fotografia e promossa da Genova Palazzo Ducale Fondazione per la Cultura.
Dal 31 gennaio al 1 aprile 2014 in mostra nella Loggia degli Abati del Palazzo Ducale di Genova una selezione di cinquanta immagini, di trentadue fotoreporter, inedite per il magazine e di grande impatto visivo ed emotivo, declinate attraverso quattro colori per descrivere, tra contrasti e suggestioni, il presente e il futuro del mondo.
Rosso, colore della terra, del fuoco, delle comunità, degli usi e costumi, del cuore, del sangue, della passione.
Verde: il mondo green in tutte le sue espressioni, come colore dell’oggi e del domani, della speranza.
Il colore della natura, dell’esistenza stessa.
Bianco: l’immacolato dei luoghi colpiti dal riscaldamento globale, degli animali a rischio di sopravvivenza, dell’innocenza, della purezza.
Azzurro: il colore dell’acqua e del cielo, dei mari e dei suoi “abitanti”, della gioia di esistere e della tranquillità.
Un affascinante viaggio fotografico realizzato con gli scatti dei più grandi fotografi che lavorano e collaborano con il magazine a livello internazionale e nazionale.

Tra gli eventi collegati alla mostra, National Geographic Channel (canale 403 di SKY) e Nat Geo Wild (canale 409 di SKY) propongono al Museo di Storia Naturale Doria una rassegna di documentari che pongono domande su cosa conosciamo veramente, su come vediamo il mondo e sul futuro che si prospetta all’umanità. Le proiezioni, gratuite, avranno inizio a partire dal 18 febbraio, dal martedì alla domenica, in tre orari: alle ore 11, alle ore 13 e alle ore 17.

I FOTOGRAFI IN MOSTRA:

SAM ABELL – LYNSEY ADDARIO – STEPHEN ALVAREZ – ROBERT CLARK – JODI COBB – PETER ESSICK – MELISSA FARLOW – ALESSANDRO GANDOLFI – GEORGE GRALL – LYNN JOHNSON – ED KASHI – BRIAN LANKER – PASCAL MAITRE – STEVE MCCURRY – JAMES NACHTWEY – MICHAEL NICHOLS – PAUL NICKLEN – RANDY OLSON – CARSTEN PETER – ANTONIO POLITANO – JIM RICHARDSON – SANDRO SANTIOLI – JOEL SARTORE – SHAUL SCHWARZ – BRIAN J. SKERRY – STEPHANIE SINCLAIR – JAMES L. STANFIELD – GEORGE STEINMETZ – BRENT STIRTON – ALEX WEBB – STEVE WINTER – MICHAEL S. YAMASHITA

Inaugurazione, 30 gennaio ore 18

Conferenza stampa, 30 gennaio ore 11.30

SEGRETE.
Tracce di Memoria

26 gennaio – 9 febbraio 2014
Prigioni della Torre Grimaldina

Il 25 Gennaio 2014 alle 18.00 si inaugura la VI edizione di SEGRETE, Tracce di Memoria, la rassegna d’arte contemporanea ideata e curata da Virginia Monteverde per il Giorno della Memoria, in collaborazione con Genova Palazzo Ducale Fondazione per la Cultura e Ilsrec, presentazione a cura di Stefano Bigazzi.

Anche quest’anno saranno le suggestive celle delle antiche prigioni della Torre Grimaldina a fare da sfondo e al tempo stesso essere parte integrante del lavoro degli artisti, impegnati a creare una serie di opere site specific per celebrare il sacrificio della Shoah e ricordare, soprattutto alle nuove generazioni, una pagina della storia contemporanea che ha segnato in modo indelebile le vicende politiche e umane del secolo scorso. L'arte affida alla suggestione delle opere il compito di tramandare la memoria non attraverso una funzione didascalica, ma parlando direttamente al cuore e alla mente dei visitatori. Un percorso originale e innovativo, come è nella tradizione di SEGRETE, che quest'anno si sviluppa attraverso le installazioni di:

FELICE ARDITO – LINO DI VINCI – MAURIZIO DUSIO – ROBERTO MERANI – BRUNO MENEGHELLI – SILVIO MONTI – NINA STAEHLI – GÜNTER STANGELMAYER.

Nel corso dell’inaugurazione, sabato 25 gennaio, i visitatori, oltre a seguire il percorso delle sette celle, avranno accesso al piano superiore della Torre Grimaldina dove potranno assistere alla performance “Dentro la Violenza_Dietro la Notizia” realizzata dalla Compagnia Filo' con la partecipazione di Danilo Spadoni.

La mostra si avvale anche delle videotestimonianze di: Luca Borzani – presidente di Genova Palazzo Ducale Fondazione per la Cultura, Piero Dello Strologo presidente del Centro Culturale Primo Levi, Mino Ronzitti – presidente dell’Istituto Ligure per la Storia della Resistenza e dell’Età Contemporanea.

Anche quest’anno avrà una parte di rilievo la documentazione storica. I visitatori potranno per la prima volta “consultare” la mappa dei rifugi antiaerei utilizzati a Genova nel corso della Seconda Guerra Mondiale, grazie al progetto di ricerca di Carlo Cassan “Genova e i rifugi della Memoria: le gallerie dimenticate”

Fascismo ultimo atto.
La Repubblica Sociale Italiana

Wolfsoniana a Palazzo Ducale

7 febbraio – 16 marzo 2014
Munizioniere

Attraverso manifesti, disegni, bozzetti, volantini, opuscoli, cartoline, volumi, fotografie e altro materiale delle collezioni della Wolfsoniana e dell’Istituto Mazziniano, la mostra intende documentare la storia e soprattutto l’immagine della Repubblica Sociale Italiana (8 settembre 1943 – 25 aprile 1945), l’ultima e la più feroce rappresentazione del fascismo italiano.

L’autorappresentazione dell’ultimo fascismo, quello più tragico della Repubblica Sociale Italiana, costituisce una sorta di disperato tentativo di costruire un’identità e un sistema di valori in grado di sorreggere un apparato statale sostanzialmente ininfluente e interamente dipendente dal dispositivo militare nazista. Riproporre dopo settanta anni il materiale propagandistico di Salò è l’occasione per riflettere sui modelli visivi e culturali a cui il fascismo dell’ultimo atto ha consegnato la sua immagine. Larga parte dei materiali conservati dalla Wolfsoniana e dall’Istituto Mazziniano sono esposti per la prima volta e documentano in modo esaustivo sia lo sforzo di rimotivazione ideologica della propaganda repubblichina sia l’illusorio tentativo di riattualizzare quella dimensione eversiva e di movimento che aveva caratterizzato il fascismo delle origini. La retorica del tradimento, dell’onore perduto, l’esaltazione della
morte, del sacrificio e dell’estrema difesa della Patria consegnano in realtà un immaginario fragile e rancoroso incentrato sul lutto e sulla vendetta. La stessa che animò gli uomini e le donne della RSI nelle uniche funzioni a loro concesse dall’“alleato” tedesco: la repressione dell’antifascismo, la persecuzione razziale, la deportazione di uomini e macchine per alimentare l’organizzazione bellica nazista.

Conferenza stampa, 7 febbraio ore 12

Inaugurazione, 7 febbraio ore 18

Gianni Berengo Gardin.
Storie di un fotografo

14 febbraio – 8 giugno 2014
Sottoporticato

Con occhio sempre vigile, attento a cogliere le svolte della storia, così come i passaggi minimi, più discreti del reale, Gianni Berengo Gardin ha narrato – e continua a farlo, basti pensare al suo lavoro su L’Aquila, prima e dopo la devastazione inflitta dal terremoto – avvenimenti che hanno marcato in profondità la storia del nostro paese, sotto molteplici
punti di vista. Le sue immagini sono uno spaccato della vita politica, sociale, economica e culturale dell’Italia dagli anni del boom a oggi, sia nei suoi risvolti felici, sia nelle sue pieghe drammatiche e a volte tragiche.

La mostra “Gianni Berengo Gardin. Storie di un fotografo” – prodotta e organizzata da Civita e Genova Palazzo Ducale Fondazione per la Cultura, progetto espositivo di Civita Tre Venezie, Casa dei Tre Oci e Fondazione Forma – approda a Palazzo Ducale in versione completamente rinnovata e con un intero capitolo dedicato a Genova, la città natale del nostro autore.

Inaugurazione, 13 febbraio ore 18

Storie al lavoro

 
17 gennaio – 2 febbraio 2014
Sala Dogana
 
Fumetti e Racconti per una riflessione sul mondo del lavoro
a cura di Sergio Badino
 
Inaugurazione 17 gennaio 2014, ore 18

 
Nell’ambito di “Giovani idee in transito” in Sala Dogana a Palazzo Ducale – Genova, venerdì 17 gennaio 2014, alle ore 18, inaugura STORIE AL LAVORO, esposizione collettiva di fumetti e racconti, a cura di Sergio Badino, in mostra fino al 2 febbraio 2014.
 
Storie al Lavoro presenta l’unione di fumetti e racconti per una riflessione a 360° sul mondo del lavoro: un tema di attualità veicolato da un tandem espressivo inedito.
Accanto alla narrativa breve e alle tavole a fumetti, a colori e in bianco e nero, la mostra presenta le sceneggiature di queste ultime, in modo da comprendere il processo che, tramite lo storytelling e la scrittura per immagini, conduce alla pagina disegnata.
Sono esposte le opere degli studenti di sceneggiatura e narrativa di StudioStorie, scuola di storytelling e scrittura di Sergio Badino: una mostra da leggere tutta d’un fiato!
 
Sceneggiature & racconti scritti da:
Giorgia Bruzzone, Luca Caridà, Paola Cassano, Maria Grazia Corradi, Davide Costa, Alberto De Paulis, Valeria delle Cave, Giuliana Erli, Camilla Ferroni, Marcello Gastaldo, Filippo Ghiglione, Andrea Grenci, Silvia Ierardi, Marco Moretti, Nicola Pastrano, Gianmarco Perrone, Fabio Peytrignet, Giuseppina Picetti, Laura Magda Sparacello, Francesca Talloru, Laura Taverna.
 
Tavole a fumetti illustrate da:
Matteo Anselmo, Stefano Bortolin, Giulia Bracesco, Vincenzo Cardona Albini, Francesco D’Ippolito, Rudy Dore, Federico Franzò, Luca Marcenaro, Giorgia Marras, Alex Raso, Gianluca Sturmann, Stefano Tirasso.
 

Kostja. Territorio straniero interno

 
10, 11, 12 gennaio 2014
Sala Dogana
 
Performance di Riccardo Raffaele Bozano
Progetto di e con Riccardo Raffaele Bozano
regia Lara Franceschetti
assistente regia Francesca Pedrazzi
scenografie Mimma Conti
violoncello Chiara Alberti
installazioni video Cristina Pierri
installazioni pittoriche Patrizia Pierri

 
Da uno studio che ha come punto di partenza Konstantin Gavrilovic Treplev, protagonista de “Il Gabbiano” di A. Cechov, nasce il monologo di Kostja.
Figlio, uomo, artista incompiuto. Cerca il suo posto nel mondo. “Chi sono io?” Kostja. Solo.
Le sue paure, i suoi sogni, le sue vocazioni, il suo desiderio di libertà.
 
Progetto di Riccardo Raffaele Bozano e Lara Franceschetti
con Riccardo Raffaele Bozano
regia di Lara Franceschetti
installazioni video di Cristina Pierri
installazioni pittoriche di Patrizia Pierri
 
Il lavoro che presento nasce da uno studio, che ha come punto di partenza Kostantin Gavrilovic Treplev, protagonista de “Il Gabbiano” di A. Cechov.
Il monologo, ripetutamente irripetibile ed inedito, nel testo e nella messinscena, è l’esperienza di un giovane uomo che ripercorre le medesime tematiche dell’inquieto scrittore di Kiev. Figlio, uomo, artista incompiuto, alla ricerca del suo posto nel mondo. Kostja, solo. Le sue paure, i sogni, le vocazioni, le pulsioni di morte, i desideri di libertà.
 
La tecnica utilizzata in ricerca, la verticale del ruolo (J. Alschitz), vive di un evento, un’epifania, un incontro tra i temi del mio presente come essere umano e quelli del personaggio Kostantin Gavrilovic Treplev. La solitudine, la precarietà, l’inadeguatezza; il rapporto morboso con la madre e l’evaporazione della figura paterna; l’identità “liquida”; il desiderio di vita e la pulsione di morte. I temi di Kostja sono i temi dell’oggi, della generazione nella quale sono iscritto, del “qui ed ora” dell’essere umani.
Recuperare la tradizione per renderla linguaggio per l’innovazione. Nel lavoro esploro i temi sopra citati utilizzando un linguaggio dove la parola cessa di dominare la scena. La parola ridiventa gesto, movimento ed azione, la parte fisica è preponderante ed è ridotta o subordinata l’intenzione logica e discorsiva. In ogni prova il lavoro tende a distruggere i gesti e le forme trovate nelle prove precedenti al fine di evitare cristallizzazioni e ripetizioni in una circostanza che, per sua natura, deve poter essere ripetibile. Rendere irripetibile per poter ripetere, distruggere per continuare, contenere per liberare. In questo teatro di attraversamento (perezivanie), temporale ed emozionale, di un pezzo di vita, mi occupo delle cause capaci di rendere un sentimento. Sono cosciente di tendere a per – formare con i sentimenti e le sensazioni, non solo con l’intelletto, consapevole che nella creazione artistica le cose più importanti sorgono dai sentimenti.
La messinscena ha a che fare con la vita e riduce al minimo la spettacolarizzazione, sottomettendola all’ aspetto di gravità ed al carattere d’inquietudine proprio dell’azione. Le scene e gli accessori sono reali e concreti. Oggetti ed elementi presi da quanto ci circonda (un tavolo, una papera in legno, secchi,.. ) tenderanno, con la loro sistemazione e relazione con l’azione, a creare nuove figure. La voce, anch’essa in ricerca, varia dal tono naturale all’artificio dei più irritanti, al fine di ricercare i sentimenti supplementari e stranieri.
La visione, oltre il progetto, è di presentare una messinscena capace di restituire la verità corrente della vita, senza creare illusioni. Nella semplice esposizione di oggetti del reale, nella loro combinazione, nel rapporto della voce umana con il gesto, l’azione, con la luce, c’è tutta una realtà che basta a se stessa e che non ha bisogno di altro per vivere. Come dice Antonin Artaud, questa realtà falsa è il teatro, il falso in mezzo al vero. Un’utilizzazione di un ordine spirituale nuovo dato agli oggetti ed alle cose ordinarie della vita, questa la definizione ideale della messinscena.
Quello che guida la proposta è un tentativo rigoroso ed onesto di ricerca di un linguaggio teatrale vero, che ha nell’abnegazione e nella vocazione – intesa come incapacità, impossibilità, assenza di desiderio di fare qualcosa d’altro che non sia questo – una visione ascetica del mio percorso di vita.