http://www1.palazzoducale.genova.it/hitchcock-banksy/ http://www1.palazzoducale.genova.it/hitchcock-banksy/#comments Sun, 24 Nov 2019 09:00:29 +0000 http://www.palazzoducale.genova.it/?p=54138 ]]>

Alfred Hitchcock
nei film della Universal Pictures

prorogata fino al 13 aprile 2020
 
Orari
da martedì a venerdì, ore 15-19, sabato e domenica 11-19
lunedì chiuso
la biglietteria chiude un’ora prima
 
Biglietti
intero 8€, ridotto 6€
ridotto scuole 3€
Se sai già quando verrai a vedere la mostra clicca qui per acquistare il biglietto, in alternativa clicca qui per il biglietto open
 
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Il secondo principio di un artista
chiamato Banksy

prorogata fino al 13 aprile 2020
 
Orari
da martedì a domenica, ore 10-19
chiuso il lunedì
la biglietteria chiude un’ora prima
 
Biglietti
intero 10€, ridotto 8€,
ridotto scuole 4€
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Leggi di più sulla mostra

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http://www1.palazzoducale.genova.it/il-secondo-principio-di-un-artista-chiamato-banksy/ http://www1.palazzoducale.genova.it/il-secondo-principio-di-un-artista-chiamato-banksy/#comments Sat, 23 Nov 2019 09:00:35 +0000 http://www.palazzoducale.genova.it/?p=53803 23 novembre 2019 - 13 aprile 2020
Sottoporticato]]>

Il secondo principio di un artista chiamato Banksy

Sottoporticato
23 novembre 2019 – 29 marzo 2020 prorogata fino al 13 aprile 2020

Nessuno lo ha mai visto, nessuno conosce il suo viso, non circolano foto che lo mostrino: eppure Banksy conquista il mondo attraverso opere di inaudita potenza etica, evocativa e tematica. Originario di Bristol, nato intorno al 1974, inquadrato nei confini generici della Street Art, Banksy rappresenta un esemplare caso di popolarità per un artista vivente dai tempi di Andy Warhol. Ad oggi possiamo considerarlo il più grande artista globale del nuovo millennio.
 
La mostra riunisce opere e oggetti originali dell’artista britannico. Ci sono i dipinti a mano libera della primissima fase della sua carriera e numerosi stencil. Ci sono le serigrafie che Banksy considera vitali per diffondere i suoi messaggi. Ci sono oggetti installativi e altre opere provenienti da Dismaland (come la scultura Mickey Snake con Topolino inghiottito da un pitone).
 
Banksy mette in discussione concetti come l’unicità, l’originalità e soprattutto la verità dell’opera, tratteggiando una nuova visione che propone qualcosa di nuovo sulla relazione tra opera e mercato, istituendo di fatto un nuovo statuto dell’opera arte, una nuova verità dell’arte stessa: l’opera originale non commerciabile. Banksy preferisce da sempre la diffusione orizzontale di immagini rispetto alla creazione di oggetti unici. Una lezione mutuata da Andy Warhol con il suo approccio seriale e l’uso metodico della serigrafia. Come è stato ribadito da molte firme internazionali, Banksy rappresenta la miglior evoluzione della Pop Art originaria, l’unico che ha connesso le radici del Pop, la cultura hip hop, il graffitismo anni Ottanta e i nuovi approcci del tempo digitale.
 
La sua forza sta nell’aver capito che in un mondo digitale come il nostro, l’arte doveva fermarsi un attimo prima della sua digitalizzazione, nascendo solida per poi diventare liquida. Un’arte facile in apparenza ma complessa oltre l’apparire, ovvia eppure controversa, empatica per attitudine e cattiva per natura.
Quello di Banksy è un immaginario semplice ma non elementare, con messaggi che esaminano i temi del capitalismo, della guerra, del controllo sociale e della libertà in senso esteso e dentro i paradossi del nostro tempo.
 
Sostiene Stefano Antonelli:

Banksy ha scritto che “Se vuoi dire qualcosa e vuoi che la gente ti ascolti, allora indossa una maschera. Se vuoi dire la verità devi mentire”. In seguito disse anche “Non saprete mai chi sono e ogni verità che dirò sarà mascherata da bugia”. Traslando le due affermazioni, il primo principio di Banksy stabilisce che egli abbia qualcosa da dire, il secondo che quanto ha da dire sia una verità. Avere qualcosa da dire è il mandato artistico per definizione, che si tratti di verità non è affatto scontato. Secondo Hegel la religione ci offre la verità come rappresentazione, la filosofia come forma suprema del concetto, l’arte come forma del sensibile. Attraverso questa prospettiva possiamo sostenere come l’opera di Banksy sia una verità che egli somministra ai nostri sensi, affinché possiamo percepirla. Ora, non ci resta che comprendere di quale verità si tratti. Tuttavia, il secondo principio ci suggerisce che l’artista presenta le verità sotto forma di menzogna. E qui la contraddizione diventa irrisolvibile, finché ci accorgiamo che il cortocircuito lo rende uno degli artisti più veritieri e profondi del nostro tempo.

A cura di Stefano Antonelli, Gianluca Marziani, e Acoris Andipa, ideata e prodotta da MetaMorfosi Associazione Culturale in collaborazione con Palazzo Ducale Fondazione per la Cultura, promossa da Comune di Genova e Regione Liguria.

Orari
da martedì a domenica, ore 10-19
chiuso il lunedì
la biglietteria chiude un’ora prima
 

Biglietti
intero 10€, ridotto 8€, ridotto scuole 4€
 
Se sai già quando verrai a vedere la mostra clicca qui per acquistare il biglietto, in alternativa clicca qui per il biglietto open

Gruppi
ingresso ridotto a 8€
solo su prenotazione a prenotazioni@palazzoducale.genova.it
minimo 15 persone, massimo 25
 
Visite Guidate per Individuali
consulta qui il calendario completo
 
Percorsi in città
a cura della AGTL Liguria, il 12 gennaio e il 5 febbraio
Costo complessivo 16 euro, compreso biglietto di ingresso alla mostra.
Leggi qui maggiori informazioni

22 novembre 2019, la fotogallery dell’inaugurazione

I visitatori sono tenuti a depositare negli appositi armadietti in biglietteria borse e zaini.
Negli spazi espositivi e congressuali è inoltre vietato:
- introdurre animali, ad eccezione di quelli utili per accompagnare le persone disabili, e qualunque oggetto che per le sue caratteristiche possa rappresentare un rischio per la sicurezza delle persone, dell’edificio, delle strutture;
- effettuare riprese fotografiche e audiovisive non autorizzate o in deroga con le norme esposte alla biglietteria;
- fumare in tutti i locali della Fondazione;
- usare il cellulare all’interno degli spazi espositivi;
- consumare cibi e bevande.
Altri divieti possono essere imposti in biglietteria o direttamente nelle zone espositive per ragioni di sicurezza
L’intera carta dei Servizi di Palazzo Ducale è consultabile qui

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http://www1.palazzoducale.genova.it/lapparenza-dei-luoghi/ http://www1.palazzoducale.genova.it/lapparenza-dei-luoghi/#comments Sat, 16 Nov 2019 14:00:23 +0000 http://www.palazzoducale.genova.it/?p=53706 16 novembre - 1 dicembre 2019
Sala Dogana]]>

Annalisa Moschini e Diletta Nicosia
a cura di Clelia Belgrado e Benedetta Donato
16 novembre – 1° dicembre 2019
 
Sala Dogana

Ingresso libero
Inaugurazione 15 novembre, ore 18
Orario: 15-19.30 dal martedì alla domenica

Due autrici, due differenti visioni e approcci per una partita a scacchi immaginaria, che si disputa attraverso l’escamotage del ciò che sembra, ma non è come appare.
In questo percorso ci troviamo di fronte a due narrazioni che interpretano luoghi, attraverso coordinate precise, costituite dalle reinterpretazioni di Annalisa Moschini e Diletta Nicosia. Ogni fotografia mostra tracce di mondi esteriori ed interiori agli antipodi, dove il comune denominatore è percettibile nella scelta di ritrarre i luoghi, al di là della loro evidente destinazione specifica.
Un tema che abbiamo imparato a conoscere dalle teorie di studiosi come Marc Augé, grazie al quale rintracciamo una definizione precisa del concetto di luogo.
Per Augé deve possedere tre caratteristiche fondamentali: deve essere identitario, tale da contrassegnare l’identità di chi ci abita; relazionale, che individui cioè i rapporti reciproci tra i soggetti, in funzione di una loro comune appartenenza; e infine storico, deve cioè ricordare all’individuo le proprie radici. Caratteristiche mancanti agli spazi che ci circondano, in particolar modo a quelli deputati al transito, al trasporto e al tempo libero, dove le persone sono di passaggio, vi sostano brevemente, ma nessuno in realtà li abita.
Allo stesso modo, spostandoci in ambito prettamente visivo e prendendo come riferimento un autore quale Guido Guidi, ci soffermiamo sull’apparire dei luoghi: si iniziano a fotografare spazi e oggetti esclusi da ogni attribuzione di significato e quindi si amplia notevolmente il terreno dell’osservabile e dell’immortalabile, evidenziando gli aspetti spesso contraddittori che compongono la contemporaneità.
In entrambi i percorsi – teorico e visivo – si sottolinea un’ambivalenza insita per natura nel paesaggio, come contenitore di segni difficili da definire e decodificare, perché frutto di continue stratificazioni, che modificano il senso del luogo e che, per mezzo della fotografia, divengono intercettabili ed evidenti, in molteplici ed inaspettate sfaccettature.
E’ il caso della doppia prospettiva offerta dalle due autrici protagoniste di questa narrazione che, partendo da istanze diverse per vissuto ed esperienze individuali, formazione, ricerca e percorso, diventano compatibili, donando spunti interessanti alla riflessione sulla metamorfosi dei luoghi, sulla loro reinterpretazione, ai fini di una comprensione più profonda della funzione contemporanea assunta da questi ultimi, tramite inediti punti di vista.
In Fun di Annalisa Moschini, i luoghi del divertimento assumono la veste di «centri di contenimento». Tutti gli elementi riconducibili alla coadiuvazione del gioco, diventano strumenti di costrizione ed inclusione forzata. Il rigore, il taglio e il colore delle immagini, sono strumenti abilmente utilizzati dall’artista, per enfatizzare le evidenti contraddizioni tra contenitore e contenuto. Si assiste ad una perturbazione dell’ambiente abitualmente percepito come libero, spensierato e aperto, da cui scaturisce inevitabilmente una domanda sul senso e sulla funzione dello spazio.
Ne I Quotidiani non luoghi proposti da Diletta Nicosia, i luoghi di passaggio e di sosta, generalmente occlusivi e indipendenti tra loro, vengono ripresi istintivamente e qui diventano gradevoli, perché caratterizzati dall’individuazione di elementi sequenziali, comuni e coerenti, come ad esempio le geometrie sinuose o la scelta di colori tenui, offrendo un risultato esteticamente godibile e accattivante, di uno spazio che per sua definizione nasce chiuso, contenitivo, limitante e privo di appeal, e che ora diviene accogliente e rassicurante.
Nel gioco delle apparenze, ogni luogo viene mostrato per il suo esatto contrario, denotando la perdita della sua essenza e funzione primaria.
 
Le due prospettive colgono fattori non concreti e impalpabili, come l’assenza e l’immobilità che, da un lato vengono restituite con la riflessione socio-antropologica sul senso odierno dei luoghi aperti e deputati alle attività ludiche del tempo libero, dall’altro si palesa attraverso l’escamotage estetico di ambienti chiusi e destinati alle pause tra un’attività e la successiva.
La particolarità dei punti di vista consente di muoversi dalla profondità alla superficie dei luoghi riportati, ipoteticamente identificati come familiari e ora irriconoscibili, in quanto generatori di senso di spaesamento, rispetto alla tradizionale e diffusa percezione.
 
Non sono mondi immaginari, sono luoghi fisici e reali, mostrati come appaiono in modo nuovo, curioso e inquietante nelle due visioni opposte e inaspettatamente allineate.
© Benedetta Donato, 2019
Link photopress: https://www.dropbox.com/sh/04pi9fvv1t79adz/AACSAzN7ZVHHpiHWgKL22yeSa?dl=0
 

Note Biografiche Autrici

Annalisa Moschini
nata a Parma, risiede a Milano appartiene alla Generazione Y
Studia a Firenze laureandosi in Progettazione e Gestione di Eventi ed Imprese dell’Arte e dello Spettacolo (PROGEAS), con tesi sperimentale in cinematografia dal titolo “L’espressione attraverso la censura: Skazka Stranstvij di Aleksandr Mitta”.
Professor Alessandro Bernardi, voto 110 e lode e dignità di pubblicazione.
Prosegue gli studi a Milano presso la Nuova Accademia di Belle Arti (NABA) frequentando il biennio di Arti Visive, dove si specializza in fotografia con Francesco Jodice. Tesi sperimentale in cinematografia dal titolo “La regia come pratica curatoriale del presente: Danny Boyle e la nascita del cinema contemporaneo”.
Professor Marco Scotini, voto 110 e lode e dignità di pubblicazione.
Riconoscimenti
Il libro fotografico ALEKSANDRA (2016) viene selezionato a Fahrenheit 39, festival dell’editoria indipendente (Ravenna).
Il cortometraggio I miei colori (2016) vince la categoria miglior film al concorso “Un’opera per Giuseppe Pinelli”.
Il cortometraggio Blu reale (2018) viene selezionato al Milano Movie Week.
Pubblicazioni
L’inverno (Edizioni Campanotto, 2017) è un romanzo minimale, situato al di fuori della narrativa classica sia per contenuto che per intento. E’ l’unica opera che mai esporrà
la parabiografia dell’artista. Include una conversazione con Paolo Barozzi
 
Diletta Nicosia
nata a Genova il 31 luglio 1990.
Durante gli studi universitari, inizia a dedicarsi alla fotografia.
Nel 2014 supera con successo la selezione per entrare a far parte del corso per
fotografi di scena presso l’Accademia del Teatro alla Scala di Milano. Durante questo
periodo di formazione ha l’opportunità di scattare in altri prestigiosi teatri milanesi, tra
i quali: il Piccolo Teatro Strehler ed il Teatro degli Arcimboldi.
Frequenta il Corso Superiore Biennale presso l’Istituto Italiano di Fotografia a Milano,
dove ha modo di approfondire ulteriori tecniche: dallo still life alla ritrattistica, dal
reportage alla fotografia di moda.
Attualmente lavora tra Milano e Genova, come fotografa freelance dedicandosi
principalmente allo still life, alla food photography e alla fotografia di scena. Prosegue
il suo percorso personale di ricerca, partecipando a diversi progetti espositivi con
mostre monografiche e collettive.
Gennaio-Febbraio 2017
Master Adobe Photoshop
Espéro Milano Master in Photoshop e Visual Design con superamento esame ACA
(Adobe Certificate Associate)
Ottobre 2014-Settembre 2015
Diploma secondo anno Corso Biennale Superiore presso l’Istituto Italiano di Fotografia
a Milano come fotografa professionista
Febbraio 2014-Luglio 2014
Master presso l’Accademia del Teatro alla Scala di Milano in fotografia di scena; storia
del teatro; storia della fotografia – Diploma Regione Lombardia Arti e Mestieri dello Spettacolo
Principali Esposizioni
Marzo 2018, Galleria Meravigli, Milano
Mostra personale in collaborazione con il quotidiano Il Giornale e il magazine
specializzato Eyesopen!
Febbraio 2017, Satura Art Gallery, Genova
Mostra doppia personale “Usa e Getta”, a cura di Andrea Rossetti
Aprile 2016, Spazio Artelier, Palazzo Ducale, Genova
Mostra doppia personale “Genova, ruvida poesia”, con Mattia Ciafardo
Maggio 2015, Teatro Litta, Milano
Mostra collettiva “Fotografie di teatro”, inserita all’interno del Photofestival
Giugno 2014, MaMoLab, Arles
Mostra collettiva “Fourthinee”, Fotografie Teatro alla Scala, inserita all’interno del
circuito OFF del festival Les Rencontres d’Arles 2013
Pubblicazioni
Un colle, un transatlantico e un nome. Tre storie sul porto di Genova, di Beatrice
Moretti, Sagep Editori
Progetto fotografico a cura Diletta Nicosia
Playboy mensile 2 anno 1 Settembre 2015
Pubblicazione fotografia per concorso dal titolo “ Il Divinismo”
Progetto in collaborazione con l’Istituto Italiano di Fotografia

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Spazio Aperto]]>

mostra
Ducale Spazio Aperto, dal 15 al 17 novembre 2019

ingresso libero
tutti i giorni ore 11-18.30

Una mostra dedicata interamente al grande attore ligure Carlo Dapporto, in occasione del trententesimo anniversario della morte.
Curata da Luisa Bianchi, coautrice del libro assieme ad Andrea Panizzi, sarà aperta al pubblico dal 15 al 17 novembre 2019. Lo scopo è far rivivere oltre quarant’anni di teatro italiano e non solo, con foto inedite che ritraggono il Carletto nazionale sia nella vita artistica che in quella famigliare. Il visitatore avrà altresì la possibilità di acquistare il libro Carlo Dapporto 30…e lode. La vita è uno show meraviglioso che non si replica, che verrà presentato giovedì 14 novembre, ore 17,00, presso la sala Società Ligure di Storia Patria, con la presenza di Massimo Dapporto.

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Loggia degli Abati]]>

Alfred Hitchcock nei film della Universal Pictures
Loggia degli Abati
14 novembre 2019 – 8 marzo 2020 prorogata fino al 13 aprile 2020

Fotografie scattate sul set e contenuti speciali provenienti dagli archivi della Universal Pictures conducono il pubblico nel backstage dei principali film di Alfred Hitchcock, lasciando scoprire particolari curiosi sulla realizzazione delle scene più celebri, sull’impiego dei primi effetti speciali, sugli attori e sulla vita privata del regista inglese.
Celebrato come uno dei principali e più influenti innovatori della storia del cinema, Hitchcock è famoso per il suo ingegno, le trame avvincenti, la gestione delle camere da presa, l’originale stile di montaggio, l’abilità nel tener viva la tensione in ogni singolo fotogramma.

Hitchcock, come hanno detto i critici della nouvelle vague – afferma Gianni Canova, curatore della mostra – è stato uno dei più grandi creatori di forme di tutto il Novecento. I suoi film, per quante volte li si riveda, sono ogni volta una sorpresa. Ogni volta aprono nuove prospettive attraverso cui osservare il mondo e guardare la vita

Curata da Gianni Canova e prodotta e organizzata da ViDi, l’esposizione presenta 70 fotografie e contenuti speciali provenienti dagli archivi della Major americana che conducono il pubblico nel backstage dei principali film di Hitchcock, facendo scoprire particolari curiosi sulla realizzazione delle scene più celebri, sull’impiego dei primi effetti speciali, sugli attori e sulla vita privata del regista inglese.
Celebrato come uno dei principali e più influenti innovatori della storia del cinema, Hitchcock è famoso per il suo ingegno, le trame avvincenti, la gestione delle camere da presa, l’originale stile di montaggio, l’abilità nel tener viva la tensione in ogni singolo fotogramma.
 
Il percorso espositivo si apre proprio con la sezione dedicata al rapporto che ha legato Hitchcock a Genova, con fotografie e filmati del film Il labirinto delle passioni, accompagnati da alcuni ricordi delle rocambolesche disavventure che accompagnarono quel suo primo ciak ufficiale e prosegue analizzando i suoi principali capolavori, prodotti dalla Universal Pictures.
Primo fra tutti Psyco (1960), una delle sue opere più controverse che riuscì a battere tutti i record di incassi e fece fuggire il pubblico dalle sale in preda al panico. Un’occasione per vedere il dietro le quinte del metafisico Motel Bates, conoscere il personaggio inquietante di Norman, la doppia personalità di Marion e la celebre scena della doccia.
Una sala è dedicata a Gli Uccelli (1963), pellicola in cui introdusse numerose novità nel campo del suono e degli effetti speciali; con ben 370 trucchi di ripresa, il film richiese quasi tre anni di preparativi a causa della sua complessità tecnica.
L’itinerario nell’universo hitchcockiano prosegue con La Finestra sul cortile (1954), con James Stewart che interpreta il fotoreporter ‘Jeff’ Jeffries, costretto su una sedia a rotelle per una frattura alla gamba e che, per vincere la noia, spia le vite dei vicini dal proprio appartamento, fino a convincersi che in un appartamento si sia consumato un delitto. Il film fu un grande successo; uscito nell’agosto 1954, nel maggio 1956 aveva già incassato 10 milioni di dollari.
E ancora, La donna che visse due volte (1958), capolavoro divenuto oggetto di venerazione, che racconta una delle storie d’amore più angoscianti del cinema, narrata attraverso un numero infinito di angolazioni e riprese straordinarie nei luoghi più famosi di San Francisco.
Il materiale fotografico getta inoltre uno sguardo su altri celebri film come Sabotatori (1942), L’ombra del dubbio (1943), Nodo alla gola (1948), La congiura degli innocenti (1955), L’uomo che sapeva troppo (1956), Marnie (1964), Il sipario strappato (1966), Topaz (1969), Frenzy (1972) e Complotto di famiglia (1976).

La mostra è a cura di Gianni Canova, ed è ideata e prodotta da Vidi – Visit different, con la collaborazione speciale di Universal Pictures Italia divisione di Home Entertainment e dello IULM, Milano.

Orari: da martedì a venerdì, ore 15-19
sabato e domenica 11-19
lunedì chiuso, la biglietteria chiude un’ora prima
 
Biglietti: intero 8€, ridotto 6€
ridotto scuole 3€
 
Se sai già quando verrai a vedere la mostra clicca qui per acquistare il biglietto, in alternativa clicca qui per il biglietto open
 
Percorsi in città
Genova: ciack si gira!
A cura della AGTL Liguria, il 16 febbraio e 8 marzo
Costo complessivo 14 euro, compreso biglietto di ingresso alla mostra.
Leggi qui maggiori informazioni

Press Area: il comunicato e il link con le immagini per la stampa

13 novembre 2019, la fotogallery dell’inaugurazione

Mostra con delitto, apericena con Alfred
Durante la visita della mostra qualcuno morirà per ragioni ignote, starà proprio a te capire chi è il colpevole e difenderti dalle accuse mosse dalla polizia, sempre che il criminale non sia proprio tu. Avrai una nuova identità, avrai un alibi ed un movente. Hai ragione di credere che potrai diventare il protagonista di uno dei suoi celebri film e scoprire un tuo alter ego da paura.
A cura di Mentelocale srl e Compagnia Teatrale La perla del Tigullio
Per info, biglietti e calendario completo clicca qui

I visitatori sono tenuti a depositare negli appositi armadietti in biglietteria borse e zaini.
Negli spazi espositivi e congressuali è inoltre vietato:
- introdurre animali, ad eccezione di quelli utili per accompagnare le persone disabili, e qualunque oggetto che per le sue caratteristiche possa rappresentare un rischio per la sicurezza delle persone, dell’edificio, delle strutture;
- effettuare riprese fotografiche e audiovisive non autorizzate o in deroga con le norme esposte alla biglietteria;
- fumare in tutti i locali della Fondazione;
- usare il cellulare all’interno degli spazi espositivi;
- consumare cibi e bevande.
Altri divieti possono essere imposti in biglietteria o direttamente nelle zone espositive per ragioni di sicurezza
L’intera carta dei Servizi di Palazzo Ducale è consultabile qui

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Sala Liguria]]>

Sport, Music&Exhibition
22 novembre 2019 – 8 dicembre 2019
prorogata fino al 15 dicembre
Sala Liguria

Inaugurazione giovedì 21 novembre, ore 16.30

da lunedì a venerdì, ore 10-19
Sabato e domenica, ore 11-18
Ingresso libero

La mostra si propone di ripercorrere la storia dello spazio architettonico del Palasport dallo studio urbanistico dell’arch. Luigi Carlo Daneri al concorso di architettura del 1960 vinto dall’ing. Franco Sironi, ing. Leo Finzi, arch. Lorenzo Martinoia e ing. Remo Pagani voluto dal Presidente della Fiera Internazionale prof. Giuseppe De Andrè con la collaborazione del CONI.
Dall’inaugurazione del 1965, attraverso immagini, disegni, testi e documenti d’epoca si ricorderanno le molte manifestazioni a carattere sportivo, musicale ed espositivo che si sono succedute negli anni fino al 2010 in questo grande contenitore polifunzionale. Grandi eventi, dai concerti dei Beatles e dei Rolling Stones a quello di Fabrizio De Andrè, dai Campionati Europei Indoor di Atletica Leggera al Superbowl di Motociclismo, passando dalla pista di ghiaccio ai grandi Tornei calcistici estivi, e poi dal Salone Nautico ad Euroflora insieme a tante manifestazioni che hanno coinvolto il pubblico genovese ed internazionale.
Scopri qui la locandina della mostra

Eventi collaterali alla mostra

Mercoledì 27 novembre 2019, ore 16.30 | Sala Liguria
Beatles 1965 in concerto con Ferdinando Fasce, docente di storia contemporanea Unige. Il primo concerto di un gruppo internazionale segna l’inizio di una stagione che farà sentire i giovani teenagers.
I concerti di Fabrizio De André con Laura Monferdini, Responsabile museo Viadelcampo29rosso. Nel 1975 De Andrè si esibisce per la prima volta in Fiera all’interno della manifestazione “Giovani di Primavera 75” e poi tutte le sue tournée facevano tappa al Palasport, con la PFM nel ’79 per presentare gli album l’Indiano, Creuza de ma, Le nuovole, fino al commiato dell’ultimo disco Anime salve nel 1997.
L’acustica del Palasport con Davide Foppiani, Ingegnere esperto in acustica. Dalla sua tesi di laurea sull’acustica del Palasport alla sua attività professionale incentrata su queste problematiche. Progetti di strutture montate per i concerti al Palasport.

Giovedì 28 novembre 2019, ore 16.30 | Sala Liguria
Architettura sportiva a Genova, luoghi e non luoghi con Maurizio Maggiali, architetto tecnico regionale per l’impiantistica sportiva.
“In Italia non c’è nulla di più provvisorio del definitivo e nulla di più definitivo del provvisorio” storie di impianti nella nostra città che hanno perduto la necessaria agibilità, riflessioni sugli interventi necessari e sul loro futuro.
Motociclismo indoor e outdoor con Marco Marcellino, Giornalista e Past-President del Comitato regionale Liguria della Federazione Motociclistica Italiana. Il Superbowl di Motocross, dalla sua nascita nel 1979 fino alla sua conclusione nel 2015. Manifestazione sportiva di livello mondiale con le discipline di Freestyle, Enduro, Trial, Supermotard e Speedway.

Mercoledì 4 dicembre 2019, ore 16.30 | Sala Liguria
CONI-PALASPORT passato, presente&futuro? con Antonio Micillo, presidente CONI Liguria.Il contributo del CONI nella costruzione del Palasport e nell’organizzazione delle moltissime manifestazioni che si sono succedute negli anni. Ipotesi di intervento nella futura riqualificazione.
Recco, un’eccellenza nello Sport con Carlo Gandolfo, Sindaco di Recco. Dalle storiche eccellenze della Pro Recco, al rugby, al judo al surf e alle moltissime realtà di associazioni sportive. Progetti di riqualificazione di aree dismesse per impianti sportivi, forse finalmente una piscina per competizioni internazionali.

Giovedì 5 dicembre 2019, ore 16.30 | Sala Liguria
Disegnare Euroflora, con Antonio Lavarello, Architetto studio Lavarello. Dai disegni prospettici di Marco Lavarello per gli splendidi allestimenti floreali nel Palasport, che saranno esposti in mostra, ai rendering della prossima edizione ai Parchi di Nervi.

La mostra è a cura di Roberta Ruggia Barabino e Massimo Sotteri
Con il patrocinio di Regione Liguria, Comune di Genova, CONI Comitato Regionale Liguria, Ordine e Fondazione degli Architetti di Genova

Roberta Ruggia Barabino e Massimo Enzo Maria Sotteri laureati a Genova presso la Facoltà di Architettura, svolgono attività da liberi professionisti nel settore per l’edilizia per esterni ed interni e degli allestimenti museali, teatrali e fieristici. Organizzazione eventi, incontri, mostre e conferenze in campo culturale e sportivo con particolare attenzione alla memoria storica e alle valenze territoriali.

21 novembre, l’inaugurazione

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Appartamento del Doge e Cappella Dogale]]>

 

Appartamento del Doge e Cappella Dogale, dal 5 ottobre 2019 al 1 marzo 2020 prorogata fino al 22 marzo 2020
Orari: da martedì a domenica, ore 10 – 19, lunedì chiuso. La biglietteria chiude un’ora prima
Biglietti: intero 12€, ridotto 10€
Se sai già quando verrai a vedere la mostra clicca qui per acquistare il biglietto, in alternativa clicca qui per il biglietto open

La mostra
Gli anni venti in Italia furono anni complessi, tanto ruggenti e sfavillanti quanto inquieti. Anni cruciali di passaggio tra la Grande Guerra, con la fine dell’ottimismo e delle certezze che avevano caratterizzato la Belle Époque, e la crisi mondiale del decennio successivo. Una crisi che, annunciata nel 1929 dal crollo di Wall Street e seguita dalla progressiva affermazione di regimi dittatoriali sullo scacchiere internazionale, si concluse poi con la tragedia della seconda guerra mondiale.
Il clima generale di incertezza, determinato dagli effetti del conflitto, dalla difficile transizione economica e dalle rilevanti trasformazioni sociali e culturali, si riflette in pieno nelle ricerche artistiche di quegli anni. Caratterizzate da una straordinaria varietà linguistica, esse rappresentano il termometro di un’epoca convulsa, complessa e indeterminata, nella quale possiamo ritrovare dirette corrispondenze con la nostra.
 
La mostra intende offrire uno sguardo originale sul decennio, mettendone in luce non tanto gli aspetti esteriori del glamour, nei quali si incarnarono il desiderio di evasione e di appagamento sensoriale, quanto piuttosto i lati più oscuri, inquieti e irrazionali.
Undici capitoli scandiscono il racconto espositivo: a partire dalla sezione Volti del tempo, un vero e proprio spaccato della società dell’epoca, da cui emerge quella “moderna classicità” che connotò le esperienze stilistiche del Novecento e del Realismo Magico.
La modernità di Severini, Casorati, Oppi e Arturo Martini appare differente da quella promossa dall’avanguardia futurista: una modernità in cui passato e presente convergono, creando una stretta connessione tra tradizione e rinnovamento, ma che diventa anche espressione di uno spaesato distacco dalla realtà quotidiana, come nelle opere di Carrà, Guidi, Donghi e Ferrazzi, o di nostalgia per un passato mitico e ideale, come nel caso di Funi e Sironi.
 
Il racconto di quegli anni non tralascia di documentare il senso di alienazione e le visioni distopiche prodotti dalle angosciose distorsioni della modernità, come reso evidente dalle opere di Sexto Canegallo, e di mettere pure in risalto l’affermazione dell’autonomia e dell’indipendenza della figura femminile, scaturita nata dal suo inedito ruolo sociale durante la Grande Guerra.
L’ultimo capitolo è dedicato infine all’altro, meraviglioso, volto degli anni venti: quello più noto del gusto déco, come fondamentale espressione di un prepotente desiderio di eleganza, lusso ed edonismo.
 
In mostra tra le altre opere di Carlo Carrà, Felice Casorati, Galileo Chini, Giorgio de Chirico, Fortunato Depero, Achille Funi, Virgilio Guidi, Alberto Martini, Arturo Martini, Fausto Pirandello, Enrico Prampolini, Alberto Savinio, Scipione, Gino Severini, Mario Sironi, Adolfo Wildt.
 
Le oltre 100 opere esposte, tra pittura e scultura, provengono da importanti collezioni pubbliche, tra le quali ricordiamo La Galleria Nazionale di Roma, Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea di Torino, Palazzo Pitti a Firenze, il MART di Rovereto, l’Istituto Matteucci di Viareggio, La Fondazione Il Vittoriale degli Italiani a Gardone Riviera, la Collezione Giuseppe Iannaccone di Milano – e altrettanto importanti collezioni private.
 
La mostra è a cura di Matteo Fochessati e Gianni Franzone

bambini fino ai 6 anni gratuito
bambini e ragazzi fino a 14 anni 4€
giovani fino a 27 anni (il venerdì dalle 14 in poi) 5€
 
Se sai già quando verrai a vedere la mostra clicca qui per acquistare il biglietto, in alternativa clicca qui per il biglietto open
 
Biglietto super-ridotto 3€ il terzo martedì del mese, dalle ore 14 alle 19
(la biglietteria chiude un’ora prima)
 
Audioguida 2€
 
Gruppi
ingresso ridotto a 10€
solo su prenotazione a prenotazioni@palazzoducale.genova.it
minimo 15 persone, massimo 25
 
Visite Guidate per Individuali
consulta qui il calendario completo
 
Visite Guidate per Gruppi
microfonaggio obbligatorio

con l’Associazione Genova in Mostra
in italiano 120€ – microfonaggio compreso
in lingua 140€ – microfonaggio compreso
 
E’ possibile organizzare la visita anche con altre guide/accompagnatori, sempre solo su prenotazione a prenotazioni@palazzoducale.genova.it, se il gruppo non è provvisto di microfonaggio, è possibile utilizzare quello di Palazzo Ducale al costo di 30€

Attività collaterali alla mostra:
Incontri
Musica
Rassegna Cinematografica
Percorsi in città
Attività educative per le scuole
Avanguardie e ritorno al mestiere

Press Area

I visitatori sono tenuti a depositare negli appositi armadietti in biglietteria borse e zaini.
Negli spazi espositivi e congressuali è inoltre vietato:
- introdurre animali, ad eccezione di quelli utili per accompagnare le persone disabili, e qualunque oggetto che per le sue caratteristiche possa rappresentare un rischio per la sicurezza delle persone, dell’edificio, delle strutture;
- effettuare riprese fotografiche e audiovisive non autorizzate o in deroga con le norme esposte alla biglietteria;
- fumare in tutti i locali della Fondazione;
- usare il cellulare all’interno degli spazi espositivi;
- consumare cibi e bevande.
Altri divieti possono essere imposti in biglietteria o direttamente nelle zone espositive per ragioni di sicurezza
L’intera carta dei Servizi di Palazzo Ducale è consultabile qui

4 ottobre 2019, la fotogallery dell’inaugurazione

L’opera scelta per per il manifesto della mostra è Studio per il ritratto di Renato Gualino, di Felice Casorati del 1922-23, Collezione privata Torino. Foto Giuseppe Dell’Aquila, © SIAE

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Sala Dogana]]>

progetto di Viviana Dal Lago
a cura di Mixta Gallery
3 – 20 ottobre 2019
 
Sala Dogana

Ingresso libero
Inaugurazione 3 ottobre, ore 18
Orario: 15-20 dal martedì alla domenica

111 cubetti di zucchero è un’immersione in un immaginario sospeso. 111 fotografie raccontano la necessità di rappresentare quella distanza sempre presente tra l’occhio di chi guarda e l’essenza di quel che viene guardato. Vedere è come non vedere, e forse essere ciechi significa vedere meglio: ecco qui un mondo leggero che, silenzioso, ti apre la porta e ti invita ad annegare nella sua stanza per osservare la frontiera tra interiore ed esteriore.
Nella ricerca di Viviana dal Lago – che prima, durante e dopo la laurea in Scenografia si è dedicata alla fotografia – non ha importanza che l’immagine fotografica abbia una speciale valenza semantica: molta più importanza va alla consistenza dello spazio, o degli spazi – fisici e psicologici.
111 cubetti di zucchero è un discorso aperto, dall’ampio respiro. 111 perché «Il numero 1 è molto ricorrente nella mia vita, è il numero più unico che c’è, divisore di tutti i numeri, e poi siamo tutti un tutt’uno» dice Viviana Dal Lago, per motivare la scelta del numero delle foto in mostra; mentre riguardo ai cubetti di zucchero il riferimento è un ricordo d’infanzia: la nonna anziana, non vedente, teneva sul comodino una zuccheriera di legno colma di zuccherini, e mangiava sempre e solo quelli – almeno, questo è il ricordo.
«Ricordo la malattia e la sua cecità, e la camera da letto organizzata come una stanza di ospedale: sul suo comodino una zuccheriera, dentro dei cubetti bianchi di zucchero.»
Da qui il nucleo della ricerca, che gira intorno alla volontà di vedere altro, come la nonna che non vedeva, ma sentiva. Alla staticità quasi afona delle immagini si affianca un flusso continuo di pensieri e ricordi malinconici, processo che mescola insieme sensibilità di ordini differenti e che denota un’attenzione speciale, appunto, per le diverse consistenze degli spazi: quello fisico, probabile deformazione da scenografa, e quello psicologico, più proprio oggetto di interesse della sua ricerca.
111 è un mondo un po’ confuso e annebbiato, in cui vive un immaginario che sta sospeso tra il ricordo, la dolcezza e la malinconia. Eppure, incredibilmente, 111 è anche geometrico e ben delineato: per questo motivo si configura come una specie di caos organizzato. L’invito è quello di immergersi e sondare la complessa relazione tra spazio fisico e spazio psicologico – ovvero, la relazione tra interiore ed esteriore.
 

Viviana Dal Lago, 1993, Genova.
Frequenta il liceo artistico Klee Barabino a Genova, continua poi gli studi nel 2012 all’Accademia Ligustica di Belle Arti con indirizzo Scenografia, concludendo i 5 anni nel marzo del 2019. I suoi studi scenografici riprendono il lavoro di Appia e Craig che influenzeranno la sua ricerca fotografica che, inizialmente concentrata su paesaggi urbani e naturalistici, con il passare degli anni si avvicina ai vari personaggi che ne occupano lo spazio, parallelamente come uno spettatore che osserva una commedia a teatro. E’ affascinata dalla fotografia analogica che le permette di sperimentare varie tecniche di stampa e antichi apparecchi fotografici.
 
>>> Progetto MIXTA Galleria Fluida – Storie di opere d’arte
Mixta è una galleria fluida di arte contemporanea nata a Genova nel 2019 dall’idea di tre giovani artiste (Arianna Maestrale, Silvia Mazzella e Giulia Ottonello), e con la collaborazione grafica di wall:in (Gabriele Bricola). Tra le mire del progetto – che ricerca l’unione delle arti contemporanee, delle idee e delle persone – vi è la tendenza all’unione e alla mescolanza ,come già presuppone il nome stesso della galleria (mixtus, a, um dal latino mischiato, mescolato), di pensieri, persone e arti.
Mediante la formazione di un clima che favorisce la circolazione di idee, ricco di fermenti, incontri e dibattiti, Mixta vuole raggiungere e incoraggiare l’attività dei giovani artisti genovesi operanti nel campo delle arti contemporanee tramite eventi culturali, mostre, divulgazione editoriale e sociale.
La forza comunicativa dei nuovi emergenti, definita dalla loro qualità estetica e concettuale, è stata estesa a luoghi insoliti e non di comune approccio al mondo delle arti contemporanee. Mixta si è allontanata dall’esposizione in galleria, classica e tradizionale, per comparire all’interno di spazi che mirano ad una forma più adatta al mondo contemporaneo così dinamico e fluido. Da qui la scelta di non garantire una sede fissa alla galleria, che infatti prende la forma degli spazi che la ospitano.
In virtù delle capacità creative si promuovono il fermento e le idee dei giovani emergenti, affrontando le diverse sfaccettature artistiche attraverso il dialogo e l’esposizione, studiando e approfondendo una dialettica semplice e immediata la cui comprensione possa essere agibile anche ad un pubblico ampio e non per forza elitario: l’arte diventa accessibile, l’interesse cresce e perciò lo scambio di idee e pensieri si fa ricco e prolifico incrementando così la curiosità per le pratiche artistiche contemporanee anche sul territorio ligure.
La crescente tendenza al dialogo e allo scambio ambisce a una dinamica di crescita culturale e artistica di un’arte in fermento, cercando anche di avvicinarsi alle innumerevoli variazioni che l’arte stessa può avere.
Il binario perseguito dal progetto della galleria, pertanto, si affianca e allo stesso tempo si svincola dal contesto artistico istituzionale, fornendo ai giovani un’occasione di inserimento in un mondo difficile e sottile come quello dell’arte.

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3 ottobre - 3 novembre 2019
Sala Liguria]]>

Capitani di mare, navi e viaggiatori tra Otto e Novecento
3 ottobre – 3 novembre 2019
Sala Liguria

Mostra progettata da Fondazione Ansaldo
a cura di Domenico Braccialarghe, Claudia Cerioli, Maurizio Gregorini

Cosa significava viaggiare e come si è evoluta questa pratica nel corso del tempo?
Da sempre il viaggio per mare è stato metafora dell’esistenza stessa, della vita e della conoscenza, offrendosi a interpretazioni diverse a seconda di quanti e quali erano i protagonisti: i capitani di mare, le compagnie di navigazione, le navi che ne hanno fatto la storia, e non ultimo il comune viaggiatore.
A partire dalla seconda metà dell’Ottocento, con l’avvento dell’ultima fase della rivoluzione industriale e con la conseguente evoluzione dei mezzi di trasporto, il viaggio per mare subisce importanti modificazioni, cambiando nei fini, nelle modalità e nell’accessibilità. Dalla vela si passa al vapore, dai vascelli di medie dimensioni ai grandi transatlantici.
 
In seguito, nel corso del Novecento, le navi si fanno sempre più lussuose, aumentano gli agi anche per le classi economiche, il design raffinato dei transatlantici diventa di fatto uno dei principali portavoce del gusto italiano e del made in Italy all’estero.
Negli anni sessanta infine, si afferma quel modello di successo dedicato al turismo vero e proprio e all’intrattenimento che conosciamo come “crociera”. Maestose navi si producono nei cantieri genovesi, il porto della città si anima periodicamente grazie all’arrivo e alle partenze di questi magnifici alberghi galleggianti.
Lungo il percorso dell’esposizione il visitatore potrà ammirare alcuni splendidi modellini, numerosi documenti originali, diari di bordo, oggetti, disegni, foto e filmati d’epoca, suddivisi in quattro sezioni:
Dalla vela al motore a vapore – i primi piroscafi
Le compagnie di navigazione italiane tra Otto e Novecento
La navigazione a controllo statale – la Finmare e le quattro compagnie di Preminente Interesse Nazionale
Un nuovo modo di viaggiare – le crociere Costa

Da lunedì a venerdì 10 – 19
sabato e domenica 10 – 18
ingresso libero

Inaugurazione

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Ducale Spazio Aperto
13 settembre - 10 ottobre 2019
Spazio 21, ex ospedale psichiatrico di Quarto]]>

Una mostra in due sedi:
Spazio 21, ex ospedale psichiatrico di Quarto,
dal 13 settembre al 10 ottobre 2019
Inaugurazione giovedì 12 settembre ore 18
 
Ducale Spazio Aperto, Palazzo Ducale,
dal 14 settembre al 13 ottobre 2019
Inaugurazione venerdì 13 settembre ore 18

Le mostre intendono documentare la produzione di Jane McAdam Freud nella sua residenza d’artista effettuata nell’arco del 2018 negli atelier di Arte terapia dell’IMFI (Istituto per le Materie e le Forme Inconsapevoli) nell’ex ospedale psichiatrico di Genova Quarto di cui Claudio Costa è stato, dalla fine degli anni ’80, il promotore e l’animatore coinvolgendo attivamente nella struttura numerosi artisti di generazioni e orientamenti diversi.
Una selezione di installazioni di “oggetti trovati” sarà esposta nello Spazio 21 dell’ex ospedale psichiatrico di Quarto e una selezione di elaborazioni grafiche su carta e un’installazione interattiva saranno esposte in Ducale Spazio Aperto a Palazzo Ducale.
 
Il referente tematico dell’evento scaturisce dalla relazione tra antropologia e psicoanalisi, rinviante al libro di Sigmund Freud, bisnonno dell’artista, Totem und Tabu del 1913 e, in parallelo, a quello omonimo realizzato da Claudio Costa, artista di segno antropologico-concettuale, nel 1988 e improntato ad un work in regress che muove dal presente per risalire alle origini delle società tribali primitive. L’intento sotteso alla mostra, è quello di far parlare, come dichiara la stessa McAdam Freud, ognuno con sè stesso, di far affiorare dall’opera l’inconscio dell’artista e dello spettatore, il tutto in una visione creativa di rigenerazione dei nomi, dei significati loro attribuiti, di nuove realtà conferite agli oggetti e ai concetti messi in opera. Sia i disegni tridimensionali che le installazioni detengono, accanto a un’indicibile forza primaria, una pulsione estremamente liberatoria, che motiva l’accostamento di Jane McAdam Freud a Claudio Costa.
 
L’iniziativa è promossa da I.M.F.I. – Istituto per le Materie e le Forme Inconsapevoli, in collaborazione con Palazzo Ducale Fondazione per la Cultura, Comune di Genova – Assessorato alla Cultura, ASL 3 Liguria. Le mostre sono a cura di Viana Conti e Rossella Soro.

Jane McAdam Freud nasce a Londra il 24 febbraio 1958, prima di quattro figli di Katherine McAdam e Lucian Freud.

“Ho fatto arte sin da bambina e non ho mai desiderato fare altro!”

Artista concettuale multidisciplinare realizza sculture, installazioni e video. La sua ricerca artistica si muove ai margini in cui l’arte e la psicoanalisi si incontrano.
Un profondo legame con Sigmund Freud supporta l’interesse verso il rapporto che l’arte dell’inconscio gioca nell’arte. Questo ha guidato la sua ricerca dal 2005, quando ha iniziato una residenza artistica di 20 mesi al Freud Museum di Londra, culminando nella sua mostra, intitolata ‘Relative Relations’.
Si è diplomata alla Central School of Art nel 1981 e al Royal College of Art nel 1995, ha ricevuto la borsa di studio British Art Medal a Roma (86-89) e Freedom of the City nel 1995.
Le numerose mostre personali realizzate includono Gazelli Art House di Londra che ha rappresentato Jane a Londra, National Arts Club di New York, Pushkin Museum of Fine Art, Moscow, Wooyang Contemporary Art Museum in S. Korea e il Freud Museum di Londra.
Le sue opere sono rappresentate in collezioni pubbliche nazionali e internazionali tra cui il British Museum, la National Gallery Archives, Londra, Victoria and Albert Museum, London, l’Ashmolean Museum , Oxford e Fitzwilliam Museum, a Cambridge. Le collezioni internazionali includono il Brooklyn Museum, il National Arts Club, il Carnegie Museums di Pittsburgh, la Greek National Gallery e il Berlin State Museums.

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13 - 22 settembre 2019
Sala Liguria]]>

Cinquant’anni di storia
degli Ultras Tito Cucchiaroni
dal 13 al 22 settembre 2019
Sala Liguria

Inaugurazione 12 settembre 2019, ore 18
Ingresso libero, aperta tutti i giorni dalle ore 11 alle 18

Palazzo Ducale ospita una mostra sui cinquant’anni di storia degli Ultras Tito Cucchiaroni in relazione anche ai cambiamenti e alle trasformazioni sociali che la città di Genova ha vissuto in quegli anni. L’esposizione, allestita in Sala Liguria, pensata e organizzata dagli Ultras Tito Cucchiaroni, promossa da Comune di Genova e Regione Liguria, documenta attraverso fotografie e filmati, manifesti e oggetti la storia di quel gruppo, nell’intento di raccontare non solo la nascita strutturata di una tifoseria calcistica, ma come questa sia cresciuta e modificata anche secondo gli importanti avvenimenti che hanno segnato la storia di Genova e dell’Italia nell’arco degli anni Settanta e Ottanta.

La nascita degli Ultras Tito Cucchiaroni, tifosi della squadra Sampdoria, è riconducibile all’anno 1969. Da allora si contano cinquant’anni di attività, mezzo secolo, per uno dei gruppi più longevi del movimento ultras italiano, tra i primi nel mondo, se non proprio i primi, ad aver usato il termine Ultras. Gli Ultras Tito Cucchiaroni rappresentano un polo aggregativo in grado di attirare giovani di generazioni diverse in una città, Genova, tanto sventurata quanto orgogliosa, parsimoniosa e come poche capace di rialzare la testa quando il destino lo richiede. Gli Ultras Tito Cucchiaroni sono a Genova, in Italia ed in Europa, per seguire e sostenere l’U.C. Sampdoria, squadra di calcio fondata a Genova il 12 agosto 1946, poco dopo la fine della seconda guerra mondiale.
 
I cinquant’anni sono raccontati grazie a una timeline, ovvero una linea del tempo, che tiene il filo della narrazione e dona risalto ai momenti più importanti della storia del gruppo. Sarà quindi un filo conduttore temporale a guidare il pubblico lungo un percorso scandito da una timeline ed i pannelli esposti, le immagini ed il contenuto delle didascalie, mostreranno in primis ciò che ha segnato la vita, i passaggi fondamentali, i momenti di rottura e trasformazione del gruppo Ultras Tito Cucchiaroni dal 1969 ad oggi. Ad arricchire questo viaggio e contestualizzarlo nel tempo, fatti ed avvenimenti, per lo più collegati alla storia della nostra città, che hanno lasciato un segno sia nella memoria collettiva che sulla pelle della Superba. Genova, con i suoi cambiamenti sociali, economici, strutturali, ha infatti inevitabilmente accompagnato gli Ultras Tito Cucchiaroni in questo mezzo secolo, così come gli Ultras Tito Cucchiaroni hanno a loro volta lasciato un segno (piccolo o grande che sia) nella storia della città.

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Munizioniere]]>

dal 12 al 29 settembre 2019
Munizioniere
mostra a cura di Donatella Failla

Ingresso libero, tutti i giorni ore 10-18

Un grande maestro della pittura a olio della Cina contemporanea, che da anni raffigura il Tibet e le sue genti, tra inclinazione mistica, forza spirituale e stupefacente resilienza a condizioni climatiche estreme. Da giovedì 12 a domenica 29 settembre la Sala del Munizioniere di Palazzo Ducale ospita Splendore e purezza: il Tibet nell’Arte di Han Yuchen, prima personale genovese del maestro cinese curata da Donatella Failla. L’inaugurazione della mostra si svolgerà mercoledì 11 settembre (ore 18)

 
Pittore, calligrafo, fotografo, professore emerito, deputato, imprenditore di successo e fondatore di un museo dedicato alla pittura europea dell’Ottocento ad Handan nella Provincia di Hebei (Cina): Han Yuchen è un artista dai mille volti e dalle straordinarie risorse. Le sue opere sono parte di collezioni in ogni angolo del mondo, da quella privata dell’ex presidente della Repubblica francese Nicolas Sarkozy al Museo Nazionale di Cina. In Splendore e purezza l’ artista cinese raffigura il Tibet e il suo popolo. «La tecnica pittorica di Han Yuchen è magistrale – racconta Donatella Failla, curatrice della mostra – poiché riesce a catturare la potenza della luce, la vividezza dei colori e lo splendore atmosferico delle grandi altitudini. Questa straordinaria padronanza dei mezzi formali e tecnici consente all’artista di effigiare con possente realismo la vita quotidiana legata agli ambienti naturali, di documentare la persistenza delle tradizioni nomadiche e pastorali, monastiche e sociali in una ricchissima serie di ritratti individuali e di gruppo che con accenti vibranti e umanissimi ci parlano del destino esistenziale e spirituale del popolo del ‘Tetto del Mondo’, intimamente pervaso dalla luminosità del cielo e dalla purezza della terra e dell’aria».

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Sala Dogana]]>

progetto di Martina Giovene (Pigna)
5 – 22 settembre 2019
 
Sala Dogana

Ingresso libero
Inaugurazione 5 settembre, ore 18
Orario: 15-20 dal martedì alla domenica

Freak show è un progetto ispirato agli omonimi spettacoli circensi degli Stati Uniti a cavallo fra l’ultima metà del diciannovesimo e l’inizio del ventesimo secolo, in cui uomini e animali dalle sembianze anomale si esibivano per il pubblico. In particolare, viene preso d’esempio il periodo fra gli anni ’30 e ’40, non solo nel contenuto ma anche nella forma: i soggetti proposti difatti riprendono le caratteristiche dei protagonisti della cultura pop delle animazioni statunitensi di quell’epoca, riproposti in chiave grottesca e inquietante. L’obiettivo dell’esibizione è presentare un ambiente in cui il fruitore possa essere affascinato da uno spettacolo sinistro e curioso creato dal contrasto fra creature deformi e colori brillanti.
Lo spettatore sarà accolto da una serie di animazioni sinistre accompagnate da melodie nostalgicamente angoscianti. Successivamente, all’interno della mostra effettiva, verranno presentate opere dipinte su legno, oppure realizzate tramite il ricamo, le quali prendono ispirazione inizialmente dalle icone religiose, fino ad arrivare alle illustrazioni di “De Monstris” di Fortunio Liceti.
 
Martina Giovene è un’artista emergente nata a Genova nel 1996. Laureata in Pittura all’Accademia di Belle Arti di Bologna con il massimo dei voti, ha alle spalle molteplici esperienze nell’organizzazione e nella partecipazione attiva a diversi eventi di natura artistica in Italia e all’estero. Oltre all’adesione ad eventi organizzati dall’Accademia di Bologna e ad esposizioni in differenti gallerie bolognesi, fra il 2016 e il 2018 Martina ha avuto l’occasione di prendere parte a performance durante rassegne musicali e a collaborazioni con collettivi artistici nell’ambito del fumetto, avendo la possibilità di partecipare a fiere in gran parte d’Italia.
Nel corso dei suoi studi la poetica artistica di Martina si è sviluppata verso la riproposizione di elementi ludici in chiave grottesca, creando così un contrasto tra i personaggi dei cartoon americani della prima metà del ‘900 e ciò che essi rappresentano (deformità, volti sardonici, ambientazioni sinistre).

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21 luglio - 31 agosto 2019
Munizioniere]]>

IV edizione – Olanda e Italia
Dal 21 luglio al 31 agosto 2019
Munizioniere

Inaugurazione sabato 20 luglio 2019, ore 18
 
martedì-domenica, ore 16-19.30

Art Commission, in collaborazione con Palazzo Ducale Fondazione per la Cultura, inaugura la quarta edizione della Biennale d’arte contemporanea Le Latitudini dell’arte. La rassegna, ideata e curata da Virginia Monteverde e presentata quest’anno dal critico d’arte Viana Conti, si avvale dei patrocini della Regione Liguria, del Comune di Genova e dell’Ambasciata dei Paesi Bassi.
La Biennale è nata nel 2013 con l’obiettivo di promuovere e favorire l’interscambio artistico-culturale tra l’Italia e gli altri Paesi europei. Questa IV edizione, che ha come tema “Acqua e Luce”, vede la partecipazione di 60 artisti che vivono e operano in Italia e in Olanda.
Come per le precedenti edizioni, gli artisti sono stati selezionati grazie alla collaborazione con Gallerie e Fondazioni dei due Paesi.
 

La multimedialità, a livello linguistico, e la condizione liquida del tessuto sociale della postmodernità, teorizzata dal politologo e filosofo Zygmunt Bauman, connotano ricorsivamente le scelte artistiche dell’ampio panorama culturale delineato dalla curatrice. In epoca di globalizzazione, de-estetizzazione dell’arte versus un’estetizzazione diffusa di una merce-feticcio, questa società, a capitalismo avanzato, presenta, inevitabilmente, le sue tensioni, i suoi conflitti risolti o irrisolti, i suoi flussi migratori, i suoi disperati viaggi della speranza, il suo degrado o recupero ecologico, i suoi interrogativi aperti sul presente e sul futuro. Lo scenario risultante da un panorama selettivo di trenta esponenti olandesi e altrettanti italiani, non manca, infatti, di riflettere i segni, i sintomi, le aperture o chiusure d’orizzonte, che ogni artista, come sensibile sismografo creativo del contesto che lo circonda, proietta nella sua opera.

tratto dal testo di Viana Conti tratto dal catalogo della mostra edito Liberodiscrivere

L’edizione 2019 della Biennale Le Latitudini dell’arte inoltre, in alleanza con il circuito dei Musei di Genova, invita i visitatori della mostra a percorrere l’itinerario “Olanda e Fiandre – Le Latitudini dell’arte nella Genova del Passato” che si snoda fra Palazzo Reale, Musei di Strada Nuova, Galleria Nazionale di Palazzo Spinola e Trust (Villa del Principe).
 
Gli artisti della della Biennale Le Latitudini dell’arte – IV edizione Olanda e Italia
Olanda:
Annemieke Alberts, Roland Berning, Federico Bonelli, Wim Claessen, Lin de Mol, Lara de Moor, Kitty Doomernik, Stephen Eastaugh, Peter Edel, Theo Eissens, Kim Habers, David Lascaris, Lynne Leegte, Danielle Kwaaitaal, Kiki Lamers, Raquel Maulwurf, Hidenori Mitsue, Jef Nassenstein, Pieter Obels, Monica Ragazzini, Joseph Sassoon Semah, Charlotte Schrameijer, Ingrid Simons, Ellen Schippers, Hugo Tieleman, Willem van den Hoed, Aaron van Erp, Roos van Haaften, Marc Philip van Kempen, Tessa Verder.
Italia:
Maria Rebecca Ballestra, Mirko Baricchi, Carla Bedini, Stefania Beretta, Stefano Cagol, Loris Cecchini, Andrea Chiesi, Davide Coltro, Vania Comoretti, Philip Corner, Roberto de Luca, Chiara Dynys, Federico De Leonardis, Franco Donaggio, Inés Fontenla, Mauro Ghiglione, Riccardo Gusmaroli, Carla Iacono, PierPaolo Koss, Federica Marangoni, Giulia Marchi, Viviana Milan, Anna Oberto, Nicolò Paoli, Angelo Pretolani, Saverio Rampin, Roberto Rossini, Silvano Tessarollo, Valentina Vannicola, Stefano Mario Zatti.

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6 luglio - 25 agosto 2019
Sala del Maggior Consiglio ]]>

Alla conquista della luce
Sala del Maggior Consiglio
6 luglio – 25 agosto 2019

da martedì a domenica, ore 10-19.30
lunedì chiuso

Alla conquista della luce esprime compiutamente lo spirito creativo di Pablo Atchugarry (nato a Montevideo nel 1954), un artista capace di interrogare il marmo attraverso un gesto di seduzione tattile che travalica e vanifica l’idea del tempo. La sua conquista dell’astrazione passa infatti attraverso una classicità che rimanda all’antica cultura greco-romana e a successivi agganci barocchi che l’aiutano a proiettare nello spazio misteri assoluti di linee e di forme.
 
Infatti queste sue forme si nutrono della ritmica rincorsa dei vuoti e dei pieni nel rievocare talora il transito di un dinamico panneggio che assorbe e diffonde la luce. E un simile incanto emerge sia dal candore del marmo di Carrara, sia dal grigio del bardiglio: lo possiamo ammirare nelle venticinque opere in rassegna che rinnovano la magia narrativa della pietra. Pari seduzione scaturisce inoltre dalla quindicina di bronzi che sono conquistati e accarezzati da un variabile monocromatismo. L’imponente opera, intitolata La danza della vita, che accoglie i visitatori nell’ampio atrio a piano terra del Palazzo Ducale costituendo l’avvio dell’intero percorso contemplativo, entra decisamente nella filosofia del processo indagatore tipico di Pablo Atchugarry: si tratta di un albero d’ulivo, ormai disseccato, scavato e interrogato da appositi attrezzi per farlo rivivere come opera d’arte, per elevare i contorcimenti e gli sviluppi radicolari a sublime narrazione. Proprio come succede al blocco di marmo a cui l’artista chiede di rivelare l’anima ovvero quella realtà michelangiolescamente custodita nel suo interno.
 
Sarà quindi l’ampio salone del Maggior Consiglio a incrementare e a completare il viaggio alla conquista della luce attraverso seducenti stazioni contemplative che coinvolgono tutti coloro che entrano in empatico colloquio con le composizioni del nostro autore. Si tratta infatti di opere che scandiscono mirabilmente gli spazi di questo suggestivo interno, rimodellato nel Settecento in stile neoclassico, fino a toccare l’apice percettivo ed emozionale nel plastico crescendo marmoreo che Atchugarry ha sistemato nella sacralità di un ipotetico altare al termine del percorso. La mostra, visitabile dal 6 luglio al 25 agosto, è accompagnata da un catalogo edito da Skira introdotto dai testi di Luca Bochicchio, Luciano Caprile e Tiziana Leopizzi.

Biglietto di ingresso: 5€

Inaugurazione

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5 luglio 2019 - 3 maggio 2020]]>

mostra alla Wolfsoniana – Musei di Nervi
dal 5 luglio 2019 al 3 maggio 2020

Considerato uno dei principali protagonisti della rinascita della ceramica albisolese del Novecento, Ivos Pacetti collaborò con alcune tra le più importanti manifatture locali (M.A.S.; Casa dell’Arte; Alba Docilia, ILSA e SPICA) e fondò la Fiamma, aprendo infine, nel 1956, il nuovo modernissimo stabilimento Ceramiche Minime Fratelli Pacetti.
Folgorato, al pari di Tullio D’Albisola, dalla dinamica e rivoluzionaria estetica futurista, Pacetti, che a fianco dell’attività di ceramista fu attivo anche come fotografo, pittore, scrittore e pubblicista, aderì nella seconda metà degli anni venti al movimento di Marinetti, abbracciandone le innovative soluzioni linguistiche e partecipando alle principali esposizioni del gruppo, in Italia e all’estero.
La mostra, realizzata grazie al sostegno dell’Archivio Pacetti – Studio Ernan Design di Albisola Superiore e ai prestiti provenienti da alcune tra le principali collezioni italiane di ceramica, intende dunque offrire uno sguardo a 360° gradi sulla poliedrica attività artistica di Pacetti, privilegiando la sua produzione di ceramista (anche oltre il futurismo), ma documentando pure le sue sperimentali ricerche in campo fotografico e i più significativi aspetti della sua intensa attività pittorica.
Nato nel 1901 a Figline di Prato, ma trasferitosi durante la Grande Guerra a Genova, dove si impiegò come disegnatore di lucidi alle Medie Artiglierie, Pacetti si avvicinò giovanissimo – nonostante la perdita di una mano – al mondo dell’arte.
La fondamentale svolta nella sua carriera avvenne nel 1920 quando, trasferitosi ad Albisola, iniziò a collaborare con la M.A.S. (Maioliche Artistiche Savonesi) di Dario Ravano. Tuttavia se la ceramica rappresentò il suo principale campo d’azione, come artista e imprenditore, altrettanto significativo fu il suo impegno in altri ambiti espressivi. Pacetti traspose infatti dalla poetica futurista una peculiare inclinazione al progetto globale e alla multidisciplinarietà linguistica, come testimoniato dalla varietà delle sue innovative proposte tecniche e formali e dalla sua intensa e poliedrica attività imprenditoriale, che lo portò a relazionarsi con alcuni tra i più rinomati artisti italiani e stranieri operanti ad Albisola: una rete di conoscenze e di amicizie tangibilmente documentata dal museo di ceramica all’aperto, annesso al suo stabilimento e in cui, ancora oggi, si possono ammirare gli straordinari frutti di quella straordinaria stagione artistica albisolese.
A cura di Matteo Fochessati e Gianni Franzone

Orario estivo: da martedì a venerdì, ore 11-18
Sabato e domenica ore 12-19
Lunedì chiuso.
Informazioni: 0103231329 – info@wolfsoniana.it
www.wolfosniana.it
Ingresso: intero 5€, ridotto 4€, scuole 3€

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Ducale Spazio Aperto ]]>

mostra
Ducale Spazio Aperto
dal 22 al 30 giugno

Erede della tradizione del carnet de voyage, il movimento, composto di grafici, illustratori o semplici appassionati, espone oltre 200 disegni e acquerelli realizzati dal vivo, durante i meeting che il gruppo Urban Skechers Liguria organizza a cadenza mensile, con una nutrita sezione dedicata all’ultima edizione dei Rolli Days tenutasi nel maggio scorso.
Un’iniziativa che rafforza la positiva collaborazione con il Comune di Genova con l’obiettivo di far conoscere gli angoli più nascosti ed autentici della nostro territorio, attraverso gli occhi dei disegnatori, uno sguardo importante che dà vita a dei piccoli capolavori in grado di far scorgere, a chi osserva, punti, palazzi o panorami che spesso, a seguito dei ritmi frenetici odierni, vengono tralasciati. Un approccio totalmente diverso, rispetto alla fotografia, verso i luoghi che vengono visitati per favorire un turismo lento e consapevole.
 
L’avventura degli Urban Sketchers ha preso il via a Seattle nel 2007 da un’idea di un gruppo di artisti americani, Nel 2011 Urban Sketchers viene riconosciuta dall’Internal Revenue Service degli Stati Uniti come organizzazione no-profit il cui intento è quello di innalzare il valore artistico, narrativo ed educativo del disegno sul posto, promuovendone la pratica e collegando le persone in tutto il mondo che disegnano i luoghi in cui vivono o viaggiano. Oggi quella degli Urban Sketchers è una vivace comunità globale con 238 gruppi regionali presenti in tutto il mondo e che portano avanti il cosiddetto local drawing (espressione di sintesi che riunisce in sé il concetto di disegno a chilometro zero e di esercizio rappresentativo en plein air) che viene posto al centro di una riflessione culturale precisa e sintetica, contenuti nel manifesto informale del movimento stesso, che raccoglie oltre 120.000 Urban Sketchers praticanti.
 
Nella nostra Regione il gruppo Urban Sketchers Liguria è nato nel 2016 ed è stato riconosciuto nel marzo 2017 come “Official Regional Chapter dalla American Urban Sket-chers Organization”. Il gruppo raccoglie amanti del disegno, di qualsiasi capacità e tecnica, che raccontano ciò che vedono usando taccuini, matite e colori di vario genere. Dallo scorso anno il gruppo organizza meeting di disegno a cadenza mensile, liberi ed aperti a tutti per scoprire e raccontare gli angoli caratteristici di Genova, con particolare riguardo ai palazzi dei Rolli, e della Liguria; scorci che si potranno apprezzare attraverso i disegni realizzati da persone talentuose o appassionate nella mostra a Palazzo Ducale dal 22 fino al 30 giugno con ingresso gratuito.
Un’occasione per conoscere questa realtà che sta coinvolgendo sempre più persone sia appassionati sia professionisti, ma anche operatori di marketing e turismo. Sarà anche possibile partecipare a diversi incontri previsti in diversi luoghi della città, con nomi di rilievo fra questi: Umberto Torricelli, Roberto Cariani, Pedro Loureiro e Jonatan Alcina Segura oltre alle maratone di disegno previste per domenica 23 e 30 giugno.

Informazioni e approfondimenti: www.urbansketchers.org – www.facebook.com/groups/urbansketchersliguria/ – www.genovacreativa.it – www.visitgenoa.it
Ingresso libero, da lunedì a venerdì ore 16 – 19.30
sabato e domenica, ore 10 – 19.30
Inaugurazione sabato 22 giugno, ore 18.30

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21 giugno - 22 settembre prorogata fino al 6 ottobre 2019
Loggia degli Abati]]>

Inge Morath
La vita. La fotografia
21 giugno – 22 settembre prorogata fino al 6 ottobre 2019
Loggia degli Abati

La fotografia è un fenomeno strano.
Ti fidi del tuo occhio, ma non puoi evitare di mettere a nudo la tua anima

Palazzo Ducale accoglie la prima grande retrospettiva italiana di Inge Morath, la prima fotografa a entrare a far parte della celebra agenzia fotografica Magnum Photos. Il lavoro di Inge Morath, prima di ogni cosa, è la testimonianza di un rapporto, di una passione, di una necessità con la fotografia. Un rapporto maturato negli anni attraverso esperienze ed incontri, nonché parte integrante della vita di una donna che è riuscita, con coraggio e determinazione, ad affermarsi in una disciplina all’epoca prettamente maschile. Nel corso della sua carriera ha realizzato reportage fotografici in Spagna, Italia, Medioriente, America, Russia e Cina. Non ha affrontato mai questi viaggi con superficialità, bensì con serietà, studiando la lingua, le tradizioni e la cultura di ogni regione dove si recava. Era capace di parlare correntemente tedesco, inglese, francese, spagnolo, rumeno, russo e mandarino. Che si trattasse di persone comuni o personaggi pubblici il suo interesse era identico e s’indirizzava sempre verso l’intimità di ciascuno.
Inge Morath ha imparato molto da Henri Cartier-Bresson a Ernst Haas e con cui ha collaborato in importanti reportage. Il suo stile fotografico affonda le sue radici negli ideali umanistici conseguenti alla Seconda Guerra Mondiale, ma anche nella fotografia del “momento decisivo”, così come l’aveva definita Cartier-Bresson. Le fotografie di Inge Morath riflettono la sua sensibilità, ma al contempo sono come pagine del suo privato diario di vita, come lei stessa scrive: “La fotografia è essenzialmente una questione personale: la ricerca di una verità interiore”.

Nata a Graz, in Austria, nel 1923, dopo gli studi di lingue a Berlino, Inge Morath lavora come traduttrice e giornalista.
Amica del fotografo Ernst Haas, realizza testi per i suoi reportage. Viene così invitata da Robert Capa ad unirsi all’agenzia Magnum in qualità di redattrice e ricercatrice. Comincia a fotografare nel 1951 a Londra e nel 1953 entra a far parte dell’agenzia Magnum. Tra il 1953 ed il 1954, Morath è anche assistente di Henri Cartier-Bresson.
Negli anni seguenti viaggia in Europa, Nord Africa e Medio Oriente. Sono del 1958 la serie di curiosi ritratti fotografici con le maschere del disegnatore Saul Steinberg.

Sul set del film “Gli spostati” di John Huston conosce Arthur Miller, che sposa nel 1962. Nel 1965 si reca per la prima volta in Unione Sovietica. Nel 1978 compie il primo viaggio in Cina.
Fra i suoi soggetti più popolari i ritratti di importanti personalità del Novecento come Henri Moore, Pablo Picasso, André Malraux, Doris Lessing, Marilyn Monroe, Gloria Vanderbilt e Fidel Castro.
Muore a New York il 30 gennaio 2002.

Orari
dal 24 settembre al 6 ottobre
da martedì a domenica, ore 11 – 19
La biglietteria chiude un’ora prima
fino al 22 settembre
da martedì a venerdì, ore 15 – 19
sabato e domenica 11-19
La biglietteria chiude un’ora prima

 

Biglietti
intero 10 euro
ridotto 8 euro
bambini e ragazzi fino a 14 anni: 4€
 
Dal 13 luglio al 25 agosto 2019
ingresso al Palazzo+mostra Inge Morath:
11€ adulti; 6€ bambini
 
Conserva il biglietto della mostra, avrai diritto alla riduzione sulle altre mostre in corso a Palazzo Ducale, Giorgio de Chirico e Labirinto Luzzati

Visite guidate a cura dell’Associazione Genova in mostra, scopri qui il calendario completo
info@genovainmostra.it – 370 328 9126
Costo 8€

I visitatori sono tenuti a lasciare all’ingresso delle zone espositive bagagli e a depositare negli appositi armadietti borse e zaini.
Negli spazi espositivi e congressuali è inoltre vietato:
- introdurre animali, ad eccezione di quelli utili per accompagnare le persone disabili, e qualunque oggetto che per le sue caratteristiche possa rappresentare un rischio per la sicurezza delle persone, dell’edificio, delle strutture;
- effettuare riprese fotografiche e audiovisive non autorizzate o in deroga con le norme esposte alla biglietteria;
- fumare in tutti i locali della Fondazione;
- usare il cellulare all’interno degli spazi espositivi;
- consumare cibi e bevande.
Altri divieti possono essere imposti in biglietteria o direttamente nelle zone espositive per ragioni di sicurezza
L’intera carta dei Servizi di Palazzo Ducale è consultabile qui

20 giugno 2019, l’inaugurazione

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Sala Dogana]]>

Corso di Pittura
A.A. 2018-2019
20 giugno – 7 luglio 2019
 
Sala Dogana

Ingresso libero
Inaugurazione 20 giugno, ore 18
Orario: 15-20 dal martedì alla domenica

Il progetto Frammenti del contemporaneo ha come punto di riferimento primario il “fare pittura” e trae la sua origine e la sua motivazione dalla considerazione che l’appartenenza alla contemporaneità all’interno delle discipline artistiche non debba necessariamente ed esclusivamente essere legata al medium o alla tecnologia ma, al contrario, ad una imprescindibile elaborazione del linguaggio (o dei linguaggi).
 
La mostra è anche il pretesto per una riflessione, seppure parziale e non assoluta, sullo “stato della pittura” nel contemporaneo, con particolare riferimento a quello che è attualmente uno dei modus operandi all’interno delle Accademie: in questo caso quello del corso di Pittura dell’Accademia Ligustica di Belle Arti di Genova.
I protagonisti di questa selezione allargata appartengono ad una generazione che convive quotidianamente con il digitale, ma che fa di una visione non gerarchica rispetto ai “mezzi” e trasversale rispetto alla pittura la propria cifra identificativa, senza timori reverenziali o rifiuti pregiudiziali verso la Storia dell’Arte.
 
La “smaterializzazione” dell’immagine operata dall’avvento del digitale, ha arricchito in modo sconfinato le potenzialità espressive del fare, complicandone in maniera sostanziale la materia teorica. La possibiltà è quella di muoversi tra i differenti codici costitutivi della rappresentazione, attraversare le potenzialità espresse dai singoli media, trovandone il comune denominatore nella ricostruzione fisica che il procedimento della pittura fa dell’immagine stessa.
 
Il risultato è una sorta di installazione “transmediale”: uno spaccato e un caleidoscopio delle opere degli allievi sia del Triennio che del Biennio del corso.
 
Federico Palerma, Pietro Millefiore, Roberto Merani
(docenti corso di Pittura – Accademia Ligustica di Belle Arti)

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Sottoporticato]]>

photo by Giorgio Bergami

Labirinto Luzzati | Sottoporticato
Orari: da martedì a venerdì, ore 15 – 19; sabato e domenica, ore 11 – 19. Chiuso il lunedì
La biglietteria chiude un’ora prima
News: Venerdì 1° novembre 2019 la mostra sarà aperta con orario festivo, 11-19
Biglietti: intero 6€, ridotto 5€
Acquista on-line il biglietto

La mostra
Infaticabile, intenso e poliedrico Emanuele Luzzati (Genova, 3 giugno 1921 – 26 maggio, 2007) è un artista abile e colto, capace di usare con maestria ogni tipo di materiale: dalla ceramica alla carta, dai tessuti all’illustrazione. E’ stato scenografo, cartellonista, illustratore, pittore, ceramista, autore di pluri-premiati e raffinati cartoni animati: la mostra mette in luce proprio la fantasia, l’ingegno e la joie de vivre che caratterizza l’uomo e l’artista, in un percorso tematico e biografico.
 
Costretto a rifugiarsi a Losanna nel 1940 a causa delle Leggi Razziali, Luzzati ebbe modo di essere a contatto con le correnti artistiche più vivaci e interessanti del primo Novecento. Picasso, Paul Klee e il Teatro Russo sono solo alcuni dei modelli artistici di riferimento durante gli anni di studio all’Ecole des Beaux-Arts de Lausanne, che si riflettono molto nella produzione di questo periodo. È in questi anni che si sviluppa anche la passione per il teatro, e una volta rientrato in Italia alla fine della guerra, firmerà la prima scenografia per Lea Lebowitz di Alessandro Fersen nel 1947.
A partire dagli anni Cinquanta si afferma con scenografo, collaborando con i più importanti teatri nazionali come La Fenice di Venezia, La Scala di Milano, il Teatro Stabile di Genova. Nella sua lunga carriera Luzzati ha firmato fino a 400 scenografie per spettacoli teatrali, per il balletto e la lirica, utilizzando le tecniche più diverse: collage, disegno, pastello, china, matita e pennarello.
Nel 1968 inizia un lungo sodalizio con Tonino Conte ed insieme a lui e ad Aldo Trionfo fonda a Genova il Teatro della Tosse, di cui rimarrà direttore artistico per oltre trent’anni realizzando moltissimi spettacoli, tra cui Nel Campo dei Miracoli o il Sogno di Pinocchio, premio Ubu per la scenografia nel 1995.
Il genio creativo di Luzzati non conosce confini, e spazia con maestria dall’attività di scenografo e costumista agli arredi urbani e per le navi da crociera, alla ceramica (in particolare il Pozzo della Garitta di Albissola, frequentato anche da altri artisti come Lucio Fontana e Wilfredo Lam), all’illustrazione e al cinema di animazione, ricevendo ben due nomination agli Oscar per i film La gazza ladra nel 1965 e Pulcinella nel 1973.
La ricchezza del suo mondo fantastico, il suo stile immediato e fortemente espressivo lo hanno reso uno degli artisti più amati e ammirati del nostro tempo.

Radio Monte Carlo è Radio ufficiale della mostra
 

I visitatori sono tenuti a depositare negli appositi armadietti in biglietteria borse e zaini.
Negli spazi espositivi e congressuali è inoltre vietato:
- introdurre animali, ad eccezione di quelli utili per accompagnare le persone disabili, e qualunque oggetto che per le sue caratteristiche possa rappresentare un rischio per la sicurezza delle persone, dell’edificio, delle strutture;
- effettuare riprese fotografiche e audiovisive non autorizzate o in deroga con le norme esposte alla biglietteria;
- fumare in tutti i locali della Fondazione;
- usare il cellulare all’interno degli spazi espositivi;
- consumare cibi e bevande.
Altri divieti possono essere imposti in biglietteria o direttamente nelle zone espositive per ragioni di sicurezza
L’intera carta dei Servizi di Palazzo Ducale è consultabile qui

Inaugurazione:

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30 maggio - 16 giugno 2019]]>

Progetto artistico
di Stefano Boccardo
30 maggio – 16 giugno 2019
 
Sala Dogana

Ingresso libero
Inaugurazione 30 maggio, ore 18
Orario: 14.30 – 19.30 dal martedì alla domenica

Quotidianamente ci confrontiamo con il tema dei confini, siano essi barriere protettive, limiti intangibili o frontiere militarizzate. Ognuno di essi nasce da un istinto di sopravvivenza e determina uno spazio di controllo, nonostante scienza e storia dimostrino come non vi sia crescita senza interazione.
Confini e Commistioni presenta alcuni lavori realizzati negli ultimi anni che declinano il tema secondo un’accezione più intima, offrendo al visitatore un pensiero sul proprio rapporto con i confini personali, con l’intenzione di porre domande più che offrire risposte.
Ognuna delle opere tratta una differente forma di confine innegabile e personale: la pelle, la lingua, la proprietà, i muri… attraverso la ricerca e la creazione di oggetti fisici si pone la domanda su come questi possano essere considerati più che limiti, delle aree di interazione con l’altro per la crescita collettiva, cercando un equilibrio più che un controllo.
 
STEFANO BOCCARDO, 1983. Architetto.
Laureato a Genova nel 2008 con tesi sulla Rigenerazione Urbana, ha collaborato con lo studio Topotek1 di Berlino, Recetas Urbanas di Santiago Cirugeda a Siviglia e Alianza Internacional de
Habitantes a Buenos Aires.
A Genova con Gruppo Informale porta avanti dal 2011 ricerca e sperimentazione su architettura partecipata, lavoro condiviso, riuso e spazio pubblico, attraverso progetti in autocostruzione e cocreazione.
Negli ultimi anni, attraverso differenti residenze (Quarto Pianeta/Genova 2015, Creart/Linz 2018, Landxcapes/Puglia 2018, Bosco Nordio/Chioggia 2019), ha sviluppato una ricerca artistica sull’influenza tra uomo, habitat, costruito e natura, le cui restituzioni prendono forma di oggetti, progetti ed installazioni territoriali, tramite il lavoro manuale, di recupero e costruzione diretta.

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10 - 26 maggio 2019]]>

Esposizione degli elaborati finali
di tesi dell’a.a. 2017/2018
a cura di Accademia Ligustica di Belle Arti

10 – 26 maggio 2019
 
Sala Dogana

Ingresso libero
Inaugurazione 10 maggio, ore 18
Orario: 15 – 20 dal martedì alla domenica

Venerdì 10 maggio alle ore 18.00 negli spazi di Sala Dogana a Palazzo Ducale inaugura la mostra Approdi, che presenta una selezione delle tesi più interessanti discusse dagli studenti dell’Accademia Ligustica di Belle Arti nell’anno accademico 2017/2018.

Dalla pittura alla fotografia, dal video alla grafica, alla scenografia, all’installazione, i risultati finali della ricerca condotta dai giovani al termine del loro percorso di studio offrono una testimonianza importante del lavoro che si svolge quotidianamente nelle aule dell’Accademia. La natura stessa dell’insegnamento, che combina ed intreccia riflessione teorica e formazione artistica, rende il lavoro di tesi un momento imprescindibile di sintesi del cammino intrapreso da ogni studente, nel quale spesso si rivela il raggiungimento di un’autonomia espressiva che gli consentirà di avviare una propria ricerca.
 
Le tesi di Alice Baiardi, Viviana Baroni, Laura Bianchi, Beatrice Bracchi, Francesca Bregante, Maria Cesare, Viviana Dal Lago, Margherita Ferraris, Giulia Giorgi, Chiaretta Guidi, Chiara Giovannini, Melanie Macacho, Clara Orlando, Armin Taghdisirad, Yuko Wakasugi, costituiscono un punto di arrivo, dal quale ripartire per il futuro, proponendo uno sguardo originale sulla ricerca dei giovani, la molteplicità e l’intreccio dei media che vengono declinati da ciascuno in maniera sempre differente.
 
Al termine della settimana nella quale l’Accademia Ligustica presenta i propri corsi di diploma (Open Week 6 – 10 maggio) ed i possibili percorsi di ricerca, anche innovativi, Approdi si propone come un appuntamento per conoscere quello che si muove nell’antica Istituzione genovese, che si è ormai avviata a diventare statale.

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10 maggio - 2 giugno 2019 ]]>

mostra fotografica di
Michela Battaglia e Stefano De Luigi
dal 10 maggio al 2 giugno
Sala Liguria

A cura di Chiara Oggioni Tiepolo con Gloria Viale
 
 
 
 
 
 
 
 
Ingresso libero
lunedì-venerdì, ore 10-19
sabato e domenica, ore 15-18

‘Babel’ è un progetto fotografico realizzato da Michela Battaglia e Stefano De Luigi ispirato all’attentato al Bataclan (Parigi, 2015) ma che ha origine da una ricerca iniziata qualche anno prima. È una riflessione visiva sull’uso della fotografia attraverso testimonianze e scatti della cartellonistica pubblicitaria della metropolitana di Parigi e di immagini estrapolate dalle riviste di propaganda Daesh.
In questo lavoro realizzato a quattro mani vediamo elementi che si vanno a sovrapporre visivamente e mescolarsi su un nuovo piano, dove le stratificazioni di fotografie pubblicitarie e propagandistiche danno vita a nuove opere.
Michela Battaglia (’82) e Stefano De Luigi (’64) partono da un omaggio a Mimmo Rotella e scelgono come punto di incontro un quadrato bianco dove si trovano, su un nuovo piano, le loro diverse generazioni ed educazioni visive. Così le stratificazioni di fotografie pubblicitarie e propagandistiche danno vita a nuove immagini che, in qualche modo, costringono a fermarsi. In esposizione ci saranno 32 opere, alcune delle quali prevedono l’intervento dello spettatore stesso, nel tentativo di svelare i diversi piani che compongono l’immagine.

Salah Abdeslam, 26 anni, francese nato a Bruxelles. Bilal Hadfi, 20 anni, francese. Ibrahim Abdeslam, 21 anni, fratello do Salah.
Qualcuno, leggendo la prima riga, non riconoscerà quei nomi. Sono quelli di alcuni degli attentatori del Bataclan e dello Stade de France, sono gli autori dell’11 settembre dell’Europa, i protagonisti di una cesura netta, fondamentale, fra quello che fu e quello che è. Sono le persone che ci hanno portati a coniare un nuovo slogan: “terroristi in casa nostra”. Non venuti da fuori, dunque, non stranieri, non estranei.
Sbagliato. Loro sono estranei, perché da tali son stati trattati, nonostante una nascita regolare, un passaporto europeo, una crescita in quelle capitali illuminate che hanno fatto della capacità di integrazione il loro vessillo, il loro vanto.
Tutte bugie. Sarebbe errato, per quanto facile, attribuire tutta la colpa a un soggetto solo. O due. Sarebbe ancora una volta distogliere lo sguardo, puntare il dito, utilizzare uno stratagemma che autoassolve. In linea perfetta con quello che la nostra religione ci ha insegnato.
Questa storia comincia in Francia, a Parigi, alla vigilia del giorno che ha mutato le regole del perdono rivolto a se stessi. Perché si poteva prevedere sarebbe successo.
Giovani europei che si sono “radicalizzati”. Nella speranza di un futuro migliore, qui o in un’altra dimensione, per se stessi e i propri cari. Ricorda qualcosa?
Giudizi preconfezionati scorrono sul nastro delle prime pagine dei giornali, nei titoli dei telegiornali, sulle copertine delle riviste. Favorendo l’elevazione a potenza del concetto di straniero, dell’idea di estraneo, un altro da sé con cui non si può, non si deve scendere a compromessi. Perché ci distruggerà tutti.
Non importa che abbia la faccia di un poco più che adolescente, il nervosismo tipico di quell’età e la rabbia, la frustrazione di vedersi preclusa la realtà che lo circonda. E il desiderio, legittimo, di sentirsi al centro di qualcosa.
Poco conta che la propaganda di Daesh, guarda caso, abbia fatto propri i basilari concetti del marketing occidentale. Qualcosa di simile a quegli stessi manifesti pubblicitari che campeggiano nelle metropoli e nelle metropolitane di tutte le nostre capitali.
Michela Battaglia e Stefano De Luigi ci costringono all’analisi, regalando delle immagini perfino gradevoli all’impatto, ma che deflagrano a uno sguardo più attento. Mimmo Rotella che strizza l’occhio ai videogiochi. La leggiadria dell’estetica alza il suo velo su un pensiero denso, che resta appiccicato addosso anche se non lo si vuole, in una sequenza di piani di lettura che costringe alla pausa, alla riflessione. Due generazioni distinte, diverse abitudini di linguaggio, contaminazioni distanti fra di loro. Ma una profondità quasi simbiotica.
C’era una volta la pubblicità, una macchina dei desideri in perenne funzionamento. Poi comparve un cartello con su scritto “divieto di accesso”. Ma arrivò qualcun altro, da lontano, a suggerire che un meccanismo quasi gemello poteva esistere, ed era proprio dedicato ai reietti.
“E adesso, senza barbari, cosa sarà di noi?//Era una soluzione, quella gente”, scriveva Costantino Kavafis. Decisamente servirebbero, quanto meno per non diventarlo a nostra volta.

Chiara Oggioni Tiepolo, aprile 2018.

Michela Battaglia (Palermo, 1982) dopo avere conseguito la laurea magistrale in Filologia Moderna presso l’Università degli Studi di Palermo nel 2009 si trasferisce a Milano per dedicarsi alla fotografia. Nel 2012 pubblica il libro Storie di Mafia, Postcart Edizioni. I suoi lavori sono stati esposti sia in Italia che all’estero. Nel 2013 si sposta a New York dove si diploma all’International Center of Photography. Vive a Milano.

Stefano De Luigi (Colonia, 1964) vive a Parigi dal 1989 al 1996 dove lavora per il Museo del Grand Louvre. Ha al suo attivo diversi libri: Pornoland, Blanco e iDyssey. Tra i vari riconoscimenti ha vinto 4 volte il World Press Photo, lavora con diverse testate internazionali come New Yorker Geo Paris Match Stern. Ha esposto i suoi lavori a New York, Parigi, Ginevra, Roma. È fotografo dell’agenzia VII dal 2008 e vive a Parigi.

La mostra è realizzata con il contributo di La Settimanale di Fotografia, OFFICINE FOTOGRAGICHE – Roma, Tohu Design – Studio grafico Genova, TOP Market Foto Video

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19 aprile - 3 novembre 2019]]>

Antonio Giuseppe Santagata
e la pittura murale del Novecento
 
mostra al Teatro del Falcone
di Palazzo Reale
dal 19 aprile al 8 settembre 3 novembre 2019

A cura di Matteo Fochessati e Gianni Franzone

Palazzo Reale, nel Teatro del Falcone, apre al pubblico dal 19 aprile all’8 settembre 2019, una mostra, a cura di Matteo Fochessati e Gianni Franzone, organizzata in collaborazione con la Wolfsoniana – Palazzo Ducale Fondazione per la Cultura e dedicata all’opera dell’artista genovese Antonio Giuseppe Santagata (Genova, 10 novembre 1888 – 13 settembre 1985), ispirato dalla sua diretta partecipazione al conflitto bellico. Rispetto al tema della guerra, l’aspetto che i curatori hanno scelto di celebrare – e attorno a cui l’evento espositivo è costruito – è quello della memoria poiché il ricordo di quel terribile conflitto, ancora oggi, mescola sentimenti di sgomento e marcati accenti retorici, ben persistenti in un certo immaginario bellico e patriottico.

La rievocazione e l’eco del conflitto negli anni tra le due guerre furono d’altronde improntate da caratteri ideologici che scaturivano dall’azione propagandistica del regime fascista e che contribuirono, in maniera determinante, alla formazione di un’estetica della politica che trovò la sua più naturale espressione linguistica nella cultura figurativa del Novecento italiano. La ripresa, in tale ambito di ricerca, di antiche tecniche pittoriche e lo stretto dialogo instauratosi tra artisti e architetti rappresentarono uno dei momenti più significativi di questa tendenza che, al di là delle sue compromissioni ideologiche, è stata centrale nel panorama artistico nazionale di quel periodo.

Non a caso il percorso espositivo sarà costruito intorno al consistente nucleo di cartoni di Santagata prestati da una preziosa casa privata e riferiti ai suoi principali interventi di pittura murale, dagli affreschi per il salone delle adunate della Casa Madre dei Mutilati di Roma (1928) a quelli per il cortile delle Vittorie (1936) nello stesso edificio progettato da Marcello Piacentini, dalla vetrata e dall’affresco per la Casa dei Mutilati di Genova (1938-1939) al grande affresco Vita eroica di Antonio Locatelli per la Casa Littoria di Bergamo (1940). Insieme a questi grandi cartoni, si esporranno opere provenienti dalla Wolfsoniana – Palazzo Ducale Fondazione per la Cultura, dal Museo del Risorgimento di Genova e da diverse collezioni private.

La scelta di posare lo sguardo sulla rappresentazione della guerra proposta da Santagata può offrire una precisa e documentata narrazione dei principali eventi storici e militari dell’esercito italiano, ma anche una sincera testimonianza, meno retorica e più umana, sulla vita quotidiana dei fanti al fronte. Grazie alla sua amicizia con Carlo Delcroix, presidente dal 1924 dell’Associazione Nazionale Mutilati e Invalidi di Guerra, Santagata, autore dei cicli pittorici per la Casa Madre dei Mutilati di Guerra di Roma, fu coinvolto anche nella decorazione delle principali Case del Mutilato, edificate in quegli anni in tutta la penisola, e divenne così uno tra i principali protagonisti della grande stagione murale, che contrassegnò la ricerca artistica italiana tra le due guerre.

Focalizzata sui principali avvenimenti della partecipazione italiana alla Grande Guerra e sugli eroici sacrifici sopportati dai militi lungo il cruento percorso verso la vittoria, i grandi cicli murali e decorativi di Santagata, nonostante alcune rappresentazioni più allegoriche – come nel caso della raffigurazione della vetrata sulla facciata principale della Casa del Mutilato di Genova – testimoniano la profonda partecipazione dell’artista alla materia trattata e documentano, quasi in presa diretta, la vita quotidiana e gli episodi più comuni della guerra di trincea.

Per tali ragioni la mostra La memoria della guerra, focalizzata sulla produzione artistica di Santagata, ma integrata da alcuni cartoni e bozzetti di altri artisti italiani attivi nello stesso ambito, può offrire spunti di riflessione e di interesse per un ampio pubblico. In particolare l’esposizione sarà accompagnata da eventi e incontri di approfondimento sui temi affrontati all’interno del percorso espositivo e da programmi didattici per le scuole, dedicati non solo alla storia della Grande Guerra, ma anche a un’indagine sulle antiche tecniche riprese dagli artisti italiani in occasione dei cicli decorativi del Novecento.

Per valorizzare l’approccio originale della mostra e rafforzarne la valenza didattica è previsto che una sezione sia dedicata alle Case del Mutilato, in quanto tipologia architettonica presente unicamente nel contesto italiano, a differenza dei molti monumenti commemorativi, ossari e sacrari sparsi nel resto d’Europa. Saranno ovviamente messi in evidenza gli edifici in cui Santagata lavorò: oltre alle già citate Casa Madre di Roma e Casa del Mutilato di Genova, anche quelle di Palermo, Ravenna, Milano, ma anche di Padova, Firenze e Bologna.

Ne emerge un panorama di estrema varietà linguistica, in cui a modelli di chiara impostazione razionalista – come, ad esempio, il progetto di Giuseppe Spatrisano per Palermo – si affiancano altri più tradizionali, spesso realizzati trasformando edifici già esistenti per ospitare le sedi dell’associazione fondata da Carlo Delcroix. Scopo non ultimo della sezione sarà anche quello di invitare il pubblico a riflettere sulla conservazione e il riuso di questi manufatti architettonici, nel momento in cui, per ovvie ragioni, il numero dei soci dell’Associazione Nazionale Mutilati e Invalidi di Guerra si sta riducendo sempre più e vengono a mancare le ragioni per cui tali edifici vennero costruiti.

La mostra si trova nel Teatro del Falcone, a Palazzo Reale in via Balbi 10, ed è aperta da martedì a domenica, ore 14-19, chiusa il lunedì.

 
Biglietti:
5€ biglietto mostra; gratuito fino a 18 anni;
8€ intero (con ingresso al Museo di Palazzo Reale); 4€ ridotto (con ingresso al Museo di Palazzo Reale)
I biglietti da 8€ e da 4€ danno accesso al Museo di Palazzo Reale nei seguenti giorni e orari: martedì e venerdì 9.00/14.00; mercoledì e giovedì 9.00/19.00; sabato, domenica e festivi 13.30/19.00
Fino a sabato 7 settembre 2019 sarà possibile visitare, esibendo il biglietto di ingresso della mostra “La memoria della guerra. Antonio G. Santagata e la pittura murale del Novecento”, il Museo del Risorgimento a prezzo ridotto (3€). La promozione ha valore reciproco.
 
Scuole e gruppi su prenotazione al numero 0102710236

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18 aprile - 5 maggio 2019 ]]>

progetto artistico
di Caterina Lorenzetti
18 aprile – 5 maggio 2019
 
Sala Dogana

Ingresso libero
Inaugurazione 18 aprile, ore 18
Orario: 10.30-13 / 15-19.30 dal martedì alla domenica

 untitled_2019_laboratori.pdf
 untitled_2019_call_lorenzetti.pdf
 
Untitled (The Ausilum Seeker) introduce il migrante come singolo individuo.
La narrativa mira a decostruire l’identificazione sistematica e fredda che la società occidentale attribuisce alla persona migrante.
Numeri e statistiche sono in contrasto con uno stato d’animo emotivo: delle persone da conoscere, con cui ogni sorta di barriera culturale verrà possibilmente messa in questione, stimolando un interesse verso degli esseri umani che abbiamo alienato e reso fantasmi nella nostra comunità. Sviluppato sotto forma di un’installazione interattiva, l’esposizione in sala Dogana prende forma in tre fasi principali:
> il richiedente asilo nel nostro sistema politico, economico, legale e sociale;
> ritratti e immagini metaforiche esplorano il mio stato mentale attraverso le loro vite presenti e passate: uno spostamento attraverso il quale l’osservatore è condotto a un punto di vista più
intimo;
> il risultato di un laboratorio artistico legato alla cognizione di “casa” vissuta con un gruppo di ragazzi Africani nell’estate del 2017.
L’esposizione si fa capo inoltre di un quadro più ampio dove appuntamenti satellite – performance, installazioni viventi e spazi di dibattito e sensibilizzazione – daranno luogo ad una
piattaforma di dialogo e confronto in diversi spazi urbani della città in cui il pubblico sarà stimolato a interagire.
 
Caterina Lorenzetti
Nata a Santa Margherita Ligure nel 1994, sono cresciuta tra Stati Uniti, Spagna e Italia prima di trasferirmi a Parigi, dove ho conseguito il diploma di fotografia all’Ecole de l’image, Les Gobelins.
L’adattamento e l’evoluzione in luoghi culturalmente diversi hanno stimolato un profondo e costante interesse per l’identità, il senso di sé di una persona e l’appartenenza locale.
I valori riemergono costantemente lungo la mia scrittura artistica.
Da settembre 2017 sono coinvolta attivamente nella crisi migratoria mondiale, attraverso lo sviluppo sul territorio italiano di un sistema di integrazione culturale alternativo con una piattaforma artistica itinerante di scambi concreti tra persone di provenienze diverse.
 
>>> Gli appuntamenti saranno frutto del lavoro dei partecipanti ai laboratori, individuati attraverso la call
http://www.genovacreativa.it/content/call-partecipare-al-ciclo-di-eventi-artistico-sociale-untitled-asylum-seeker-project
 
>>> I workshop http://www.genovacreativa.it/sites/default/files/uploads/laboratori_dialogo_interculturale.pdf

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19 aprile – 5 maggio 2019 ]]>

Concorso di opere figurative
“La vita è sogno”
19 aprile – 5 maggio 2019
Ducale Spazio Aperto

Inaugurazione giovedì 18 aprile, ore 18
 
 
Da martedì a domenica, ore 16-19
lunedì chiuso
ingresso libero

Per ricordare il pittore, illustratore, incisore, scenografo e umorista genovese Sergio Fedriani (1949-2006), illustre esponente della figurazione poetica e surreale, l’Associazione culturale a lui intitolata propone annualmente un concorso per giovani artisti, volto a segnalare personalità emergenti nei campi della produzione figurativa fantastica.

Il concorso di opere figurative per giovani artisti “La vita è sogno”, tredicesima edizione del Premio “Sergio Fedriani”, organizzato dall’omonima Associazione in collaborazione con Palazzo Ducale Fondazione per la Cultura e con i patrocini del Comune di Genova e dell’Associazione Autori di Immagini, si è concluso dopo lo spoglio degli elaborati inviati da tutta Italia.

La Giuria, presieduta dall’illustratore Libero Gozzini e composta dalla storica dell’arte Alessandra Gagliano Candela, dagli illustratori Fausto Montanari e Francesco Poroli, dal Presidente dell’associazione Chiara Fedriani e dalle socie Anna Baraggioli (operatrice sociale) e Carla Scarsi (giornalista), con segretario senza diritto di voto Ferruccio Giromini, esaminate le opere selezionate (56 per 49 autori finalisti), ha così deliberato l’assegnazione dei riconoscimenti:

1° Premio a Fernando Cobelo di Torino con l’opera “Il lavoro emotivo di chi migra”
2° Premio a Nicolò Canova di Torino con l’opera “La fatica”
3° Premio a Joey Guidone di Ivrea (TO) con l’opera “La prima frase”

I premi in denaro sono messi a disposizione dall’Associazione culturale “Sergio Fedriani”.
 
La Giuria ha inoltre ritenuto di segnalare 4 opere: “La fabbrica dei sogni” di Maria Chiara BASILE da Cinisello Balsamo (MI) , “Il semplice è sempre un faticoso lavorare” di Claudia BERNARDI da Revine Lago (TV), “Il lavoro della vita” di Francesco CIAMPA da Roma, “Spostare le montagne” di Ilaria DEMONTI da Valdisotto (SO).

In mostra e in catalogo saranno presenti le opere di Sergio Fedriani, dei premiati e dei segnalati già citati e dei finalisti Lisa ALBIZZATI, Erika ARREGHINI, Giacomo ALIPRANDI, Lorenzo ASSENNATO, Anita AZINWI, Giacomo BAGNARA, Matteo BALLOSTRO, Federica BALOSTRO, Saskia BATTISTONI, Andrea BONETTI, Silvia CANCELMO, Giulia Rosa CARDIA, Daniela CIANI, Alessandra CINISELLI, Sara COLAUTTI, Antonella COVIELLO, Mattia DISTASO, Luca ELLI, Flora FACCHI, Erica FICHERA, Camilla GAUDENZI, Ilaria GENERELLI, Niccolò MASINI, Silvia MASDEA, Tania MAZZA, Federica MENOZZI, Jessica MORICHI, Paolo MOSCHENI, Michela NEGRI, Alessia NITTI, Francesco ORAZZINI, Virginia Elena PATRONE, Lucrezia POMPA, Aurora RAVASI, Marianna RESTA, Claudia SASSO, Silvia STECHER, Lucia VENDER, Paolo VINCI, Annalisa VISCONTI, Daniele ZERBI, Luigi ZITELLI.

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Sala Dogana]]>

Domande e risposte in forma di storie
laboratorio di scrittura creativa
per La Storia in Piazza
4 – 7 aprile 2019
 

Ingresso libero
Aperta dalle ore 10 alle 19

www.lastoriainpiazza.it
 
Citiamo Bukowski pensando all’utopia come a una forma di follia. Una follia necessaria, auspicata da Steve Jobs (“siate affamati. Siate folli!”) per creare, per rivoluzionare, per cambiare le cose, per andare lontano. Di grandi utopie è fatta la storia della nostra specie ma di piccole utopie è fatta la nostra vita quotidiana. Le utopie non sono sogni, sono progetti affascinanti e impossibili. Ciascuno di noi coltiva qualche utopia. Le racconteremo in brevi storie da lasciare alla Dogana che, per La Storia in Piazza, si trasformerà nel deposito delle UTOPIE. Compagne delle utopie sono le Domande. Un’utopia è una risposta impossibile a una domanda possibile, è una risposta folle. Emilia Marasco
 
Il Laboratorio di scrittura creativa è la proposta che sala Dogana rivolge ai giovani creativi e a coloro che amano scrivere, nell’ambito della decima edizione de La Storia in Piazza, il festival principale di storia in Italia e fra i più importanti d’Europa, curato da Luciano Canfora e Franco Cardini, dedicato quest’anno al tema UTOPIA.
 
Evento inaugurale, il 4 aprile, del laboratorio sarà il gioco delle Domande ideato da Mario Benvenuto (ledomande.it)
 
Nel giorni seguenti si svolgerà il laboratorio di Piccole storie di ordinaria utopia a cura del gruppo di Officina Letteraria (officina letteraria.com).
Il workshop privilegerà la partecipazione di giovani under 35. Le storie saranno via via appese alle pareti, anche in assenza del laboratorio i visitatori potranno entrare, scrivere una breve
storia sulla base di tracce lasciate a disposizione e appenderla insieme alle altre.
 
>>> Gli appuntamenti
@ @ @ Giovedì 04.04 _ h18.30
 
EVENTO INAUGURALE
LE DOMANDE gioco ideato e condotto da Mario Benvenuto
@ @ @ Venerdì 05.04 _ h15 e h17.30
@ @ @ Sabato 06.04 _ h10.30, h15 e h17.30
@ @ @ Domenica 07.04 _ h10.30, h15 e h17.30
 
LABORATORIO DI SCRITTURA CREATIVA
Coordinamento: Emilia Marasco con Manuela Romeo e con la collaborazione di Martina Morando.
Tutor: Claudia Badaracco, Sabrina Branchi, Alice Campani, Nadia Carì, Silvia Casaccio, Cristina Colombo Bolla, Elena Gallia, Patrizia Minetto, Marcello Mistrangelo.
 
* L’evento inaugurale Le Domande è a libero ingresso fino ad esaurimento posti
* Per il workshop è necessaria la prenotazione:
saladogana@comune.genova.it
010 5574806/73975 dal lunedì al giovedì | ore 9.30/13

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4 aprile - 5 maggio 2019
Sala Liguria]]>

Deir Mar Musa el-Habasci
Fotografie di Ivo Saglietti
 
dal 4 aprile al 5 maggio
Sala Liguria

Sotto la tenda di Abramo racconta del dialogo possibile e necessario tra le religioni e gli uomini attraverso l’esperienza comunitaria dell’antico monastero siro antiocheo di Deir Mar Musa el-Habasci (San Mosè l’Abissino), luogo di ospitalità e di scambio interreligioso cattolico e musulmano abbarbicato sulle montagne della Siria.
I monaci fotografati da Ivo Saglietti sono uomini e donne di diverse chiese e di diversi Paesi che sperimentano quotidianamente le difficoltà e la ricchezza della diversità, dimostrando che Dio è uno e si può vivere insieme nella sua fede, indipendentemente dalla religione che si professa. Il bianco e nero intenso di questo lavoro, che documenta dall’interno la vita della comunità nel suo quotidiano, ben rappresenta il contrasto di luci e ombre di due mondi in perenne conflitto ideologico, che nell’enclave di Deir Mar Musa el-Habasci trovano invece un luogo di dialogo e di costruttivo confronto.

La mostra, a cura di Federico Montaldo, si inaugura il 4 aprile alle ore 17.30 nell’ambito della X edizione de la Storia in Piazza
Aperta dal lunedì al venerdì, ore 10-18; sabato e domenica ore 15-18

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X edizione Utopia
dal 4 al 7 aprile 2019

 
 

Scopri su www.lastoriainpiazza.it il programma completo
oppure sfoglia il programma sintetico

La X edizione de la Storia in Piazza, a cura di Luciano Canfora con Franco Cardini, indaga il concetto di Utopia: parola malvista, insultata, talvolta considerata ridicola ma sopravvissuta nei millenni. Forse per una ragione sostanziale e cioè che il nostro spirito creativo non può prescindere da obiettivi apparentemente lontani anche perché un obiettivo lontano, che si sposta con l’orizzonte, è alimento di energia e di realizzazioni concrete.

Come sempre, una particolare attenzione verrà riservata al mondo della scuola e alle famiglie con un programma ad hoc per esplorare l’Utopia: letture, laboratori, lezioni e progetti a cura delle scuole, con la convinzione che ci si possa appassionare alla storia ad ogni età.

Quattro giorni di incontri, dialoghi, reading, mostre, laboratori: la storia per tutti.

Tutti gli incontri sono a ingresso libero, per le attività dedicate a scuole e famiglie è necessaria la prenotazione: www1.palazzoducale.genova.it/prenotazioni-online

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Appartamento del Doge]]>

Giorgio de Chirico
Il volto della metafisica
30 marzo – 7 luglio prorogata fino al 1° settembre 2019
Appartamento del Doge di Palazzo Ducale

Prodotta e organizzata da ViDi, in collaborazione con Palazzo Ducale Fondazione per la Cultura e la fondazione Giorgio e Isa de Chirico, l’esposizione Giorgio de Chirico. Il volto della Metafisica, curata da Victoria Noel-Johnson, presenta circa 100 opere realizzate dal Pictor Optimus nell’arco della sua intera carriera e provenienti da prestigiosi musei come la Fondazione Giorgio e Isa de Chirico di Roma, la Galleria Nazionale d’Arte Moderna di Roma, il MART di Rovereto, la Galleria d’Arte Moderna di Palazzo Pitti – Firenze, la Fondazione Museo Alberto Sordi, il Museo Bilotti, la Casa-museo Boschi Di Stefano di Milano, il Museo Luigi Bellini di Firenze, il Museo d’Arte Moderna Mario Rimoldi di Belluno, nonché da prestigiose collezioni private.
 
La rassegna propone una revisione critica della complessa attività dell’artista, esattamente cento anni dopo la decisione del Maestro del 1919 di prendere una diversa direzione dalla pittura Metafisica (1910-1918), a favore di stili e tecniche ispirati al Classicismo e ai grandi maestri del passato. In linea con la posizione che de Chirico ha sempre sostenuto, la mostra evidenzia non un distacco, ma un’evoluzione sempre più sofisticata.

Come i frutti autunnali – spiega lo stesso de Chirico alle fine del 1918 – siamo ormai maturi per la nuova metafisica [...].
Siamo esploratori pronti per altre partenze

L’intento della mostra – sostiene la curatrice Victoria Noel-Johnson – è promuovere l’interpretazione di una metafisica continua, sostenuta anche dallo studioso Maurizio Calvesi, laddove l’intero corpus dechirichiano, nonostante le variazioni di stile, tecnica, soggetto, composizione e tonalità di colore, è da considerarsi metafisico. Le opere di de Chirico, influenzate dalla filosofia del tardo Ottocento e in particolare da Nietzsche, esplorano il capovolgimento del tempo e dello spazio, con prospettive ed ombre illogiche, utilizzando spesso il dépaysement, giustapposizioni senza senso di oggetti comuni in ambienti inaspettati. Il filosofo-poeta offre all’osservatore un mondo enigmatico, che trasforma la quotidianità e la banalità delle cose in rivelazione, lasciando scoprire il lato metafisico della realtà.
In questo senso, le opere dal 1919 in poi, sia ritratti e nudi sia nature morte e paesaggi, non solo rappresentano i frutti della sua ricerca sulla tecnica pittorica, ma costituiscono anche uno sviluppo notevole della sua interpretazione della metafisica. Realizza copie di opere antiche, inserisce rimandi alle opere dei grandi maestri del passato o ad altre sue stesse opere: si tratta di un’esplorazione ininterrotta del tempo ciclico, dove il passato e il presente coesistono sullo stesso piano in una sorta di eterno ritorno nietzschiano. Scrivendo a Guillaume Apollinaire nel 1916, de Chirico racconta come il filosofo greco Eraclito ci insegna che il tempo non esiste e sulla grande curva dell’eternità il passato è uguale all’avvenire.
 
La mostra predilige pertanto una struttura suddivisa per temi: il viaggio e il ritorno, con opere come L’ebreo errante del 1917, Ulisse (Autoritratto) del 1922, Ritorno di Ulisse del 1968; il mondo degli esterni metafisici, uno dei temi più riconoscibili dell’arte dechirichiana, con i panorami urbani (le piazze d’Italia, le torri), e i bagni misteriosi, raccontati in mostra attraverso le illustrazioni realizzate per Mythologie di Jean Cocteau del 1934. Ma anche le figure, i trovatori-manichini, i personaggi mitologici, le muse inquietanti e gli archeologi. E ancora gli interni metafisici, la natura anch’essa metafisica, con le nature morte o vite silenti, e infine la tradizione, con i vari ritratti che alludono alla ritrattistica quattro-cinquecentesca, i celebri autoritratti ispirati a Rubens o Velasquez, e ancora le copie e le libere interpretazioni di opere dei grandi maestri come Durer, Watteau, Courbet, Renoir, Raffaello e Perugino.
 
Una mostra notevole dunque, che segna anche il ritorno a Genova di Giorgio de Chirico dopo ben 25 anni dall’ultima esposizione, e che permette di ricostruire l’intera carriera del pictor optimus.

Dal 13 luglio al 25 agosto 2019
Biglietto unico: 20€ adulti – 12€ bambini
ingresso al Palazzo + mostra Giorgio de Chirico + mostra Labirinto Luzzati + mostra Inge Morath
 
Biglietto mostra Giorgio de Chirico + Palazzo: 14€ adulti; 7€ bambini
 
Fino al 1° settembre
mostra Giorgio de Chirico + Labirinto Luzzati: 13€ adulti; 7 € bambini
 
Tutte le mostre in corso hanno una riduzione reciproca tra loro: conserva il biglietto di ingresso, avrai uno sconto sull’ingresso alle altre mostre di Palazzo Ducale

Orari
da martedì a domenica, ore 10 – 19.30
La biglietteria chiude un’ora prima

 
www.mostradechiricogenova.com

 

Aperture straordinarie nei giorni di festa,
consulta qui il calendario

Biglietti
intero 12 euro
ridotto 10 euro
scuole, bambini e ragazzi dai 6 ai 14 anni 4 euro
Acquista on-line il biglietto
Acquista on-line il biglietto Open
 
Audioguida 1 euro
 

Visite guidate a cura dell’Associazione Genova in mostra, scopri qui il calendario completo
info@genovainmostra.it – 3703289126
costo 8€

Avventure terrestri e metafisiche
Letture teatrali tratte dall’Ebdòmero, a cura degli studenti della Scuola di Recitazione Mariangela Melato del Teatro Nazionale di Genova
 
14 – 21 – 28 giugno, ore 18
Costo 10€ compreso biglietto di ingresso in mostra, su prenotazione inviando una mail a prenotazioni@palazzoducale.genova.it

Informazioni e prenotazioni
scuole: 0108171604, prenotazioniscuole@palazzoducale.genova.it
gruppi: 0236638600, segreteria@vidicultural.com

Visite guidate per adulti, bambini e famiglie

Scopri qui le proposte educative e qui il ciclo di incontri collaterale alla mostra

I visitatori sono tenuti a lasciare all’ingresso delle zone espositive bagagli e a depositare negli appositi armadietti borse voluminose e zaini.
Negli spazi espositivi e congressuali è inoltre vietato:
- introdurre animali, ad eccezione di quelli utili per accompagnare le persone disabili, e qualunque oggetto che per le sue caratteristiche possa rappresentare un rischio per la sicurezza delle persone, dell’edificio, delle strutture;
- effettuare riprese fotografiche e audiovisive non autorizzate o in deroga con le norme esposte alla biglietteria;
- fumare in tutti i locali della Fondazione;
- usare il cellulare all’interno degli spazi espositivi;
- consumare cibi e bevande.
Altri divieti possono essere imposti in biglietteria o direttamente nelle zone espositive per ragioni di sicurezza
L’intera carta dei Servizi di Palazzo Ducale è consultabile qui

Inaugurazione

]]> http://www1.palazzoducale.genova.it/giorgio-de-chirico-il-volto-della-metafisica/feed/ 0 http://www1.palazzoducale.genova.it/la-danza-della-luce/ http://www1.palazzoducale.genova.it/la-danza-della-luce/#comments Thu, 21 Mar 2019 09:30:38 +0000 http://www.palazzoducale.genova.it/?p=49839 2-17 marzo 2019
Ducale Spazio Aperto]]>

Maria Rosa Vendola
mostra
 
2-17 marzo 2019
Ducale Spazio Aperto

Aperta tutti i giorni, ore 10-30-12.30 e 15.30-19
ingresso libero

Maschere, vasi, busti, sculture monocrome e pitture informali: una mostra antologica che raccoglie e approfondisce l’originale ricerca di Maria Rosa Vendola. Una ricerca dedicata alla sperimentazione sulla materia, a partire dagli anni Novanta, con l’utilizzo del polywood che Vendola riesce a trasformare in sculture di luce, opere che all’aspetto plastico uniscono l’effetto luminoso.

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Sala Dogana]]>

Altre forme di identità culturali e pubbliche | seconda edizione
un progetto a cura e di Francesco Arena ©2019
9 – 23 marzo 2019
 
Galleria ABC-ARTE, Galleria Guidi&Schoen-Arte Contemporanea, PRIMO PIANO di Palazzo Grillo, Sala Dogana-Palazzo Ducale

Ingresso libero
Opening in tutte le sedi: venerdì 8 marzo, ore 17
Orario Sala Dogana: da martedì a domenica, ore 16-20

Mostra collettiva, evento internazionale d’arte contemporanea (Fotografia – Installazioni – New Media Art – Videoarte – Electronic Music)
Con il patrocinio della Regione Liguria e Comune di Genova In collaborazione con: Goethe-Institut Genua, Galleria ABC-ARTE, Galleria Guidi&Schoen-Arte Contemporanea
Organizzazione: Benedetta Spagnuolo/ARTISTI ITALIANI-arti visive e promozione
Partner e sponsor tecnici: Radiobabboleo, Il Secolo XIX, Locanda di Palazzo Cicala, EdArte-Associazione Culturale, AA Photography di Alessandro Arnò e M. Lucia Menduni, Valentino Visuals, Capra Pictures Cover photo: Chiara Cordeschi
 
Giunta alla sua seconda edizione Other Identity desidera decifrare un fenomeno ormai diffuso che ha cambiato radicalmente il modo di “vivere” e “interpretare” la nostra immagine, costantemente esibita e pubblicizzata: il nostro modo di autoritrarci e di presentarci al mondo, la spettacolarizzazione di un privato che si trasforma in pubblico attraverso i social media, creando nuove forme di identità in continua trasformazione.
“Other Identity” vuole essere una tappa di un progetto espositivo, che funga da cartina al tornasole capace di misurare di volta in volta lo stato di una nuova grammatica narrativa, di nuove forme di interpretazione della nostra immagine. A confrontarsi sul tema dell’identità e dell’autorappresentazione sono artisti italiani e stranieri uniti da una comune piattaforma emotiva e tematica, dalla quale poi sfociano ricerche personali ben distinte, e dal comune linguaggio fotografico.
Una nostra peculiarità è quella di presentare artisti per la maggior parte inediti per la città per favorire e stimolare la conoscenza del loro lavoro e l’interesse del pubblico.
La fotografia è qui il medium privilegiato in ogni sua forma, sia essa analogica o digitale, utilizzata attraverso reflex professionali o smartphone, usata sempre con consapevolezza e coerenza dall’artista che la piega alla propria ricerca personale, senza abusare di quelle post-produzioni spesso
impiegate per mascherare un’inesistente qualità dell’immagine. Il comune denominatore dei nostri artisti è la loro “onestà intellettuale” nel senso di un consapevole, intelligente, lucido, semplice uso del mezzo espressivo, a tratti brutale nella sua desolante rappresentazione del reale, spesso filtrato da emotività malinconiche e sognanti, crudo iper-realismo, graffiante autobiografia, esibizionismo pubblicitario e complesse dinamiche di intimità familiari. Non è corretto parlare di “artisti selezionati”, ma di artisti che si sono scelti, avvicinati con quell’istinto “animale” che ci fa riconoscere i nostri simili anche in cattività, identificare una piattaforma emotiva comune da cui poi sfociano ricerche personali ben distinte legate però da questa tematica di fondo.
 
Artisti
Karin Andersen | Holger Biermann | Silvia Bigi | Isobel Blank | Manuel Bravi | Silvia Celeste Calcagno | Marco Cappella | Ivan Cazzola | Maurizio Cesarini | Cinzia Ceccarelli | Chiara Cordeschi | Giacomo Costa | Davide D’Elia | Amalia De Bernardis | Emanuele Dello Strologo | Montserrat Diaz | Boris Duhm | Patricia Eichert | Nadja Ellinger | Erresullaluna + Chuli Paquin | Francesca Fini | Nadia Frasson | Giorgio Galimberti | Debora Garritani | Chiara Gini | Federica Gonnelli | Christina Heuring | Corinna Holthusen | Giacomo Infantino | Donatella Izzo | Richard Kern | Sebastian Klug | Sandra Lazzarini | Francesca Leoni | Francesca Lolli | Mater_ia | Giulio Romolo Milito | Monica Mura | Alessandra Pace-Fausto Serafini | Alexi Paladino | Carmen Palermo | Phoebe Zeitgeist | Ophelia Queen | Francesca Randi | Bärbel Reinhard | Christian Reister | Natascia Rocchi | Solidea Ruggiero | Paula Sunday | Marcel Swann | Roberta Toscano | Mauro Vignando | Ramona Zordini
 

Performance
Vernissage Venerdì 8 Marzo:
H. 17:00 | Nadia Frasson (Guidi&Schoen-Arte Contemporanea)
H. 19:00 | Cinzia Ceccarelli (ABC-ARTE)
H. 20:30 | Francesca Fini (Sala Dogana-Palazzo Ducale)
H. 21:30 | Electronic Live: FLeUR/Enrico Dutto-Francesco Lurgo (Sala Dogana-Palazzo Ducale)
Sabato 23 Marzo:
H. 20:00 | Electronic Live: Luca Fucci; The Deep Society/Valerio Visconti-Mirko Grifoni (Sala Dogana-Palazzo Ducale)
 

Video Rassegna
Vernissage Venerdì 8 Marzo:
H. 17:00 | Francesca Fini (Sala Dogana-Palazzo Ducale)
Venerdì 15 Marzo:
H. 17:00 | Phoebe Zeitgeist; Francesca Lolli (Sala Dogana-Palazzo Ducale)
 
Anche in questa edizione abbiamo associato al progetto, come da nostra consuetudine, diversi elementi:
Performance che si alternano durante il periodo della mostra, all’interno delle diverse location; azioni live site specific strutturate appositamente per l’evento, l’opportunità di un confronto con un pubblico molto ampio che potrà così vivere da vicino il contatto diretto con artisti che hanno privilegiato il media live nel proprio lavoro. Gli artisti selezionati con linguaggi molto diversi tra loro affrontano man mano diverse sfumature legate all’identità e alle sue possibili interpretazioni mettendo in gioco senza riserve il proprio corpo, non solo esposto ma in molti casi “offerto” agli spettatori che saranno invitati ad interagire alle azioni.
Un Catalogo Web che si occupa dell’immagine coordinata dell’evento e che pubblichiamo in concomitanza della vernice; contiene tutti i materiali realizzati per la mostra, le schede tecniche degli artisti, gli approfondimenti critici del curatore Francesco Arena e i contributi che molteplici personaggi nel mondo dell’arte, della moda e dei blog hanno espresso circa le tematiche trattate; uno strumento immediatamente scaricabile su qualunque piattaforma mobile o fissa attraverso codice QR-code o indirizzo url che permette in tempo reale di disporre di tutte le informazioni o le curiosità su Other Identity ed i suoi partecipanti. Si abbattono quindi le barriere tra catalogo fisico e fruizione dell’informazione rendendo tutto molto più disponibile e condivisibile.
Un Video-Catalogo che non è soltanto una trasposizione video di quello on line ma contiene tutte le riprese live delle azioni, dei pezzi esposti, documenti inediti sugli artisti, brevi video interviste, e backstage sull’evento, un modo per poter vivere Other Identity non soltanto dal vivo ma dall’interno della propria genesi. Tutti i materiali prodotti sono di volta in volta disponibili presso il Sito Ufficiale della manifestazione.
 
Hanno scritto su Other Identity Giampaolo Abbondio | Edoardo Acotto | Alessandra Arnò | Claudia Attimonelli | Lidia Bachis | Emanuele Beluffi | Chiara Boni | Marco Bruschi | Bettina Bush | Anita Calà | Lorenzo Canova | Mario Casanova | Giulia Cassini | Annalisa Cattani | Piera Cavalieri | Claudio Cerritelli | Maurizio Cesarini | Rossana Ciocca | Anna d’Ambrosio | Valerio Deho | Amalia Di Lanno | Isabella Falbo | Anna Fiordiponti | Matteo Fochessati | Patrizia Gaboardi | Alessandra Gagliano Candela | Carlo Gallerati | Francesca Galliani | Roberto Garbarino | Nunzia Garoffolo | Carlo Garzia | Ferruccio Giromini | Caterina Gualco | Romina Guidelli | Chiara Guidi | Flavia Lanza | Amelì Lasaponara | Marla Lombardo | Karolina Mitra Lusikova | Luciana Manco | Angelo Marino | Gianluca Marziani | Chiara Messori | Roberto Milani | Lorenzo Mortara | Ivana Mulatero | Maya Pacifico | Massimo Palazzi | Luca Panaro | Sabrina Paravicini | Claudio Parentela | Claudio Pozzani | Domenico Quaranta | Sandro Ricaldone | Mariella Rossi-Stefano Cagol | Claudia Sensi | Stefania Seoni | Ivano Sossella | Benedetta Spagnuolo | Federica Titone | Caterina Tomeo | Roberta Vanali | Venette Waste | Bruno Wolf
 
Spazi e orari
Galleria ABC-ARTE: Via XX Settembre, 11/A > Mart-Sab 09:30-13:30 | 14:30-18:30 Dom e Lun su appuntamento
Galleria Guidi&Schoen-Arte Contemporanea: Piazza dei Garibaldi, 18R > Mart-Sab 10:00-12:30 | 16:00-19:00
PRIMO PIANO di Palazzo Grillo: Vico alla Chiesa delle Vigne, 18R > Merc-Dom 16:00-20:00
Sala Dogana-Palazzo Ducale: Piazza Matteotti > Mart-Dom 16:00-20:00

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Loggia degli Abati]]>

Claire Fontaine. La borsa e la vita
8 marzo – 5 maggio 2019 prorogata fino al 19 maggio

Se mai esiste una città diabolicamente capitalistica assai prima dell’età capitalistica europea e mondiale è proprio Genova, opulenta e sordida al tempo stesso… Questa straordinaria città divorante il mondo è la più grande avventura umana del secolo XVI. Genova sembra allora la città dei miracoli.
Fernand Braudel

La mostra retrospettiva di Claire Fontaine presenta una selezione di opere intorno all’idea di valore e di frugalità, in relazione all’istituzione a Genova nel 1407 di uno dei primi istituti bancari al mondo, la Casa delle compere e dei banchi di San Giorgio. La selezione di opere ruota intorno al concetto di economia e pone esplicitamente il problema della fragilità del nostro benessere materiale in un mondo esposto alle fluttuazioni dei valori borsistici che sono divenuti la metafora della minacciosa reversibilità di ogni cosa.

“La borsa o la vita!” era il grido dei briganti, oggi il capitalismo esige tutte e due le cose, il nostro denaro e il nostro tempo, la nostra capacità relazionale che viene messa al lavoro e la nostra adattabilità a delle condizioni finanziarie sempre più precarie. Claire Fontaine

L’artista trasforma lo spazio espositivo della Loggia degli Abati tramite l’installazione concepita appositamente per la mostra, Newsfloor che ne copre completamente il pavimento con copie de Il Sole 24 Ore. I giornali-pavimento fanno “galleggiare” i visitatori sull’attualità delle notizie economiche, il luogo appare come se ci fossero dei lavori in corso e la mostra fosse ancora in fase di montaggio.

La scelta delle opere è stata fatta non solo sulla base del loro soggetto, ma anche naturalmente della loro interazione, del loro dialogo, delle polarizzazioni delle loro posizioni reciproche. La mostra è concepita come un discorso, un insieme di frasi visive che si combinano e s’intrecciano tra loro e che trovano un raccordo sia nell’installazione a pavimento, che in una serie di interventi testuali lungo le pareti dello spazio. Parte integrante del percorso sono infatti una serie testi di Claire Fontaine combinati a citazioni sulla storia economica di Genova, a cura del Dipartimento di Economia dell’ateneo genovese.

Citando le pratiche inaugurate da Félix Gonzáles Torres, dove le opere non espongono il proprio processo di costruzione, ma la forma della loro presenza e la loro inevitabile dispersione, Claire Fontaine offre in regalo ai visitatori alcuni lavori: una massa di gettoni, monete senza valore d’acquisto, ma col valore d’uso di poter sganciare un carrello da supermercato, reca scritto Please God Make Tomorrow Better. E ancora, una pila di poster su cui troviamo riprodotto un estratto de I Quaderni di Malte Laurids Brigge di Rainer Maria Rilke in cui lo scrittore descrive le apparenze delle differenti classi sociali come una pantomima, dove i mendicanti delle strade potrebbero da un momento all’altro smascherarci e mostrare l’appartenenza di ciascuno di noi al mondo dei diseredati.

Tra le opere esposte, Secret Money Paintings, realizzati con delle monete reali, includono la riflessione sul valore economico della pittura e degli scambi commerciali a partire dal sistema artistico. Opere scultoree, sempre con monete reali trasformate artisticamente come Change alludono ai metodi di protezione per proteggersi da un sistema economico che esclude i più deboli.
Mentre in Untitled (Money Trap) l’artista ha fatto perforare una cassaforte in modo che la mano possa entrarvi aperta ma non uscire se chiusa, evocando l’avidità ed esibendo anche l’aspetto illusorio dei dispositivi di sicurezza.

Curata da Anna Daneri, l’esposizione sarà introdotta da un’installazione intorno alla storia della finanza genovese realizzata in collaborazione con il Dipartimento di Economia dell’Università di Genova. Durante la mostra sono previste inoltre visite guidate nel caveau della Banca d’Italia.
 
Claire Fontaine è un collettivo artistico concettuale e femminista fondato a Parigi nel 2004 con base a Palermo. Finalista nel 2013 del prestigioso Prix Marcel Duchamp, ha esposto in musei e rassegne internazionali tra cui The Jewish Museum di New York, il Wattis Institute for Contemporary Arts di San Francisco, Museion di Bolzano, la Neuer Berliner Kunstverein, la Städtische Galerie Nordhorn, la Shanghai Biennial al The Power Station of the Arts e Le Confort Moderne, Poitiers.

8 marzo – 5 maggio 2019
Loggia degli Abati

Orari mostra
da martedì a venerdì, 15-19
sabato e domenica, 11-19
chiuso il lunedì
 
Aperture straordinarie nei giorni di festa,
consulta qui il calendario

Scopri qui gli eventi collaterali e qui il pieghevole della mostra

I visitatori sono tenuti a lasciare all’ingresso delle zone espositive bagagli e a depositare negli appositi armadietti borse voluminose e zaini.
Negli spazi espositivi e congressuali è inoltre vietato:
- introdurre animali, ad eccezione di quelli utili per accompagnare le persone disabili, e qualunque oggetto che per le sue caratteristiche possa rappresentare un rischio per la sicurezza delle persone, dell’edificio, delle strutture;
- effettuare riprese fotografiche e audiovisive non autorizzate o in deroga con le norme esposte alla biglietteria;
- fumare in tutti i locali della Fondazione;
- usare il cellulare all’interno degli spazi espositivi;
- consumare cibi e bevande.
Altri divieti possono essere imposti in biglietteria o direttamente nelle zone espositive per ragioni di sicurezza
L’intera carta dei Servizi di Palazzo Ducale è consultabile qui

L’inaugurazione

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Ducale Spazio Aperto]]>

Progetto di Francesca dall’Acqua
allestimento di Art Commission
 
15 – 16 – 17 febbraio 2019
Ducale Spazio Aperto

Il progetto Donne in Luce di Francesca dall’Acqua nasce dalla necessità ideale di dare voce e spazio a tutte le Donne attraverso ogni forma artistica: dalla pittura, alla scultura, alla realizzazione di opere intellettuali.
Dall’incontro di esperienze artistiche condivise, le artiste di Donne in Luce, vogliano trasmettere il proprio vissuto, nell’intento di raccontare una storia comune.
Sono opere narrative, che nascono da un ricordo, un’emozione, una sensazione, un desiderio o una necessità e pur restando in forma libera, ciascuna connaturata con l’artista, hanno in comune e come filo conduttore la testimonianza dell’essere donna.
 
Le Artiste che parteciperanno alla Mostra Donne in Luce sono:
Antonietta Anfossi, Laura Anfossi, Francesca Dall’Acqua, Ilaria Di Meo, Chiara Gennaro, Maria Mantero, Maddalena Palladini, Alice Passadore

Ingresso libero
Inaugurazione giovedì 14 febbraio 2019, ore 18
venerdì, sabato e domenica ore 10-13 e 15-19

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Ducale Spazio Aperto]]>

Diario di viaggio
Francesca Gorzanelli
8 – 9 – 10 febbraio 2019
Ducale Spazio Aperto

Francesca Gorzanelli, modenese, da anni si occupa di documentare la situazione attuale nella Zona di esclusione di Chernobyl, ad oltre trent’anni dal disastro che la rese pericolosamente famosa nel mondo intero.
In collaborazione con il collega fotoreporter, Emanuele Cosimi, si recano con cadenza bimestrale nell’area colpita dal fallout nucleare, esclusivamente in territorio ucraino, esattamente dove si trova la centrale elettro-nucleare Lenin il cui reattore #4 esplose la notte del 26 Aprile 1986. I loro viaggi non si limitano solo alla documentazione fotografica, ma esplorano anche la situazione sociale ed umana dell’area, portando aiuti pratici ai Samosely, ovvero gli anziani che vivono illegalmente all’interno del perimetro interdetto. Dal 2015 si recano in visita a queste persone entrando nelle loro case ed aiutandoli anche nella manutenzione delle abitazioni.
Questo loro progetto si è allargato rivolgendosi anche alle scuole italiane, di ogni grado e genere, dove loro si recano personalmente portando le proprie testimonianze, in termini umani e fotografici. Inoltre hanno ideato progetti di aiuto che possano coinvolgere gli italiani, attraverso donazioni all’Associazione Serra X il mondo-ONLUS o partecipando in prima persona ai loro viaggi culturali/umanitari nell’area di alienazione.

Ingresso libero
Inaugurazione venerdì 8 febbraio, ore 17.30-19
sabato e domenica ore 10-19

]]> http://www1.palazzoducale.genova.it/chernobyl-diario-di-viaggio/feed/ 0 http://www1.palazzoducale.genova.it/boom-economico-italiano/ http://www1.palazzoducale.genova.it/boom-economico-italiano/#comments Fri, 25 Jan 2019 16:00:34 +0000 http://www.palazzoducale.genova.it/?p=49233 25 gennaio - 3 febbraio 2019
Ducale Spazio Aperto]]>

arte e storia
dal 25 gennaio al 3 febbraio 2019
Ducale Spazio Aperto

 
 

Ingresso libero
ore 10.30-12 e 16.30-18

 
 

Felix Diaz Josaf, Boom, acrilico su tela 2018

Miracolo economico, compreso negli anni 1954/1964 e si compone di 13 tele, cm. 70 x 70 x 3, che affrontano altrettanti momenti salienti del periodo storico scelto.
 
Ad ogni opera è collegato un breve testo esplicativo, e i temi affrontati e l’autore sono i seguenti:
1. ECONOMIA, interpretato da Carlo SIPSZ
2. TELEVISIONE, interpretato da Carlo PIZZICHINI
3. STATUS SYMBOL, interpretato da Jorge Felix DIAZ
4. MUSICA, interpretato da Giacomo LUSSO
5. TEMPO LIBERO, interpretato da Angelo BARABINO
6. IMMIGRAZIONE, interpretato da Albert BARREDA
7. CATENA DI MONTAGGIO, interpretato da Stefano PACHI’
8. CASE CHIUSE, interpretato da Renata MINUTO
9. LOTTE OPERAIE, interpretato da Arturo SANTILLO
10. CONCILIO VATICANO, interpretato da Aldo PAGLIARO
11. OLIMPIADI, interpretato da Martina LAGORIO
12. GOVERNO TAMBRONI, interpretato da Bruno VOLPEZ
13. TRAME NERE, interpretato da Maurizio MALMIGNATI

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Torre e carceri]]>

Alleanza di artisti in memoria della Shoah
XI edizione
Torre e carceri
24 gennaio – 9 febbraio 2019

 
inaugurazione 24 gennaio 2019, ore 18

Art Commission in collaborazione con Genova Palazzo Ducale Fondazione per la Cultura e ILSREC “R.Ricci” presenta la XI edizione della rassegna “SEGRETE Tracce di Memoria” Alleanza di Artisti in Memoria della Shoah
La rassegna di respiro internazionale, ideata e curata da Virginia Monteverde, sarà inaugurata giovedì 24 gennaio 2019 alle ore 18.00 nelle antiche prigioni della Torre Grimaldina di Palazzo Ducale a Genova. Le antiche celle ospiteranno come sempre le installazioni site-specific degli artisti, dando vita a una mostra di forte impatto emozionale.
A proporre le proprie riflessioni sul tema della Memoria saranno gli artisti: Davide Coltro, Carla Iacono, Fukushi Ito, Ilaria Margutti, Fried Rosenstock, Joseph Sassoon Semah.
Diversi gli eventi organizzati nei quindici giorni della mostra: spettacolo teatrale, incontri-dibattiti, reading poetici e la speciale sezione “Progetto Giovani” con incontri a scuola e proiezione di docufilm realizzato da studenti a Palazzo Ducale.
La rassegna si avvale del patrocinio del Comune di Genova e della collaborazione di: Memoriale della Shoah di Milano, Goethe Institut-Genua, Comunità Ebraica di Genova, Anpi Provinciale di Genova, Anpi Borghetto Lodigiano e Bologna, Liceo Classico Andrea D’Oria, Teatro Apollo.
 
PROGRAMMA
Giovedì 24 gennaio ore 18.00 – Torre Grimaldina di Palazzo Ducale
INAUGURAZIONE
Intervengono:
Serena Bertolucci, direttore Palazzo Ducale; Mino Ronzitti, presidente ILSREC; Alessandra Jarach, membro del direttivo del Memoriale della Shoah di Milano; Stefano Bigazzi, giornalista e critico.
Artisti in mostra: Davide Coltro, Carla Iacono, Fukushi Ito, Ilaria Margutti, Fried Rosenstock, Joseph Sassoon Semah.
 
EVENTI
Dal 24 al 9 febbraio – Torre Grimaldina (cella di Ruffini) e Spazio46 di Palazzo Ducale Io rEsisto – progetto artistico sociale, in mostra i dipinti di Antonella Cinelli e la video intervista Francesco Bellinzoni-Ricordi Resistenti realizzata da Federico Gaudenzi, fotografo e giornalista, e Alessandro Torchiani, videomaker, a cura di Manuela Composti, direttivo 167° B.ta Garibaldi f.lli Biancardi ANPI Borghetto Lodigiano con la collaborazione di ANPI Bologna
 
Venerdì 25 gennaio ore 10.00 – Liceo Classico Andrea D’Oria
SCUOLA E MEMORIA (Progetto Giovani)
La Difesa della razza – 1938 Gli italiani si scoprono razzisti
Incontro con Alessandra Jarach, membro del direttivo del Memoriale della Shoah (Binario 21) di Milano
In collaborazione con ANPI Borghetto Lodigiano 167° B.ta Garibaldi f.lli Biancardi
Performance di danza ispirata a “Schindler’s list” realizzata da Ginevra Ferro, Beatrice Massone, Ester Verdiani, studentesse del Liceo.
*Evento riservato alla scuola con diretta facebook sulla pagina di Segrete.Tracce di Memoria.
 
Domenica 27 gennaio ore 16.00 – Spazio46 di Palazzo Ducale
Artisti dell’Olocausto
Incontro con Roberto Malini, scrittore, studioso della Shoah e dell’arte dell’olocausto, che parlerà del recupero da parte sua – e della successiva donazione allo Stato italiano per il Museo Nazionale della Shoah di Roma – di oltre 170 opere di artisti scomparsi nei campi di concentramento o sopravvissuti alla Shoah.
Nell’occasione, sarà esposta un’opera dell’artista sopravvissuta alla Shoah Eva Fischer e di un suo ritratto fotografico, opera di Steed Gamero (Roma, 2008).
 
Giovedì 31 gennaio ore 20.30 – Sala del Munizioniere di Palazzo Ducale
TEATRO E MEMORIA
Art Commission e Teatro Apollo
Corso Gastaldi 25 Nero
testo di Matteo Aldo Maria Rossi, regia di Raffaele Casagrande, con: Alessandro Damerini, Federico Giovannini De Nardo, Ilaria Marano e Danilo Spadoni. Con la partecipazione di Simona Bisconti, Carola Ottonello (violino), Constantin Rebasso, Luca Terzolo (pianoforte).
“Nel 1972, durante un’occupazione della Casa dello Studente di Genova, un gruppo di ragazzi, a colpi di piccone, portò alla luce le prigioni dove, tra il ’43 e il ’45, SS e Gestapo torturarono partigiani e oppositori. ‘Corso Gastaldi 25 Nero è un racconto immaginario della vicenda che tuttavia vuole restituire lo spirito di quella impresa e di quegli anni.”
 
Lunedì 4 febbraio ore 18.00 – Sala del Munizioniere di Palazzo Ducale
SCUOLA E MEMORIA (Progetto Giovani)
Scuola del Mediterraneo – Una storia da raccontare
Presentazione e proiezione del docufilm realizzato dall’Istituto Comprensivo Bogliasco-Pieve-Sori. Intervento di Carla De Barbieri e Adel Oberto, presentazione a cura di Stefano Bigazzi.
“Il docufilm rievoca la storia della Scuola del Mediterraneo di Villa Palme a Recco, diretta da Hans Weil, che negli anni bui del nazismo ospitò decine di ragazzi ebrei tedeschi. Era una scuola innovativa senza voti né diplomi, dove lo studio si alternava ad attività pratiche come fotografia, teatro, cura dell’orto, insegnamento del nuoto. Alla chiusura della Scuola a causa delle leggi razziali, Weil riuscì a far emigrare in Svizzera i suoi studenti, organizzando una falsa gita sugli sci.”
 
Mercoledì 6 febbraio ore 18 – Sala del Munizioniere di Palazzo Ducale
Film documentario “Rinascere in Puglia” (regia di Yael Katzir)
Proiezione del film e incontro con il produttore Gady Castel, presentazione a cura di Donatella Alfonso.
“Il film racconta una storia di accoglienza e solidarietà: al centro della vicenda i profughi ebrei che alla fine della seconda guerra mondiale, nell’impossibilità di raggiungere Israele, furono accolti in Puglia. Nelle ville salentine, i profughi godettero del mare, del sole e soprattutto dell’affetto degli abitanti, che contribuì in maniera determinante al ritorno a una vita normale. Centinaia di matrimoni e di nascite tra i profughi vengono registrate in quel periodo di poco meno di tre anni, una testimonianza evidente della forza di cominciare di nuovo, di “rinascere”.
 
Giovedì 7 febbraio ore 18.00 – Torre Grimaldina di Palazzo Ducale
POESIA E MEMORIA
Reading in collaborazione con Il Festival Internazionale di Poesia di Genova.
Con Dario Arkel, Maddalena Leali, Rossella Maiore Tamponi, e con la partecipazione straordinaria di Endre Szkarosi e Claudio Pozzani.

Per tutti gli eventi l’ingresso è gratuito ma è consigliata la prenotazione. Per teatro e memoria “corso gastaldi 25nero” la prenotazione è obbligatoria.
ORARI MOSTRA TORRE GRIMALDINA:
da martedì a domenica dalle 15.00 alle 19 biglietto ingresso 5 euro
domenica 27 gennaio, Giornata della Memoria, ingresso gratuito
Per le scolaresche: su prenotazione al mattino, ingresso gratuito
 
Associazione di promozione sociale della cultura Art Commission – piazza Matteotti 9, Palazzo Ducale Genova
artcommissionevents@gmail.com

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Sala Dogana]]>

Progetto artistico di Andy Caraway
24 gennaio – 10 febbraio 2019
 
Sala Dogana

Ingresso libero
Inaugurazione 24 gennaio, ore 18
Orario: da martedì a domenica, ore 15-21

L’effimero, nelle sue molteplici sfaccettature, è rintracciabile in tutto ciò che concerne la nostra esistenza. Nella ricerca della popolarità, nella nostra infanzia, nelle relazioni umane e nel solco fondamentale della nostra stessa vita.
L’artista tenta, attraverso un percorso che spazia tra diversi linguaggi, di portare alla luce gli effetti dell’effimero sull’essere umano, approdando all’analisi della naturale contrapposizione
tra esso e il nostro innato desiderio di eternità. Si osserveranno così i suoi tentativi di colmare tale mancanza, il suo rapporto con la sessualità e l’effetto di queste lotte interiori sulla sua salute mentale.
Fotografie, installazioni e video interverranno con l’obiettivo di creare un percorso all’interno della nostra psiche, seguendo il filo rosso del fugace, del temporaneo e del transitorio. Tutto
ciò all’interno di un contesto ricco di citazioni e omaggi (dalla pop art alla letteratura inglese, dall’arte contemporanea al surrealismo) in cui niente è off-limits e niente è troppo sacro o
spaventoso per poter essere messo sotto la lente di ingrandimento.
 
Andy Caraway
Nata a Genova nel 1996, si appassiona fin da bambina alla fotografia e alla storia dell’arte.
Frequenta perciò il Liceo Artistico Paul Klee – N. Barabino e, dopo un anno trascorso all’Università degli Studi di Genova al Dipartimento di Architettura e Design, si iscrive al DAMS di Torino.
Dal 2014 comincia ad approcciarsi alla fotografia di nudo e avvia le sue ricerche sul corpo umano, in particolare sulla sua relazione con la natura, rifacendosi ai valori del romanticismo.
Da quel momento espande la sua ricerca fino all’approdo ad una pulizia completa dell’immagine e ad una rappresentazione statuaria e marionettistica dei corpi, mettendoli tuttavia in relazione con diversi materiali e oggetti.
Oltre a ciò sperimenta con diversi linguaggi, tra cui quello cinematografico, dirigendo la fotografia di molteplici cortometraggi e studiando le tecniche di montaggio in funzione della
video-arte.
 
Info:
www.andycaraway.com
www.instagram.com/andycaraway

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Sala Dogana]]>

musica elettronica _ live set con visual
a cura di KONTAMINA & DUPLEX RIDE
29-30 dicembre 2018
 
Sala Dogana

Ingresso libero
Orario: dalle ore 18 alle 23

VENERDÌ 29 DICEMBRE
Kontamina showcase
Luca Fucci (Firenze)
Ettore Brancè (Pistoia)
Carlotta Wax Intesa (Prato)
 
SABATO 30 DICEMBRE
Duplex Ride showcase
Valerio Visconti
The Ritual Sphinx
Antonio Armènia
Stefano Bertoli
 
SABATO 29 DICEMBRE
Luca Fucci
www.lucafucci.com
Luca Fucci è un artista toscano da anni milita in formazioni elettroniche di avanguardia (Interferenze, Crafty Cell, BMT). Nel 2015 l’esigenza di esprimersi individualmente lo porta a pubblicare il suo primo disco strumentale solista “Hidden Scars”: un crossover elettronico di emozioni, in cui sintetizzatori, drum machines e pianoforte sono elementi imprescindibili gli uni dagli altri, attraverso i quali viene plasmato un decadente microcosmo a tinte scure in cui immergersi e perdersi senza pregiudizi. Accolto con grande successo da pubblico e critica, “Hidden Scars” è stato accompagnato da esibizioni live in cui musica e suggestivi visuals si fondono in un unico elemento. L’espressione musicale di Luca Fucci si basa su pianoforti melodici, cupi e gravi che si alternano, incontrano e fondono con l’elettronica delle drum machines, dei synth analogici e modulari, per portare alla luce “cicatrici nascoste”.
La attenta ricerca del suoni attraverso le macchine non è esercizio fine a se stesso, ma un mezzo per dare voce a sensazioni ed emozioni, senza bisogno alcuno di parole. Il 26 Gennaio 2018 viene pubblicato “Live Scars”, una testimonianza audio-video della performance live tenutasi l’8 dicembre 2017 nella live room de“La Fucina Studio”: un viaggio personale ed intenso, tra musica elettronica e visuals. Una esperienza unica nel suo genere. “Live Scars” è disponibile in versione audio sulle principali piattaforme digitali di streaming e download, ed in versione video sul canale Youtube di Luca Fucci.
(https://youtu.be/cLehWMcnCfc)
 
ETTORE BRANCE’
CARLOTTA WAX INTESA
 
VALERIO VISCONTI
www.visconti.cc
Synth analogici, noise, kick drums. Un progetto solista che guarda al futuro, e sempre alla ricerca di nuove fonti sonore, senza dimenticare un uso molto personale del pianoforte.
Compositore per pianoforte sin da bambino, Valerio Visconti da più di 10 anni crea e compone anche musica elettronica.
Video di ricerca per l’Istituto Italiano di Tecnologia, colonne sonore di app musicali, collaudatore di nuovi dispositivi, un disco a Londra, uno a Milano, e molta altra musica nel suo sito visconti.cc
THE RITUAL SPHYNX

https://theritualsphinx.bandcamp.com/

Ritual Sphinx è un progetto multidisciplinare di Alessandro Bartolena nato nel 2011 come ricerca d’interazione tra immagine e sonoro. Dopo un percorso iniziale legato alla pittura, è ora strutturato in due filoni simbionti, dove il sonoro è l’elemento portante:
-Installazioni d’arte contemporanea
-Musica elettronica sperimentale
La ricerca sonora mira alla costruzione di sonori materici concettuali, costituiti in particolare da suoni elettronici organici, spesso afferenti alla percezione legata al corpo umano.
ARMENIA

http://www.armeniamusic.it/

Armenia, musicista elettronico sperimentale, così si racconta:
“Come sopra così sotto. Ho capito di essere un infiltrato nel mondo delle macchine e dell’elettronica. Di base un sovversivo. Vado verso l’uomo e tutto viene adeguato a questo fine in vari modi e vie. Installo un virus umano e vado al risultato. Allora le macchine, sia software che hardware, cominciano a piegarsi, a scaldarsi e a diventare vive. A volte è sorprendente. Un’operazione alchemica ai miei occhi. Comanda il Saggio. Sullo sfondo il Bambino e il Catastrofista.”
Armenia porta con sé il nuovo inquieto album di studio, WE ARE STILL MACHINES, preceduto da LIKE A DERVISH e pubblicato su Bandcamp. “La nostra vera coscienza può essere, e infatti lo è quasi sempre, completamente assente da tutto ciò che facciamo, pensiamo, vogliamo e immaginiamo …”
A “FRACTAL” a cura di Duplex Ride, Armenia introduce inoltre il freschissimo progetto di collaborazione con la fotografa professionista Eliana Maffei che ha curato la parte visiva di due nuovi brani e che saranno parte di un nuovo EP in lavorazione: I Need To Go Up e Our Memories.
STEFANO BERTOLI

https://www.facebook.com/stefano.bertoli.666

Landscape elettronici.
 
KONTAMINA
Il progetto “Kontamina” nasce dalla volontà di arricchire la proposta artistica e contribuire all’aggregazione di creativi ed artisti in contesti intimi e di sperimentazione.
Liberi da qualunque canone consumistico e commerciale la Kontaminazione può realizzarsi.
direct info: kontamina.arte@gmail.com
DUPLEX RIDE
costituita nel 2010 attorno ad un nucleo di operatori artistici, attivi nei settori della musica elettronica e dell’immagine digitale per mettere in comune le proprie esperienze ed espandere l’area creativa in cui agiscono, per contribuire allo sviluppo culturale del territorio, è un’associazione culturale interessata ad ogni forma d’arte, che organizza principalmente eventi di musica elettronica e videoproiezione.
E’ un’idea in movimento, è arte collettiva, è ricerca elettronica, è sperimentazione in tutte le sue forme, dalla pittura, alla fotografia, alla scrittura.
sito web: http://duplexridegenova.wordpress.com

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Atrio Palazzo Ducale]]>

14 dicembre 2018 – 3 gennaio 2019
orario 11-19, chiusa il 25 dicembre 2018
mostra nell’atrio di Palazzo Ducale e
in Ducale Spazio Aperto

Inaugurazione venerdì 14 dicembre, ore 18

Dopo il crollo del Ponte Morandi il Presidente di Palazzo Ducale si rivolge ai cittadini di Genova chiedendo di esprimere i loro sentimenti attraverso degli scritti. Centinaia di persone, non solo genovesi, hanno risposto alla chiamata che diventa adesso una mostra. Domus, l’iconica rivista di architettura e design, partecipa alla restituzione visiva di queste testimonianze offrendo a Palazzo il concept della mostra, realizzata con il sostegno del Goethe-Institut Genua.
Nella sala Ducale Spazio Aperto saranno esposti tutti i racconti, circa 500 tra scritti e fotografie, mentre nel colonnato del Cortile Maggiore una grande immagine del ponte, al momento della sua inaugurazione, è accostata ad alcune parole significative che emergono dai racconti.
Una selezione di racconti è pubblicata nel libro Quella volta sul ponte. I proventi derivanti dalla vendita del libro saranno devoluti a sostegno della realizzazione della stanza multisensoriale presso la Scuola primaria di Teglia – sede di un Polo con risorse educative specializzate – nell’ambito del progetto “Adotta un Polo” del Comune di Genova.

Da un’idea di Luca Bizzarri
Organizzazione e produzione Palazzo Ducale Fondazione per la Cultura
Enti promotori Comune di Genova, Regione Liguria
Con il sostegno di Goethe-Institut Genua
Con il supporto di Camera di Commercio
Concept della mostra Domus
Progetto grafico Gabriella Barresi – Grafica fluida

Ingresso libero

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Sala Dogana]]>

progetto espositivo a cura di
Dipartimento di Comunicazione e Didattica dell’Arte
Accademia Ligustica di Belle Arti di Genova
6 – 23 dicembre 2018
 
Sala Dogana

Ingresso libero
Inaugurazione 6 dicembre, ore 18
Orario: da martedì a domenica, ore 15-20

Giovedì 6 dicembre alle ore 18 a Sala Dogana a Palazzo Ducale inaugura la mostra Monitoraggi 6, il progetto espositivo del Dipartimento di Comunicazione e Didattica dell’Arte dell’Accademia Ligustica, giunto alla sua sesta edizione.
Monitoraggi è un progetto che il Dipartimento di Comunicazione e Didattica dell’Arte dell’Accademia ha avviato con la finalità di indagare quello che avviene in Accademia dal punto di vista della ricerca artistica nei diversi livelli dei corsi di laurea.
Selezionati dalla commissione del Dipartimento di Comunicazione e Didattica dell’Arte gli studenti dell’Accademia Ligustica propongono sette progetti site-specific concepiti per gli spazi di Sala Dogana.
Anna Icardi & Mauro Casalino, Elena Grasso, Luca del Torto, Davide Toscano, Valentina Viviano & Giulia Zini, Collettivo PES (Parastoo Dadvar, Elena Grasso, Sadaf Akrad), Filippo Cotella, sperimentano media diversi, articolando una ricerca che include tracce sonore, sculture in resina, supporti e tessuti, video installazioni e disegni di grandi dimensioni.
Monitoraggi è un progetto aperto a tutti gli studenti liberi di presentare e sperimentare ricerche personali senza limiti di tema o linguaggio, uno strumento di osservazione, per i docenti, una selezione dei risultati più interessanti presentata e comunicata con una mostra in uno spazio pubblico come, ormai da diverse edizioni, Sala Dogana, banco di prova per i giovani artisti.
 
Info comunicazione@accademialigustica.it Tel. 0105601324

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Sala Liguria]]>

Ascesa e caduta di un uomo contro
mostra in Sala Liguria
30 novembre 2018 – 6 gennaio 2019
PROROGATA AL 20 GENNAIO

Inaugurazione il 30 novembre, ore 17.45
 
da lunedì a venerdì, ore 9-19
sabato, domenica e festivi ore 11-19
martedì 25 dicembre chiuso
Ingresso libero

Per i novant’anni dalla nascita, a Genova il 30 novembre 1928, Tortora non è soltanto la vittima di un’inchiesta giudiziaria né il recordman di “Portobello”, ma il testimone di un profondo cambiamento della società italiana. In mostra molte dichiarazioni, aforismi e invettive, ma anche consigli di un padre alle figlie. Il suo mondo borghese e conservatore è raffigurato per contrapposti: i versi di John Lennon e Bruce Springsteen, la parole controcorrente di Pier Paolo Pasolini, gli strali fulminanti di Groucho Marx. Risuonerà il rimbombo delle sue provocazioni, dei licenziamenti dalla Rai, delle intuizioni di stile e del fortissimo senso popolare che lo avvicinano a grandi entertainer americani come Ed Sullivan, Johnny Carson, David Letterman, Jimmy Fallon, ben rappresentati in una bandiera americana ricomposta con i loro volti. Un ricordo non può escludere i mondi paralleli a Tortora: in un monitor stralci di grande cinema italiano, da Risi a Lizzani, Rosi e Fellini, la ricostruzione dell’arresto nel 1983, il ritorno in televisione nel 1987. In una cella di prigione, parte dell’allestimento, si potranno leggere, come graffiti, estratti delle lettere che Tortora scrisse alla figlia Silvia, raccolte nel libro Cara Silvia edito da Marsilio. Infine la versione punk del pappagallo di “Portobello” vuole augurargli un affettuoso buon compleanno.

Il coraggio perbene
Questa mostra è un tributo al coraggio. Non alla cronaca. O alla storia di un grande entertainer della televisione. Succede spesso che un artista venga apprezzato lontano dal suo tempo. Enzo Tortora è stato un grande innovatore. Non solo per come ha fatto televisione, ma per come è riuscito a essere moderato
e prendere anche qualche abbaglio senza perdere mai dignità o coerenza professionale. È facile, oggi, farne ancora il simbolo di una stagione di vittime della
macchina giudiziaria. Tortora voleva giustizia, cambiare le storture di un sistema drammaticamente evidenti. Ma rimaneva soprattutto un uomo perbene, conservatore, eppure vicino, nel momento più drammatico della sua esistenza, a idee radicali. Non vedo alcuna contraddizione. Oggi non sarebbe possibile.
Tortora riusciva a essere popolare nel perimetro borghese di buone letture, maniere affabili, convinzioni severe su onestà, corruzione, rispetto per gli altri. E’ un paradosso, ma ha fatto più denunce, sfide e cambiamenti professionali nei primi trent’anni di carriera che nel tragico decennio successivo, dominato dal fenomeno “Portobello” e dalle infamanti accuse di essere affiliato alla camorra. Se le lettere alle figlie – conosciamo solo quelle a Silvia, ma ne ha scritte, non meno importanti, anche a Gaia – e se l’attività di parlamentare a Strasburgo, brevissima, ci restituiscono ogni giorno la memoria di una persona perbene, la lezione televisiva, dove la sobrietà sosteneva un carattere indomito, secondo gli avversari persino irritante, è indimenticabile.
Renato Tortarolo

Mostra a cura di Renato Tortarolo, realizzazione It’s only Rock by Renato Tortarolo

Conferenza Stampa

Inaugurazione

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Sottoporticato]]>

Da Monet a Bacon
Capolavori della Johannesburg Art Gallery
17 novembre 2018 – 3 marzo prorogata al 24 marzo 2019
Sottoporticato

Aperta al pubblico nel 1910, la Johannesburg Art Gallery vanta una collezione di altissima qualità dal punto di vista del patrimonio artistico. Palazzo Ducale ha il privilegio di ospitare un nucleo importante di capolavori provenienti da uno dei più significativi musei d’arte del continente africano, offrendo al pubblico un’occasione unica per scoprire e conoscere da vicino una raccolta di opere difficilmente visibile in altre sedi.
L’esposizione presenta oltre sessanta opere, tra olii, acquerelli e grafiche, che portano le firme di alcuni dei principali protagonisti della scena artistica internazionale del XIX e del XX secolo: da Edgar Degas a Dante Gabriel Rossetti, da Jean Baptiste Corot a Alma Tadema, da Vincent Van Gogh a Paul Cezanne, da Pablo Picasso a Francis Bacon, Roy Lichtenstein e Andy Warhol. Senza dimenticare l’arte africana contemporanea, cui è dedicata un’intera sezione della mostra, e che costituisce ai nostri occhi una vera e propria scoperta, l’opportunità per incontrare una realtà pittorica ben poco nota al pubblico europeo.
Suddiviso in sezioni cronologiche e tematiche, il percorso espositivo è un viaggio nella storia dell’arte dalla metà del XIX secolo fino al secondo Novecento, spaziando dall’Europa agli Stati Uniti fino al Sud Africa in un racconto che si sposta tra momenti storici, luoghi e linguaggi artistici diversi.
La mostra, oltre a presentare un’ottima selezione di opere di grandi maestri, consente inoltre di scoprire l’affascinante storia della Johannesburg Art Gallery. Principale protagonista della nascita e della formazione della collezione museale fu Lady Florence Phillips, moglie del magnate dell’industria mineraria Sir Lionel Phillips. Donna dal grande fascino, a sua volta collezionista, convinta che la sua città dovesse avere un museo d’arte, persuase il marito e alcuni magnati dell’industria a investire nel progetto. Già alla sua apertura, il museo presenta una selezione di opere di straordinaria qualità e modernità, un nucleo arricchitosi poi negli anni, grazie a nuove acquisizioni e donazioni.
 
A cura di Simona Bartolena,
realizzata da ViDi in collaborazione la Johannesburg Art Gallery

Inaugurazione

Sottoporticato,

Palazzo Ducale
piazza Matteotti, 9
16123 Genova
www.mostrajaggenova.com

Orari

Da martedì a domenica, ore 10-19. Lunedì chiuso
La biglietteria chiude alle ore 18
 
25.12 chiusa
26.12: ore 10 – 19
31.12: ore 14.30 – 02.00
Capodanno a Palazzo Ducale – prenota qui
La biglietteria chiude un’ora prima
 

Biglietti

intero: 12 euro, ridotto: 10 euro
Acquisto online su www.vivaticket.it, anche il lunedì (giorno di chiusura della mostra)

Hotel Amici delle mostre di Palazzo Ducale

I visitatori sono tenuti a lasciare all’ingresso delle zone espositive bagagli e a depositare negli appositi armadietti borse voluminose e zaini.
Negli spazi espositivi e congressuali è inoltre vietato:
- introdurre animali, ad eccezione di quelli utili per accompagnare le persone disabili, e qualunque oggetto che per le sue caratteristiche possa rappresentare un rischio per la sicurezza delle persone, dell’edificio, delle strutture;
- effettuare riprese fotografiche e audiovisive non autorizzate o in deroga con le norme esposte alla biglietteria;
- fumare in tutti i locali della Fondazione;
- usare il cellulare all’interno degli spazi espositivi;
- consumare cibi e bevande.
Altri divieti possono essere imposti in biglietteria o direttamente nelle zone espositive per ragioni di sicurezza
L’intera carta dei Servizi di Palazzo Ducale è consultabile qui

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Sala Dogana]]>

Fabio Sacco
15 novembre – 2 dicembre 2018
 
Sala Dogana

Orario: da martedì a domenica, ore 15-20
Ingresso libero
 
Inaugurazione 15 novembre, ore 18

In questa esperienza artistica, l’autore intende sottolineare le ormai prive prospettive future della classe operaia. Attraverso le sue immagini affronta le tematiche essenziali che
costituiscono l’attuale società tra cui il lavoro, la famiglia, la casa……dove il soggetto degli scatti rubati è proprio lui, Fabio Sacco, fotografo per passione, nato e cresciuto a Novi Ligure, dove tuttora vive e lavora.
Una delle finalità della mostra è quella di condurre il visitatore attraverso ogni singolo scatto, in un percorso di identificazione e partecipazione, atto a percepire il senso di desolazione e avvilimento che hanno indotto l’artista alla realizzazione del reportage fotografico.
 
L’artista afferma:
‘Per comprendere a fondo le motivazioni da cui è scaturito il mio progetto è necessario tornare indietro nel tempo di un paio di decadi, a quando il mondo del lavoro fu colpito su ogni fronte, privando la gente di prospettive e degli innegabili diritti sui quali si fonda la nostra Costituzione:
art.1 L’Italia è una Repubblica democratica fondata sul lavoro. La sovranità appartiene al popolo, che la esercita nelle forme e nei limiti della Costituzione.
In realtà si è allontanata sempre più l’età pensionabile e l’ambito lavorativo è stato caratterizzato da infiniti contratti a tempo determinato che non assicurano un futuro concreto a
chi intraprende la strada del mondo del lavoro.
I giovani, ultimata la fase dedicata alla formazione scolastica, si trovano perlopiù ad affrontare una situazione profondamente compromessa, quasi sempre costretti a lavori precari o lontani dal proprio paese di origine, sfidando il destino e cercando all’estero quel riconoscimento e quella possibilità di progettare il futuro lontano dal proprio Paese che oramai non ha più nulla da offrire e dal quale si sentono traditi.
In questa mostra ho voluto rappresentare la giornata lavorativa di un operaio, spogliato dei suoi diritti, con la sua inutile ambizione, la sua routine e le sue riposte speranze.’

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Sala Liguria]]>

A colloquio con Silvio Ferrari
mercoledì 7 novembre 2018, ore 21
Sala del Maggior Consiglio

Scopri qui il programma completo di Big November 4 e
qui la locandina della mostra

Attraverso il dialogo con Silvio Ferrari, il maestro ligure racconta la propria visione della fotografia come documento narrativo e non come semplice immagine.
 

L’incontro è realizzato in occasione della mostra Gianni Berengo Gardin fotografa Renzo Piano, allestita in Sala Liguria fino al 25 novembre 2018, a cura di Guido Risicato e Lorenzo Trompetto.
Nell’ambito della rassegna Big November la mostra di Genova presenta una serie di scatti selezionati da Gianni Berengo Gardin tra i lavori realizzati dallo studio Piano nel periodo che va dal 1979 al 1994. La collaborazione con Renzo Piano inizia nel 1978 e termina nel 2000; il lavoro prodotto documenta tutte le fasi che comportano la realizzazione di un progetto di architettura, dal luogo in cui sorgerà l’opera alla fine del cantiere. Un lavoro particolare quello di Berengo Gardin, diverso dalle rappresentazioni dell’architettura che oggi vediamo sulle riviste o sui siti specializzati, una lettura che coglie tutto ciò che l’opera architettonica conclusa nasconde. La narrazione del cantiere e le sue fasi operative, gli spazi che via via si modificano e il rapporto con gli operai, attori protagonisti di questa scena.

Gianni Berengo Gardin è uno dei più noti ed importanti fotografi italiani. Nato a Santa Margherita Ligure nel 1930, si occupa di fotografia dal 1954. Dopo aver vissuto a Roma, Venezia, Lugano e Parigi. Nel 1965 si stabilisce a Milano e inizia la sua
carriera professionale dedicandosi al reportage, all’indagine sociale, alla documentazione di architettura e alla descrizione ambientale.
Ha lavorato con le principali testate della stampa italiana ed estera, con il Touring Club Italiano e con l’Istituto Geografico De Agostini, ma
si è principalmente dedicato alla realizzazione di libri fotografici, pubblicandone oltre 200. Nel 1963 è stato premiato dal World Press Photo.
Nel 1990 è stato invitato d’onore al “Mois de la Photo” di Parigi dove ha vinto il Premio Brassai. Ha tenuto circa 200 mostre personali in Italia
e all’estero, e sue immagini fanno parte delle collezioni di diversi musei e fondazioni culturali, tra cui la Calcografia Nazionale di Roma,
il Museum of Modern Art di New York, la Bibliotheque Nationale, la Maison Européenne de la Photographie e la Collection photo FNAC di Parigi. Nel 2015 il consiglio nazionale degli Architetti gli assegna il titolo di architetto Onorario.

All’interno di Big November 4, Architectura et Media, a cura di Fondazione Ordine Architetti PPC di Genova

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Wolksoniana - Ge Nervi]]>

Da Ferrara alla Libia
28 ottobre 2018 – 24 marzo 2019

 

Wolfsoniana – Musei di Nervi
via Serra Gropallo 4, Genova
 
Da martedì a domenica 11.00 – 17.00; lunedì chiuso
www.wolfsoniana.it
tel. 010 3231329; info@wolfsoniana.it, biglietteriawolfsoniana@comune.genova.it

Curata da Matteo Fochessati e Gianni Franzone e realizzata in collaborazione con l’Archivio Mimì Quilici Buzzacchi di Roma, la mostra presenta le opere di due artisti che, uniti da un profondo rapporto umano e professionale, consolidato alla fine degli anni trenta dalla comune partecipazione al programma di opere pubbliche in Libia, condivisero anche il legame con Ferrara.

Achille Funi (Ferrara 1890 – Appiano Gentile, Como, 1972) mantenne intensi rapporti con la città natale anche dopo il trasferimento a Milano nel 1906 e vi fu impegnato, tra il 1933 e il 1938, nella decorazione della Sala della Consulta del Palazzo Comunale.
Mimì Buzzacchi (Medole, Mantova, 1903 – Roma 1990) visse a lungo nel capoluogo estense a seguito del matrimonio, celebrato nel 1929, con il giornalista Nello Quilici, direttore del “Corriere Padano”.
Entrambi furono poi attivi in Libia, chiamati da Italo Balbo, allora governatore della colonia, che costituì in terra africana un “cenacolo” di artisti ferraresi cui fu affidata la decorazione di edifici pubblici e chiese a Tripoli e nei nuovi villaggi agricoli costruiti in prossimità della costa.

Di Funi la mostra presenta un corpus di disegni realizzati negli anni del primo conflitto mondiale, quando l’artista – partito per il fronte nel 1915 con il Battaglione Lombardo Volontari Ciclisti insieme a Marinetti, Boccioni, Sant’Elia, Sironi e Bucci, e nominato l’anno seguente ufficiale nel corpo dei bersaglieri – fu distaccato, in un periodo di frequenti spostamenti, a Caposile, Grave di Papadopopoli e Pesaro. I disegni, esposti un’unica volta a Milano nel marzo del 1997, sono rimasti a lungo nella residenza pesarese della famiglia degli attuali proprietari, cui l’artista stesso li aveva donati. Le opere, nel complesso, rivelano quel cambiamento espressivo che portò Funi a passare da un linguaggio di matrice futurista a forme nitide e precise che di lì a poco connoteranno l’estetica del gruppo di “Novecento”. Sono caratterizzati da un segno grafico duro e da una nuova impostazione espressiva, influenzata dalla coeva svolta primitivista di Carla Carrà, ma ancor più dalle solide volumetrie di Paul Cézanne.

Di Mimì Quilici Buzzacchi si propongono le incisioni raccolte nella cartella Italia Antica e Nuova, pubblicata nel 1939 con prefazione di Ugo Ojetti, in cui l’asciuttezza e il rigore compositivo si fondono con squarci prospettici dinamici in una generale atmosfera misteriosa, rivelando come l’artista avesse correttamente recepito le suggestioni metafisiche di Giorgio de Chirico e le tensioni dell’aeropittura futurista. In mostra sono testimoniati, grazie anche al materiale documentario proveniente dall’archivio dell’artista, i suoi interventi decorativi in Libia, mentre alcuni dipinti di soggetto coloniale, esposti nel 1939 alla Galleria Genova nel capoluogo ligure, restituiscono le impressioni del suo primo soggiorno in Libia nel 1936.

Si ringraziano Antonella Ciullini, Simone e Vieri Quilici, Roberta Miacola.

La mostra si svolge in contemporanea con l’esposizione Una donna tra le due guerre. Mimì Quilici Buzzacchi e l’Italia del ‘900: “Vedute del cuore” tra xilografie, litografie ed ex-libris 1923/1969, Pinacoteca Comunale Carlo Servolini, Collesalvetti, 15 novembre 2018 – 7 marzo 2019, a cura di Francesca Cagianelli.

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Sala Dogana]]>

progetto di Niccolò Masini,
Giulia Crispiani, Luca Carboni
25 ottobre – 11 novembre 2018
 
Sala Dogana

Inaugurazione giovedì 25 ottobre, ore 18
Orario: dal martedì alla domenica, ore 15-20
Ingresso libero

La mostra [Ri]Tornare è una riflessione sul tema del ritorno. Tornare significa avviarsi, essere diretti al luogo da cui si era partiti o da cui ci si era allontanati, rientrare o rimettersi nel luogo da dove si era venuti. Si torna a casa da un viaggio, dopo un’assenza più o meno lunga, si riprende la propria attività. [Ri]tornare è sinonimo di tornare ma meno comune nell’uso familiare, enfatizza l’intervallo di assenza e può implicare una ripetizione. Si ritorna su una questione, o si ritorna in sé. Si ritorna dove si è già stati, spesso con l’idea di periodicità. Ritornare significa anche restituire, intercalare e riprendere.
Se Giulia Crispiani presenta un trittico-tributo a delle figure fondanti del femminismo italiano, Luca Carboni delinea un campo di ricerca storico/geografica allo scopo di sviluppare una lettura critica della relazione fra la Sardegna, le sue coste e il contesto mediterraneo contemporaneo; i lavori di Niccolò Masini invece investigano la natura stessa del concetto di temporalità, presentati attraverso una dimensione specifica, essi tentano di incorporare esperienze passate e future.
Il tentativo è quello di analizzare il concetto di luogo fisico inteso come estensione dello spazio nell’asse temporale, secondo un’immaginaria cadenza cronologica entro la cui cornice ognuno dei lavori presentati appresta una griglia interpretativa per lo sguardo specifico di ogni singolo artista.
Lo spazio, condizionato sempre più da una dimensione temporale accelerata, è ad oggi dimensione emblematica della capacità stessa di auto-comprensione: «viviamo in un momento in cui il mondo si sperimenta, credo, più che come un grande percorso che si sviluppa nel tempo, come un reticolo che incrocia dei punti e che intreccia la sua matassa» (Foucault, 1994).
Consapevoli che la mobilità sia un privilegio confinato a determinati soggetti e geografie, è necessario porsi delle domande per far sì che l’idea di ritorno risulti scevra di romanticismi: che
cosa spinge ad andarsene e cosa stimola il desiderio di ritorno? In che modi si possono attivare esperienze e competenze, sviluppate in anni di studio e vita in contesti e condizioni differenti
rispetto alle realtà da cui si è partiti e in cui si torna? Benché l’asse del ritorno si sviluppi, idealmente, lungo una direttrice passato-futuro, cosa significa rifiutare questa dualità, e la
conseguente idea di progresso, in favore di una lettura che superi la tentazione di trovare facili
soluzioni in un passato perduto da recuperare, o in un futuro inedito da conquistare?
I lavori degli artisti in mostra, sviluppati lungo tematiche indipendenti e parallele, secondo le diverse pratiche artistiche, si pongono come passo intermedio verso la costruzione di un percorso che possa trovare momenti comuni di inserimento e impegno nelle varie realtà di appartenenza,con uno sguardo al tempo stesso locale e forestiero.
Niccolò Masini, Giulia Crispiani e Luca Carboni sono nati e cresciuti in Italia. Dopo un primo percorso di formazione universitaria, decidono di continuare gli studi all’estero. Si incontrano alla Gerrit Rietveld Academie di Amsterdam, dove parallelamente completano percorsi separati, ottenendo un diploma di laurea nel 2015. Dopo varie altre esperienze e percorsi di formazione internazionali, più o meno contemporaneamente maturano la decisione di tornare a vivere e lavorare in Italia.
 

The exhibition [Ri]tornare is a reflection on the topic of return. To return means to go or come back,as to a former place, position, or state; to revert or recur, as in thought, discourse and so on. We return from a trip, after a more or less long absence, we start again with an activity. We return where we have already been, often with the idea of recurrence. To return means also to give back, to intercalate and start again.
Giulia Crispiani presents a tryptic-tribute to fundamental figures of Italian feminism; Luca Carboni binds together some historic-geographical research topics on Sardinia, in order to materialize some problematic aspects of the Mediterranean contemporaneity—removed yet highly influential; Niccolò Masini’s works investigate the nature of temporality, as an attempt to materiality itself, they try to physically re-create a dimension where past and future experience are embodied.
The main focus is to analyze the concept of the physical space intended as a continuation of the temporal axe, according to imaginary intervals. Each of the presented works is an interpretation of this interval.
More and more affected by an accelerated temporal dimension, space is today the emblematic dimension for self-understanding.
Keeping in mind that mobility is a privilege confined to specific subjects and geographies, it is necessary to pose some questions, to liberate the act of return from any kind of romanticism: why do we go away in the first place? Where does the desire to return stem from? In which ways can we reactivate experiences and competences, developed during several years of studies and living in different contests and conditions from the reality we have left behind or we go back to?
Despite the axe of return is ideally placed on the vector past–future, what does it mean to reject this duality and the consequential idea of progress, in favor of a reading that would go beyond finding easy solutions in a past to restore or a future to conquer?
The exhibited artworks are developed along independent and parallel thematics, according to the diverse approaches. They want to be an intermediate step towards the construction of a path, where to find communal moments of engagement in the respective places of belonging, through a local-yet-foreign gaze.
Niccolò Masini, Giulia Crispiani and Luca Carboni were born and raised in Italy. After a first academic experience, they decide to continue their studies abroad. They met at the Gerrit Rietveld Academie in Amsterdam, where they followed separate courses but graduated together in 2015.
After various international experiences, they all decided more or less simultaneously to return to live and work in Italy.

Niccolò Masini nasce a Genova nel 1989. Il suo percorso artistico prende forma nelle aule dello IED di Milano, laureandosi nel 2011 nei corsi di Illustrazione e Animazione. Incomincia così la propria carriera nel mondo dell’arte visuale. La svolta definitiva la compie però trasferendosi in Olanda, dove frequenta la prestigiosa Gerrit Rietveld Academie di Amsterdam, dalla quale si laureerà nel 2015 con una specializzazione in Audio Visual Arts. Durante il periodo alla Rietveld, ha la possibilità di seguire un programma di scambio internazionale alla RMIT University di Melbourne. Vincitore di numerosi premi, concorsi e residenze internazionali, dal 2015 ha iniziato a dedicarsi alla propria ricerca personale, alla quale affianca lavori su commissione. Praticando in tre continenti, il suo lavoro è stato esposto a livello internazionale in paesi come Australia, Canada, Argentina, Olanda, Giappone ed Italia. Ad oggi, vive e lavora tra Genova e Montreal.
IL PENSIERO: Le opere di Niccolò Masini si collocano nel reame della narrazione per immagini e dell’artigianato, ma anche in quello dell’antropologia e poesia. Seguendo una poetica lontana da
un classico susseguirsi del tempo, esse guidano il suo creatore e pubblico attraverso una narrativa estemporanea di metodi, voci, opinioni e prospettive. Mettendo in discussione i ruoli fondamentali e le regole nascoste dentro una definizione odierna del concetto di «cultura», essa trae ispirazione da letteratura, storia, teatro, psicanalisi, e religione. È essenziale conoscere per poter appartenere.
La ricerca visuale di Masini attinge a un flusso creativo che ha radici profonde, un tipo di conoscenza che non può essere trovata unicamente dentro ad un libro. Certe tipologie di apprendimento necessitano di essere vissute, come per afferrare una conoscenza del mondo che si può guadagnare unicamente attraverso l’esperienza, identificandone la forma ed avvicinandosi ad una diversa percezione di noi stessi. Come per diventare parte di un processo che sta all’essenza stessa di quello che siamo in quanto esseri umani, estraniandoci dai preconcetti di tempo e cultura.
 

Giulia Crispiani è artista e scrittrice, e vive e lavora a Roma dove collabora con la redazione di NERO Editions. Si è diplomata in Disegno Industriale alla Facoltà di Architettura Ludovico Quaroni (Sapienza, Roma) nel 2009, per poi trasferirsi in Olanda, dove ha completato un BA alla Gerrit Rietveld Academie di Amsterdam con specializzazione in Ceramica (2015) e un programma extra curricolare in Art & Research con l’Università di Amsterdam (2014). Nel 2017 ha ottenuto la laurea MA al Dutch Art Institute (Artez, Arnhem). Ha partecipato a progetti indipendenti tra Amsterdam, Beirut, Tehran e partecipato alla mostra Coming Soon alla Fondazione Sandretto Re Rebaudengo di Torino (2018).
 

Luca Carboni è un graphic designer, vive e lavora tra Cagliari e Berlino. Nel suo lavoro sviluppa metodi di ricerca storico-geografica e artistica applicati a temi inerenti commistioni fra estetica e politica, intesi come contributo ad una militanza politica. Si è diplomato in Disegno Industriale alla Facoltà di Architettura Ludovico Quaroni (Sapienza, Roma) nel 2010 per poi trasferirsi nei Paesi Bassi, dove ha completato un BA alla Gerrit Rietveld Academie di Amsterdam con specializzazione in Graphic Design (2015) e un MA in Art Praxis presso il Dutch Art Institute (ArtEz, Arnhem) nel 2018. Ha lavorato come stampatore serigrafo in contesti educativi, collaborato e sviluppato progetti di ricerca con diversi artisti sia in Europa (Paesi Bassi, Grecia, Italia) che in Iran e Messico, su temi quali l’autorganizzazione nella modernità capitalista, rendita fondiaria e speculazione, e pratiche di (auto)pubblicazione.

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Appartamento del Doge]]>

Paganini Rockstar
19 ottobre 2018 – 10 marzo 2019, Appartamento del Doge di Palazzo Ducale

Paganini e rockstar sono due parole ardite da accostare, sembrano appartenere a due universi molto distanti tra loro, due storie lontane – nel tempo e nello spazio – che difficilmente possono intrecciarsi.
Eppure Niccolò Paganini, avvolto tutt’oggi nelle nubi fumose di leggende, luoghi comuni e misteri, è un musicista rock, laddove rock vuol dire rivoluzione.
Ciò che Paganini realizzò, nella prima metà dell’Ottocento, fu rivoluzionario: non soltanto sfidò, superandoli, i limiti di ciò che fino ad allora si poteva fare con il violino, ma ridefinì il significato stesso dell’essere musicista.
La scoperta del talento, il virtuosismo, le performance, il look, i tour, la fama, lo scatenamento di fantasie ed entusiasmi del pubblico sono tutti elementi rintracciabili nella vicenda artistica e biografica di Paganini. E, allo stesso tempo, sono tutte storie ricorrenti anche nelle vite delle rockstar di oggi.
Paganini e Hendrix non sono due universi poi così distanti: entrambi furono dei virtuosi, entrambi osannati dalle folle, entrambi legati al proprio strumento – il celebre Cannone e la Fender Stratocaster, considerati in mostra come dei veri e propri oggetti magici – che era di fatto prolungamento della loro anima oltreché del loro corpo.
Le loro storie dunque si intrecciano, ma non solo: la mostra, unendo ai manoscritti originali di Paganini e ai costumi di scena di Hendrix un impianto multimediale di forte impatto, si apre anche alla nostra contemporaneità, chiamando a partecipare le star di oggi.
La performance inedita di Roberto Bolle, realizzata in esclusiva sul Capriccio 24, è la chiave di volta della mostra, la resa visiva del concetto stesso di virtuosismo in una sala immersiva molto suggestiva. Morgan, Salvatore Accardo, Gianna Nannini e Ivano Fossati sono gli altri testimonial d’eccezione che arricchiscono il racconto della mostra con i loro contributi video.
Un racconto che stupisce, conduce dietro le quinte di un teatro e da lì mostra la messa in scena dell’artista, la costruzione del mito.
 
La mostra è curata da Roberto Grisley, Raffaele Mellace e Ivano Fossati con l’allestimento di NEO Narrative Environments Opera di Milano

Informazioni e approfondimenti su www.paganinirockstar.it

[youtube http://www.youtube.com/watch?v=ekiINtOGUh0&w=560&h=315]
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 

Realizzazione video Paolo Micai Videomaker
Si ringrazia lo speaker Maurizio Modica

Inaugurazione

Morgan

Adriano Panatta

Martin Chalfie

Orari
lunedì, ore 14.30 – 19.30
da martedì a domenica, ore 9.30 – 19.30
venerdì, ore 9.30 – 22
La biglietteria chiude un’ora prima

 

Biglietti
intero €12, ridotto € 10
Acquista on line
Acquista on line biglietto open

Prenotazioni
tel: 0292897734
email: gruppi@vivaticket.com

Pacchetto Genova + mostra
Prenotazioni con C-Way

Hotel Amici delle mostre di Palazzo Ducale

I visitatori sono tenuti a lasciare all’ingresso delle zone espositive bagagli e a depositare negli appositi armadietti borse voluminose e zaini.
Negli spazi espositivi e congressuali è inoltre vietato:
- introdurre animali, ad eccezione di quelli utili per accompagnare le persone disabili, e qualunque oggetto che per le sue caratteristiche possa rappresentare un rischio per la sicurezza delle persone, dell’edificio, delle strutture;
- effettuare riprese fotografiche e audiovisive non autorizzate o in deroga con le norme esposte alla biglietteria;
- fumare in tutti i locali della Fondazione;
- usare il cellulare all’interno degli spazi espositivi;
- consumare cibi e bevande.
Altri divieti possono essere imposti in biglietteria o direttamente nelle zone espositive per ragioni di sicurezza
L’intera carta dei Servizi di Palazzo Ducale è consultabile qui

]]> http://www1.palazzoducale.genova.it/paganini-rockstar/feed/ 0 http://www1.palazzoducale.genova.it/primule/ http://www1.palazzoducale.genova.it/primule/#comments Thu, 04 Oct 2018 16:00:55 +0000 http://www.palazzoducale.genova.it/?p=47386 4 - 21 ottobre 2018
Sala Dogana]]>

Silvia Mazzella e Benedetta Boveri
4 – 21 ottobre 2018
 
Sala Dogana

Inaugurazione 4 ottobre, ore 18
Orario: da martedì a domenica, ore 15-20
Ingresso libero

Primule vuole essere un racconto.
Primule è Louisa May Alcott, Alda Merini, Rupi Kaur.
È tutto ciò̀ che ci accomuna e a volte ci allontana.
È un dialogo, fatto di fotografia, scrittura e pittura.
Primule è Diane Arbus e Jane Austen.
È fragilità, forza e bellezza.
Vuole essere un racconto fatto di simbologie femminili,
di crepe e macchie, di animo e pelle.
Vuole essere un racconto delicato,
che ti porta a pensare all’infanzia
e
ai fiori che racchiudono il tuo giardino.

 

Primule nasce a Genova, davanti ad una birra e una coca-cola zero, nel 2016 dalle fotografe Silvia Mazzella e Benedetta Boveri. Entrambe indagano sulla figura della donna: dalla sua bellezza incorniciata dai dettagli del viso, dalle crepe del suo corpo e dalla sua fragilità. Il nome Primule nasce dal fiore che sboccia per annunciare la primavera che si collega alla figura della Venere nel Botticelli: Il mantello rosso che porge alla dea è decorato con primule, rose e rametti di mirto. Primule diventa il nome della ricerca che raffigura la nascita della donna, nell’età adulta, quando si mette a confronto con se stessa e il mondo che la circonda. L’intento del progetto è quello di unire due fotografie per creare un percorso sulla donna attraverso vari mezzi come: Fotografia, Pittura, Scrittura.
Due giovani fotografe, due visioni sulla donna a confronto, per creare una suggestiva visione della realtà femminile, con tutte le sue simbologie e caratteristiche.
Primule vuole essere un dialogo aperto al pubblico, un diario d’infanzia, di perdita e di rinascita.
La giovane curatrice Virginia Lupo e Sofia Torre, giornalista freelance, hanno accompagnato Primule con i loro testi. Giovanissime e caparbie hanno interpretato Primule con due stili differenti e coinvolgenti. Da una parte lo spettatore è accompagnato alla visione delle immagini dall’altro è invitato a riflettere su alcuni concetti come nel testo ‘ Il diritto di essere una donna che dà fastidio’ di Sofia Torre.
Per rendere la mostra più dinamica e partecipativa, si è deciso di dedicare uno spazio del progetto alla libera interpretazione. Abbiamo selezionato 9 autori che hanno realizzato la propria visione Primule. Dal dipinto ad olio a quello ad acquarello, dalla fotografia sperimentale alle parole scritte nero su bianco. Ogni mezzo ha lo stesso valore e la stessa valenza. Gli autori hanno affrontato il tema della femminilità, riflettendo sull’identità legata all’eredità famigliare e culturale, al taboo, all’iconografia greca, alle osservazioni più intime che prendono forma in maniera sfrontata, delicata e realistica. Autori: Andy Mcfly, Arianna Maestrale, Caterina Lorenzetti, Caterina Scolari, Chiara De Maria, ERRESULLALUNA+ChuliPaquin, Jessica Morichi, Martina Nai Fovino e Tatiana Minelli.
Durante l’esposizione sarà possibile visionare e acquistare il catalogo Primule in 30 copie limitate e firmate dalle autrici.

Primule wants to be a storytelling.
Primule is Louisa May Alcott, Alda Merini, Rupi Kaur.
It is everything that brings us together and sometimes takes us away.
It is a dialogue, made of photography, writing and painting.
Primule is Diana Arbus and Jane Austin.
It is fragility, strength and beauty.
It wants to be a story made of female symbols,
of cracks and stains, of soul and skin.
It wants to be a delicate story,
that leads you to think about childhood
and
flowers that enclose your garden.
 
Primule was conceived in Genoa in 2016 by the photographers Silvia Mazzella and Benedetta Boveri. Both investigate the image of woman: from her beauty, framed in the details of her face and by the cracks in her body to her fragility. The title Primule is referred to the flower which blooms announcing the arrival of spring, connected to the figure of Venus in Botticelli:
in the right side of the panting, spring season is approaching on the jagged coast of the island. The red cloak given to the goddess is decorated with primroses, rose and myrtle branches. Primroses becomes the name of the quest that depicts the birth of a woman, in adulthood, when she is confronted with herself and the world around her. The aim of the project is to combine two pictures in order to create a path through various means, such as photography, painting and writing.
Two young photographers, two visions on the woman in comparison, to create a suggestive vision of the female reality, with all its symbols and characteristics. Primule wants to be a dialogue open to the public, a diary of childhood, loss and rebirth.
The young curator Virginia Lupo and freelance journalist Sofia Torre have accompanied Primule with their writing. Young and determined they have interpreted Primule with two different and involving styles. On one hand the viewer is driven to observe the images and on the other
hand he is invited to think about ideas from the text ‘ Il diritto di essere una donna che dà fastidio’ by Sofia Torre.
Primule intends to be a dynamic and participatory exhibition. For this reason we selected 9 under 30 artists. They realised their own visions on Primule. Ranging from oil painting to watercolour, from experimental photography to words put on paper. Every tool has its own importance. The authors dealt with the theme of femininity, reflecting on cultural and family identity, on taboos, on Greek iconography, on intimate visions which take shape in a powerful, gentle and realistic way. Artists: Andy Mcfly, Arianna Maestrale, Caterina Lorenzetti, Caterina Scolari, Chiara De Maria, ERRESULLALUNA+ChuliPaquin, Jessica Morichi, Martina Nai Fovino e Tatiana Minelli.
During the exhibition you can buy the catalog of Primule in 30 limited copies signed by the artists.

Silvia Mazzella, 1993, Genova
Benedetta Boveri, 1992, Genova
Virginia Lupo, 1991, Genova
Sofia Torre, 1991, Bologna
 
A cura di / Curated by
Silvia Mazzella
Coordinamento/ Coordination
Virginia Lupo
Fotografie / Photography
Silvia Mazzella
Benedetta Boveri
Testi / Texts
Virginia Lupo
Sofia Torre
Silvia Mazzella

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Ducale Spazio Aperto
Fuori Salone Nautico, mostra a cura di Virginia Monteverde ]]>

Ducale Spazio Aperto per
il Fuori Salone Nautico
dal 15 al 25 settembre 2018
Sala Ducale Spazio Aperto

Aperta tutti i giorni dalle 11 alle 13 e dalle 15.30 alle 19
Ingresso libero
Inaugurazione il 15 settembre alle 18.30

ART Commission Events presenta la mostra Intelligenze marine con opere di: Gabriele Buratti, Gregorio Giannotta, Giuseppe La Spada, Alessandra Politi Pagnoni.Diverse le tecniche utilizzate dagli artisti che attraverso la propria arte indagano le bellezze del mare e dei suoi abitanti. Messaggio comune: vivere il mare rispettando le sue regole.
A cura di Virginia Monteverde

Opera di Gabriele Buratti, codiuvatore ambientale

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Sala Dogana]]>

Progetto di Luca Arboccò
a cura di Fabio Vito Lacertosa
13 – 30 settembre 2018
 
Sala Dogana

Ianugurazione 13 settembre, ore 18
Orari: 15-20 dal martedì alla domenica
Ingresso libero

Luca Arboccò mette al centro della sua indagine la pittura. Un’indagine arguta ma anche appassionata, colta contemporaneamente da pittore e da studioso.
Se è vero, secondo il pensiero dell’artista genovese, che tutta la storia della pittura è storia dello scarto – nel senso del divario che separa la rappresentazione e l’oggetto di riferimento (sia esso fisico o concettuale) – è anche vero che tutta la storia della pittura, in quanto eterna variazione sul tema della mimesi, finisce per divenire una sorta di enciclopedia di aneddoti sul “realismo”, cioè la pubblica sfida sui procedimenti, le tecniche e i segreti per ricreare sulla tela la metafisica della realtà.
 
Le opere in mostra negli spazi di Sala Dogana si presenteranno come frutto di una ricerca a metà tra l’evocazione dello stupore e della disillusione, tra tensione e fallimento, in una dialettica della visione che è la sfida di richiudere il campo visivo entro i limiti di una soluzione formale che sia credibile, accettabile, convincente.

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Loggia degli Abati]]>

Fulvio Roiter, Fondamenta delle Zattere 1965 © Fondazione Fulvio Roiter

Fulvio Roiter
Fotografie 1948-2007
8 settembre 2018 – 24 febbraio 2019, Loggia degli Abati

150 fotografie, per la maggior parte vintage, raccontano l’intera vicenda artistica del fotografo veneziano Fulvio Roiter, scomparso il 18 aprile 2016.
L’esposizione, curata da Denis Curti, resa possibile grazie al prezioso contributo della moglie Lou Embo, farà emergere attraverso circa 150 fotografie, la maggior parte vintage, tutta l’ampiezza e l’internazionalità del lavoro di Fulvio Roiter, collocandolo tra i fotografi più significativi dei nostri giorni. Partendo dalle origini e dal caso che hanno determinato i primi approcci di Roiter alla fotografia, nel pieno della stagione neorealista, di cui il fotografo veneziano ha ereditato la finezza compositiva, il percorso racconta gli immaginari inediti e stupefacenti che rappresentano Venezia e la laguna, ma anche i viaggi a New Orleans, Belgio, Portogallo, Andalusia e Brasile. Ne derivano 9 sezioni, ciascuna espressione di uno specifico periodo della vita e dello stile di Roiter: L’armonia del racconto; Tra stupore e meraviglia: l’Italia a colori; Venezia in bianco e nero: un autoritratto; L’altra Venezia; L’infinita bellezza; Oltre la realtà; Oltre i confini; Omaggio alla natura; L’uomo senza desideri.

Promossa dalla Regione Liguria, dal Comune di Genova e da Palazzo Ducale Fondazione per la Cultura, la mostra è organizzata da Civita Mostre in collaborazione con i Tre Oci, ed è accompagnata da una pubblicazione edita da Marsilio.

Anteprima stampa in collaborazione con

  

Inaugurazione

Loggia degli Abati,

Palazzo Ducale
piazza Matteotti, 9
16123 Genova
www.mostrafulvioroiter.it

Orari

Da martedì a domenica, ore 10-19.
Lunedì chiuso
La biglietteria si trova all’ingresso della mostra, nella Loggia degli Abati, piazza Matteotti 9.
Chiude alle ore 18
 
25.12 chiusa
26.12: ore 10 – 19
31.12: ore 14.30 – 02.00
La biglietteria chiude un’ora prima

Biglietti

10€ intero, 8€ ridotto, 5€ ridotto ogni venerdì per giovani dai 15 a 27 anni; ridotto tesserati CUS, tutti i pomeriggi feriali dalle ore 14; 3€ ridotto speciale ridotto speciale scuole e bambini dai 6 ai 14 anni.
Acquista on-line il biglietto
Acquista on-line il biglietto Open

I visitatori sono tenuti a lasciare all’ingresso delle zone espositive bagagli e a depositare negli appositi armadietti borse voluminose e zaini.
Negli spazi espositivi e congressuali è inoltre vietato:
- introdurre animali, ad eccezione di quelli utili per accompagnare le persone disabili, e qualunque oggetto che per le sue caratteristiche possa rappresentare un rischio per la sicurezza delle persone, dell’edificio, delle strutture;
- effettuare riprese fotografiche e audiovisive non autorizzate o in deroga con le norme esposte alla biglietteria;
- fumare in tutti i locali della Fondazione;
- usare il cellulare all’interno degli spazi espositivi;
- consumare cibi e bevande.
Altri divieti possono essere imposti in biglietteria o direttamente nelle zone espositive per ragioni di sicurezza
L’intera carta dei Servizi di Palazzo Ducale è consultabile qui

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Sala Liguria]]>

Ai margini del bianco
Mostra personale di Antonio Pedretti
1 – 23 settembre 2018
Sala Liguria
 
a cura di Angelo Crespi

Inaugurazione sabato 1 settembre, ore 18
Orari: da lunedì a venerdì, ore 9-19
sabato e domenica ore 11-18
Ingresso libero

La Società Promotrice delle Belle Arti della Liguria e la galleria MAG di Como presentano da sabato 1 a domenica 23 settembre 2018, la mostra personale del Maestro Antonio Pedretti dal titolo Ai margini del bianco.
All’inaugurazione di sabato 1 settembre alle ore 18 parteciperanno il Maestro Antonio Pedretti e Angelo Crespi, per l’intervento curatoriale.
La galleria MAG è orgogliosa e grata di poter presentare al pubblico ligure in una sede così prestigiosa e centrale, il nuovo progetto artistico del Maestro Antonio Pedretti, artista internazionale e caposcuola del genere paesaggistico, uno dei soggetti artistici più strettamente legate alle fondamenta della cultura occidentali, ma espresse con il suo personale atteggiamento contemporaneo e informale.
 
Antonio Pedretti nasce a Gavirate (VA) nel 1950, frequenta la Scuola di pittura del Castello Sforzesco e l’Accademia di Brera, abbandonata nel 1972 perché si sentiva in disaccordo con le correnti artistiche dell’epoca, spazialismo e concettuale in primis, avendo nelle sue corde più intime, il bisogno di far emergere dai suoi dipinti, un’immagine che solletichi i ricordi delle persone.
A 16 anni la sua prima personale alla galleria Ca’ Vegia di Varese e ora dopo più di 50 anni di carriera, il suo curriculum può vantarsi di esposizioni e progetti artistici in alcuni tra i luoghi più celebri di tutto il mondo.
Nello Spazio Liguria all’interno di Palazzo Ducale di Genova, l’artista lombardo, ma ligure di adozione perché da 20 anni vive gran parte dell’anno a Varigotti nel Finalese, presenta un progetto nuovo, o, se vogliamo, l’evoluzione di un concetto già espresso nei sui famosi bianchi.
Come scrive giustamente il curatore Angelo Crespi, « Tutto quello che avviene nella pittura di Pedretti sta dunque ai margini del bianco. I suoi panorami estesi, o le micro vedute, principiano dal bianco e nel bianco sembrano doversi sgretolare; e uno dopo l’altro nella loro approssimazione a un ideale, nel loro approssimarsi, compongono il paese, la patria del pittore. »
Attraverso queste nuove 20 opere, quasi tutte di grandi dimensioni, il Maestro Antonio Pedretti vuole focalizzare l’attenzione del pubblico su tre aspetti fondamentali: I margini, intesi come esterno a qualcosa, ma che in realtà sono centrali alla vita, la tecnica e l’emozione della memoria.
Come scrive nuovamente il curatore Angelo Crespi: « Il termine “margine” porta con sé numerosi significati: dal punto di vista topografico indica la periferia, dal lato esistenziale connota la marginalità di una cosa che non significa, si badi, la sua inutilità, piuttosto lo stare a lato, distaccata, una sorta di sprezzatura etica. Ma il margine può essere considerato anche una soglia da attraversare, un bordo che delimita un campo, un foglio, appunto una tela, un bordo da oltrepassare, e in questo senso si può capire che il margine sia in fin dei conti, almeno in campo geometrico, una semplice linea il cui spessore però non è dato conoscere ».
È periferico ciò che sta intorno a qualcosa di centrale, delle zone marginali, e talvolta viene usato anche come aggettivo negativo, invece il Maestro Pedretti ribalta tutto offrendoci quella che è la periferia della natura, i margini più incontaminati, proprio quei luoghi dove l’essere umano è meno presente e quindi più puri. Nella serie di 12 opere verticali e allestite come una serie di frame cinematografici una accanto all’altra, l’equilibrio di forze della natura è il filo conduttore, dove la morsa della neve scesa dall’alto, si contrappone alla forza ascensionale della rigenerazione della natura e degli alberi.
La morsa della neve non è meno potente della forza della materia, dove la pittura è macerata, rigirata e impastata direttamente sulla tela, che si contrappone alla linearità della carta inserita come se fosse materia pittorica. La pittura è il vero protagonista, la vera pittura, fatta di passione e di carattere, di immagine e di racconto, a volte solo celato che conduce il fruitore a ricordi primitivi e personali.
Salvatore Marsiglione

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Sala Dogana]]>

Progetto di Paolo Tarsi
a cura di Veronica Grozio
12 – 29 luglio 2018
 
Sala Dogana

Ianugurazione 12 luglio, ore 18
Orari: 15-20 dal martedì alla domenica
Ingresso libero

L’esposizione anticipa l’uscita di A Perfect Cut in the Vacuum, il nuovo album del musicista, compositore e produttore Paolo Tarsi, frutto della collaborazione con figure di primo piano provenienti da formazioni di culto quali Kraftwerk, Tangerine Dream, Neu!, King Crimson, Afterhours, Tuxedomoon, Ulan Bator, Henry Cow, National Health, fino a stretti collaboratori di David Bowie, Brian Eno, Bryan Ferry (Roxy Music) e di band come Radiohead, Faust e Soft Machine.
La mostra, che verrà inaugurata con un live dello stesso musicista, racchiude partiture grafiche del compositore senigalliese così come video-opere, artwork e videoclip realizzati da artisti di fama internazionale per accompagnare la sua musica. Tra questi l’ex Kraftwerk Emil Schult (Elektric Music, Coldplay), Roberto Masotti (Cramps Records, Ecm), Luca Domeneghetti, Emiliano Zucchini, Roberto Rossini e Ahmed Emad Eldin, autore della cover dell’album The Endless River dei Pink Floyd.
 
Il Concept
«Si fa presto a dire che la musica su supporto fisico è morta. Continue ristampe, per non parlare poi della rinascita del vinile, ci propongono un’overdose di nuove uscite discografiche in vari formati. Più musica di quanta potremmo mai non solo ascoltare, ma persino prendere in considerazione. Ed è paradossale avere a disposizione – gratuitamente! – un’offerta così ampia in un momento in cui abbiamo perso quasi completamente la capacità di dedicarci all’esperienza dell’ascolto senza fare altro. Perché, se ci si fa caso, il massimo che riusciamo a concederci è un sentire distratto, quasi pornografico, dove i tempi di valutazione di un nuovo brano durano meno di un clic per una preview.
Ed ecco il punto. Non siamo più padroni di niente – si può possedere uno streaming? – ma semplici utenti di un mercato bulimico che sta sostituendo la qualità con la quantità. Ed è bene chiarirlo una volta per tutte: ciò che in rete è gratuito ha in realtà un prezzo molto alto. Nell’epoca della sharing economy a pagare il conto sono i musicisti stessi, in un quadro ben più ampio che ha colpito duramente estese fasce e varie categorie di lavoratori. Volendoci limitare al nostro settore, accade così che i padroni della rete si impossessano di qualcosa creato da altri, gli artisti, senza condividere equamente con quest’ultimi i propri profitti.
La musica nella sua forma liquida è utilissima se affiancata al formato fisico, quasi inutile e persino dispersiva, per via della sua inconsistenza, se isolata da quest’ultimo. Perché un file nella nostra memoria dura meno di un respiro. Stringere tra le mani un disco vero, vederlo davanti a sé, aiuta invece a ricordare ciò che esso contiene. Certo, non sono mancati passi falsi in questo cammino. Da quando negli anni Ottanta si è deciso di trasferire la musica dal vinile al Cd, si è privilegiato un supporto fragile, venduto inizialmente a un prezzo molto più alto benché gli oneri di produzione fossero minimi rispetto a quelli del vinile. Inoltre la possibilità di scorporare ed estrapolare le singole tracce ha dato impulso al fenomeno della libera condivisione in rete di dati digitali tramite programmi di file sharing come Napster o software open source quali eMule, segnando un punto di non ritorno. È anche vero però che la tecnologia ha introdotto una grande libertà per tutti di esprimersi e l’opportunità di produrre in casa dei progetti in una maniera impensabile fino a non molto tempo fa. Lo si vede non solo nella musica, ma anche nei video e nella fotografia, dove se fino all’altro ieri erano indispensabili attrezzature costose e una certa competenza, oggi ‘basta’ un telefonino. Dal lato inverso, è altrettanto vero come tutto questo abbia generato probabilmente più proposta che richiesta, lasciando molti fruitori quantomeno disorientati.»
dalla prefazione al libro “L’algebra delle lampade” (Ventura, 2018) di Paolo Tarsi
 
Biografia
Paolo Tarsi (Senigallia, 1984) è autore di musica elettronica e cameristica, scrive per il teatro e la video-arte lavorando regolarmente con film-maker, gallerie e musei d’arte contemporanea. Dopo gli studi di pianoforte, organo e composizione, nel 2012 consegue il Certificate of Advanced Studies (CAS) in musica elettronica e sound design presso il Conservatorio della Svizzera Italiana di Lugano, in collaborazione con il MAXXI di Roma. Si specializza quindi nella composizione con il premio Oscar Luis Bacalov e pubblica l’album “Furniture Music for New Primitives” (Cramps/Rara, 2015), accolto unanimemente dalla critica come uno dei dischi più belli di quell’anno, seguito dall’Ep “Petite Wunderkammer” (Coward, 2016) e “Loops in Cage” (Bau, 2017).
Apprezzato da Rado ‘Bob’ Klose dei Pink Floyd e da Klaus Röder dei Kraftwerk, collabora con il chitarrista Paolo Tofani nel progetto AREA Open Project, con musicisti provenienti dall’avanguardia colta, così come dalla scena elettronica, jazz e rock (Esecutori di Metallo su Carta, Robin “Scanner” Rimbaud, Fauve! Gegen A Rhino, Area International POPular Group, Andrea Tich, Calibro 35, Litfiba, CCCP, CSI, Diaframma).
Le sue composizioni sono state eseguite in luoghi di culto della musica contemporanea come lo Spectrum di New York e ha realizzato musiche per video-opere e installazioni presentate al Musma di Matera, alla Herbert Art Gallery & Museum di Coventry (UK) e all’ultima edizione dell’Athens Digital Arts Festival. Suoi articoli di carattere musicologico sono apparsi su pubblicazioni specialistiche e ha svolto attività di critico musicale per numerose testate (tra cui “Alfabeta 2”, “Artribune” e “Il giornale della musica”). Nel 2018 ha raccolto i suoi scritti in un libro dal titolo “L’algebra delle lampade”, edito da Ventura. Tra il 2014 e il 2015 ha curato la rassegna di musica e arte contemporanea “Contemporary Jukebox”. Attualmente sta ultimando al Farmhouse Studio di Rimini l’atteso ritorno discografico con un doppio album, dal titolo “A Perfect Cut in the Vacuum”, in uscita per la sua nuova etichetta Anitya Records e distribuito da Acanto.
 
info Paolo Tarsi
Facebook: @Alisnontarsis / @Algebradellelampade
Twitter: @Alisnontarsis
YouTube: Paolo Tarsi / Alis non tarsis

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Sottoporticato]]>

mostra fotografica per i 70 anni di Costa Crociere

 

martedì – domenica, ore 10-20
giovedì, ore 10-22
Ingresso libero
sabato 18 agosto la mostra sarà chiusa fino alle ore 15, in rispetto del lutto nazionale proclamato per la tragedia del ponte Morandi

Costa Crociere festeggia i suoi 70 anni di storia a Genova con un progetto speciale in collaborazione con il celebre fotografo Oliviero Toscani.
La mostra, realizzata con il patrocinio della Regione Liguria, la co-organizzazione del Comune di Genova e in collaborazione con Canon Italia come digital imaging partner, è dedicata alla felicità e raccoglie oltre 150 fotografie “rubate” da Oliviero Toscani a bordo di Costa Pacifica, nel corso di una crociera ai Caraibi partita lo scorso 31 marzo, giorno del compleanno di Costa che proprio il 31 marzo del 1948 iniziava il proprio viaggio con la nave “Anna C.”.
Scrive Flavio Arensi, curatore della mostra:

Non c’è cosa più poetica di un ladro di sguardi, di chi riesce a rapire l’emozione di qualcosa che accade e subito scompare perché chiusa nell’espressività del momento. Così Oliviero Toscani si è mosso fra gli ospiti croceristi, con l’attenzione e il rispetto che si deve a chi è impegnato nel mettere fra parentesi il mondo per godersi in relax la famiglia, gli amici, la compagnia di chi ama. La mostra che ne deriva è un legame di sentimenti, non di sentimentalismi, dove la felicità è nel condividere una relazione. Capace di guardare alle situazioni oltre i ritratti dei protagonisti, Toscani racconta un luogo di intimità, ma lo rende capace di essere qualcosa che travalica le persone e diviene, furtivamente, una possibilità di tutti. Oltre cento fotografie, di cui Toscani è regista e insieme consumatore, sono un viaggio fra le persone ma anche un ideale grammatica della fotografia, perché mette in luce la novità del linguaggio di Toscani che dalla pubblicità alle campagne sociali riesce a rendere il mezzo non una espressione tecnica, ma un pensiero di vita. Ladro sì, ma un ladro che sa sempre dare dignità e fondamento a ogni immagine, perché non basta rappresentare il mondo, ma bisogna anche presentarlo

In esposizione anche alcune immagini realizzate dagli ospiti di Costa Pacifica che hanno partecipato a una serie di workshop tematici condotti da Toscani e dai suoi collaboratori durante la loro permanenza a bordo, con il contributo di Canon Academy. Nella prefazione del catalogo, edito da Mondadori Electa, Philippe Daverio propone in questo senso una lettura di Toscani come maestro:

Un vero maestro si rivela nella capacità di formare discepoli. Ad Oliviero è capitata questa curiosa avventura: ha messo i piedi sul ponte della Costa Pacifica ed è diventato marinaio subito, anche se nato un po’ di tempo fa a Milano. Ma il marinaio è rimasto comunque l’Oliviero fotografo. Ha contagiato gli ospiti con la sua passione professionale: si sono messi tutti a fotografare. È diventato il loro guru. La vita di bordo infatti, essendo estranea alla vita di tutti i giorni, porta in una dimensione psicologica di assoluta libertà mentale, la più adatta al viaggio non solo fra le acque ma anche nella propria fantasia. E le fotografie dei discepoli si sono così mescolate con quelle del maestro in una curiosa autenticità emotiva: non è affatto facile distinguere a prima vista le une dalle altre. Poi l’occhio critico inizia il suo percorso d’indagine e riscopre le differenze, accomunate però dalla medesima celebrazione della felicità, quella a sua volta contagiosa che ci porta, vedendole, a sorridere da complici.

Inaugurazione

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Ducale Spazio Aperto]]>

Tutti per uno…
mostra mercato a favore di AIRC
22 – 30 giugno 2018, ore 10-19
Ducale Spazio Aperto

Inaugurazione 22 giugno 2018, ore 17.30

Oretta Cassisi, nata a Fiume nel 1936, è attiva a Genova. Di formazione pittorica e grafica, l’ artista ha sviluppato una notevole capacità nel collage, negli interventi ad acrilico su fondi di giornale e di carta da imballo, nel ricorso a materiali industriali, impiegati anche nei cantieri edili cittadini.
Il suo immaginario è popolato di cavalli mitologici, templi, colonnati, archivolti, arene che popolano le sue grandi carte, dall’esasperato sviluppo orizzontale o verticale. L’ artista percorre lo skyline delle città d’ arte, prolungandolo nel tempo e nello spazio, quasi fosse, nelle sue mappe dai forti contorni azzurri, rossi e neri, una composizione musicale. Sensibile al segno, al gesto e alla materia, Oretta Cassisi talvolta inserisce nelle sue tecniche miste elementi scritturali.

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Sala Dogana]]>

Progetto fotografico
di Giancarlo Colloca
21 giugno – 8 luglio 2018
 
Sala Dogana

Ianugurazione 21 giugno, ore 18
Orari: 15-20 dal martedì alla domenica
Ingresso libero

[ passo.
e nel mio passare, passo per momenti in cui la sagoma del passante, l’altro, si scaglia dritta contro la coda dell’occhio, il mio. l’ombra dell’ignaro diventa un nero nucleo gravitazionale che inesorabilmente attira a sé le mie orbite oculari e in pochi istanti tutto me stesso. tutto fino all’obiettivo che mi porto dietro e che nel suo frapporsi eroico tra la mia e la faccia buia dell’altro, riesce a interrompere la mia deriva inerme verso l’ignoto tizio profondo.
la presenza controluce di un altro mi prende sempre in controtempo, mi smarrisce dalla mia strada per orientarmi ai suoi passi, alle luci verso cui cammina e all’ombra propria, esposta senza riserbo e senza contezza. senza riguardo continua il suo percorso, gli basta un passo per uscire dal mio campo visivo. Un batter d’occhio e scompare oltre l’orizzonte degli eventi, assorbito dal buio.
eccolo. passa. ]
 
BuchiNeri è un lavoro fotografico che mette a fuoco la presenza umana per le galassie urbane. La comparsa di una sagoma eretta controluce attrae l’occhio e la lente del fotografo con la forza magnetica di un buco nero. La silhouette scura e sinuosa del passante vive del contrasto con le geometrie metropolitane che abita. Essa è espressione di una costante ricerca dell’essere umano e del suo rapporto con la città di cui è anima e definizione.
 
Giancarlo Colloca è un artista poliedrico che opera e spesso mescola fotografia, musica, grafica, disegno, pittura, teatro. Nella sua ricerca puramente fotografica c’è la voglia di percepire il mondo il più a fondo possibile, di farlo suo nei dettagli, di astrarre e decodificarne i sistemi che lo reggono, sia nella quotidianità delle piccole cose che nella diversità della vita che scopre viaggiando.
I suoi scatti cercano l’anima delle cose e il senso profondo dell’essere umano, raccontandoli attraverso bellezza e bizzarria, emozioni e contraddizioni, spesso filtrate da un’indispensabile ironia.
Fotografie di Giancarlo Colloca hanno ottenuto premi e copertine di libri e sono state esposte in Italia, Svizzera, Russia, Finlandia, USA, Francia.

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Sala Liguria]]>

Bruno Liberti e gli amici poeti
8 – 21 giugno 2018
 
Sala Liguria

Orari: da lunedì a venerdì, 10-18
sabato, domenica e festivi 15-18
Ingresso libero

La mostra prende spunto da uno scritto del poeta e drammaturgo Vico Faggi, dedicato al rapporto trentennale con il pittore. Nel percorso espositivo le poesie di Faggi, e di altre personalità intellettuali vicine al pittore – quali Luciano Caprile, Silvio Riolfo Marengo, Guido Zavanone, Elio Andriuoli, sono affiancate ad opere di Liberti ad esse ispirate o che hanno esse stesse ispirato i componimenti poetici nel corso del tempo.

“Come la pittura, così è la poesia”, scriveva Orazio

Con la medesima metafora Vico Faggi (magistrato, poeta, drammaturgo di spicco a Genova negli ultimi 30 anni del secolo scorso ) intitola uno scritto in cui descrive il proprio rapporto con il pittore Bruno Liberti, conosciuto nel 1973 ad una mostra:

Mi parve che tra le immagini che egli fissava sulla tela e quelle che andavo vagheggiando nei miei versi ci fosse una fondamentale analogia. In queste immagini (…) c’è il desiderio e l’esigenza di trascenderlo nell’appagante sicurezza della forma definita. Da ciò la plasticità delle figure di Liberti, da una lato, e, dall’altro, l’uso di determinate forme chiuse, di tradizione classico – ellenistica, che ricorrono nella mia poesia.

Vico Faggi quindi, come osservato da Maria Teresa Orengo in una recente conferenza dedicata proprio al rapporto tra i due artisti, trovò in Liberti un sodale nel mantenere aperto il solco della tradizione della forma classica, sebbene attualizzata, in anni in cui le arti tendevano ad abbandonarla, puntando alla concettualizzazione e a nuovi strumenti espressivi.
La trentennale relazione fra Faggi e Liberti, fatta di lettere scambiate, lunghe e frequenti telefonate, discussioni in studio, nel tempo coinvolse nel gioco poetico-artistico altre personalità di intellettuali (oltre che altri pittori): giornalisti e critici d’arte, come Luciano Caprile, accompagnatore di gran parte della carriera artistica ed espositiva di Liberti, e Silvio Riolfo Marengo, e naturalmente poeti, quali Guido Zavanone ed Elio Andriuoli.
 
La mostra presente vuole offrire un saggio di questo gioco, semplicemente giustapponendo, alle opere di Liberti, le poesie alle quali furono ispirate o, al contrario, furono di ispirazione. Naturalmente il gruppo più cospicuo di opere e poesie è rappresentato da ciò che produsse il rapporto più lungo e profondo, quello fra Faggi e Liberti, ma non mancano testimonianze delle iniziative che coinvolsero tutti gli attori del gioco.
Nel reiterarsi di certi spunti formali, nelle loro varianti, nel loro fissarsi nell’olio o nell’incisione, troveremo l’eco di ciò che accomuna il pittore e il poeta e che la fissità della poesia sulla pagina stampata ci fa dimenticare: il fare, disfare e rifare, quasi infinito, che occorre loro per arrivare ad una creazione ultima.
Pittura e poesia in definitiva si somigliano nel loro farsi e, letteralmente, hanno la propria radice, non solo etimologica, nel “fare”, poiein in greco antico.
“Ut pictura poesis”, infatti, scriveva Orazio.

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Sala Dogana]]>

1 – 17 giugno 2018
Sala Dogana

Esposizione collettiva
a cura di Emiliano Montermini
 
Inaugurazione 31 maggio, ore 18.30
 
Orario: dal martedì alla domenica, ore 10-19
 
ingresso libero

Il Festival B#Side War torna a Genova, con una proposta significativa per la città: a partire dal 31 maggio 2018, presso Sala Dogana a Palazzo Ducale, sarà visitabile la suggestiva mostra Vanitas, parte della quarta edizione della rassegna, che quest’anno, prima di fare tappa nello storico capoluogo ligure, ha toccato città quali Chicago, Kansas City, Windohek e Copenaghen.
 
La mostra nasce con la volontà di indagare le rappresentazioni contemporanee dell’iconografia della caducità, attraverso molteplici piani di lettura: la fragilità dell’essere umano – storicamente oggetto iconografico in tempo di guerra – hanno trovato espressione anticamente nel Memento Mori romano, e poi nella simbologia della Vanitas, alle porte della sanguinosa guerra dei trent’anni. Il XVII secolo è stato l’apice di questa produzione artistica, creando una costellazione di simboli della caducità e dell’impermanenza, quali candele spente, teschi, nature morte. La fragilità dell’esistenza diventa, quindi, un medium per comunicare i pericoli e la tragedia della guerra, ma in un’ottica né violenta, né aggressiva, bensì mistica e riflessiva.
Genova nello stesso secolo stava vivendo l’apice della sua floridità (el siglo de los genoveses) che terminerà, di fatto, con il bombardamento della superba ad opera della marina francese, con i civili che saranno vittime e obiettivi in prima persona del conflitto, in una dimensione terribilmente simile ai conflitti moderni.
La guerra, le sue tragedie e le riflessioni che hanno suggerito all’essere umano sono al centro di questa mostra, che utilizza il medium dell’arte contemporanea per comunicare alle nuove generazioni che cosa abbia significato il conflitto nel passato e cosa significhi ancora ai giorni nostri.
Nel contemporaneo, momento di transizione non privo di violenza, la rappresentazione della fragilità ci restituisce nuovi significati grazie alle opere di artisti internazionali: opere pittoriche, video e installative che si rifanno ad un immaginario fortemente ancorato nella memoria collettiva, esplorando simboli antichi in chiave attuale.
La fugacità dell’esistenza umana, trova dunque nuove rappresentazioni nei materiali di volta in volta impalpabili o pesanti, nei linguaggi intangibili o concreti che la mostra propone, invitando ad una riflessione suggestiva e simbolica sui concetti di memoria e di ricostruzione identitaria (evidenziati anche dal gesto della cancellazione, dalla polvere, dal lento dilavarsi dei contorni).
 
La mostra si avvale della collaborazione dell’associazione Riprendiamoci Genova, e si svolge con il patrocinio della città di Genova e dell’Unesco.
 
In mostra, opere di:
Nathalie Vanheule (Belgio) Lorenzo Bordonaro (Italia-Portogallo), Coral Woodbury (Stati Uniti), Carola Minicleri (Italia), Boris Beja (Slovenia), Juan Alberto Negroni (Portorico), Angela Loydd (UK), Cosima Montevoci (Italia).
 
Per il vernissage, un aperitivo primaverile e il racconto dell’esperienza degli artisti, giovedì 31 maggio alle ore 18.30 presso la Sala Dogana

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26 maggio – 2 giugno 2018
Sala Liguria
 
lunedì – venerdì, ore 9-19
sabato e domenica, ore 15-18

Inaugurazione 26 maggio, ore 16

Guarda la locandina

Una mostra organizzata da Arcigay Genova, in collaborazione con Gloria Viale, Vito Fusco e Luca Locati Luciani. Suddivisa in due sezioni, la mostra presenta fotografie e materiale editoriale, dalle prime pubblicazioni scientifiche del 1870, passando per il periodo di silenzio nazista sino al movimento di liberazione omosessuale del 1969 con i moti di Stonewall.

Stonewall: The Temple
Fotografie di Vito Fusco, mostra a cura di Gloria Viale
Stonewall: The Temple è il progetto fotografico di Vito Fusco, nato per caso durante la settimana precedente al Gay Pride di New York nel 2016. Le immagini sono state scattate nello storico locale omosessuale Stonewall Inn di New York, scenario di importanti battaglie affrontate dal mondo LGBTQ dagli anni ’60 ad oggi.
La storia fotografica si basa principalmente sui ritratti delle persone incontrate nel bar, ritratti che, sempre secondo l’autore, sono la chiave del lavoro: “Le persone fotografate appartengono a diversi generi sessuali, spesso non chiaramente identificabili dalle foto e questo è uno dei punti fondamentali: la differenza di genere è e deve essere del tutto irrilevante; nelle foto ci sono esseri umani!”.
Partendo da questo punto, ci si potrà immergere nelle immagini e riflettere su un argomento che è molto discusso.
Le 16 immagini esposte sono una selezione di quelle raccolte nel libro fotografico intitolato Stonewall: the Temple, patrocinato da Amnesty International Italia e FIOF, che sarà in vendita il giorno dell’inaugurazione della mostra.
 
Vito Fusco, studia fotografia allo IED di Milano, frequenta workshop in Italia e all’estero con fotografi di fama internazionale e la sua ricerca la porta a dedicarsi alla street photography e alla fotografia documentaria.
Vince numerosi premi e nel 2017 ha la menzione d’onore FIIPA AWARD 2017 nella categoria “Storia” per il progetto Stonewall: The Temple, lo stesso lavoro è rappresentato dall’agenzia foto giornalistica Parallelo Zero. È il co-fondatore di Arkimedia Lab.

Queeriodicals, Editoria periodica LGBT dal 1870 ad oggi
Materiale proveniente dalla collezione di Luca Locati Luciani, a cura di Anna Lopopolo

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Appartamento del Doge ]]>

México
La pittura dei grandi muralisti e gli scatti di vita di Diego Rivera e Frida Kahlo
23 maggio – 9 settembre 2018
sabato 18 agosto la mostra sarà chiusa fino alle ore 15, in rispetto del lutto nazionale proclamato per la tragedia del ponte Morandi

La storia di questa esposizione è assolutamente unica: doveva essere inaugurata il 13 settembre del 1973 a Santiago e le opere erano già giunte nella capitale del Cile. Ma a causa del colpo di stato la mostra fu sospesa e rimase così “pendiente”, per molti anni. Le opere dei grandi muralisti – appartenenti alla collezione di Alvar Carrillo Gil e di sua moglie Carmen Tejero – rischiarono la distruzione, ma infine vennero salvate (arrivando fino ai nostri giorni) grazie al sostegno di commissari, curatori, istituzioni e delle Cancellerie messicana e cilena. Ciò ha permesso, a distanza di oltre 40 anni, di esporle nel 2015 in Cile, nel 2016 in Argentina, nel 2017 in Perù e ora in Italia.
 
La mostra presenta circa 70 opere di tre grandi artisti: José Clemente Orozco, Diego Rivera e David Alfaro Siqueiros così famosi da essere chiamati “LOS TRES GRANDES”, figure di spicco della cultura messicana e internazionale. La loro arte rappresenta l’eccellenza della pittura muralista e una delle correnti più importanti del XX secolo a livello internazionale.
La collezione si compone per la quasi totalità, di olii e disegni di grande impegno politico che testimoniano, in modo efficace e coinvolgente, la poetica dei tre maggiori muralisti, emblema della modernità messicana nel mondo. Alle opere esposte si affianca un’ampia documentazione dei murales originali, realizzata con moderne tecnologie di video animazione HD che consentono di ammirare e localizzare le opere principali dei tre muralisti nelle varie città del Messico.
 
A corredo della “Mostra Sospesa” sono esposti, inoltre, alcuni documenti storici: un video documentario, gli articoli dei giornali, i telegrammi e le lettere manoscritte di solidarietà e di interscambio culturale che intercorsero tra il Messico e il Cile nel 1973.
Infine, grazie ad una ampia e affascinante raccolta fotografica, la mostra presenta la vicenda artistica e sentimentale di Diego Rivera e Frida Kahlo, che furono protagonisti assoluti di quella stagione artistica e storica.
 
La mostra è resa possibile grazie al Museo d’Arte Carrillo Gil con il sostegno dell’Ambasciata del Messico in Italia. Promossa dalla Fondazione di Palazzo Ducale, la rassegna è organizzata da Glocal Project Consulting e Civita Mostre.

  
[youtube http://www.youtube.com/watch?v=9h8L8h5r4zk&w=560&h=315]
  

La conferenza stampa e l’inaugurazione

Appartamento del doge,

Palazzo Ducale
piazza Matteotti, 9
16123 Genova
www.mostramexico.it

Orari
Da martedì a domenica 10.30 – 20
Giovedì 10.30 – 22
Lunedì chiuso
La biglietteria chiude un’ora prima
sabato 18 agosto la mostra sarà chiusa fino alle ore 15, in rispetto del lutto nazionale proclamato per la tragedia del ponte Morandi

Biglietteria
biglietti con audioguida:
intero €12, ridotto € 10,
scuole € 5 + diritto di prenotazione
 
Acquista on line
 
Informazioni: 199.15.11.21

Visite guidate speciali
La pittura dei grandi muralisti, Frida Kahlo e le altre donne della Rivoluzione Messicana

I visitatori sono tenuti a lasciare all’ingresso delle zone espositive bagagli e a depositare negli appositi armadietti borse voluminose e zaini.
Negli spazi espositivi e congressuali è inoltre vietato:
- introdurre animali, ad eccezione di quelli utili per accompagnare le persone disabili, e qualunque oggetto che per le sue caratteristiche possa rappresentare un rischio per la sicurezza delle persone, dell’edificio, delle strutture;
- effettuare riprese fotografiche e audiovisive non autorizzate o in deroga con le norme esposte alla biglietteria;
- fumare in tutti i locali della Fondazione;
- usare il cellulare all’interno degli spazi espositivi;
- consumare cibi e bevande.
Altri divieti possono essere imposti in biglietteria o direttamente nelle zone espositive per ragioni di sicurezza
L’intera carta dei Servizi di Palazzo Ducale è consultabile qui

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Sala Dogana]]>

10 – 27 maggio 2018
Sala Dogana

 
ingresso libero

I risultati delle ricerche personali degli studenti dell’Accademia Ligustica di Belle Arti presentati a conclusione del percorso di formazione triennale o biennale. Un approdo necessario per guardare il viaggio intrapreso e poi ripartire. Uno spaccato della realtà accademica caratterizzata da una molteplicità di possibili percorsi e differenti ambiti di sperimentazione e ricerca.
 
The results of the personal research of the students of the Accademia Ligustica di Belle Arti presented at the end of the first and second cycle degree courses. A landfall necessary to look at the journey undertaken, and then starts again. A cross-section of the academic studies characterized by a multiplicity of possible paths and different areas of experimentation and research.

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Wolfsoniana - Genova Parco di Nervi]]>

FIORI/FLOWERS
fino al 30 settembre 2018
Wolfsoniana

In contemporanea con Euroflora 2018

Considerato uno tra i principali cartellonisti italiani del Novecento, Filippo Romoli nacque a Savona nel 1901. Nel primo dopoguerra, conseguito il diploma tecnico, si trasferì a Genova, dove risiedette sino alla sua scomparsa avvenuta nel 1969.
Nel 1926 Romoli fu assunto come pittore pubblicitario dalla Società Industrie Grafiche Barabino & Graeve, dedicandosi in particolare alla realizzazione di manifesti turistici o di argomenti correlati. La sua ricerca artistica fu inizialmente connotata da un’adesione stilistica e iconografica alle istanze formali dell’art déco, ma, nel corso degli anni tra le due guerre, sviluppò anche significative tangenze espressive con le ricerche futuriste e con il gusto Novecento. Nel 1932 iniziò la sua collaborazione artistica, protrattasi sino al 1968, con la Società Lazzi-Gran Turismo, per la quale, oltre alle campagne pubblicitarie, disegnò anche il logotipo societario, le divise per gli autisti e le hostess e gli arredi per la sede, inaugurata in piazza De Ferrari nel 1949.
Nel 1936 era intanto passato alla S.A.I.G.A., l’industria grafica che aveva rilevato la Barabino & Graeve e di cui fu dipendente sino agli anni Cinquanta, mantenendo tuttavia con essa un rapporto di collaborazione anche in seguito. Sempre nello stesso anno partecipò alla I Mostra Nazionale del Cartellone e della Grafica Pubblicitaria a Roma.
Nel dopoguerra la sua attività di grafico, sostenuta da significativi riconoscimenti, si intensificò, ampliando la propria gamma linguistica e tematica, come confermato dall’elenco dei suoi principali committenti, tra i quali si possono annoverare gli enti turistici di diverse regioni italiane, le società di navigazione Cosulich, Lauro e Home Lines, la CIT Viaggi, le industrie Gaslini, Negroni, Galbani e l’AVIS (Associazione Italiana Volontari del Sangue).
Fu in questo periodo che Romoli creò i manifesti per la Battaglia di fiori di Ventimiglia, una manifestazione folcloristica, ufficializzata a partire dal 1930 con un regolamento e una cadenza regolare. Ogni edizione dell’evento prevede una sfilata di carri allegorici appositamente costruiti, al termine della quale le ragazze sui carri e il pubblico si lanciano reciprocamente fiori.
I manifesti di Romoli esposti alla Wolfsoniana provengono dal ricco e prezioso fondo che gli eredi dell’artista hanno generosamente offerto in comodato alla Wolfsoniana

Info e orari: Wolfsoniana-Musei di Nervi, via Serra Gropallo 4, 16167 Genova Nervi
tel: 010 32313329 – www.wolfsoniana.it
orario invernale (da novembre a marzo): martedì-domenica 11-17; lunedì chiuso
orario estivo (da aprile a ottobre): martedì-venerdì 11-18; sabato e domenica 12-19; lunedì chiuso
 
Ingressi: € 5 intero; € 4 ridotto; € 3 scuole

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Sala Ducale Spazio Apero]]>

dal 21 aprile al 6 maggio 2018
Sala Ducale Spazio Aperto

La premiazione avverrà, in concomitanza
con l’inaugurazione della mostra
 
Inaugurazione 20 aprile ore 18
 
Orario: ore 16-19, lunedì chiuso
Ingresso libero

Per ricordare il pittore, illustratore, incisore, scenografo e umorista genovese Sergio Fedriani (1949-2006), illustre esponente della figurazione poetica e surreale, l’Associazione culturale a lui intitolata propone annualmente un concorso per giovani artisti, volto a segnalare personalità emergenti nei campi della produzione figurativa fantastica.

Il concorso di opere figurative per giovani artisti La vita è sogno, decima edizione del Premio “Sergio Fedriani”, organizzato dall’omonima Associazione in collaborazione con Palazzo Ducale Fondazione per la Cultura e con i patrocini del Comune di Genova e dell’Associazione Autori di Immagini, si è concluso dopo lo spoglio degli elaborati inviati da tutta Italia.

I premi in denaro sono messi a disposizione dall’Associazione culturale “Sergio Fedriani”.
 

www.sergiofedriani.com

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Sala Dogana]]>

19 aprile – 6 maggio 2018
Sala Dogana

Esposizione temporanea/live performances
a cura di Francesco Corica
 
Orario: ore 15-20
 
ingresso libero

Light and Video installations: Maya Zignone
Soundscapes: Francesco Corica
Esposizione fotografica a cura Francesco Bartoli Avveduti
 
Live Acts:
>>> Giovedì 19 Aprile
[inaugurazione - opening]
ore 21:00 – 00:00
*Franco (live set)
oversize / code war
 
>>> Sabato 5 Maggio
[finissage]
ore 21:00 – 00:00
*Mach0 (live set)
code war
*Full Ashtray (live set)
[ Franco & Lo.vee]
oversize / code war
 
Dal 19 aprile al 6 di maggio, CODE WAR presenta l’esposizione temporanea CODE WAR meets CODE WAR per la prima volta a Sala Dogana.
 
CODE WAR è un progetto artistico locale legato allo sviluppo della cultura urbana: reinterpretiamo situazioni e porzioni del territorio per definire nuove forme di arte e intrattenimento sociale. La mostra è una celebrazione del lavoro svolto all’Ex Ospedale Psichiatrico di Quarto ed è frutto del nostro disperato bisogno di ripartire: ripartire da noi, dalla nostra cultura e dal nostro modo di esplorare la realtà nell’era dei new media.
 
CODE WAR meets CODE WAR è un contenitore dinamico di performance musicali, interventi artistici e installativi in una dimensione in cui spazi, luci e suoni favoriscono l’interazione tra i partecipanti e ci spingono a riflettere sui significati nascosti delle realtà in cui siamo coinvolti e sul valore delle nostre azioni.
 
>>> PROGRAMMA
Maya Zignone presenta tre installazioni al neon, l’installazione video Where are you ed un’installazione sonora. Quest’ultima è la fonte da cui si irradia il soundscape elettronico realizzato da Francesco Corica.
 
La luce diventa strumento compositivo in grado di inventare mondi nuovi carichi di tensione e di energia, che trovano nel confronto con lo spettatore una sorta di legame esperienziale tra uomo e spazio. Pensieri e sensi si confrontano con la luce, il buio, i suoni e con uno spazio appena percepito, un luogo-non luogo in continua definizione, in cui addentrarsi solo dopo aver superato il senso di straniamento. Una sorta di simbiosi visuale e concettuale. Osservazione e ricerca sono alla base del suo lavoro, all’interno del quale realizza sempre differenti e più narrazioni che riportano alle dinamiche di un sistema disinteressato alla persona, al rapporto con l’altro e con l’industria della cultura, al confronto con una società schizofrenica.
 
L’esposizione prevede la realizzazione di due performances musicali: i live-set prenderanno luogo all’interno della sala, rispettivamente il giorno dell’inaugurazione Giovedì 19 Aprile e della chiusura Sabato 5 Maggio; a partire dalle ore 21, si esibiranno Franco, alias del curatore del progetto CODE WAR (Francesco Corica), Mach0 (Massimiliano Ciranni) e Full Ashtray, il nuovo progetto composto dal duo Franco e Lo.vee (Lorenzo Villa), entrambi dj resident del gruppo OVERSIZE.
 
Francesco Bartoli Avveduti presenta l’esposizione fotografica Breve viaggio tra le promesse fantasma. Le parole di Andrea Bàssoli e le foto di Francesco Bartoli Avveduti si intrecciano dando vita a questo quadro sulla situazione in cui versa l’Ex Ospedale Psichiatrico di Quarto.

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Sala Dogana]]>

12 – 15 aprile 2018
Sala Dogana

collettiva nell’ambito de La Storia in Piazza
 
Orario: da giovedì a domenica, ore 10-19
Live performance: gio 12.04 h21 / sab 14.04 h21.30
 
ingresso libero

La collettiva SOMMOSSE è il risultato della chiamata agli artisti e ai curatori selezionati per la programmazione 2017 di Sala Dogana, finalizzata alla realizzazione di produzioni artistiche nell’ambito della nona edizione de La Storia in Piazza, il festival principale di storia in Italia e fra i più importanti d’Europa, curato da Luciano Canfora e Franco Cardini, dedicato quest’anno al tema RIVOLUZIONI.
In relazione al tema è stata richiesta un’azione artistica di interpretazione in tutte le sue possibili forme e saranno 11 i progetti artistici di altrettanti autori proposti negli spazi di Sala Dogana, nell’ambito degli eventi de La Storia in Piazza che propone anche quest’anno un fitto programma di lezioni, incontri e conferenze, laboratori, mostre, spettacoli e presentazioni.
Per tutto il periodo de La Storia, in sala Dogana saranno esposte fotografie, illustrazioni, tele, installazioni, video di: Matteo Castiglioni per Forevergreen.fm, Fulvio Ioan, Silvia Mazzella, Melkio, Niccolò Pizzorno, Stefano Pulcini, Chiara Scabini, Alessio Ursida.
Oltre al programma espositivo, l’appuntamento con La Storia in Dogana offre due serate di improvvisazione musicale e performance audio video.
 
Giovedì 12.04 | ore 21
‘STAZIONE FINLANDIA’
improvvisazione elettronica di NOS, racconti per oggetti di Dollworld, visual di Gianriccardo Scheri, grafiche di Stefano Roffo | a cura di Duplex Ride
 
Sabato 14.04 | ore 21.30
‘SILENCIO’
performance video musicale di Andrea Vescovi e Stefano Baldini | a cura di Tommaso Vergano
 
@@@ Artista ospite da Berlino il fotografo YURI SEGALERBA con il reportage:
I popoli non dovrebbero aver paura dei propri governi: sono i governi che dovrebbero aver paura dei popoli – Rio de Janeiro, 30 giugno 2013
 
Matteo Castiglioni per Forevergreen.fm
Matteo Castiglioni (9/5/1993), studente del biennio del corso di musica elettronica del Conservatorio di Milano, si dedica alla ricerca sonora, visiva e audiovisiva.
Legato in modo particolare al filone dell’arte generativa e net-art, dal 2015 a oggi progetta installazioni e opere site specific (tra gli altri) per il palazzo Litta, lo spazio Cobianchi e palazzo Reale a Milano. I suoi ultimi lavori, presentati in occasione della mostra “Your common sense well” alla Camera Oscura di Milano a marzo 2018 si concentrano sull’utilizzo della rete come fonte di informazioni con le quali generare materiali in continuo equilibrio tra realtà e finzione.
Con il duo musicale t.e.s.o. pubblica, tra il 2014 e oggi, quattro album, in parallelo all’attività discografica il duo produce diversi concerti audiovisivi.
Nel 2014 fonda insieme ad altri studenti del conservatorio la laptop Orchestra “1h20nein” con cui produce diversi concerti audiovisivi tra cui un progetto per il conservatorio di Birmingham, il museo del ‘900, la Triennale, l’Auditorium San Fedele e la Fabbrica del Vapore di Milano.
In parallelo a queste attività produce le video-scenografie per le opere liriche “Elisir D’amore” (2017), “Alfred Alfred” (in collaborazione con l’accademia di Brera) (2016), “Amor y odio” (2016), “Cantor Caffè” (2016) e “Shakespeare ‘900” (2017).
Forevergreen.fm è un’impresa culturale creativa nata a Genova nel 2010 con lo scopo di progettare e produrre eventi culturali di musica elettronica con una mirata vocazione di valorizzazione del patrimonio artistico-storico e di rigenerazione urbana.
Electropark è il progetto principale, dal 2012 a Genova sotto la forma di festival di musica elettronica e arti visive in spazi non convenzionali per la musica come musei, teatri, mercati, chiese, sale espositive, e dal 2015 anche a Milano al Teatro Franco Parenti con una rassegna di musica elettronica internazionale per un pubblico seduto.
Forevergreen.fm ha organizzato fino al 2014 il Forevergreen Festival, evento itinerante di musica elettronica in diverse cascine lombarde con lo scopo di avvicinare la musica e l’arte nei processi di riqualificazione degli spazi rurali urbani.
Attualmente Forevergreen.fm gestisce anche una linea di produzione digitale che promuove giovani artisti e producer emergenti del panorama italiano ed è impegnata con amministrazioni pubbliche e altri soggetti operanti sul territorio per divulgare buone pratiche nella progettazione e stimolare processi di rigenerazione culturale.
 
Fulvio Ioan
Artista e ricercatore indipendente, ha conseguito due Lauree specialistiche all’Accademia Ligustica di Genova in Pittura e Decorazione (2012-2015), per anni è stato allievo ed assistente del Maestro Xilografo Giovanni Berio Ligustro.
Da più di dieci anni, pratica la calcografia e la xilografia su carta e su stoffa, dipinge e lavora per la spontaneità e sincerità dell’immagine. Il suo lavoro si pone come un tentativo di rinascita dal buio (sociale e culturale); come espressione intima e personale, volta a riaffermare un’identità di bellezza. Esegue studi e ricerche, scrive articoli sull’arte e sull’analisi dell’immagine, partecipa a simposi e conferenze.
Ha insegnato all’Accademia di Belle Arti di Sanremo e collabora con l’Accademia di Belle Arti di
Genova. Intrattiene contatti e lavora con artisti e studiosi in Italia e nel mondo.
Ha partecipato ad alcune mostre tra cui: Sala Dogana a Palazzo Ducale, Genova; Archivio centrale dello Stato, Roma EUR; Fuxian exlibiris society Shanghai, Cina; Mieska biblioteka publiczna w gliwicach, Gliwice, Polonia; Palazzo Sturm, Museo Remondini, Bassano del Grappa, Italia; MaCN museo di arte contemporanea e del novecento Villa Renatico Martini, Mossumano Terme; Raccolta civica fondazione Bertarelli, Milano.
Parte della sua produzione fa parte di collezioni private nazionali ed internazionali.
 
Silvia Mazzella
Nasce a Genova l’8 ottobre 1993.
Frequenta il liceo artistico Paul Klee di Genova e si avvicina al mondo della pittura e del disegno. Continua gli studi presso lo IED di Milano laureandosi in fotografia nel 2015.
Frequenta un anno del biennio di scenografia presso l’Accademia Ligustica di Belle Arti di Genova e da ottobre 2016 inizia il master di alta formazione dell’immagine contemporanea presso la Fondazione fotografia Modena.
Il suo lavoro fotografico è incentrato sulla figura della Donna, utilizzando come base la fotografia e applicando poi varie tecniche e mezzi come la scrittura, la pittura e il disegno.
 
Melkio
Io, Melkio, Cantastorie un pò clown.
Nel disegno sono, non somiglio.
Luca Melchionda, Genova 1984 è da sempre e per tutti Melkio.
Lo stile, sia nel disegno che nella scrittura, è riconoscibile: pochi dettagli, oggetti semplici, sintesi e un immaginario magico, riflessivo ma con chiari accenti al mondo infantile.
“C’è un genere di creatività innocente, bambinesca (nell’accezione positiva del termine ovvero nel suo essere priva del pregiudizio tipico dell’età adulta) nell’approccio artistico di Luca Melchionda.
Melkio, come io l’ho conosciuto e come viene da tutti chiamato, non si muove all’interno di confini definiti, sia dal punto di vista della tecnica che del mezzo narrativo. Disegno, poesia, racconto, fotografia: ecco perché più che di arte parliamo di “mondo”, ossia di un luogo immaginario in cui Luca trova sé stesso, lasciando fluire liberamente idee, parole e visioni.”
picamemag.com
 
Niccolò Pizzorno
Nasce a Tiglieto nel 1983. Si occupa di illustrazione e tecniche calcografiche: acquaforte, acquatinta,puntasecca.
A Genova dal ‘95 si laurea all’Accademia Ligustica di Belle Arti e frequenta la Scuola Chiavarese del Fumetto. Illustra vari volumi per la casa editrice I Buoni Cugini Editori, in particolare la collana Luigi Natoli pubblica con la stessa casa editrice la Graphic Novel ‘UN MONDO NUOVO’,ambientata interamente a Genova. Insieme con un gruppo di artisti di diverse discipline crea il collettivo PLUR col quale organizza eventi a carattere sociale, agendo prevalentemente sulle periferie cittadine.
 
Stefano Pulcini
Nasce a Genova nel 1993. Si diploma all’istituto tecnico Vittorio Emanuele II-J. Ruffini come grafico pubblicitario scoprendo la passione per l’arte e la fotografia. Frequenta il corso di Graphic Design all’Accademia Ligustica di Belle Arti di Genova, dove segue il corso di fotografia analogica e digitale tenuto da Alberto Terrile, diplomandosi con la votazione di 110/110 e lode.
Nel 2016 lavora come grafico/videomaker/fotografo per Goa-Boa Festival. Nello stesso anno fa
uno stage al TStudio di Timothy Costa. Dal 2016 è attivo come videomaker e fotografo freelance e lavora con band musicali come exotago, l’ultimodeimieicani e altre realtà genovesi. Collabora anche come videomaker/grafico/fotografo per Yury Magazine.
Nel 2017 realizza una mostra fotografica e di installazioni sull’esperienza californiana dal titolo
“Land of Pleasure” presso Sala Dogana a Palazzo Ducale.
 
Chiara Scabini
Nasce a Genova nel 1992. Dopo essersi diplomata al liceo scientifico Enrico Fermi, frequenta l’Accademia di Belle Arti di Genova dove arricchisce la sua passione per la fotografia, l’arte e scopre l’illustrazione digitale. In particolare, segue i corsi di fotografia digitale e analogica tenuti da Alberto Terrile, approfondendo uno stile documentaristico e di diario personale.
Durante il periodo universitario va in Erasmus a Madrid dove frequenta l’Escuela de Diseno
Superior per 5 mesi.
Dopo la laurea, si trasferisce a Londra per 4 mesi e, in seguito, compie un viaggio di 3 mesi in
California. Tornata in Italia si trasferisce a Milano dove inizia a lavorare come grafica e fotografa per l’agenzia di comunicazione Cup Studio e come illustratrice per Alessandro Enriquez, stilista del brand di abbigliamento Italian Theory.
Nel 2017 realizza una mostra fotografica e di installazioni presso Sala Dogana a Palazzo
Ducale di Genova dal titolo “Land of Pleasure” sull’esperienza in California.
In seguito vince un bando che le permette precedentemente di seguire un corso di Marketing
Culturale presso la LUISS di Roma e dopo produce un’esperienza lavorativa nell’ambito della comunicazione presso Palazzo Reale di Genova.
 
Alessio Ursida
Nasce a Genova nel giugno 1994. Nel 2010 diventa fotografo ufficiale dei Concerti di musica barocca Musica e Cultura San Torpete. Nel 2012 collabora con il Comitato Unicef di Genova, illustrando con i suoi scatti il volume “La bellezza rimane”, diffuso in tutta Italia. Inizia un percorso di collaborazione con l’Associazione di volontariato Massoero 2000 Onlus e con la rivista Blu Liguria Sagep. Fotografa volentieri gli amici: un suo scatto diventa la copertina del cd “Per Gaber” di Giampiero Alloisio. Sempre nello stesso anno, illustra il Calendario “Volti della Medina genovese”. Nel 2013, dopo aver pubblicato alcuni articoli sul Secolo XIX, accompagna con le sue immagini la mostra “Vico del Sapor Perfetto” a Palazzo della Borsa, un excursus gastronomico sui sapori della Liguria.
A febbraio 2014 tiene, come docente, corsi di fotografia presso la sua vecchia scuola media. Allestisce una mostra al Coro delle Vigne intitolata “Andata e Ritorno”, si tratta di una articolata serie di scatti che realizza durante gli spostamenti in treno ed in autobus.
A settembre, dopo aver passato le selezioni, partecipa al programma televisivo “Scattastorie” in onda su Real Time, patrocinato da Samsung Italia. Partecipa alla mostra fotografica realizzata all’Expo’ Gate di Milano di Samsung. Nel frattempo, frequenta l’Istituto Italiano di Fotografia a Milano. A gennaio 2015, il suo volto ed i suoi scatti scorrono sulle pareti del Duomo di Milano con le immagini del reportage di Haiti.
Tra giugno 2015 e febbraio 2016 espone la mostra fotografica ‘GLI OCCHI DELLA SPERANZA – impressioni da Haiti’ allo spazio VISIVA a Roma, a Milano presso il Samsung District, presso Arte Fiera Internazionale di Bologna, in Sala Dogana a Palazzo Ducale di Genova.
 
NOS
“Continuavo a udire attorno a me un gran rumore, un rumore composto da molti suoni,
probabilmente il rumore del vecchio mondo che andava in frantumi”
A. Blok – 1918
Da questa frase del poeta russo Aleksandr Blok, ricavano ispirazione sonora i NOS (Marco Cacciamani, Claudio Ferrari e Riccardo Canessa) che, tra le rispettive diverse passioni artistiche, qui condividono quella che hanno in comune: la musica elettronica.
Essenzialmente improvvisate, le loro performances sono integrate con videoproiezioni curate da Gianriccardo Scheri ed aperte ad interventi di ospiti. Si definiscono un gruppo d’improvvisazione elettrotecnica, i cui diversi incontri in studio e i concerti dal novembre 2008
hanno finora fruttato 3 CD autoprodotti.
Angela Mambelli, video performer dal 1999 nell’ambito del gruppo Fludd, da anni, continuando la collaborazione storica, porta avanti un progetto personale con la sigla “Dollworld”. I suoi piccoli ambienti, ricostruiti con una minuzia che non cade mai nella trappola modellistica, e “arredati” in scena, sotto l’occhio di una microcamera, evocano epoche e situazioni, con un effetto straniante dovuto alla proiezione su monitor e schermi che falsa il rapporto tra uomo e oggetto.
Duplex Ride
L’Associazione Culturale Duplex Ride si è costituita nel 2010 attorno ad un nucleo di operatori artistici, attivi nei settori della musica elettronica e dell’immagine digitale, per mettere in
comune le proprie esperienze ed espandere l’area creativa in cui agiscono, per contribuire allo sviluppo culturale del territorio.
Duplex Ride è un’associazione culturale interessata ad ogni forma d’arte, che organizza principalmente eventi di musica elettronica e videoproiezione. Duplex Ride è un’idea in movimento, è arte collettiva, è ricerca elettronica, è sperimentazione in tutte le sue forme, dalla pittura, alla fotografia, alla scrittura.

 
Andrea Vescovi e Stefano Baldini, nati a Savona, frequentano rispettivamente l’accademia Naba di Milano e il Dams di Bologna. La loro passione per la musica e per l’utilizzo del video come mezzo di comunicazione principale li ha uniti nel progetto artistico Silencio. La loro ricerca, che viene portata avanti unitamente al percorso di studi, li ha portati a sviluppare un’identità artistica forte, esteticamente elaborata e allo stesso tempo ricca di contenuti e citazioni. Poter frequentare università e spazi stimolanti come Dams e Naba gli ha permesso
di confrontarsi con pareri autorevoli e personalità influenti del mondo dell’arte e dell’insegnamento. Silencio è la sintesi, parziale, della loro esperienza.
 
Yuri Segalerba
Genovese trasferitosi a Berlino, trascinato dalla sua passione per zone industriali abbandonate, si occupa di fotografia dal 2009. L’interesse per architettura, archeologia industriale, sociologia e per le minoranze culturali gli danno ispirazione per scegliere le mete dei suoi viaggi, nei quali si avventura per i più reconditi luoghi del pianeta documentando differenti situazioni sociali. Le sue foto sono caratterizzate da simmetrie, forme geometriche e prospettive centrali che tendono ad appiattire il soggetto, dando una sensazione di bidimensionalismo dello stesso. My Point of view è il suo blog fotografico.

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Ducale Spazio Aperto]]>

Accogliere la diversità
Comprendere il disturbo
 
Mostra fotografica di Nicolò Metti
Ducale Spazio Aperto
31 marzo – 7 aprile

Aperta tutti i giorni dalle 10 alle 19
ingresso libero

L’autismo è un disturbo del neurosviluppo che può presentarsi in forme molto diverse. La mostra di propone di compiere un percorso visivo attraverso le quotidiane emozioni di quattro ragazzi affetti, mirando a coglierne gli estremi: dalla felicità alla solitudine, dalla solidarietà all’inclusione, dai limiti alle speranze.
La pesante medaglia in cui consiste la loro sofferenza ha un’altra faccia: una vita tranquilla e una felicità possibile, verso cui noi siamo in dovere di accompagnarli.
 
Inaugurazione 31 Marzo
Ore 15 proiezione e dibattito di Pita e Una Diagnosi: Autismo, 100.000 volti al Altrove – Teatro della Maddalena. Saranno presenti in sala parte delle due troupe (in cui il fotografo ha svolto il ruolo di sceneggiatore e operatore) e rappresentati delle associazioni coinvolte. Le due opere proiettate hanno ottenuto complessivamente 11 riconoscimenti internazionali.
Ingresso gratuito.
 
Ore 17 Visita guidata gratuita del centro storico che condurrà dal Teatro al Ducale, a cura dell’ass. Caruggi a Colori.
Ore 18 Inaugurazione mostra
Guarda la locandina

In collaborazione con: Angsa Liguria Onlus, Associazione Philos Accademia Pedagogica, Ass. Guardami negli Occhi di Savona

Nicolò Metti è un fotografo, videomaker, scrittore, educatore genovese, classe 1989. Dopo aver frequentato diversi corsi in campo artistico ed aver ottenuto una laurea quinquennale in Filosofia, adesso si dedica al videomaking narrativo e commerciale, alla scrittura di articoli e sceneggiature, allo sviluppo di laboratori arteterapeutici e sportivi per persone rientranti nello spettro autistico, ad esempio il Baskin (il basket inclusivo) o i corsi di fotografia.

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Loggiato Minore]]>

Mostra a cura
dell’Archivio di Stato di Genova
all’interno de la storia in piazza 2018
 
dal 23 marzo al 15 aprile 2018
Loggiato Minore

Inaugurazione venerdì 23 marzo, ore 17.15

…perchè ogni rivoluzione è figlia di un bisogno e madre di un cambiamento…
…perché ogni rivoluzione scompone le parti per ricomporle secondo un ordine nuovo…
…perché la STORIA stessa, in quanto RACCONTO è rivoluzione di se stessa…
….perché…
lo storico è separato dal suo oggetto dalla mediazione infinita della tradizione
Hans Georg Gadamer

 
I documenti conservati presso l’Archivio di Stato di Genova rappresentano, pur con le inevitabili lacune provocate dal tempo, un patrimonio unico per lo studio delle vicende politiche, dell’attività commerciale e dell’evoluzione della società di tutto il mondo conosciuto nel Medioevo e nell’età moderna.
Ti appresti ad un viaggio attraverso i primati della storia genovese dei quali è rimasta traccia nei documenti.
Sarai condotto per mano attraverso la prima esperienza di un contratto di assicurazione, finalizzato alla necessità di ridurre i fattori di rischio legati all’esercizio dell’attività commerciale già in età medievale.
Incontrerai alcuni esempi di registri dell’archivio Casa di San Giorgio (1407-1805): l’istituzione genovese più conosciuta a livello mondiale nella quale si sono ravvisati, di volta in volta, i connotati di uno Stato, un prototipo delle odierne Società per Azioni, un embrione di banca centrale, una fucina di tecniche finanziarie, entro un perimetro di commistione fra profili di azione pubblica e aree di intervento privato, tuttora attualissimi nella lettura che se ne può fornire.
Attività commerciale e gestione finanziaria e del debito pubblico hanno rappresentato, nei secoli della storia genovese, nodi strategici attorno ai quali si è intessuta la storia delle relazioni diplomatiche della Repubblica, in particolare nel Siglo, con i giovani stati nazionali europei. Il sistema dei ‘Rolli’, con l’organizzazione pubblico-privata dell’accoglienza delle delegazioni estere ospiti della Repubblica, è una cartina al tornasole della società del tempo e degli indicatori valoriali di riferimento. Potrai conoscere, quindi, gli elenchi dei superbi palazzi, riflesso della ricchezza di personaggi di rilevanza internazionale, dove erano alloggiate le personalità che visitavano la città nel Siglo de los Genoveses.
Nel flusso di eventi e tra gli intrecci, non sempre pacifici, tra personalità e famiglie che hanno connotato la storia della Superba, un momento significativo è rappresentato dalle Leges del 1528, emanate sotto la regia di Andrea Doria, finalizzate alla stabilizzazione del potere interno. Grazie ad esse, Genova fu inserita nei circuiti strategici, economici e finanziari del più potente Stato del mondo di allora, l’impero di Carlo V.
Il viaggio approda, da ultimo, a un piccolo cammeo sulla la figura, per certi versi mitologica, del Balilla (1747).
Questi, in un territorio di confine fra leggenda e storia, è divenuto il simbolo della rivolta dell’orgoglio locale contro lo straniero, inaugurando la stagione delle lotte risorgimentali nel corso delle quali tanta parte la Superba scelse di giocare, fino agli esiti unitari.

Credits to:
Annalisa Rossi, Direttore Archivio di Stato di Genova
Giustina Olgiati, Funzionario Archivista
Roberto Santamaria, Funzionario Archivista
Roberto Santamaria, Funzionario Archivista
Daniele Tinterri, Funzionario Archivista

]]> http://www1.palazzoducale.genova.it/genova-rivoluzioni-da-leggere-tra-le-righe/feed/ 0 http://www1.palazzoducale.genova.it/una-storia-portoghese/ http://www1.palazzoducale.genova.it/una-storia-portoghese/#comments Sat, 17 Mar 2018 09:00:06 +0000 http://www.palazzoducale.genova.it/?p=44839 17 marzo - 28 aprile 2018
Sala Liguria]]>

Fotografie di Fausto Giaccone
dal 17 marzo al 22 aprile prorogata fino al 28 aprile 2018
 
Sala Liguria

Orari: da lunedì a venerdì, 10-18
sabato, domenica e festivi 15-18
Ingresso libero
Guarda la locandina

Mostra a cura di Federico Montaldo, inaugurazione venerdì 16 marzo 2018, ore 18 con la partecipazione di Roberto Francavilla, docente di Letteratura portoghese e brasiliana – Dipartimento di Lingue e Culture Moderne, Università degli studi di Genova

Trent’anni di storia di un villaggio del sud del Portogallo dalla stagione gloriosa della lotta per la Riforma Agraria del 1975 sino ai primi anni del nuovo secolo.

Nell’agosto del 1975 Fausto Giaccone era uno dei tanti fotografi e giornalisti che seguivano la cronaca di quella estate calda, in cui si acuiva lo scontro tra gli strati della società più progressista guidati dai militari di sinistra e la reazione che cercava di smorzare la spinta della Rivoluzione dei garofani del 1974.
Per sfuggire alla ritualità di quelle manifestazioni e per cercare di trovare una chiave personale nella narrazione di quella fase politica, Giaccone lascia Lisbona e si dirige al di là del Tejo, dove, già da diversi mesi, erano iniziate le occupazioni dei latifondi da parte dei braccianti senza terra.
L’attenzione si concentra su di un villaggio del Ribatejo, Couço, al confine con l’Alentejo.
Il 31 Agosto Giaccone sarà testimone di un ciclo trionfale di occupazioni, ma soprattutto stabilirà dei rapporti umani con alcuni dei protagonisti delle occupazioni, che proseguiranno nel corso di decenni, dando luogo ad un libro “Una storia portoghese”, nel 1987, e ad altri ritorni, pubblicazioni per numerose riviste e infine anche un documentario nel 2010.

Fausto Giaccone nasce nel 1943, cresce a Palermo dove inizia gli studi di architettura che terminerà a Roma dove si trasferisce nel 1965. Gli eventi del 1968 segnano la sua scelta di dedicarsi interamente alla fotografia. Le prime collaborazioni con testate politiche romane come L’Astrolabio, Vie Nuove, Noi Donne, gli hanno permesso di seguire gli eventi del ’68 e di realizzare diverse campagne di documentazione nel meridione, in particolare in Sicilia, Sardegna e Calabria. Ha viaggiato per lavoro nei cinque continenti ma è nei pochi libri pubblicati che oggi ritrova lo sguardo che meglio lo rappresenta. Nel 1987 esce Una Storia Portoghese, sull’anno caldo della rivoluzione lusitana. Nel 2008 ‘68 altrove, ripropone i suoi primi reportage, realizzati 40 anni prima, nel 1968. Nel 2013 escono Volti di Cavallino Treporti, un racconto per immagini su di un comune della laguna veneta, e Macondo. Il mondo di Gabriel García Márquez, sui luoghi della vita e dei romanzi dello scrittore colombiano.

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Sala Dogana]]>

15 marzo – 1 aprile 2018
Sala Dogana

progetto artistico di Fabio Tasso
 
Inaugurazione 15 marzo, ore 18
 
Orario: dal martedì alla domenica ore 15-20
 
ingresso libero

“Se ascolto dimentico, se vedo ricordo, se faccio capisco” – Confucio
 
“Negativo in positivo” è l’estensione di un evento espositivo, iniziato a San Francisco nel 2017, che prende spunto proprio dal pensiero confuciano. È un momento che unisce la tradizionale mostra d’arte all’esperienza attiva che si può fare in un museo delle scienze. Saranno presenti sculture, disegni e molto altro, il tutto realizzato attraverso processi che prevedono l’utilizzo di sistemi produttivi. Durante il talk con il quale verrà inaugurata la mostra – ma anche durante il suo intero svolgimento – sarà possibile osservare e provare di prima persona i “macchinari” creati dall’artista. Chi visita questa mostra, invece di limitarsi al guardare, potrà anche comprendere ciò che è esposto attraverso la pratica. “Negativo in positivo” offre un momento di piacere a tutti, grandi e piccoli, attraverso una fruizione attiva. L’esposizione è basata sul rapporto tra pieno e vuoto ed ha indubbiamente un’impronta di tipo filosofico e orientale. Il titolo stesso “negativo in positivo”, oltre al riferimento topologico, allude ad una sfumatura psicologica. Arte, scienza, filosofia, psicologia e oriente sono gli stimoli che l’osservatore potrà ricevere. Tutti questi temi in delle opere che, non raffigurando nulla se non lo spazio stesso, sono adatte a qualsiasi tipo di pubblico.
 
Il Pensiero
Fabio Tasso studia la Scultura adoperando dei macchinari auto costruiti con elementi a basso costo. Ciò che li accomuna è l’utilizzo dell’aria, soffiata od aspirata. Questa, modellando una membrana, trasforma molteplici oggetti in un corpo unico.
Producendo come un’industria, queste macchine lasciano nel mondo dei “residui”, le sculture. Anche se la necessità che ha portato alla creazione di questo sistema è unica, ciò che lo scultore fa potrebbe essere fatto da chiunque: non ci sono la sua “mano” e le sue emozioni. L’artista si ispira alle sculture preistoriche che, restando spesso a noi incomprensibili a causa della lontananza culturale e temporale, restano solo delle forme perfette, realizzate con il materiale, la tecnologia e la sensibilità dell’epoca. Chi sia lo scultore non è importante. Questo è quello che Tasso cerca di fare: sculture anonime ma universali, realizzate con i materiali di adesso, che studino lo spazio, la forma e il rapporto che il nostro corpo ha con questi. Per questo motivo le sue opere non hanno titoli, ma solo codici di catalogazione con celate tutte le informazioni sulla scultura. Senza di lui, unico detentore delle chiavi per leggerli, per codificarli bisognerà cercare e ipotizzare, come in un processo di indagine archeologica.
 
L’Artista
Fabio Tasso nasce a Savona nel 1990. Il suo percorso artistico incomincia con la frequentazione dell’artigianato ceramico ad Albisola. La svolta definitiva la compie frequentando l’Accademia di Belle Arti di Genova, dove si immerge completamente nel mondo della Scultura. Durante gli studi, nel 2012, vive ed insegna in Nepal nel monastero buddhista Neydo Tashi Choling. Lì ha modo di studiare ciò che in realtà ha scoperto essere sempre stato il centro della sua ricerca: il vuoto ed il rapporto che questo ha con il pieno, con la materia.
Dopo il diploma a Genova si trasferisce a Carrara, dove completa gli studi e dove sviluppa i suoi macchinari. Vincitore di numerosi concorsi, partecipa a simposi di scultura, residenze artistiche e avvia la sua attività artistica tra Europa e Stati Uniti.
Dal 2015 è stato professore presso l’Accademia Ligustica, insegnando Disegno del Nudo e Anatomia Artistica.
 
info Fabio Tasso
Website www.fabiotasso.com
Instagram @fabiotasso_sculpture
Facebook @fabiotasso_sculpture
Youtube Fabio Tasso – sculpturey

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Spazio Aperto]]>

Danza sorella
10 – 24 marzo 2018
Spazio Aperto

Mostra fotografica
 
Orario: ore 9.30-12-30 – 14-18
Ingresso libero

 

La mostra fotografica DANZA SORELLA sarà aperta presso il Salone di Rappresentanza a Palazzo Tursi, in occasione dell’8 Marzo. L’evento invita a riflettere sulla bellezza, con un parlallelismo tra il mondo della Donna e quello del patrimonio storico del Comune di Genova. Attraverso la narrazione poetica per immagini l’artista Agnese Marchitto al fianco dei propri figli Giovanni Trompetto ( co-Fotografo e modello ) e Lucia Trompetto ( modella, attrice ), ci conduce in un viaggio simbolico all’interno di alcuni palazzi storici della città: Forte Sperone, Villa Gruber, Musei di Nervi, Forte Santa Tecla, Palazzo della Meridiana, Teatro Carlo Felice, Palazzo Tursi, Centro Storico, Chiostro San Matteo.
 
L’Inaugurazione si terrà Giovedì 8 Marzo ore 16,00 Presso il Salone di Rappresentanza di Palazzo Tursi Via Garibaldi 9 Genova e proseguirà con apertura al pubblico presso Palazzo Ducale Genova “Spazio Aperto” dal 10 al 25 marzo 2018 con orari 9;30/12,30 – 14,00/18,00.

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Loggia degli Abati]]>

Antonio Ligabue

Dal 3 marzo al 1 luglio 2018

Una mostra antologica per ripercorrere la vicenda umana e creativa di Antonio Ligabue, uno degli autori più geniali e originali del Novecento italiano.
La mostra, curata da Sandro Parmiggiani e Sergio Negri, prodotta e organizzata da ViDi con la Fondazione Antonio Ligabue di Gualtieri (RE) in collaborazione con Comune di Genova e Palazzo Ducale Fondazione per la Cultura, propone 80 opere, tra dipinti, sculture, disegni e incisioni di Ligabue.
Il percorso espositivo si snoda tra i due poli principali entro i quali si sviluppa l’universo creativo di Ligabue: gli animali, selvaggi e domestici, e i ritratti di sé.
Tra gli animali abitatori delle foreste e delle savane si trovano alcuni dei maggiori capolavori dell’artista, come Tigre reale, realizzato nel 1941 quando Ligabue era ricoverato nell’Ospedale psichiatrico San Lazzaro di Reggio Emilia; tra quelli delle campagne, le due versioni di Cani da caccia con paesaggio; c’è poi l’impressionante galleria di autoritratti, come i dolenti Autoritratto con berretto da motociclista del 1954-55 e Autoritratto del 1957.
Non mancano altri straordinari dipinti, dai paesaggi bucolici, alla Carrozzella con cavalli e paesaggio svizzero ad alcune versioni delle Lotta di galli, ad Aquila con volpe della fine degli anni quaranta, alla Vedova nera con volatile e alla Testa di tigre della metà degli anni cinquanta, fino alla Crocifissione.
 
Ligabue rappresenta sia animali domestici, colti in un’atmosfera agreste, inseriti in paesaggi in cui giustappone le terre piatte della Bassa reggiana, dove visse dal 1919 alla morte nel 1965, e i castelli, le chiese, le guglie e le case con le bandiere al vento sui tetti ripidi della natia Svizzera, sia gli animali della foresta e del bosco – tigri, leoni, leopardi, gorilla, volpi, aquile – di cui conosceva molto bene l’anatomia, spesso colti nel momento in cui stanno per piombare sulla preda, con un’esasperazione di stampo espressionista, sia nella forma sia nel colore, e con un’attenzione quasi spasmodica per la reiterazione di elementi decorativi.
 
Gli autoritratti costituiscono un filone di altissima e amarissima poesia nell’arte di Ligabue. In essi, il pittore si colloca in primo piano, quasi a occupare tutto lo spazio della scena, sullo sfondo di un paesaggio che pare quasi sempre, salvo rare eccezioni, un dettaglio del tutto ininfluente. I suoi ritratti di sé compendiano una perenne e costante condizione umana di angoscia, di desolazione e di smarrimento, un lento cammino verso l’esito finale; il suo volto esprime dolore, fatica, sgomento, male di vivere; ogni relazione con il mondo pare essere stata per sempre recisa, quasi che l’artista potesse ormai solo raccontare, per un’ultima volta, la tragedia di un volto e di uno sguardo, che non si cura di vedere le cose intorno a sé, ma che chiede, almeno per una volta, di essere guardato.

Questi autoritratti – afferma Sandro Parmiggiani, curatore della mostra – dicono tutta la sofferenza dell’artista; ne sentiamo quasi il muto grido nel silenzio della natura e nella sordità delle persone che lo circondano. Quando perduta è ogni speranza, ormai fattasi cenere, il volto non può che avere questo colore scuro, fangoso, questa sorta di pietrificazione dei tratti che il dolore ha recato con sé e vi ha impresso.

L’esposizione costituisce un ulteriore capitolo, dopo le rassegne di Gualtieri (2015), di Palermo e di Roma (2016), di Pavia (2017), per riportare il lavoro di Ligabue a una corretta valutazione critica e storica: un’occasione per riaffermare, al di là delle fuorvianti definizioni di naïf o di artista segnato dalla follia, il fascino di questo “espressionista tragico” di valore europeo, che fonde esasperazione visionaria e gusto decorativo.
Accompagna la mostra un catalogo Skira con testi di Sandro Parmiggiani, Alberto Manguel, Luciano Manicardi ( priore della Comunità di Bose) e un’ampia sezione, ricca di immagini, dedicata alla vicenda biografica di Antonio Ligabue.

Antonio Ligabue. Note biografiche
La triste odissea di Antonio Ligabue ha inizio il 18 dicembre 1899 a Zurigo e si conclude il 27 maggio 1965 a Gualtieri, dove era approdato il 9 agosto 1919, espulso dalla Svizzera, dopo un’infanzia e un’adolescenza segnate dall’emarginazione (a soli nove mesi di età fu affidato dalla madre a un’altra famiglia) e dall’insofferenza verso il mondo che lo circondava – a scuola, tuttavia, già si erano rivelati la sua passione e il suo talento per il disegno. A Gualtieri la sua vita resta durissima, soprattutto nei primi anni, in cui, per riuscire a vivere, fa lo scariolante sulle rive del Po. Inizia a dipingere alla fine degli anni venti, apprezzato da rari estimatori, tra i quali Marino Mazzacurati. Nel 1955 tiene la prima mostra personale a Gonzaga, in occasione della Fiera millenaria, organizzata da Cesare Parmiggiani; nel 1961 un’esposizione a Roma, alla Galleria La Barcaccia, ne segna la consacrazione nazionale (“il caso Ligabue”), dopo un’intensa attività artistica, spesso incompresa e addirittura derisa, che nel tempo susciterà tuttavia l’ammirazione e l’interesse di collezionisti, critici e storici dell’arte. Tra le antologiche più recenti, si ricorda quella, con quasi duecento opere, tenuta nel 2005 a Palazzo Magnani di Reggio Emilia e a Palazzo Bentivoglio di Gualtieri, in occasione del quarantesimo anniversario della sua scomparsa.
 

Loggia degli Abati,
Palazzo Ducale
piazza Matteotti, 9
16123 Genova

Orari
da martedì a domenica, ore 10-19
Lunedì chiuso
La biglietteria chiude un’ora prima
Aperture straordinarie
1 aprile, 2 aprile, 25 aprile, 30 aprile, 1 maggio, 2 giugno e 24 giugno: 10 – 19
 
 
Biglietti
intero 11 €
ridotto 9 €
scuole 4 €
audioguida compresa
 
Acquista on line
 
Biglietto congiunto con la mostra André Kertész: 15 €
 
Presentando il biglietto della mostra México. La pittura dei grandi muralisti e gli scatti di vita di Diego Rivera e Frida Kahlo si ha diritto a un biglietto ridotto
 
Presentando il biglietto della mostra Picasso. Capolavori dal Museo Picasso, Parigi o della mostra André Kertész. Un grande maestro della fotografia del Novecento si ha diritto a un biglietto ridotto a 9€
 
contatti: 0382 33676
mail: ligabuegenova@gmail.com

La vita

Proposte educative per le scuole

Proposte educative per le famiglie:
17 febbraio e 19 maggio, ore 16
Amici per la pelle

Hotel Amici delle mostre di Palazzo Ducale

I visitatori sono tenuti a lasciare all’ingresso delle zone espositive bagagli e a depositare negli appositi armadietti borse voluminose e zaini.
Negli spazi espositivi e congressuali è inoltre vietato:
- introdurre animali, ad eccezione di quelli utili per accompagnare le persone disabili, e qualunque oggetto che per le sue caratteristiche possa rappresentare un rischio per la sicurezza delle persone, dell’edificio, delle strutture;
- effettuare riprese fotografiche e audiovisive non autorizzate o in deroga con le norme esposte alla biglietteria;
- fumare in tutti i locali della Fondazione;
- usare il cellulare all’interno degli spazi espositivi;
- consumare cibi e bevande.
Altri divieti possono essere imposti in biglietteria o direttamente nelle zone espositive per ragioni di sicurezza
L’intera carta dei Servizi di Palazzo Ducale è consultabile qui

Inaugurazione, 2 marzo ore 18

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Sottoporticato]]>

Danseuse burlesque (satyric dancer), 1926 – André Kertész – Ministère de la Culture et de la Communication / Médiathèque de l’architecture et du patrimoine / Dist Rmn © Donation André Kertész

André Kertész.
Un grande maestro della fotografia del Novecento

24 febbraio – 17 giugno 2018

 

Palazzo Ducale di Genova presenta dal 24 febbraio al 17 giugno una grande retrospettiva, curata da Denis Curti, su uno dei maggiori fotografi del XX secolo: André Kertész.
Oltre 180 fotografie ripercorrono, suddivise in sezioni, l’intero percorso artistico del maestro ungherese, che in più di cinquant’anni di carriera ha sempre utilizzato la fotografia come se fosse un suo diario visivo, atto a rivelare la poesia dietro le semplici e anonime cose quotidiane, catturate attraverso prospettive uniche e rivoluzionarie.

Qualsiasi cosa noi facciamo, Kertész l’ha fatto prima
Henri Cartier-Bresson

Di Andrè Kertèsz (Budapest 1894 – New York 1985) si narra che si sia avvicinato alla fotografia nei primi anni del ’900, quando nel solaio di una vecchia casa ungherese si ritrova tra le mani un manuale di fotografia. Questo fortunato incontro segna il suo destino come un’illuminazione, arricchendolo di sorprese e magici colpi di scena, nel segno di una ricerca artistica e formale che lo ha reso precursore di una nuova fotografia, simbolica e poetica.
Alla sua formidabile carriera, mai disgiunta dall’esperienza biografica, la mostra André Kertész. Un grande maestro della fotografia del Novecento, allestita nel Palazzo Ducale di Genova, dedica un ampio e approfondito itinerario visivo, dentro il quale è possibile perdersi tra infinite suggestioni, per poi ritrovarsi sempre di fronte al piacere della bellezza e dello stupore. Lungo questo percorso si comprende che attraverso lo sguardo poliedrico di André Kertész si può esplorare la magnificenza di un’epoca cruciale per il mondo dell’arte: quella che a cavallo tra Ottocento e Novecento ha visto nascere le Avanguardie storiche insieme con la fotografia e il cinema. In questa prospettiva, aperta e consapevole, la produzione del grande autore prende forma in un intreccio di relazioni, immaginari e punti di fuga che intersecano movimenti artistici, pensieri poetici e rivoluzioni estetiche.
Oltre 180 fotografie, provenienti dal Jeu De Paume di Parigi, e quattordici rare pubblicazioni dell’epoca in prestito da una collezione privata italiana, ripercorrono, suddivise in cinque sezioni temporali, l’intero percorso artistico del maestro ungherese che, in più di cinquant’anni di carriera, ha sempre utilizzato la fotografia come un suo diario visivo atto a rivelare la poesia dietro le semplici e anonime cose quotidiane.
 
Nella sezione di apertura, dedicata ai primi anni da fotografo di Kertész in Ungheria, le immagini in esposizione celebrano la purezza e la semplicità della vita e dei paesaggi rurali caratterizzati da una lucidità e un’immediatezza innovativa davvero sorprendenti.
La mostra prosegue indagando quello che è stata senza dubbio la fase più fortunata e florida di Kertész nella travolgente Parigi a cavallo tra le due guerre. Gli scatti del periodo francese sono ricchi di atmosfere oniriche, risultano suggestive e profondamente rivelatrici, perché in perfetta armonia con il suo carattere romantico e malinconico. In breve tempo entra a far parte del circolo degli artisti ungheresi che si riunisce al Cafè du Dôme, nel vivace quartiere di Montparnasse. Ed è in questo ambiente stimolante che entra in contatto con artisti e intellettuali, primi fra tutti, i connazionali Lazló Moholy-Nagy e Brassaï, i pittori Piet Mondrian, Marc Chagall e Fernand Léger. La sua ricerca artistica, iniziata in Ungheria, a Parigi si trasforma e adotta uno stile realistico e diretto ma sempre e volutamente poetico. Sono di questa fase le inquadrature geometriche, create sapientemente da linee nate dai contrasti tra luce e ombra.
Le eccezionali immagini del periodo francese ci accompagnano nella sezione americana e in quelli che senza dubbio sono stati gli anni più difficili della sua carriera artistica. Nel 1936 l’agenzia fotogiornalistica Keystone di New York propone a Kertész un contratto professionale di un anno. Così, insieme a sua moglie Elizabeth si trasferisce negli Stati Uniti. Sebbene negli scatti americani di Kertész il rancore e la frustrazione, derivanti dal mancato interesse riscosso dalle sue opere, restano ai margini delle sue fotografie, un velo di disaffezione si fa strada nella sua poetica.
Nel 1964 questo lungo periodo tormentato trova termine grazie al visionario curatore John Szarkowski che riabilita il suo lavoro riconoscendone la portata pioneristica e dedicandogli una mostra retrospettiva al Museum of Modern Art (MoMa) di New York. Evento di tale portata ci conduce all’interno della quarta sezione, quella dei riconoscimenti internazionali. Nel 1970 i suoi lavori vengono esposti quasi ininterrottamente nelle più grandi città del mondo come Stoccolma, Londra, Parigi, Tokyo, Melbourne e Buenos Aires, riscuotendo ovunque un gran successo. Nel 1977 la sua adorata moglie Elizabeth, e sua più grande sostenitrice, muore lasciando nel cuore di André un vuoto incolmabile.
L’ultima sezione svela al pubblico alcuni scatti a colori inediti per il pubblico italiano.
Per André Kertész il colore è un fatto decisamente nuovo ed è pura sperimentazione, curiosità. I toni possono essere molto caldi o molto freddi, ma i tagli, le inquadrature e i punti di vista sono, ovviamente, il prodotto di un’esperienza visiva maturata lungo una straordinaria carriera.

La mostra è organizzata dal Jeu de Paume di Parigi, in collaborazione con la Mediathèque de l’Architecture et du Patrimoine, Ministère de la Culture et de la Communication – France, con diChroma photography e con la partecipazione di Palazzo Ducale Fondazione per la Cultura

Sottoporticato
Palazzo Ducale
piazza Matteotti, 9
16123 Genova

Orari:
da martedì a domenica 11-19
chiuso il lunedì
La biglietteria chiude un’ora prima
Aperture straordinarie
1 aprile, 2 aprile, 25 aprile, 30 aprile, 1 maggio e 2 giugno: 11 – 19
 

Biglietti:
intero 10€
ridotto 8€
scuole 4€
 
Biglietto congiunto con la mostra Picasso. Capolavori dal Museo Picasso, Parigi: intero 17€, ridotto 15€
Biglietto congiunto con la mostra Antonio Ligabue: 15€
 
Presentando il biglietto della mostra Antonio Ligabue o della mostra Picasso. Capolavori del Museo Picasso, Parigi, si ha diritto a un ingresso ridotto a 8€
 
Acquista on line
 

La vita

Proposte educative per le scuole

Hotel Amici delle mostre di Palazzo Ducale

I visitatori sono tenuti a lasciare all’ingresso delle zone espositive bagagli e a depositare negli appositi armadietti borse voluminose e zaini.
Negli spazi espositivi e congressuali è inoltre vietato:
- introdurre animali, ad eccezione di quelli utili per accompagnare le persone disabili, e qualunque oggetto che per le sue caratteristiche possa rappresentare un rischio per la sicurezza delle persone, dell’edificio, delle strutture;
- effettuare riprese fotografiche e audiovisive non autorizzate o in deroga con le norme esposte alla biglietteria;
- fumare in tutti i locali della Fondazione;
- usare il cellulare all’interno degli spazi espositivi;
- consumare cibi e bevande.
Altri divieti possono essere imposti in biglietteria o direttamente nelle zone espositive per ragioni di sicurezza
L’intera carta dei Servizi di Palazzo Ducale è consultabile qui

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Sala Dogana]]>

22 febbraio – 11 marzo 2018
Sala Dogana

progetto di LABADANzky
 
Inaugurazione 22 febbraio, ore 18
 
Orario: mar-dom, ore 15-20
 
ingresso libero

Utensili dalle fattezze bioidi, veri e propri compendi di coscienza cinematica che vanno serenamente deambulando per le metropoli, diavolerie a trazione concettuale: tale la forma che ha di recente assunto il complesso repertorio espressivo (riconducibile alla Street Art tanto quanto a dinamiche del Relazionale) recante la firma LABADANzky.
Questa volta, esercitando una metonimia tra lo spazio di Sala Dogana e la città medesima, ci si deve rappresentare l’ambiente espositivo in questione come il luogo dove tutto ebbe inizio: punto d’origine dell’utopia meccanica LABADANzky, sorta di luddismo rovesciato in adiecto. Asilo appartato in cui stremati pionieri meccanici si ritirano in cerca di conforto, concedendosi vizi ed amenità normalmente non riservate agli oggetti; inestimabile limbo di ristoro per automi bellicosi e nondimeno malinconici, giusto il tempo che la mostra in quanto tale si dipani – appena prima di correre a immolarsi nel nome di nuova, incomprensibile causa.
 
*LABADANzky – feb.2018 – Courtesy of Aboutness Gallery

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Sala Dogana]]>

1 – 18 febbraio 2018
Sala Dogana

progetto di Ludovica Virginia Roncallo
a cura di Elena Guarnieri
 
Inaugurazione 1 febbraio, ore 18
 
Orario: mar-dom, ore 15-20
 
ingresso libero

Giovedì 1 febbraio alle ore 18 in Sala Dogana a Palazzo Ducale inaugura la mostra CORPOREA, progetto espositivo di Ludovica Virginia Roncallo a cura di Elena Guarnieri.
Corporea è un viaggio attraverso la memoria, la traccia di corpi che hanno indicato un’azione, un passaggio, un tempo passato che ci viene restituito e del quale resta un segno sbiadito. È la traccia del nostro motus perpetuo, della metamorfosi e della lotta affermazione-negazione.
Dei corpi che hanno solcato quel luogo e quella materia, restano pochi segni nascosti, che solo la nostra mente può ricostruire, tassello dopo tassello. È la memoria di una presenza che si fa lentamente assenza, è la materia che col tempo si deteriora fino a smaterializzarsi in una macchia: l’impronta.
Le opere proposte sono la restituzione di un processo connesso ai luoghi, alla memoria e al legame indissolubile che unisce un corpo ad un luogo e al tempo.
Attraverso l’impiego di materiali di recupero e industriali e all’utilizzo di svariate tecniche che vanno dalla fotografia all’incisione, passando per la pittura, ci si addentra in un insieme di immagini, frutto del deterioramento di corpi, che si rivelano ai nostri occhi attraverso l’indagine e la percezione intima di chi li osserva. In una sorta di trasfigurazione che da concreta e tangibile muta in una forma più astratta e impalpabile.
Alla radice di tale ricerca si colloca l’esperienza infantile dell’artista, legata alla costante presenza dell’acqua e del fiume, quale luogo di perpetui mutamenti. Ed è proprio questo elemento terrestre che ci accoglie, attraverso la sua forza generatrice di vita, di distruzione e di continue trasformazioni, dove i corpi divengono presenza, assenza o traccia.
In questo frangente le opere ci forniscono elementi di ricostruzione e di memoria prima della totale cancellazione.
 
Ludovica Virginia Roncallo _ artista/artist
Classe 1982, dopo il conseguimento della maturità artistica si diploma in pittura presso l’Accademia Ligustica di Belle Arti di Genova, e consegue successivamente una specializzazione in didattica dell’arte presso l’Accademia di Belle Arti di Brera a Milano. Cultrice di pedagogia e antropologia focalizza la propria ricerca sul corpo residuo, ponendo l’attenzione alla relazione corpo-spazio-tempo. I soggetti analizzati si deteriorano, mutano e si dissolvono, come sottoposti ad una scansione, e lentamente la materia lascia spazio all’impronta, testimonianza unica di una presenza divenuta assenza. Gli elementi e i “corpi” utilizzati sono molteplici, a partire dal corpo stesso dell’artista fino ai solchi del terreno o agli oggetti “smarriti”. I supporti e le tecniche variano dalla pittura all’incisione, dall’installazione alla fotografia istantanea. Dopo aver compiuto diversi viaggi e progetti artistici internazionali, collaborando con associazioni ed enti statali nazionali ed internazionali, da circa tre anni vive e lavora a Genova.
She was born in 1982 and after obtaining a high school diploma in Arts she graduated in Painting at the Accademia Ligustica di Belle Arti in Genoa, and at a later time she specialized in Didactics of Art at the Accademia di Belle Arti di Brera in Milan. As a lover of pedagogy and anthropology she focused her studies on the residual body, paying close attention to the body-space-time relationship.
The analysed objects deteriorate, change and dissolve, as if they were scanned, and slowly the matter gives space to the imprint, the only proof of a presence which became absence.
The elements and “bodies” she used are several, from her own body to the furrows of the soil or “lost” objects.
The means and techniques vary from painting to engraving, from installation to snapshot.
After travelling and working on international projects, collaborating with associations, national and international public institutions, she’s been living and working in Genoa for about three years.
 
Elena Guarnieri_curatrice/curator
Classe 1980, consegue la maturità artistica al liceo Paul Klee e successivamente il diploma di pittura presso l’Accademia Ligustica di Belle Arti a cui fa seguito un master in progettazione dei costumi teatrali. Terminati gli studi, parallelamente al lavoro nel laboratorio di un noto atelier di moda genovese, inizia la sua lunga collaborazione con la galleria Il Basilisco dove, oltre al lavoro con il pubblico, cura alcune mostre, tra cui le personali di Matteo Cocci, Angelo Ibba e Salvatore Masciullo, esposizioni e fiere nazionali ed internazionali. Vive e lavora a Genova.
She was born in 1980, obtained a high school diploma at Liceo Paul Klee and at a later time she graduated in Painting at the Accademia Ligustica di Belle Arti, followed by a Master degree as a costume designer.
After finishing her studies, and at the same time working at a famous fashion house in Genoa, she started collaborating with the Gallery Il Basilisco, where in addition to her public relations, she curated several solo exhibitions, such as Matteo Cocci’s, Angelo Ibba’s and Salvatore Masciullo’s ones, national and international fairs and shows. She’s been living and working in Genoa.

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Sala Dogana]]>

11 – 28 gennaio 2018
Sala Dogana

Progetto di Giorgio Musinu
 
Inaugurazione 11 gennaio, ore 18
 
Orario: mar-dom, ore 15-20
 
ingresso libero

Giovedì 11 gennaio alle ore 18 in Sala Dogana a Palazzo Ducale inaugura la mostra MOLLOY, progetto fotografico di Giorgio Musinu.
 
“Molloy” è una storia senza Storia in cui l’osservatore è lasciato con un indizio nell’opacità del nostro mondo.
Molloy è la ricerca di un mistero, l’inseguimento di un’ossessione.
Molloy prende spunto dall’omonimo romanzo di Samuel Beckett. Di quel romanzo questo lavoro riprende le atmosfere e la sospensione del senso proprio della nostra epoca. Il dramma si svolge in una tensione congelata e destinata a divenire memoria di un evento che non avrà mai luogo.
Molloy consiste di un filmato in Super8 e una serie di autoscatti con l’ausilio di telecomandi e temporizzatori, realizzati in svariate location fatiscenti e in stato di abbandono totale. Lo spettatore è invitato a inoltrarsi in questo “mondo” surreale ed estraneo alla vita di tutti i giorni, in compagnia del medesimo personaggio e della sua cinepresa.
 
“Molloy” is a story without Narration in wich the observer is left with a hint in the opaqueness of our world. Molloy is the research of a mystery, pursuit of an obsession. Molloy is inspired by the homonym novel of Samuel Beckett. From this novel it gets the atmospheres and the
suspension of the real meaning of our days. The drama takes place in a chilled strain, doom to become memory of an event that will never happen.
Molloy consists in a shoot on a Super8 film and a series of selfportraits made using remote controls and timers in many abandoned and ruined places. The audience is invited to come in and follow this surreal world, so different from everyday life, along with the same character and his videocamera.
 
Giorgio Musinu Genova, 1990
Inizia il suo percorso fotografico studiando fotografia a Genova e frequentando attualmente il master di alta formazione sull’immagine contemporanea di Fondazione Fotografia Modena.
Le sue opere non fanno riferimento a una forma riconoscibile ma si avvicinano a una vasta scala di argomenti su più livelli. Con il rifiuto di una verità oggettiva e narrazioni culturali globali, l’interpretazione diviene personale, poliedrica e metaforica. L’autore crea opere in cui l’evento reale deve ancora avere luogo o semplicemente è terminato: momenti suggestivi di
atmosfera con il dramma che si svolge in una tensione congelata destinata a divenire memoria di un evento che non avrà mai luogo.
 
Giorgio Musinu was born in Genoa (Italy) in 1990
His works do not refer to a recognizable form but approach a wide range of topics on multiple levels. By refusing an objective truth and global cultural narratives, the interpretation becomes personal, multifaceted, and metaphorical. Evocative moments of atmosphere with the drama that takes place in a cold tension destined to become a memory of an event that will never happen.

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Proposte educative intorno alla mostra Antonio Ligabue

Piume, pelami e pellicce

Attraverso tecniche, motivi, effetti e colore impariamo a disegnare il pelame, la pelliccia degli animali e il piumaggio degli uccelli che popolano l’immaginario pittorico di Antonio Ligabue, cercando di riprodurre la ricca varietà esistente in natura.
Secondo ciclo scuola primaria e secondaria di I grado
Durata: 1h30′
Prezzo: 4,50€ a studente
Ingresso in mostra: 4€ a studente

 
 

A fior di pelle

Prendendo spunto dalle opere viste in mostra, dall’attenzione ai particolari e dall’uso squillante del colore, tipico della tecnica pittorica di Ligabue, si realizzano su carta o su tessuti delle texture ispirati alla pelle o e ai piumaggi degli animali per creare un ricco bestiario.
Scuola Infanzia, primaria e secondaria di I grado

Voci dalla giungla

Ligabue era solito dar voce agli animali mentre li dipingeva. A ogni alunno viene assegnato un animale e si esorta a fare lo stesso, ovvero a dare voce alle proprie emozioni quali rabbia, paura, eccitazione… attraverso la scelta di un colore e di un particolare segno grafico.
Scuola Infanzia e primaria di I grado
 
In programma dal mercoledì al venerdì
Durata: 1h30′
Costo: 6€+ingresso in mostra (4€ a studente)

Visite alla mostra
Percorsi in mostra, articolati per rispondere alle esigenze delle diverse età dei partecipanti sono realizzati in modo da consegnare agli studenti le corrette chiavi di lettura della mostra.Durata 1h
Costo 80€ a classe (max 25 partecipanti) + ingresso in mostra (4€ a studente)
Scuole di ogni ordine e grado
 
Visite alla mostra in lingua
Le visite guidate alla mostra possono essere e ettuate anche in lingua, per sviluppare negli studenti, oltre a conoscenze storico artistiche, anche competenze linguistiche e comunicative.
La proposta va incontro all’attuazione della metodologia CLIL (Content and Language Integrated Learning).
Durata 1h
Costo 95€ + ingresso in mostra (4€ a studente)
Scuola secondaria di I e II grado

Visite alla mostra+Torre Grimaldina
A richiesta è possibile unire alla visita guidata della mostra anche la visita alla storica Torre Grimaldina e alle Carceri di Palazzo Ducale.
Durata complessiva 1h45′
Costo 110€ (max 25 studenti) + ingresso in mostra (4€ a studente) + ingresso alla Torre (3€ a studente)
Scuole di ogni ordine e grado
 
Visita alla mostra+percorso in città
La proposta è dedicata in particolare alle scuole secondarie e articolata in due percorsi a scelta per conoscere Genova, la sua storia e i suoi tesori artistici e architettonici: Genova medioevale, da San Lorenzo a San Matteo; Genova e il sistema dei Palazzi dei Rolli, Patrimonio dell’Umanità Unesco.
Durata complessiva 2h30′
Costo 140€ (max 25 studenti) + ingresso in mostra (4€ a studente)Scuola primaria e secondaria di I e II grado

Info e Prenotazioni
Tel: 0108171604
email: prenotazioniscuole@
palazzoducale.genova.it
fb: Didattica Genova Palazzo Ducale

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Impararte 2017-18

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Torre Grimaldina e Carceri]]>

Artisti alleati in memoria della Shoah
X edizione 2018
dal 19 gennaio al 3 febbraio 2018

Orari:
da martedì a domenica, ore 14.30 – 18.30
sabato 27 gennaio apertura
straordinaria 10.00 – 18.30
per scolaresche e gruppi al mattino su prenotazione

Scopri qui il programma completo

A Genova, nelle antiche carceri della Torre Grimaldina di Palazzo Ducale, giovedì 18 gennaio 2018 alle ore 18.00, sarà inaugurata la decima edizione della rassegna d’arte contemporanea “SEGRETE Tracce di Memoria” Alleanza di Artisti in Memoria della Shoah, aperta al pubblico fino al 3 febbraio.
 
La rassegna di respiro internazionale, ideata e curata da Virginia Monteverde, promossa dall’Associazione Art Commission in collaborazione con Genova Palazzo Ducale Fondazione per la Cultura e ILSREC, è nata con lo scopo di ricordare la Shoah, attraverso un percorso artistico di forte impatto emozionale. La mostra, fin dalla prima edizione, è
allestita nelle celle delle antiche carceri della Torre Grimaldina, un luogo già di per sé evocativo che ben si presta ad ospitare le installazioni site specific degli artisti.
A proporre le proprie riflessioni sul tema della Memoria saranno gli artisti: Andreas Blank, Andreas Burger, Jan Kuck, Federica Marangoni, Giuseppe Negro, Silvano Repetto, Daniele Sigalot.
Introduce la rassegna Luca Borzani. Presentazione critica a cura di Viana Conti
 
Come per le edizioni precedenti, nell’ambito di SEGRETE, un gruppo di giovani artisti parteciperà al progetto Peace Project, quest’anno curato da Martina Campese. Artisti: Valeria Dardano, Cri Eco e il Collettivo DAMP (Luisa de Donato, Alessandro Armento, Viviana Marchiò, Adriano Ponte) con Mauro Campagnaro
 
Altri eventi in programma di questa decima edizione sono: Rompere l’indifferenza, incontro con le scuole e mostra fotografica organizzata in collaborazione con Manuela Composti direttivo ANPI Borghetto Lodigiano 167 B.ta Garibaldi F.lli Biancardi. All’incontro dedicato alle scuole intervengono insieme ad Alessandra Jarach, membro direttivo
del Memoriale della Shoah di Milano (Binario 21) il presidente dell’ILSREC Mino Ronzitti e il presidente della Comunità Ebraica Ariel Dello Strologo. Sempre al Binario 21 è dedicata la mostra fotografica di Roberto Menardo installata nella Torre Grimaldina.
 
La rassegna vedrà inoltre due performance teatrali: “Lezioni elementari. Monologo sul maestro Gabriele Minardi” di e con Roberto Mussapi (sabato 20 gennaio), e “Scalpicii sotto i Platani – L’eccidio di Sant’Anna di Stazzema” di e con Elisabetta Salvatori con Matteo Ceramelli al violino (giovedì 1 febbraio).
Il reading di poesia curato da Claudio Pozzani direttore del Festival Internazionale di Poesia di Genova chiuderà il programma della X edizione di SEGRETE Tracce di Memoria.

Secondo Adorno dopo Auschwitz nessuna forma di poesia ed arte è più possibile. L’orrore del genocidio ebraico, le dimensioni di uno sterminio accuratamente progettato su scala europea e messo in atto con sistematico zelo facendo ricorso alle risorse e agli strumenti della modernità tecnologica, renderebbero impossibile e vana, a suo giudizio, ogni espressione artistica in merito all’evento più spaventoso della storia del Novecento. Solo il silenzio, l’attonito sgomento e la muta rimembranza sembrerebbero essere i possibili atteggiamenti al cospetto di una realtà che, nel suo abisso di tenebra, sembra sottrarsi ad ogni razionalizzazione e rappresentazione.
A dispetto del monito del filosofo della Scuola di Francoforte, l’arte non si è piegata all’intransigente interdetto e, pur nella consapevolezza di una soglia che mai potrà
essere oltrepassata e di un dolore che nessuna forma umana sarà mai in grado di cogliere e compiutamente esprimere, accetta di misurarsi con l’inesprimibile, di accostarsi, con umiltà e pietas, all’evento indicato con approssimazione come Shoah od Olocausto.
L’arte non si pone l’obiettivo di riprodurre il reale, né di ricostruire e spiegare il passato; l’arte mira ad evocare, emozionare, suggestionare, turbare, alludere. L’opera d’arte, se è veramente tale, sa scuotere profondamente, interpellandoci e trasportandoci in una dimensione altra che trascende le coordinate dello spazio e del
tempo, del consueto e del rassicurante, dell’usuale e del noto. Esperienza straniante, la contemplazione dell’opera artistica ci coinvolge e ci sollecita, imprimendo un segno sul nostro animo.[...]

Giacomo Ronzitti, presidente ILSREC, dal testo per il catalogo Segrete.Tracce di Memoria IX ed. 2017
(edizioni De Ferrari)

Info e prenotazioni: 346 7336012 – artcommissionevents@gmail.com

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Rappresentazioni di mondi (im)possibili
11-28 gennaio 2018
Ducale Spazio Aperto, Cortile Maggiore

 

lunedì – venerdì 11-13 e 15-19;
Sabato e domenica 11-18
Ingresso libero

 

Julia Sisi, Hidden Way, 2017

Sabato 27 gennaio 2018, ore 18 presentazione del catalogo della mostra, a cura di Linda Kaiser, Limax edizioni

Il tema della mostra, curata da Linda Kaiser, riguarda la delimitazione o l’eliminazione dei confini, che rappresentano la sopravvivenza della nostra civiltà.
Attraverso le opere visionarie di artisti outsider, marginali e autodidatti, forse ancora poco noti e valorizzati rispetto al loro talento, ma attentamente selezionati sulla scena internazionale, viene presentata al pubblico una riflessione su insider e outsider, integrazione ed esclusione nell’arte, specchio della nostra società.
Le opere di artisti come Kuffjca Cozma (Moldavia), Margot, Izabella Ortiz, Evelyne Postic (Francia), Davide Mansueto Raggio (Italia), Joskin Siljan (Serbia) e Julia Sisi (Argentina) possono rappresentare oggi quelle nuove visioni dell’immaginario che si districano attraverso i meandri della mente, veri e propri passaggi di senso “altro”, canali che valicano ogni confine prestabilito.
Le mappe di mondi labirintici esposte nell’occasione tracciano percorsi originali, guidando lo spettatore a una lettura lenta e riflessiva dell’arte, intesa sia come pratica formale che come pensiero astratto.
 
Per Kuffjca Cozma (Moldavia, 1962), nella stanza in cui è costretta a vivere dopo un grave incidente sul lavoro, il disegno è un soffio di libertà, in una costruzione sedimentata di forme astratte in continua evoluzione.
Margot (Francia, 1982) delinea a inchiostro le sue architetture minuziose, che parlano di un mondo dimenticato, di santuari in cui il tempo si è fermato, protetti da guardiani misteriosi che ne posseggono le chiavi.
Izabella Ortiz (Francia, 1964) trascende attraverso il sogno ciò che cattura e assorbe dalla vita, distilla quanto la materia le sussurra e lo rivolge sulla carta con raffinate pennellate, sottili come ombre.
Evelyne Postic (Francia, 1951) comunica, con tutti gli atomi di cui siamo composti, l’infinita varietà che la affascina di forme dei mondi marini, terrestri e invisibili, trasformandole e confondendole l’una nell’altra.
Davide Mansueto Raggio (Italia, 1926-2002) esorcizza le sofferenze interiori in sembianze distorte, forme zoomorfe e umanoidi, creature fantastiche di legno, paglia e cartone, che popolano un bosco immaginario, specchio di un perduto paradiso terrestre.
Joskin Siljan (Serbia, 1953) crea un grande “Book of Faces”, serie di ritratti su fogli di giornale dell’ex Yugoslavia, volti disegnati di getto con uno stile particolare, che vivono dentro di noi come segni sull’invisibile.
Julia Sisi (Argentina, 1957) riporta a inchiostro e acrilico su sfondo nero la sua esperienza ipnagogica, appartenente allo stato di transizione tra veglia e sonno, pensieri lucidi e allucinati, disegnati con la luce
 
In collaborazione con Limax – Slow Thinking, Genova; Association Polysémie Contemporaine, Marsiglia, Francia; Istituto per le Materie e le Forme Inconsapevoli (IMFI), Genova-Quarto; Museo dell’Arte Naïf e Marginale (MNMA), Jagodina (Belgrado), Serbia e con la consulenza organizzativa di M Gallery, Genova

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Sala Dogana]]>

22, 23, 29 e 30 dicembre 2017
Sala Dogana

FRACTAL #1 #2 #3 e #4
electronic nights by Duplex Ride
inizio ore 21
ingresso libero

Venerdì 22 dicembre ore 21
 
ANDROMACA
“AndromacA” (Stefano Bertoli e Antonella Suella) nasce alla fine del 2006 come progetto di lettronica/sperimentale basata sull’uso della voce soprano tipico della contemporanea e non solo
e sull’uso di softwares e macchine analogiche a sostituire l’intero impianto orchestrale.
I richiami sono sicuramente all’elettronica colta del Novecento e alla musica concreta, ma anche generi considerati “meno puri”, come l’elettronica di base industriale. Importante caratteristica è dare molto spazio a improvvisazioni o quasi improvvisazioni (su palinsesto).
 
DEBASER
La musica di Debaser si contraddistingue per una parte melodica contratta ed essenziale,
samples vocali in cui le voci si confondono in echi e riverberi fino a perdere il loro significato originale e sottofondi sonori articolati.
Le trame ritmiche si susseguono in strutture verticali in continua mutazione e, attraverso accostamenti spontanei e istintivi, le sequenze si ricompongono fino a dare unità e coesione ai brani.
Per la parte visiva Debaser si avvale della collaborazione di Guido Lotti che utilizzando immagini e video scaricati dal Web affianca e rimonta le sequenze in una sorta di assemblaggio.
I segni dispersi nella rete, come object trouvé, sono manipolati e ricomposti in differenti forme e significati.
 
NIGREDO
Nigredo è il termine latino che significa colore nero o nerezza, denota in alchimia la fase al Nero della Grande Opera, cioè il passo iniziale, il primo momento nel percorso di creazione della pietra filosofale, quello della putrefazione e decomposizione.
Allo stesso modo l’approccio del progetto musicale ricerca una propria metamorfosi evolutiva partendo dai composti umili e basilari della terra, emulando il suono del suo profondo

Sabato 23 dicembre ore 21
 
VALERIO VISCONTI
Synth analogici, noise, kick drums. Un progetto solista che guarda al futuro, e sempre alla ricerca di nuove fonti sonore. Compositore per pianoforte sin da bambino, Valerio Visconti da quasi 10 anni crea e compone anche musica elettronica.
In questo periodo ha attraversato diversi generi, mantenendo sempre una sua propria identità sonora, caratterizzata da suoni profondi, ruvidi, meccanici, ispirati prima dall’industrial e dal noise, poi dall’IDM e dall’ambient-drone.
Nel 2016 la sua ultima release per Noise Praise Records di Londra, “Blauer Regen”, un EP che ha riscontrato molto interesse nella critica d’oltremanica.
Molto ricca la sua attività live prima in Italia e poi in Inghilterra, dove insieme ad altri musicisti ha ricreato nuove colonne solore per film storici, suonandole poi dal vivo durante le proiezioni dei film in una serie di concerti, sia a Genova che a Londra.
LINKS:
http://bit.do/valeriovisconti
 
VIDEO – LIVE:
https://www.youtube.com/watch?v=Wad9HZIirm8
https://www.youtube.com/watch?v=LreiIYLVmto
https://www.youtube.com/watch?v=_3zvJ8MeSfs
 
VIDEO – PROJECTS:
https://www.youtube.com/watch?v=cERRmRfKRQ8
https://www.youtube.com/watch?v=h9fHp65RaPk
https://www.youtube.com/watch?v=VF9Qkt89u30
 
GEDRON
Gedron presenterà un live denso di sfumature e ritmi, utilizzando sia synth analogici che digitali
nonchè drums ultilizzate in presa diretta.
Il tutto impreziosito dalla voce di Patrizia Paita (da Varese). La proposta di brani si snoderà tra tematiche dark ambient e nella direzione recente di tumultose cavalcate ritmiche “techno abstract”. Alla ricerca di una “catarsi”oscura, ossessiva e rituale.
 
CULT OF TERRORISM
Cult of Terrorism è il progetto ambient/soundscape di Joshua Pettinicchio,
già frontman della band crossover/mathcore Under The Bed.
Dopo aver suonato dal vivo con artisti come Thisquietarmy, Valerio Orlandini, Lili Refrain
e Petrolio, firma con l’etichetta Diodrone e pubblica ‘Il Freddo di Quel Che Esiste’,
prima tape con il supporto di Bad Girl e Le Cose Bianche.
Armato di groovebox, campionatore e microfono, Cult of Terrorism esplora atmosfere cupe, sospese e rarefatte, aspettando che il Freddo finisca.
https://diodrone.bandcamp.com/album/il-freddo-di-quel-che-esiste

Venerdì 29 dicembre ore 21
 
MODUS
Massimo Pegoraro sviluppa in Modus un suo personale universo sonoro.
Le sue composizioni elettroniche, ricche di estrosi arrangiamenti ed avanguardia tecnica, toccano diferenti generi, dal down-tempo sinfonico alla techno aereo-spaziale, dalla Concrete Musique fino ai Garage breaks piu` implacabili. Fra techno e natura, casualita e sequencer, ritmi decisi e voci parlate!
Questo e’ sostanzialmente MODUS, classe 1981, da sempre dedito alla ricerca ed allo studio in ambito musicologico. La sua musica si muove tra differenti forme e stili, incentrati in una sorta di elettronica sacrale ed estremamente narrativa.
L’amore per gli strumenti elettronici e la curiosita` nello scoprire nuovi mondi compositivi sono le fondamenta del suo percorso sonoro che vuole riprodurre in ogni performance.
Remixato da Hieroglyphic Being nel suo “Adderf Arreug” EP su Marmo Music, Modus lancia lo scorso settembre l`album di debutto per Wo Land, “Quattro”.
 
ZSP (Davide Bruzzi e Andrea Cappellari)
Davide Bruzzi, chitarrista eclettico fra rock, progressive e psichedelia elettronica, votato all’esplorazione del linguaggio solistico e alla costante ricerca di ogni prelibatezza anticonvenzionale nel panorama musicale rock metal odierno.
Attualmente suona chitarre e tastiere per Il Segno del Comando, scrive per il Zena Soundscape Project, e in passato ha contribuito ai dischi di Egida Aurea, Ritual of Rebirth e Ballo delle castagne.
Per questa collaborazione con Duplex Ride presenterà uno spettacolo di improvvisazione e sovrancisioni fra Echoplex, chitarra 7 corde e sintetizzatore.
Alla batteria elettronica Andrea Cappellari
 
> J-GST
Il progetto J-GST è nato dalle sperimentazioni del bassista genovese Giacomo Gastaldi
nell’ ambito della musica elettronica pura, influenzato da compositori, artisti e band contemporanee, da Karlheinz Stockhausen a Merzbow, dai Sunn O))) agli Ordo Rosarius Equilibrio, dai der Blutharsch, agli Atrium Carceri, dagli Einsturzende Neubauten ai Bohren & Der Club Of Gore.
Nei brani infatti si può trovare un mix di ambientazioni tipicamente industrial, suoni e rumori acidi,
passaggi drone/dark ambient e minimalistici e inserimenti di strumenti folk come chitarre e mandolini

Sabato 30 dicembre ore 21

MASS PROD
Live set audiovisivo ispirato al suo ultimo album Earquake.
“Massprod e’ il boss della Wo Land, etichetta collegata alla Marmo Music.
Il suo album e’ un solido prodotto di industrial-techno dalle scansioni metalliche su cui giostra un synth dispettoso: lo sciolto funk di “Membrane”, le atmosfere space-filmiche di ”Loculo”, l’anfetaminica frenesia di “Cimice”, le slabbrature di “Spazio Taglio” e il successivo catafascio di “Lupi”, la ambient fluorescente di “Perdido Key”, tutto e’ decisamente molto buono, un florilegio dalle possibilità’ di applicazione del techno suono.
(dalla recensione di Stefano Isidoro Bianchi, Blow Up).
 
N.O.S.
N.O.S. e’ formato da Marco Cacciamani, Claudio Ferrari e Riccardo Canessa, che, tra le rispettive diverse passioni artistiche, qui condividono quella che hanno in comune: la musica eletttronica.
Essenzialmente improvvisate, le loro performances sono integrate con videoproiezioni curate da Gianriccardo Scheri ed aperte ad interventi di ospiti.
Si definiscono un gruppo d’improvvisazione elettrotecnica, i cui diversi incontri in studio e i concerti dal novembre 2008 hanno finora fruttato 3 CD autoprodotti. http://www.soundcloud.com/nos_it
 
LIDIA GIUSTO
“Fare archeologia industriale richiede uno sguardo attento e uno spirito critico riguardo i fenomeni storici ed economici che hanno attraversato gli ultimi due secoli. L’archeologia industriale, oggi, risulta essere molto vicina a noi ma allo stesso tempo ci appare leggendaria e irrecuperabile. Vibrante di un’intensa nostalgia”. – Eugenio Battisti.
“Il sole sta bagnando lentamente le bianche facciate; di quando in quando si sentono i colpi di campana ritmici e cristallini delle chiese, e le fucine, tutte le fucine della città, le fucine nere, le fucine silenziose durante la notte, cominciano a cantare.” – Azorin, Un’elegia, da Los Pueblos.
Lidia Giusto (1984) fotografa utilizzando come mezzo di espressione un obiettivo, puntato sui chiaro scuri, sui pieni e sui vuoti, sulle forme e sugli spazi. Dedita alla fotografia dell’archeologia urbana e dell’industriale abbandonato, che la portano a viaggiare in Italia e all’estero, Lidia incentra la sua ricerca sulla contrapposizione tra la presenza e l’assenza, che traduce poi in un bianco e nero ad alta densità.
Dove l’ombra è intesa come assenza di luce e la luce come assenza di ombra, come tempo trascorso, ma mai perduto, immortalato in quell’attimo in cui una linea netta traccia il confine tra il chiaro e lo scuro oppure si scioglie, laddove assenza e presenza si confondono. Un dogma di vita, insomma, che si traducein immagini pulite, intense, assolute. Dice di sé: “La macchina fotografica è il prolungamento della mia mente, l’estensione del pensiero e dell’interiorità, che passando attraverso un obiettivo diventa inquadratura ed immagine”. Inizia a fotografare da adolescente, avvicinandosi fin da subito al tema degli abbandoni industriali e civili.
Ha partecipato ed esposto a numerose mostre e concorsi, personali e collettive, in Italia e all’estero.

Duplex Ride è un’associazione culturale interessata ad ogni forma d’arte, che propone principalmente eventi di musica elettronica e videoproiezione.
Duplex Ride è un’idea in movimento, è arte collettiva, è ricerca elettronica, è sperimentazione in tutte le sue forme, dalla pittura, alla fotografia, alla scrittura.

mail: dplxride@gmail.com
sito: http://duplexridegenova.wordpress.com
news: www.facebook.com/Duplexride
video live: www.youtube.com/DuplexRide

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Sala Liguria]]>

All’ombra del Parnaso
16 dicembre 2017 – 7 gennaio 2018
Sala Liguria

da lunedì a venerdì, ore 9-19
sabato e domenica, ore 10-13 e 15-19
Ingresso libero

 

Inaugurazione sabato 16 dicembre 2017, ore 17

 

C. Cargiolli, Casa e zenobia, olio su tela tavola, 2017

Un pittore ispirato, incline al racconto di luoghi e anime imperturbabili, in cui stupisce la maniacale perfezione che esibisce nella cura dei dettagli, indizi infinitesimali, come parti di un misterioso, seducente, pulviscolo. Cargiolli dipinge con l’anima di un sognatore in perenne viaggio fra le stelle e la testa di un abile matematico che sperimenta ogni volta soluzioni sempre più complicate e ardite.
Un pittore dei prodigi, dunque, capace di affascinare per la tecnica ricercata nella raffigurazione di scene germinate all’interno del proprio teatro immaginifico.

Claudio Cargiolli nasce a Ponzanello nel 1952, piccolo borgo nei pressi di Fosdinovo (Massa Carrara). Ha frequentato il Liceo Artistico e poi in seguito l’Accademia di Belle Arti di Carrara, città dove vive e lavora. Fin dall’inizio curioso, libero, privilegia l’immaginazione e la fantasia, lontano da ogni concessione alle mode, ma sempre attento e rigoroso nel ricercare la buona pittura e nello sperimentare le antiche tecniche e gli artifici pittorici a lui più congeniali. Giovanissimo partecipa dal 1968 in poi a numerose rassegne di pittura. La sua prima mostra personale si colloca nel 1971, presso la galleria Fillungo di Lucca, curata dal critico e storico dell’arte Pier Carlo Santini, che lo seguirà per molti anni nella sua ricerca artistica. Con queste precoci esperienze, continua il suo percorso fino a diplomarsi all’Accademia nel 1974. Dal 1983 e negli anni a seguire, Cargiolli riesce ad assegnare ordine alle sue visioni e forma ai suoi sogni, la pittura prende a consolidarsi proprio nella misura in cui i volumi, le forme e gli oggetti, si collocano sulla tela in un racconto fantastico. Gli accostamenti al limite dell’incongruenza fra scene, visioni e descrizioni diverse, concorrono alla costruzione di una realtà metafisica, soffusa di poesia, irreale e tuttavia rasserenante, pur nella sua impossibilità. Tale processo di ricerca e lavoro si incrementa e si concretizza dalla seconda metà degli anni ’80; da quel periodo inizia, infatti, la collaborazione con la galleria Forni di Bologna e il ciclo di esposizioni di alto prestigio in Italia e all’Estero. Da segnalare fra le numerose mostre personali e partecipazioni collettive, le antologiche svoltesi a Palazzo Ducale di Massa e Palazzo Ducale di Urbino.
 
Hanno scritto di lui: D. Ambrosio. M.A. Baitello, R. Bavastro, F. Basile, F. Battolini, L. Bernardi, M. Bertozzi, O. Biagioni, A. Bosica, D. carlesi, G.M. Carli, M. cattafesta, M. Corradini, O. De Bernardi, M. Di Capua, A. Dragone, R. Fabrizio, G. Faccenda, R. Farroni, T.Forni, D. Garofalo, G.Gigliotti, C. Giumelli, W. Gorni, P. Levi, R. Magrini, N. Micieli, A. Mistrangelo, C. Orlando, T. Paloscia, E. Prayer, M. Rocchi, U. Russo, P.C. Santini,G. Scalco, V. Sgarbi, L. Strozzieri, R. Tabozzi, R. Valerio, G. Zaza.

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Wolfsoniana - Genova Nervi]]>

Professione reporter
I pannelli di Oscar Saccorotti per “Il Lavoro” di Genova
 
1 dicembre 2017 – 30 settembre 2018
Wolfsoniana Musei di Nervi

Professione reporter
I pannelli di Oscar Saccorotti per “Il Lavoro” di Genova

Nel 1933, in occasione del trentennale dalla sua fondazione avvenuta a Genova il 7 giugno 1903 per iniziativa degli scaricatori di carbone del porto, il quotidiano genovese di orientamento socialista “Il Lavoro” commissionò al pittore Oscar Saccorotti sei grandi tele raffiguranti scene della Vita da inviato speciale. Realizzati per il salone al primo piano del giornale, che aveva sede in un ex convento in salita Di Negro, i sei pannelli erano stati richiesti nel 1932 all’artista – che, nato a Roma nel 1898, si era trasferito a Genova nel 1914 dopo aver trascorso l’infanzia a Udine – per sostituire il ciclo decorativo sulla Scoperta dell’America, distrutto durante le devastazioni fasciste del 1926.
Saccorotti, impegnato in quel periodo in una fase cruciale della sua ricerca artistica (come attestato dalle prestigiose partecipazioni alle Biennali di Venezia e all’esposizione di Vienna organizzata nel 1933 dal Sindacato Nazionale Fascista Belle Arti), affrontò il tema con grande ironia, proponendo una caleidoscopica rappresentazione dell’avventurosa vita professionale di un reporter sempre pronto – in giro per il mondo tra guerre, rivoluzioni, safari e scoperte archeologiche – a riportare al pubblico notizie fresche di stampa. In questo suo frenetico viaggio da un estremo all’altro del globo terraqueo, il reporter è raffigurato come il testimone diretto dei grandi avvenimenti storici, ma anche delle tendenze artistiche e di costume allora in voga (tra il mosaico di immagini spunta il ballo sfrenato di Josephine Baker), dei più clamorosi casi giudiziari o di strani e bizzarri episodi di cronaca, come ad esempio lo spiaggiamento di una balena in un paese di mare della Liguria.
Concesso in comodato dal Gruppo Editoriale “L’Espresso”, il ciclo decorativo – due pannelli del quale sono stati restaurati dal laboratorio di restauro della Soprintendenza Archeologica, Belle Arti e Paesaggio della Liguria – è qui presentato per la prima volta nella sua interezza insieme ad alcune opere e documenti della Wolfsoniana che, in un dialogo evocativo con le immagini di Saccorotti, contribuiscono a restituire l’intramontabile fascino della professione reporter.

 

Il progetto dell’esposizione Professione reporter ha presso avvio con la mostra Sandro Pertini direttore de “Il Lavoro” realizzata a Palazzo Ducale nel 2016, curata da Maria Teresa Orengo e promossa dalla Regione Liguria che, in tale occasione, provvide, attraverso il suo Laboratorio di restauro, a un intervento conservativo su alcuni dei pannelli di Oscar Saccorotti.
A seguito di tale mostra, il Gruppo Editoriale “L’Espresso” ha deciso di concedere in comodato alla Wolfsoniana – Palazzo Ducale Fondazione per la Cultura le sei opere dell’artista, due delle quali sono state restaurate dal Laboratorio di restauro della Soprintendenza Archeologia Belle Arti e Paesaggio per la città metropolitana di Genova e le province di Imperia, La Spezia e Savona. Per la fondamentale collaborazione alla realizzazione della mostra, si ringraziano: Luca Parodi e Maria Teresa Orengo della Struttura Cultura e Spettacolo della Regione Liguria; Elena Bolognesi, Maria Giovanna Merello, Ornella Viano, Maria Cristina Zaninetta del Laboratorio di restauro della Regione Liguria; Franco Monteverde del Gruppo Editoriale “L’Espresso”; Vincenzo Tinè, Franco Boggero, Stefano Vassallo e Gianni Ziglioli della Soprintendenza Archeologia Belle Arti e Paesaggio per la città metropolitana di Genova e le province di Imperia, La Spezia e Savona.

Info e orari: Wolfsoniana-Musei di Nervi, via Serra Gropallo 4, 16167 Genova Nervi
tel: 010 32313329 – www.wolfsoniana.it
orario invernale (da novembre a marzo): martedì-domenica 11-17; lunedì chiuso
orario estivo (da aprile a ottobre): martedì-venerdì 11-18; sabato e domenica 12-19; lunedì chiuso
 
Ingressi: € 5 intero; € 4 ridotto; € 3 scuole

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Sala Dogana]]>

dal 30 novembre al 17 dicembre 2017
Sala Dogana

a cura di Liliana Iadeluca e Alberto Terrile
 
Inaugurazione 30 novembre, ore 18
Orario: mar-dom, ore 15-20
Ingresso libero

Giovedì 30 novembre alle ore 18 in Sala Dogana a Palazzo Ducale inaugura la mostra LIGHT PAINTING – Gli spazi emotivi della luce, progetto espositivo dell’Accademia Ligustica di Belle Arti a cura di Liliana Iadeluca e Alberto Terrile.
 
Il light painting ossia ‘Disegnare con la luce’ è a tutti gli effetti una forma d’arte che scaturisce da una tecnica fotografica utilizzando un tempo di posa molto lungo per impressionare tracce e segni luminosi. Possiamo quindi “dipingere nell’aria” utilizzando una sorgente luminosa, proprio come se fosse un pennello e creare immagini spettacolari su una tela immaginaria. Le sorgenti luminose possono essere di forme e colori diversi per ottenere risultati di volta in volta unici e incredibili. Si possono quindi creare ritratti personalizzati, oppure illuminare spazi interni o esterni in un modo effimero, o molto più semplicemente usare una o più sorgenti luminose con forme e stili diversi per formare trame luminose. Tutto ciò viene creato per mezzo di questa tecnica particolare utilizzando la macchina fotografica come strumento creativo e gli scatti risultanti non sono ritoccati con programmi di fotoritocco (ad es.Photoshop), ma restituiscono esattamente ciò che la luce ha impresso durante il lungo tempo di esposizione. Per ottenere i migliori risultati il light painting deve essere eseguito nell’oscurità sia in interno, sia in esterno.
Il Light- painting però ha origini scientifiche; già nel 1889 i francesi Etienne-Jules Marey e Georges Demeny impressero scie luminose in un’immagine fotografica per il programma di ricerca che doveva portare alla creazione della ‘Station Physiologique’ nata nel 1882 nel Bois de Boulogne. Hanno sviluppato diverse tecniche fotografiche per studiare con la luce il movimento umano e persino quello dei cavalli. Esistono foto in cui possiamo vedere una scia di lampadine ad incandescenza attaccate al corpo del Demeny mentre si muove di fronte alla fotocamera.
Altri esperimenti scientifici li troviamo nel 1914 quando Frank Gilbreth (USA) sistema delle piccole lampadine alle maniche del personale per controllare il processo di lavoro utilizzando la lunga esposizione, con l’obbiettivo di ottenere una mappa di movimenti dei lavoratori.
Nel tempo il Light Painting è passato da esperimento scientifico ad una vera e propria forma d’arte. Del secolo scorso ci rimangono parecchie testimonianze come, ad esempio, quelle di Man Ray e Gjon Mili (che immortalò Pablo Picasso in una serie di meravigliosi segni luminosi).
In seguito molti altri artisti si sono cimentati con tecniche sempre più evolute creando immagini entusiasmanti utilizzando la pellicola e dovendo attendere il tempo dello sviluppo e della stampa per verificarne i risultati.
Con le nuove tecnologie e l’avvento del digitale nella fotografia, coloro che ‘dipingono con la luce’ si sono moltiplicati, fino a formare una vera e propria corrente che attira artisti da tutto il mondo.
Da qualche anno il light painting è “entrato” all’Accademia Ligustica di Belle Arti praticato in sinergia da Alberto Terrile (fotografo e docente di Fotografia Digitale e Analogica) e Liliana Iadeluca (light designer e docente di Illuminotecnica).
Insieme hanno creato eventi dedicati a questa innovativa forma d’arte, coinvolgendo numerosi studenti e facendo scoprire loro una nuova frontiera della fotografia e della luce.
 
Light painting is a form of art based on the use of long exposure photography to capture light traces and trails. It is just like painting in the air: using a source of light as though it was a brush, stunning images are created on an imaginary canvas. Light sources of all shapes and colours can produce astonishing, unique results. They may be used to personalise a portrait, or to fleetingly illuminate an indoor or an outdoor space: more simply, they can be used to conjure up light patterns of all shapes and styles.
Light painters use their camera as a creative tool. Their shots are not adjusted via some photo editing software: they accurately show light effects as captured with long exposure. In order to produce the best results, light painting needs almost total darkness.
Light painting has its roots in scientific research. In 1889, Etienne-Jules Marey and Georges Demeny captured light trails in a photo image while working on the project that led to the creation of the “Station Physiologique” at the Bois de Boulogne in 1882. They developed a set of light photo techniques to study the movement of human bodies, or of horses. In some of these photos, you can see Demeny moving in front of the camera with incandescent bulbs fastened to his body.
Other experiments followed in 1914, when the American Frank Gilbreth attached small bulbs to the sleeves of his workers to trace the movements of their hands: he used long exposure to map and study their actions at work.
In the following years, light painting became a veritable form of art, as witnessed by the works of Man Ray and Gjon Mili (who immortalised Pablo Picasso in a series of wonderful luminous signs). Many other artists later experimented with advanced techniques of light painting using photographic film: images had to be developed and printed for the results to be visible.
With the advent of new technologies and digital photography, light painting has boomed, and is now attracting artists worldwide. At Genoa College of Fine Arts, Prof. Alberto Terrile (photographer and photography teacher) and Prof. Liliana Iadeluca (light designer and light design teacher) have cooperated to organise light painting events, and encourage their students to fully discover the aesthetic potential of this novel art form.

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Chiesa di Sant'Agostino e Loggia degli Abati di Palazzo Ducale]]>

Universo digitale
Il medium è il messaggio
18-25 novembre 2017
Chiesa di Sant’Agostino e
Loggia degli Abati di Palazzo Ducale

A cura di Viana Conti, Derrick De Kerchove, Virginia Monteverde
Guarda qui il programma completo

Sabato 18 novembre alle 16.30 nella Chiesa di Sant’Agostino, piazza Renato Negri a Genova, Art Commission in collaborazione con Palazzo Ducale Fondazione per la Cultura e Museo di Sant’Agostino presenta la prima edizione della Rassegna d’Arte Contemporanea Multimediale ETHEREA – Universo Digitale “il medium è il messaggio” ideata e curata da Virginia Monteverde con Viana Conti e Derrick De Kerckhove.
Ad aprire la rassegna sarà il sociologo e mass-mediologo Derrick De Kerckhove, teorico dell’Intelligenza connettiva, allievo e collaboratore di Marshall McLuhan, che parlerà del rapporto tra arte e nuove tecnologie.
Il critico d’arte Viana Conti ci introdurrà poi nell’ ”universo digitale” dei sette artisti della mostra: Peter Aershmann, Stefano Cagol, Alexander Hahn, Georgette Maag, Roberto Rossini, Sara Tirelli, Christian Zanotto.
L’inaugurazione proseguirà alle 19.00 a Palazzo Ducale, Loggia degli Abati, seconda sede della rassegna.
 
Viana Conti nel suo testo di presentazione della mostra scrive:
Con la mostra ETHEREA – Universo Digitale – “il medium è il messaggio” si scrive a Genova un capitolo della Storia dell’Arte a partire dalla Storia dell’Intelligenza dei Media. Il titolo stesso della rassegna che annuncia la Digitalità dell’Universo estetico-creativo a cui si fa riferimento e la Centralità Multimediale del Messaggio che gli artisti presenti hanno formalizzato in opera, chiama in causa i profeti ineludibili di questa ricerca internazionale: Marshall McLuhan e Derrick de Kerckhove.
Uno dei nodi di riflessione della rassegna, è quello del confronto tra l’idea di collettività, elaborata da Levy, e quella di connettività, elaborata da de Kerckhove, da cui scaturirebbe una terza dimensione collettivo/connettiva costituita da un’interconnessione dei frammenti della rete tale da produrre inesplorati artefatti cognitivi. Quanto si riscontra nelle opere in mostra di sette artisti internazionali, paradigmatici relativamente alla problematica di partenza, risponde alle condizioni di connettività, come accesso allargato a informazione e conoscenza, di ipertestualità, come accesso simultaneo a livelli transcategoriali di comunicazione, di interattività, come possibilità di intervenire su un portato epistemico già codificato.
Questa mostra, vista nel suo insieme, si trasforma in un dispiegato scenario di schermi accesi, di video animazioni su monitor o in proiezione che, osservati, non mancano di interconnettersi con la sensibilità emotiva, intellettiva, cognitiva, dello spettatore, in cui ha messo in moto curiosità, domande, riflessioni, risposte. Come in un anello di Moebius, il paesaggio esterno degli schermi entra in quello subliminale dell’osservatore che, a sua volta, proietta all’esterno, tramite le sue reazioni, il suo paesaggio interiore.

Altri progetti della Rassegna:
 
Progetto per Giovani Artisti
The Mind’s Zone of Vision
Realizzato in collaborazione con la Galleria d’Arte Moderna di Nervi, Museo di Palazzo Reale, Museo di Sant’Agostino e la Galleria Primo Piano di Palazzo Grillo, che all’interno dei propri spazi ospiteranno le proposte video di quattro giovani artisti: Giorgia Ghione, Christian Masuero, Annalisa Pisoni Cimelli, Eli Zwimpfer.
 

Arte e realtà aumentata
Just an illusion
Grazie alla tecnologia della realtà aumentata, in tre piazze del centro cittadino, Matteotti, San Lorenzo e Negri, saranno installate virtualmente le sculture degli artisti
Fabrizio Dieci, Maurizio Nazzaretto e Günter Stangelmayer
Realizzazione a cura di LightBoX – Grand Tour
 
Una serie di appuntamenti legati al tema del multimediale, completeranno il programma della prima edizione della Rassegna d’ Arte Contemporanea Multimediale Etherea.
 
martedì 21 ore 18.30 – Palazzo Ducale, Loggia degli Abati
UN’ORA D’ARTE
L’Universo digitale di Peter Aerschmann – a cura di Bettina Bush
 
mercoledì 22 ore 16.30 – Chiesa di Sant’Agostino
Progetto giovani di musica multimediale
EXTRA SENSUS FINIS
Performance multimediale interattiva sinestetica per luce e suono a cura del Collettivo Genov16. Opere di E. Bardi, F. Cauglia, F. de Bord, N.P. Pisanu. Con la partecipazione di G. Biagi, L. de la Fuente, G. Gilardon, M.Traverso.
 
giovedì 23 ore 18.30 – Palazzo Ducale, Loggia degli Abati
PROGETTARE PER IL MULTIMEDIALE – a cura dell’ Arch. Nicola Canessa
 
venerdì 24 ore17.00 – Chiesa di Sant’Agostino
ETHEREA SOLIDALE – MODA E MULTIMEDIALE
Sfilata Sarsì – Fatto con le mani a cura di Virginia Grozio, Sound Design di e con Paolo Tarsi
 
sabato 25 ore 19.00 – Palazzo Ducale, Loggia degli Abati
SOUND WAVES
Electronic live set di Armenia e Mongiovì a cura di Duplex Ride
 
 

Per approfondimenti, testi critici completi e dettagli rassegna consultare il sito di ART Commission Events nella sezione ETHEREA

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Sala Liguria]]>

dal 16 novembre al 10 dicembre 2017
Sala Liguria
Mostra a cura del
Consiglio Nazionale del Notariato

Ingresso libero, tutti i giorni dalle ore 10 alle 19

La mostra “Io qui sottoscritto. Testamenti di grandi italiani”, promossa dal Consiglio Nazionale del Notariato, dalla Fondazione Italiana del Notariato e dal Consiglio Notarile di Genova e Chiavari, intende raccontare i volti umani di personaggi noti principalmente per le loro virtù pubbliche, attraverso un itinerario inedito: la lettura del testamento.
Ogni testo rivela infatti, non solo la situazione familiare ed economica, ma soprattutto l’animo, le scelte morali, civili, le propensioni e il carattere dell’autore, regalando ai visitatori una piacevole ed esclusiva opportunità di approfondimento. Negli studi notarili si conservano e formano ogni giorno, documenti che raccontano le storie, le difficoltà, i lasciti morali, filosofici e politici, le scelte economiche di milioni di cittadini. Il Notariato ha così deciso di condividere con il grande pubblico le memorie più intime e intense di grandi personaggi che hanno fatto la storia del nostro Paese: un patrimonio culturale conservato negli Archivi e nei Musei d’Italia, che difficilmente è possibile visionare.
Ospitata per la prima volta nel 2012 presso l’Archivio Storico Capitolino in occasione dei 150 anni dell’Unità d’Italia, la mostra è stata riproposta con grande successo in diverse città (Mantova, Milano, Modena, Piacenza, Roma, Torino e Berlino).
 
Presso la Sala Liguria di Palazzo Ducale sarà possibile visionare i testamenti di Alessandro Manzoni, Gioachino Belli, Alfonso La Marmora, Giuseppe Garibaldi, Camillo Benso conte di Cavour, Giuseppe Verdi, Giuseppe Zanardelli, Giovanni Verga, Antonio Fogazzaro, Eduardo Scarpetta, Giovanni Pascoli, Gabriele D’Annunzio, Giovanni Agnelli Senior, Luigi Pirandello, Grazia Deledda, Enrico Caruso, Lina Cavalieri, Guglielmo Marconi, Enrico De Nicola, Alcide De Gasperi, Papa Giovanni XXIII, Ettore Petrolini, Papa Paolo VI, Enzo Ferrari, Odoardo Focherini e Giorgio Ambrosoli.
Uno spazio particolare avranno infine i testamenti di illustri personaggi molto legati alla città di Genova: Cristoforo Colombo, Niccolò Paganini, Maria Brignole Sale, Duchessa di Galliera e Gilberto Govi.

Eventi Collaterali alla mostra:
21 novembre 2017 – Piero Boccardo, Musei e Testamenti, il caso delle sorelle Brignole Sale
6 dicembre 2017 – Maria Teresa Morasso, Dal ’500 al ’900 la scrittura racconta. Colombo, Paganini, Duchessa di Galliera, Govi visti attraverso l’analisi grafologica dei loro manoscritti

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Ducale Spazio Aperto]]>

Mostra fotografica
Associazione Gigi Ghirotti
dal 16 novembre al 10 dicembre 2017
Ducale Spazio Aperto – Cortile Maggiore
foto di Pier Carlo Arena

Ingresso libero
dal lunedì al venerdì ore 14-19
sabato e domenica ore 10-19

In mezzo al dolore e alla sofferenza, innegabili, nascono tanti momenti inaspettati di gioia di vivere, di affetto, di amicizie, anche di allegria. Queste immagini, meglio delle parole, dimostrano come la PASSIONE per il proprio servizio e la CURA attenta e competente per ogni persona malata sono naturalmente, causa e conseguenza dell’AMORE che inevitabilmente ci avvolge e ci spinge verso l’altro.

L’Associazione Gigi Ghirotti onlus Genova, presente da più di 30 anni nel territorio genovese, si occupa di Cure Palliative: cioè dell’attenzione al malato, più che alla malattia, per preservare e migliorare la qualità di vita, curando i sintomi, soprattutto, ma non solo, il dolore.
www.gigighirotti.it – associazione[at]gigighirotti-genova.it

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Sala Dogana]]>

dal 10 al 26 novembre 2017
Sala Dogana

di Anto. Milotta / Zlatolin Donchev
 
Inaugurazione 10 novembre, ore 18
Orario: mar-dom, ore 15-20
Ingresso libero

Venerdì 10 novembre alle ore 18 in Sala Dogana a Palazzo Ducale inaugura la mostra Climasensibile, progetto espositivo di Anto. Milotta e Zlatolin Donchev.
Climasensibile mette in relazione una serie di installazioni create negli ultimi tre anni, evidenziando l’approccio alla ricerca che caratterizza il collettivo. I progetti selezionati propongono un’indagine multidimensionale nel sondare i diversi strati della realtà circostante, e rivelano la propria poetica nelle impronte di una presenza invisibile.
Suoni e video diventano sculture che saturano e modificano lo spazio.
 
Lavori in mostra:
 

P.P.P.
Installazione audio, dimensioni variabili, 2015-2017.
Audio (01:00min., mono); lastra di marmo incisa 35x15x3cm., lastra di marmo incisa 47x15x3cm., asta microfono, custodia microfono zeppelin modificata, cavo, speaker, player.
 

MONUMENTVM
Installazione video, dimensioni variabili, 2015.
Video (HD 1080p, colore, audio 2.1, 19 min); 20 oggetti readymade.
 

ANTENNAE
Installazione audio-video, dimensioni variabili, 2017.
Video (30 min, HD 1080p, b/n e colore, stereo);
Antenna VLF artigianale Ø 1 m.; Scultura/struttura di sostegno ingombro complessivo 100x100x57; Struttura/schermo con telo di retro-proiezione, corda nera, 200x112x5cm; Scultura con speaker integrato, ingombro complessivo 100 x 100 x 100 cm, amplificatore, cavo audio;
videoproiettore, 2 speaker, 2 cover in pvc, corda nera, 2 amplificatori.
Si ringrazia per il supporto tecnico il Museo di arte contemporanea Villa Croce di Genova.
 
Anto. Milotta (Alcamo, 1984) e Zlatolin Donchev (Pechino, 1990) vivono e lavorano tra Sofia e Genova. Hanno studiato arti visive in diverse accademie italiane ed estere, ritrovandosi uccessivamente a frequentare il corso specialistico all’Accademia di Belle Arti di Genova. Il loro percorso condiviso inizia nel 2014, quando l’Accademia Ligustica li seleziona per la residenza The sound identity of places, organizzata dall’Accademia di Belle Arti di Perugia. Questa esperienza svela una poetica parallela nella loro pratica artistica, stimolandoli a lavorare in una direzione comune. Negli ultimi anni hanno partecipato a diverse mostre collettive, tra cui Parabola ad ArtVerona i8-spazi indipendenti; Visao expandida alla Biennale di Curitiba, Brasile, e Paesaggio in movimento, Saluzzo.
Tra le mostre personali:
Naturally Artificial al Museo d’arte contemporanea Villa Croce, Genova;
Antennae alla Tenuta la favola, Val di Noto (SR).
Tra i riconoscimenti:
vincitori della residenza Fully_Grounding – BridgeArt; vincitori del premio Matteo Olivero; segnalati per il V premio MERU Art*Science.

Approfondimento critico
 

Massimo Palazzi: (prima domanda)
Anto Milotta: Penso che qui ci sia una lettura interessante del lavoro e di alcuni punti importanti per il tipo di ricerca che stiamo conducendo, ma la complessità della domanda richiede una sintesi, esige la scelta di una direzione.
Zlatolin Donchev: Quale connessione tra materia e tempo? Poi: tecnologia e natura, quale interfaccia possibile tra materiale e immateriale?
AM: Sono attratto dall’idea che paradossalmente quando raggiungi la consapevolezza che qualcosa si può fare hai creato perfettamente quella cosa prima ancora che essa trovi il tempo di essere realizzata.
Il pensiero è la scintilla che attiva la gigantesca macchina del processo di realizzazione e proprio in questo legame sottile tra immaginazione ed esistenza sta il contatto tra natura e tecnologia.
ZD: Porterei il discorso ancora oltre. Credo che le idee non siano cose che avvengono dentro di noi: noi siamo dei canali che permettono a queste idee di entrare nel mondo materiale, siamo i mezzi del loro fluire, ma anche le macchine che le realizzano. Il punto di connessione tra il mondo etereo in cui circolano le idee e il mondo reale siamo noi. Sta a noi raggiungere certe sensibilità per accordarci un certo tipo di pensiero in modo da offrire i canali più adatti a questo tipo di energie.
AM: E’ questa l’idea alla base di Antennae. In questo senso la figura che balla intorno all’antenna è una metafora anche abbastanza spicciola di un’idea più alta.
ZD: Una chiave di lettura utile per capire la dinamica del film è considerare quell’antenna una specie di totem che non è altro che uno strumento per comunicare con un aldilà.
 

MP: (seconda domanda)
AM: Mi viene subito in mente il lavoro PPP. Quando abbiamo iniziato a ragionare sull’uso dell’audio, la cosa che più ci ha affascinato è stata l’idea di un qualcosa che andasse oltre ai confini materiali dell’oggetto e dello spazio, che avesse la capacità di attraversare la materia e farsi sentire, aggiungendo alle informazioni visive un altro canale diverso e complementare. La stessa frase, estratta dal film Teorema ( P.P. Pasolini, 1968) rivendica il diritto di una libertà personale che è quella della Proprietà Privata cui allude la targa in marmo con le iniziali di Pasolini. In questi termini il lavoro diventa politico,parla di confini, di possibilità, di anarchia. Rispetto ad esso Monumentum segna un passo successivo del nostro approcciarci all’ascolto e mostra tutte quelle componenti che impediscono l’ascolto di un luogo per quello che è. La dinamica del Kaos si traduce in un’idea di progresso di sovrabbondanza, il cimitero è un luogo costruito a misura degli uomini più ancora di una casa. Paradossalmente in quel luogo dove vorresti poter ascoltare qualcosa, l’ascolto diventa utopia. Da un lato l’anarchia del suono lo fa arrivare dove non vorresti trovarlo, ma dall’altra ti impedisce di ottenere quello che cerchi ed è qui che nasce l’idea della composizione, di andare oltre a ciò che sei in grado di ascoltare.
ZD: Puntualizzo che l’audio è una sorgente di energie che ha bisogno di una materia, in questo caso l’aria, per essere trasmesso, per arrivare alle persone, mentre le onde elettromagnetiche sono energie che non hanno materia e attraversano tutto, acqua, atmosfera eccetera. In quest’ottica Antennae è il passo successivo rispetto a questo messaggio che viaggia al di là dell’audio attraverso la fisicità di un luogo. Al di là della proprietà privata ci sono gli spazi condivisi… con Antennae scopriamo un mondo fluido in cui non importano i concetti umani di limite, confine e spazio chiuso. Non c’è neanche una dimensione personale interiore, perché queste onde attraversano anche noi, ci passano informazioni e probabilmente ci cambiano. Il nostro sguardo è sempre più rivolto verso il medium più che il messaggio. Forse davvero il medium diventa il messaggio, se ha senso rileggere McLuhan ai tempi dell’antropocene.
 

MP: (terza domanda)
ZD: Abbiamo un ragazzo indiano evidentemente abituato a ballare i suoi ritmi tradizionali, ma cosa succede quando ha nelle orecchie i suoni delle antenne? Risponde in maniera genuina ascoltando
inizialmente i tamburi, poi si abbandona naturalmente a questo mondo ignoto che per lui ha connotazioni diverse rispetto alle nostre. E non c’è risposta migliore del suo corpo che danza, perché nessuna informazione verbale sul nostro lavoro in Sicilia avrebbe potuto arrivargli così direttamente come il suono attraverso le cuffie. Nel momento in cui gli abbiamo dato la possibilità di esprimere quello che sentiva, finalmente ha capito cosa stavamo facendo, tanto che poi ha deciso di seguirci in diverse tappe del progetto.
AM: Ci sono riflessioni interessanti anche in merito al background musicale che ti permette di definire oggi cosa è musica e cosa non lo è e chi si occupa di musica contemporanea ascolterebbe questi suoni in maniera diversa da un ascoltatore qualsiasi. Ma qual è il senso di costruire una macchina che permette di captare questi suoni? Ce lo siamo chiesti anche noi e la cosa che ci ha colpito di più è stata che a differenza di chi, come noi, avrebbe potuto leggere questo fenomeno con un approccio critico, l’unico che si è avvicinato istintivamente è stato un contadino indiano, un factotum, i cui occhi erano pieni di luce. A lui questo faceva risuonare qualcosa che altri non sentivano. Quando abbiamo visto la sua attenzione durante le prove ci è apparsa un’immagine perfetta per Antennae: volevamo fare un totem e abbiamo trovato questa figura ancestrale con un’energia spontanea. Tornando all’Ayahuasca, e alla questione energetica legata al nostro lavoro, ogni tipo di esperienza ultra-sensoriale va a stimolare qualcosa dentro di noi suggerendo l’esistenza di una connessione con qualcosa di più alto che non sei abituato a sentire solo perché le tue orecchie non hanno la capacità di sentire, ma che il tuo corpo sente eccome. Come hanno dimostrato ultimamente i tre premi Nobel della medicina rispetto al meccanismo
che collega il moto della Terra e l’orologio biologico dei viventi, siamo tutti perfettamente connessi in un unico enorme meccanismo: avere la capacità di fare esperienza di tale continuità richiede un’attenzione, un’apertura, una libertà e un’ingenuità particolari.
 

MP: (quarta domanda)
AM: Perché no? Penso che c’è tanto di romantico in ciò che facciamo anche se la forma rimane rigida, contenuta in schemi determinati. In PPP il materiale impiegato diventa forma. Tu hai parlato della polvere come di un’enorme scultura, anche in Monumentum tutto questo è palese nell’ascolto della complessità della natura che cambia nel corso del tempo.
ZD: A me viene in mente che se in un dipinto romantico c’è una figura che contempla la natura, in Monumentum è il microfono che contempla la natura ma c’è anche la camera che riprende il microfono e, retrocedendo ulteriormente, dietro la camera ci siamo noi, e poi ancora, chi c’è dietro di noi? Forse in questa profondità di dimensioni, che svela i diversi strati della realtà inquadrata e porta a perdersi nella complessità dell’ambiente, c’è qualcosa di romantico. Soprattutto in Monumentum ritorna il discorso della natura e dell’entropia intesa come principio fondamentale e fondante contro cui si batte il principio vitale, che nonostante tutto nasce dentro di noi e permette a un sistema, a una macchina, di combattere il degrado della materia utilizzando le diverse energie dell’ambiente in cui prospera. Il nostro principio vitale combatte ma è destinato comunque a morire. Ma cosa muore? È questa forse la domanda fondamentale di Monumentum, muore la materia umana certo e si disfano le sue costruzioni, ma un principio vitale si manifesta attraverso la piante, le radici ed è proprio lo scontro di questi opposti che si
fa oggetto del nostro discorso.
 
MP: (quinta domanda)
ZD: Questi tre lavori per noi rappresentano un ciclo che si chiude con questa mostra, che assume una forma completa che ci permette di vedere in primis noi stessi e scoprire che comunque stiamo
percorrendo istintivamente una strada che ci accorgiamo era già tracciata. I tre lavori segnano il percorso di un’evoluzione tecnica, implicano un elemento artificiale sempre più complesso. Inoltre, Antennae non è solo la conseguenza di un primo passo fatto con Monumentum e PPP ma è anche la chiave di lettura di PPP e Monumentum. In questo senso chiude il girotondo di un ciclo che aiuta noi stessi a comprendere i nostri interessi attraverso un sistema di connessioni.
AM: Mi accorgo che l’idea che tiene insieme tutto il nostro lavoro è questa dialettica di naturale e artificiale che diventa un passaggio inevitabile, in cui il ruolo della tecnologia che non è sterile e freddo ma diventa davvero un mezzo che ci dà la possibilità di leggere la contemporaneità e l’ambiente circostante nell’accezione più ampia del termine. Non si può parlare di immateriale a proposito dell’uso di immagini digitali e onde sonore perché c’è un lavoro fisico necessario alla realizzazione di quello che facciamo, in termini di elaborazione dell’immagine e composizione di materiali raccolti con registrazioni sul campo, ma anche attinti agli archivi open-source disponibili online.
 
Testo redatto trascrivendo un’intervista di Massimo Palazzi agli artisti, registrata a Genova il 6/8/2017

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Appartamento del Doge]]>

PICASSO
Capolavori del Museo Picasso, Parigi

10 novembre 2017 – 6 maggio 2018

Geniale, ribelle, passionale, ludico, ironico: Pablo Picasso è tutto questo e molto di più.
È l’artista che più profondamente ha segnato l’arte del Novecento, rivoluzionandone il metodo e i canoni estetici. Lui, che ancora adolescente possedeva già una eccezionale maestria tecnica, nella sua lunga e instancabile ricerca artistica giunse ad abbandonare i virtuosismi, in favore di un’arte diretta, energica e vitale.

La mostra presenta una selezione di opere provenienti dal Musée Picasso di Parigi, suddivise in sezioni tematiche, che permettono di ripercorrere la straordinaria avventura umana e creativa dell’artista.
Da quelle d’ispirazione africana dei primissimi anni del Novecento sino alle più mediterranee bagnanti e ai celebri ritratti di donna degli anni Trenta e Cinquanta: la mostra fa emergere la poetica di Picasso in tutta la sua travolgente bellezza.
Si tratta in particolare di opere che Picasso ha sempre tenuto con sé nel corso degli anni e dei suoi trasferimenti, che lo hanno accompagnato: tracce evidenti del profondo legame arte-vita che lo ha contraddistinto. In esposizione anche numerose fotografie, che lo ritraggono accanto alle opere nei suoi diversi atélier, che furono in realtà delle vere e proprie officine creative, dagli esordi parigini del Bateau-Lavoir fino alle mas, le grandi case nella campagna provenzale in cui decise di trascorrere gli ultimi anni.
Una mostra articolata che mette in luce le radici mediterranee e la profonda vitalità della sua arte, per scoprire il suo sguardo sulla realtà, passionale, mai banale, mai uguale a sé stesso.

Picasso-Méditerranée : Un’iniziativa del Musée national Picasso-Paris
«Picasso-Mediterraneo» è un evento culturale internazionale che ha luogo dalla primavera 2017 alla primavera 2019. Più di sessanta istituzioni hanno immaginato una serie de mostre sull’opera «ostinatamente mediterranea» di Pablo Picasso. Su iniziativa del Musée national Picasso-Paris, questo percorso nel lavoro dell’artista e nei luoghi che l’hanno ispirato presenta una nuova esperienza culturale, dedicata a rinsaldare i legami da entrambe le parti del Mediterraneo.

PICASSO
Masterpieces from the Musée Picasso, Paris

10 November 2017 – 6 May 2018

Brilliant, rebellious, passionate, playful, ironic – Pablo Picasso was all of these things and much more.
He was the artist who left the deepest mark on twentieth-century art, revolutionizing its methods and aesthetic canons. Even as an adolescent he already possessed an exceptional mastery of technique. Then in his long and tireless artistic quest he left mere virtuosity behind, seeking instead to create art that was direct, energetic and dynamic.
The exhibition presents a selection of works from Paris’s Musée Picasso that have been divided into thematic sections, thus allowing the visitor to retrace the artist’s extraordinary artistic and human adventure.
Ranging from his early nineteenth-century African-inspired works to his more Mediterranean bathers and the celebrated portraits of women he made in the thirties and fifties, the exhibition reveals Picasso’s poetics in all its overwhelming beauty.
In particular, these are works that Picasso always kept with him over the years as he moved constantly from place to place. They were part of his everyday life, tangible signs of the deep-seated connection between art and life that was his hallmark. The exhibition also displays numerous photographs depicting him alongside his works. We see him in some of his many ateliers, which were in actual fact more like creative workshops, from his Parisian beginnings in the Bateau-Lavoir to the various mas, the large farmhouses so typical of the Provençal countryside where he chose to spend the last years of his life.
This organically structured exhibition highlights the Mediterranean roots and profound vitality of Picasso’s art, giving an insight into his way of looking at reality – passionate, never banal and constantly breaking new ground.

Appartamento del doge,

Palazzo Ducale
piazza Matteotti, 9
16123 Genova

Orari
Lunedì: 11:30 – 19:30
Da Martedì a Giovedì: 9:30 – 19:30
Venerdì: 9:30 – 22:00
Sabato e Domenica: 9:30 – 19:30
La biglietteria chiude un’ora prima
25 dicembre chiusa
Aperture straordinarie
1 novembre, 8 dicembre, 26 dicembre, 1 gennaio, 6 gennaio, 1 aprile, 2 aprile, 25 aprile, 1 maggio: dalle 9.30 alle 19.30
31 dicembre dalle 09.30 alle 2 (ultimo ingresso ore 1)
 
6 maggio: dalle 9.30 alle 24 – la biglietteria chiude alle 23
 
Biglietteria
Intero con audioguida 13 €
Ridotto con audioguida 11 €
Gruppi (sabato e domenica) 13 €
Gruppi (dal lunedì al venerdì) 11 €
Scuole (inclusa prevendita) 6 €
Ridotto giovani fino ai 26 anni(ogni venerdì dalle 14 alle 21) 5€
Congiunto con mostra “André Kertész“: intero 17 € – ridotto 15 €
 
Presentando il biglietto della mostra Antonio Ligabue o della mostra André Kertész. Un grande maestro della fotografia del Novecento, si ha diritto a un ingresso ridotto a 11€
 
Acquista online
Acquista on line
 
Diritti di prenotazioni e prevendita
Singoli 3 € Gruppi 3 € (a persona)
 
Info e prenotazioni
tel +39 0109280010
 
Prenotazioni scuole
tel +39 0108171604
prenotazioniscuole@palazzoducale.genova.it
 
 
 
Opening Hours
Monday: 11.30 am – 7.30 pm
Tuesday to Thursday: 9.30 am – 7.30 pm
Friday: 9.30 am – 10.00 pm
Saturday and Sunday: 9.30 – 7.30 pm
Last admission one hour before closing time
 
Admission
Adults with audioguide 13 €
Concessions with audioguide 11 €
Groups (Saturday and Sunday) 13 €
Groups (Tuesday to Thursday) 11 €
School Groups (including presale) 6 €
Visitors up to 26 years old(Friday from 2 to 9 pm) 5€
 
Presale fee
Individual 3 €Groups 3 € (per person)
 
Info and booking
tel +39 0109280010
 
School reservations
tel +39 0108171604
prenotazioniscuole@palazzoducale.genova.it
 

I visitatori sono tenuti a lasciare all’ingresso delle zone espositive bagagli e a depositare negli appositi armadietti borse voluminose e zaini.
Negli spazi espositivi e congressuali è inoltre vietato:
- introdurre animali, ad eccezione di quelli utili per accompagnare le persone disabili, e qualunque oggetto che per le sue caratteristiche possa rappresentare un rischio per la sicurezza delle persone, dell’edificio, delle strutture;
- effettuare riprese fotografiche e audiovisive non autorizzate o in deroga con le norme esposte alla biglietteria;
- fumare in tutti i locali della Fondazione;
- usare il cellulare all’interno degli spazi espositivi;
- consumare cibi e bevande.
Altri divieti possono essere imposti in biglietteria o direttamente nelle zone espositive per ragioni di sicurezza
L’intera carta dei Servizi di Palazzo Ducale è consultabile qui

Intorno a Picasso
Una serie di incontri dedicati a temi e artisti della mostra, a cura di Anna Orlando
 
11 dicembre 2017
Guernica Picasso tra arte e impegno civile
27 novembre 2017
Les Demoiselles d’Avignon. Picasso verso le avanguardie
20 novembre 2017
Le déjeuner sur l’herbe. Picasso tra passato, presente e futuro

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Sala Liguria]]>

dal 28 ottobre al 12 novembre 2017
Sala Liguria
mostra a cura di
Luciano Caprile

Consulta il sito della mostra

Ingresso libero, tutti i giorni dalle ore 9 alle 19
venerdì dalle ore 9 alle 21

Arte come sofferenza, arte come intima scarnificazione, arte come lettura impietosa di sé e del proprio tempo. Per Raimondo La Magna il tardo approdo alla pittura è maturato dopo un lungo percorso di studio e di ricerca da riversare nella precedente attività di cartellonista e quindi di restauratore tramite la continua sperimentazione di pigmenti, di colori e di materiali che sembravano scaturiti dall’inconscio o da quella parte che viene di solito tenuta a bada dalla ragione perché foriera di ricorrenti dubbi e di strazi interiori. Seguendo tale iter ( nutrito anche di cultura poetica da riflettersi in particolare nel nome di Eugenio Montale ) egli è pervenuto a una pittura di pudica ostensione e quasi di impietosa espiazione. Tanto da indurlo a distruggere certi dipinti col pretesto della loro inadeguatezza; invece venivano probabilmente eliminati per cancellare il peso costante e insopportabile di qualche dolorosa memoria che li accompagnava. E di cui forse si sentiva complice o colpevole. Non è agevole entrare nel merito di certe logiche che hanno indotto grandi maestri a immolarsi nelle loro opere, a subirne il sinistro fascino o la reiterata denuncia.
La mostra di Palazzo Ducale permette pertanto al visitatore di entrare nello spirito e nel gesto di un artista che ha scelto di esibire certe contraddizioni e certi strazi che non solo appartenevano a lui ma che appartengono a tutti noi dal momento che ci accompagnano nella vita di tutti i giorni. Lo ha fatto avvalendosi di allegorie che chiamano in causa non solo la figura umana ma anche la natura morta e certi mirabili scorci della nostra città. In tal modo ogni elemento rappresentato sulla carta, sulla tela o sulla faesite si traduce con lui in palpitante allusione esistenziale, in momento di critica riflessione. La Magna non mima semplicemente la vita nella descrizione o nell’interpretazione di un elemento d’occasione ma trasforma il gesto in momento di critica riflessione e di maggior conoscenza di se stessi.

Art as suffering, art as the intimate stripping of flesh, art as a harsh reading of oneself and of one’s time. For Raimondo La Magna the late arrival to painting matured after a long course of study and research that reversed in the previous activity of poster designing and so as a restorer through the constant experimentation of pigments, of colours and of materials that seemed sprung from the subconscious or from the part of the brain that reason controls as it heralds recurring doubts and interior torment. Following this path (also nourished by poetic culture that reflects in particular in the name of Eugenio Montale) he reached a painting technique of modest ostentation and almost of ruthless atonement. Such as to push him to destroy certain paintings with the justification of their inadequacy; instead they were probably destroyed to cancel the constant and unbearable weight of some painful memory that accompanied them. And of which he felt accomplice or guilty. It is not easy to enter within certain reasons that induced the old masters to sacrifice themselves in their work, to undergo their allure or the reiterate denunciation.
The exhibition of Palazzo Ducale therefore permits the visitor to enter within the spirit and the movement of an artist that chose to show certain contradictions and certain torments that weren’t only his but belong to all of us from the moment that they accompany us in everyday life. He did it by using allegories that recall not only the human figure but also still life and certain incredible views of the city. In such a way every element represented on paper, on canvas or on hardboard translates with him in a pulsing existential allusion, in a moment of critical reflection. La Magna doesn’t simply imitate life in the description or in the interpretation of an element of opportunity but transforms the gesture in a moment of critical reflection and of a greater knowledge on oneself.

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Sala Dogana]]>

dal 19 ottobre al 5 novembre 2017
Sala Dogana

Inaugurazione 19 ottobre, ore 18
Orario: mar-dom, ore 15-20
Ingresso libero

Giovedì 19 ottobre alle ore 18 a Sala Dogana a Palazzo Ducale inaugura la mostra “Monitoraggi 5”. Il progetto espositivo del Dipartimento di Comunicazione e Didattica dell’Arte dell’Accademia Ligustica, giunto alla sua quinta edizione, ritorna a Sala Dogana proponendo cinque lavori site-specific.

Selezionati per la loro qualità e per il loro interesse dalla commissione composta da Simona Barbera, Alessandro Fabbris, Alessandra Gagliano Candela, Emilia Marasco, Cesare Viel fra i numerosi presentati dai giovani artisti, i progetti di BS5 (Vittoria Carrieri, Elisa Lollini, Matilde Mele, Sara Taverna, Carolina Tonini), Fabio Bergaglio e Arianna Maestrale, Arianna Spanò, Marco Tonnicchi Bonfilio, Adele Zunino sperimentano in un’ottica personale media diversi, dall’installazione, alla fotografia, alla performance, al video. Indagini e memorie di esperienze personali, tracce di eventi performativi, ricerche sulla percezione, riflessioni sulla contemporaneità delineano negli ambienti di Sala Dogana un flusso continuo, offrendo uno sguardo originale sul mondo.

In questa edizione, inoltre, BLART, il blog d’arte sviluppato dagli studenti di Progettazione Artistica per l’Impresa sotto la guida di Emilia Marasco, presenterà backstage e suggestioni critiche sui progetti e sugli artisti in mostra.
Monitoraggi 5 si propone quindi come la testimonianza della vivacità creativa dei giovani artisti dell’Accademia e segna una tappa importante nella collaborazione tra l’Accademia Ligustica e Sala Dogana, ormai al suo secondo anno.

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Sottoporticato ]]>

Rubaldo Merello tra divisionismo e simbolismo
Segantini, Previati, Nomellini, Pellizza
6 ottobre 2017 – 4 febbraio 2018

 

A oltre quarant’anni dalla Mostra di Rubaldo Merello che, curata da Gianfranco Bruno in collaborazione con Franco Sborgi, diede avvio alla rilettura dell’opera di uno tra i più interessanti e originali pittori liguri del Novecento e a quasi trent’anni dall’esposizione che lo stesso Bruno organizzò all’Accademia Ligustica e al Palazzo della Permanente di Milano, dando risalto a un’esperienza a lungo sottovalutata o interpretata come fenomeno di carattere locale, questa mostra propone una nuova ricognizione critica della sua peculiare vicenda artistica e umana.
La mostra non si configura come una retrospettiva ma intende ricostruire la produzione di Merello mettendola direttamente a confronto con alcune testimonianze significative del contesto culturale in cui essa maturò e che, in larga parte connotato dalle esperienze divisioniste e simboliste, finì per caratterizzare trent’anni di vita artistica italiana, tra gli ultimi decenni dell’Ottocento e la Grande Guerra.
Lungo il percorso della mostra, le opere di Merello – dipinti soprattutto, ma anche una consistente selezione della sua opera grafica e buona parte della sua attività plastica ancora rintracciabile – dialogano con quelle degli artisti che egli ebbe modo di conoscere alle Promotrici e in altre occasioni espositive o che ebbe l’opportunità di incontrare: da Giovanni Segantini a Gaetano Previati, dal 1901 presente a Lavagna; da Plinio Nomellini, che si trasferì a Genova nel 1890 e vi rimase fino al 1902, a Giuseppe Pellizza, anche lui residente per alcuni mesi a Genova, dove le sue opere vennero esposte negli anni successivi. Vittore Grubicy, Emilio Longoni, Angelo Morbelli e Galileo Chini aggiungono ulteriori tasselli a questo contesto artistico, mentre Guido Cinotti, Filiberto Minozzi, Benvenuto Benvenuti e Adriano Baracchini-Caputi fecero parte, con Merello, della scuderia di artisti che Alberto Grubicy presentò a Parigi nel 1907 al Salon des Peintres Divisionnistes Italiens.
Nel suo volontario isolamento sul monte di Portofino, concentrandosi ossessivamente sugli stessi angoli di paesaggio, Merello finì con elaborare una propria visione introspettiva della natura che, tangente alle contemporanee esperienze internazionali postimpressioniste e fauve, trovò pure riscontri con le ricerche di altri artisti liguri, da Antonio Discovolo a Domenico Guerello
 
A cura di Matteo Fochessati e Gianni Franzone

5 ottobre 2017, ore 18, l’inaugurazione

5 ottobre 2017, ore 11.30, la conferenza stampa

I visitatori sono tenuti a lasciare all’ingresso delle zone espositive bagagli e a depositare negli appositi armadietti borse voluminose e zaini.
Negli spazi espositivi e congressuali è inoltre vietato:
- introdurre animali, ad eccezione di quelli utili per accompagnare le persone disabili, e qualunque oggetto che per le sue caratteristiche possa rappresentare un rischio per la sicurezza delle persone, dell’edificio, delle strutture;
- effettuare riprese fotografiche e audiovisive non autorizzate o in deroga con le norme esposte alla biglietteria;
- fumare in tutti i locali della Fondazione;
- usare il cellulare all’interno degli spazi espositivi;
- consumare cibi e bevande.
Altri divieti possono essere imposti in biglietteria o direttamente nelle zone espositive per ragioni di sicurezza
L’intera carta dei Servizi di Palazzo Ducale è consultabile qui

Sottoporticato
Palazzo Ducale
piazza Matteotti, 9
16123 Genova

La mostra
Rubaldo Merello. La vita
Segantini, Previati, Nomellini, Pellizza
Le vedute fotografiche di Alfred Noack

Orari:
dal martedì al venerdì 10-13 e 15-19
sabato e domenica 10-19; chiuso il lunedì
La biglietteria chiude un’ora prima
Apertura straordinaria lunedì 29 gennaio e orario continuato per tutti i giorni dalle 10 alle 19 fino a domenica 4 febbraio.

Speciale Visite Guidate
29 dicembre, ore 19
1 gennaio, ore 15.30
5 gennaio, ore 19
A cura dell’Associazione Genova in… mostra!
Costo 16€,compreso biglietto di ingresso
Prenotazioni: info@genovainmostra.it – 3703289126

Biglietti:

intero 10€
ridotto 8€
ridotto giovani under 27 martedì – venerdì pomeriggio (dalle ore 15) 5€
scuole 4€
bambini/ragazzi da 6 a 18 anni 4€
tariffa famiglia 1 adulto + 1 bambino 12€
Prenota su Vivaticket
 
Per la prenotazioni gruppi adulti prenotazioni@palazzoducale.genova.it
 

Proposte educative intorno alla mostra
Presentazione della mostra per gli insegnanti

Intorno a Merello
Una serie di incontri dedicati a temi e artisti della mostra, a cura di Matteo Fochessati e Gianni Franzone
 
19 gennaio 2018
Dal “motivo” alla “visione”.
Gaetano Previati, la Liguria e Merello
12 gennaio 2018
Milano capitale del divisionismo 1891 – 1906
5 dicembre 2017
Alberto Grubicy e il sogno di un divisionismo internazionale
28 novembre 2017
Marine e paesaggi della Riviera Ligure
nelle collezioni dell’Accademia Ligustica
14 novembre 2017
Il fascino della luce.
La Riviera ligure nella fotografia di fine Ottocento

Hotel convenzionati

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Rubaldo Merello tra divisionismo e simbolismo
Segantini, Previati, Nomellini, Pellizza
6 ottobre 2017 – 4 febbraio 2018

 

Segantini, Previati, Nomellini, Pellizza

Grubicy e il mito di Segantini
Con la prematura scomparsa di Giovanni Segantini, morto il 28 settembre 1899 sul ghiacciaio dello Schafberg e seppellito nel piccolo cimitero di Maloja, nasce il mito del maestro della montagna, pioniere delle ricerche divisioniste e autore di suggestivi paesaggi alpestri che ispirarono le ricerche di numerosi artisti.
Suo mentore era stato il gallerista e critico d’arte Vittore Grubicy che, dopo aver introdotto in Italia le teorie relative alla scomposizione della luce e del colore, iniziò lui stesso, verso il 1884, ad applicare tale dottrina estetica a una ricerca pittorica influenzata dalle coeve ricerche olandesi e ispirata da un acceso sentimento empatico con la natura.
Il fratello Alberto Grubicy svolse un’instancabile attività espositiva in Italia e all’estero per promuovere le ricerche divisioniste, incluse quelle delle più giovani generazioni.
Dopo aver esposto nel 1901, in occasione della rassegna di pittura organizzata a Genova presso lo studio del fotografo Rossi, tre opere di Segantini, organizzò infatti a Parigi nel 1907 il Salon des Peintres Divisionnistes Italiens, al quale partecipò anche Rubaldo Merello, presente pure a due sue successive mostre: nel 1911 al Museo Segantini di Sankt Moritz e nel 1921 al Museo del Paesaggio di Pallanza.

Previati e il paesaggio ligure

Fu nel 1901 che Gaetano Previati iniziò a soggiornare con regolarità a Lavagna, dove si traferì stabilmente nel 1918, per morirvi infine due anni più tardi.
Lontano dal frastuono della metropoli milanese, i lunghi periodi trascorsi nel paese della Riviera di levante furono per lui momenti di grande tranquillità interiore che favorirono una rinnovata felicità creativa. Grazie a «un più intimo contatto con la natura nell’aria aperta», i suoi colori divennero più chiari e liberi, più squillanti e smaglianti; una luce nuova invase le sue tele. I paesaggi di Previati non sono descrittivi, sono “paesaggi ideali” nel senso di

«vere e proprie visioni impregnate di un lirismo che trova un riscontro effettivo nella poesia decadente»

E se anche Merello si distacca progressivamente da una visione naturalistica del paesaggio, caricandola di suggestioni simboliche sempre più forti, in realtà non rinuncia mai del tutto al contatto con il dato reale, laddove invece Previati tende a distaccarsene, soprattutto nelle opere più impegnative, come Tramonto in Liguria del 1912.

Il mare di Nomellini

Dopo gli esordi in Toscana – dove fu allievo di Giovanni Fattori – Plinio Nomellini si trasferì a Genova nel 1890, in un’epoca in cui il suo progressivo distacco nei confronti della tradizione realista e la sua emergente vocazione internazionale (nel 1889 aveva partecipato all’Esposizione Universale di Parigi) coincisero con una fase culturalmente molto vivace nel capoluogo ligure, come attestato nel 1892 dalla contestuale pubblicazione del capolavoro verista La bocca del lupo di Remigio Zena e dell’articolo L’arte nuova, in cui il critico Mario Morasso salutò la diffusione in Liguria delle tendenze divisionista e simbolista.
Entrato nel vivo del dibattito culturale e politico della città – nel 1894 fu arrestato per associazione anarchica, recluso nel carcere di Sant’Andrea e successivamente scagionato grazie al sostegno degli amici pittori guidati da Telemaco Signorini – Nomellini introdusse a Genova un divisionismo non ortodosso attraverso alcuni dipinti di vibrante impegno sociale e ideologico. Inoltre il sodalizio umano e artistico con Ceccardo Roccatagliata Ceccardi, che lo mise in contatto con il gruppo di artisti vicino a Merello, contribuì a caricare la sua ricerca pittorica di valenze simboliste, come esemplificato dalla sua panica rappresentazione della natura.
Figura di spicco della vita artistica del capoluogo ligure e costantemente presente alle Promotrici, Nomellini nel 1890 invitò a Genova Giuseppe Pellizza, che in novembre si iscrisse ai corsi dell’Accademia Ligustica. Fondamentale appare infine la sua influenza sulla ricerca pittorica di Merello, che da lui traspose la pennellata filamentosa, i tagli scorciati delle inquadrature, la vibrante e accesa tavolozza cromatica, ma anche una predominante tensione simbolista nella rielaborazione del paesaggio.

Pellizza da Volpedo. Verso il paesaggio interiore

Pur avendo partecipato nel 1907 al Salon des Peintres Divisionnistes Italiens di Parigi, i dipinti di Merello – definiti «vibranti» dalla critica del tempo – rispecchiano una progressiva assunzione della tecnica “divisa” come mezzo di resa espressiva e simbolica della luce. Recensendo la sua mostra postuma del 1926, Carlo Carrà scrisse infatti che Merello intendeva con la sua pittura «spingere gli effetti luminosi al limite estremo».
Un esempio significativo in tale ambito fu rappresentato dalla svolta pittorica che Giuseppe Pellizza imboccò nei primi anni del Novecento: la pulsante e misteriosa atmosfera de Il roveto o le struggenti vibrazioni cromatiche di Nubi di sera sul Curone emanano infatti un senso evocativo della natura. Si tratta di un’impostazione estetica che si ritrova pure nell’universo pittorico di Merello, le cui vedute – improntate da una progressiva liberazione da rigorosi precetti cromatici e stilistici – invitano a penetrare idealmente nel paesaggio: per raccoglierne – nel superamento di una rappresentazione fedele – l’essenza più nascosta e per restituire, nonostante l’assenza di figure, l’arcano legame tra uomo e natura.

La mostra
Rubaldo Merello. La vita
Segantini, Previati, Nomellini, Pellizza
Le vedute fotografiche di Alfred Noack

Sottoporticato
Palazzo Ducale
piazza Matteotti, 9
16123 Genova

Orari:
dal martedì al venerdì 10-13 e 15-19
sabato e domenica 10-19; chiuso il lunedì
La biglietteria chiude un’ora prima
Aperture straordinarie
1 novembre, 8 dicembre, 26 dicembre, 1 gennaio, 6 gennaio: dalle 10 alle 19

Biglietti:
intero 10€
ridotto 8€
ridotto speciale 5€
scuole 4€

Hotel convenzionati

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Rubaldo Merello tra divisionismo e simbolismo
Segantini, Previati, Nomellini, Pellizza
6 ottobre 2017 – 4 febbraio 2018

 

Rubaldo Merello. La vita

Rubaldo Angelo Merello nasce il 16 luglio 1872 a Montespluga, frazione del comune di Isolato Valtellina (Sondrio), dove il padre, funzionario di dogana, era stato distaccato.
Nel 1881 si trasferisce con la famiglia a Genova. Qui nel 1889, compiuti gli studi classici, si iscrive all’Accademia Ligustica, frequentandone i corsi sino al 1893. Nel 1913 sarà nominato Accademico di merito per la classe di pittura.
Nel 1894 condivide uno studio a Nervi con Pietro Albino e Edoardo De Albertis, dedicandosi alla scultura e al disegno, e partecipa a Milano all’Esposizione Triennale di Brera con il gesso per il monumento funerario Finis.
Nel 1906 partecipa per la prima volta alla mostra della Società Promotrice di Belle Arti di Genova con quattro dipinti e la sua pittura inizia a risentire anche l’influenza di Giuseppe Pellizza. Nello stesso anno si trasferisce a San Fruttuoso, ospite del parroco Massimo Mortola, risiedendo inizialmente nella Torre Doria.
Sempre nel 1906, attraverso Paolo de Gaufridy, entra in contatto con il gallerista Alberto Grubicy, che nel 1907 lo invita a partecipare al Salon des Peintres Divisionnistes Italiens da lui organizzato a Parigi: Merello vi espone sei dipinti, tra i quali Studio di mare. La scogliera, che Grubicy donerà in seguito alla Galleria Nazionale d’Arte Moderna di Roma. Lo stesso anno presenta alla Promotrice due tele, Montefino e Marina, provenienti dalla collezione di Pietro Guastavino.
Nel 1908 il Comune di Genova acquista con i fondi della donazione Brignole Sale De Ferrari il suo dipinto San Fruttuoso di Camogli, datato 1907.
Nel 1909 tiene una mostra personale al Circolo Artistico Tunnel di Genova.
Nel 1911 espone alla rassegna Gemälde Ausstellung Italianischer Divisionisten organizzata da Alberto Grubicy presso il Museo Segantini di Sankt Moritz.
Nonostante le ricorrenti visite a San Fruttuoso dei critici d’arte Mario Maria Martini e de Gaufridy, del Nobel per la letteratura Gerhart Hauptmann, dell’avvocato Agostino Virgilio, suo collezionista e membro della Promotrice, e degli amici artisti Eugenio Baroni, Pietro Albino e Eugenio Olivari, sono questi per Merello anni di isolamento nel romitaggio del borgo marinaro.
Nel 1913 suo figlio muore di difterite a causa di un tardivo intervento medico. Il luttuoso evento, che sconvolge la mente della moglie, segnerà profondamente il pittore il quale, alla fine dello stesso anno, decide di trasferirsi con la famiglia a Portofino, dove tra il 1914 e il 1919 torna a dedicarsi alla scultura, realizzando pure una serie di studi per monumenti funebri e disegni di soggetto religioso e mitologico.
Nel 1914 tiene una mostra personale alla Promotrice di Genova.
Nel 1915 illustra il poema Le nozze dei centauri di Sem Benelli, suo estimatore e amico, nel cui Castello di Zoagli, tra gli altri, il critico d’arte Enrico Sacchetti, il quale così ricorderà le sue tante manie:

«la mania dell’Arte, la mania della teosofia, la mania della persecuzione (è inutile aggiungere che era un misantropo)»

Nel 1918 si trasferisce a Santa Margherita Ligure e nel 1919 termina la statua del Dolore per il cimitero di Camogli, che fu rimossa dopo la metà degli anni cinquanta.
Nonostante la sua pittura appaia ormai profondamente distaccata dalla lezione divisionista, Merello partecipa nel 1921 all’Esposizione dei Divisionisti Italiani presso il Museo del Paesaggio di Pallanza: alla mostra, organizzata ancora da Alberto Grubicy, partecipano anche Gaetano Previati, Carlo Fornara, Adriano Baracchini-Caputi, Guido Cinotti, Leonardo Dudreville, Cesare Maggi, Filiberto Minozzi, Carlo Prada e gli scultori Libero Andreotti, Giuseppe Grandi e Paolo Troubetzkoy.
Lo stesso anno Sem Benelli lo invita a esporre alla Fiorentina Primaverile, ma Merello muore improvvisamente il 31 gennaio 1922 ed è seppellito nel cimitero di Portofino.
La sua esposizione personale all’interno della Fiorentina Primaverile, organizzata dalla Società delle Belle Arti di Firenze presieduta da Sem Benelli, inaugura postuma nel luglio del 1922: tutte le opere di Merello provengono dalla raccolta del collezionista Alfredo Giannoni di Novara.

La mostra
Rubaldo Merello. La vita
Segantini, Previati, Nomellini, Pellizza
Le vedute fotografiche di Alfred Noack

Sottoporticato

Palazzo Ducale
piazza Matteotti, 9
16123 Genova

Orari:
dal martedì al venerdì 10-13 e 15-19
sabato e domenica 10-19; chiuso il lunedì
La biglietteria chiude un’ora prima
Aperture straordinarie
1 novembre, 8 dicembre, 26 dicembre, 1 gennaio, 6 gennaio: dalle 10 alle 19

Biglietti:
intero 10€
ridotto 8€
ridotto speciale 5€
scuole 4€

Hotel convenzionati

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Ducale Spazio Aperto]]>

Marco Nereo Rotelli
dal 12 al 18 settembre 2017
Ducale Spazio Aperto
ore 10-19

Un filo (azzurro) unisce tutta la ricerca artistica di Marco Nereo Rotelli, artista veneziano che ha reso visibile un incredibile intreccio tra media differenti, dalla pittura alla scultura, dalle grandi installazioni luminose urbane alle miniature. È sempre sulle “differenze” che si aggancia l’arte e la creatività di Rotelli, sul suo essere artista lavorando inequivocabilmente sulla parola.

Come ricorda Achille Bonito Oliva “nel verso giusto si muove la parola nell’isola delle poesie, col vento di molte lingue ed un unico respiro. Marco Nereo Rotelli si fa Eolo che soffia in tutte le direzioni, nelle molte etnie di un’eco che assume sempre in cadenza il ritmo di una parola in rivolta, rivolta a molteplici mari”.

Rotelli nel suo perpetuo gioco creativo ben descritto da Serena Mormino, che presenta la mostra A-MARE a Palazzo Ducale di Genova nel Ducale Spazio Aperto, opera fra segno e di/segno e scende in campo con la sua arte in difesa di valori necessari all’uomo. Segno questo di un’attenzione etica oltre che estetica.

Indotto dall’amicizia con Gemma Malerba presidente di Unitalsi Ligure, Marco ha pensato a un pro/getto nel senso che qui come non mai e percepibile una proiezione verso l’altro, verso chi soffre, verso chi non può che ricevere amore per poter vivere.

Non si tratta di opere recuperate ma di creazioni indotte dalla riflessione sul mare della vita, ecco allora ben cento e una piccole opere ove fluiscono linguaggi minori, quei linguaggi trattati nella società digitalIzzata come relitti e riscattati dall’artista in difesa delle identità.

Tema questo sul quale Marco si e già precedentemente impegnato con importanti mostre, come quella realizzata prima a Parigi nell’Espace culturel Louis Vuitton e poi alla 53° Biennale di Venezia con “Save the poetry”. Ecco allora che questa nuova tappa della sua ricerca è un prezioso appuntamento per scoprire un intarsio stilistico tra segni che accoglie in sé nuova vita.

Non potevano certo mancare in una mostra di Marco Nereo Rotelli i poeti. Con gesto di solidarietà e condivisone al progetto saranno presenti ad inaugurare la mostra Jean Portante e Loretto Rafanelli che apriranno la serata con un reading poetico accompagnato dalla musica di Gianluca Littera, il più importante Harmonicista italiano che ha composto un pezzo inedito dedicato al respiro del mare.

Siamo l’Unione Nazionale Italiana Trasporto Ammalati a Lourdes e Santuari Internazionali, che tanti conoscono per i treni bianchi sui quali viaggiano, insieme alla speranza e alla fede, i nostri volontari con gli ammalati.
Pochi sanno che, anche quando il pellegrinaggio è terminato, noi continuiamo a camminare con loro, perché da 114 anni U.N.I.T.A.L.S.I. prende per mano chi ha bisogno.
Al centro della nostra storia c’è la carità, operativa e creativa, degli oltre centomila aderenti che cercano di vivere il Vangelo nella quotidianità, offrendo, ciascuno secondo le proprie possibilità, un impegno per dare sollievo e speranza a chi si rivolge a noi.
Come diceva Madre Teresa di Calcutta

Non possiamo sempre fare grandi cose nella vita, ma possiamo fare piccole cose con grande amore

I progetti di U.N.I.T.A.L.S.I. sono realtà che i volontari portano costantemente avanti grazie all’aiuto economico di chi ci sostiene nelle nostre attività di raccolte fondi.
Uno dei più importanti progetti che U.N.I.T.A.L.S.I. ha realizzato è il “Progetto Bambini” che offre interventi di sostegno alle famiglie con bambini affetti da varie patologie, costretti a lasciare la propria casa per sottoporsi a cure presso l’Istituto Gaslini di Genova. Per realizzare questo progetto, dal 2006, l’U.N.I.T.A.L.S.I. di Genova gestisce tre appartamenti adiacenti all’ospedale, completamente ristrutturati in base alle esigenze degli ospiti, dove, tutto l’anno, vengono accolte le famiglie dei bambini ricoverati.
Altro importante Progetto è quello “Giovani”, per far vivere ai ragazzi l’importantissima esperienza formativa del volontariato a Lourdes e far conoscere loro i nostri cinque valori: Amore, Fede, Speranza, Gioia e Servizio.
Partendo proprio da questi valori, che contraddistinguono la nostra associazione, è nata nel 2015, ed è tutt’ora in corso, la Campagna denominata #doniamocoloreallavita, in cui abbiamo abbinato a ciascuno di essi un colore, Rosso-Amore, Blu-Fede, Verde-Speranza, Giallo-Gioia, Viola-Servizio, e organizzato eventi che li pongono al centro dei nostri progetti.
“A-MARE” nasce dalla generosissima donazione di 101 quadri realizzati, appositamente per noi, da Marco Nereo Rotelli che, in queste opere, ha unito i vivaci colori di pesci e di oniriche creature marine a un progetto d’amore per i meno fortunati.

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Sala Dogana]]>

Dal 7 al 24 settembre 2017
Sala Dogana

Inaugurazione 7 settembre 2017, ore 18
 
Orario: mar-dom ore 15-20
Ingresso libero
 
Progetto di Melkio & Yuri Segalerba

What is a hero?
It’s something that saves you…
 
Palazzi infiniti dei quartieri popolari, zone abbandonate e ambienti post-industriali.
Colate di grigio su cumuli di persone annientano la personalità, la fantasia, la speranza.
Ma finalmente qualcuno è arrivato per salvarci.
Sono gli eroi di Cemento, guerrieri robot dai poteri speciali forgiati da un’immaginazione che, nonostante tutto, sopravvive e ci tiene vivi.Le foto di Yuri Segalerba, in giro per il mondo, cercando luoghi abbandonati ed aree esageratamente popolari sono state rivisitate dalla fantasia di Melkio, decostruendole.
Una rivincita ideale dell’uomo e della sua creatività sul tentativo sistematico di soffocamento da parte della società odierna.
 
About the project
 
di Melkio
‘L’inizio dell’amicizia con Yuri si perde nei meandri del tempo che fu. Non saprei definire il rapporto che ho con lui, fatto di piccoli momenti intensi intervallati da lunghi silenzi;ma di certo posso dire che è una delle persone più importanti della mia vita, nonostante la distanza.
Oltre l’amicizia però c’è anche il rispetto del suo lavoro.
Sono affascinato dalle atmosfere delle sue foto: malinconiche, tristi ma contemporaneamente, fredde e senza emozioni. Scatti di un occhio riflessivo, più profondo di quello che vorrebbe dare a vedere.
Per questo il desiderio di “far qualcosa assieme” era forte ma non riuscivo a trovare un punto d’incontro, tra due modi di esprimersi (i nostri)apparentemente inconciliabili.
 
Poi, come spesso accade, l’idea arriva per caso, quando meno te l’aspetti.
Così una foto postata un giorno qualsiasi su facebook diede inizio a cement heroes: un’ altra avventura da vivere, di nuovo, assieme’.
 
di Yuri Segalerba
‘Con Melkio ci conosciamo ormai da una vita. Ci siamo incontrati per via di una passione condivisa e siamo cresciuti insieme. I nostri interessi si sono evoluti in parallelo, anche quando le nostre vite ed i nostri impegni ci hanno tenuto lontano. Ed ogni volta, come succede tra 2 veri amici, rincontrarsi richiede il tempo di un abbraccio per far si che il rapporto riparta da dove si era interrotto. Il progetto CEMENT HEROES è nato casualmente, con rapidità, entusiasmo e spontaneità, 3 elementi che a mio avviso caratterizzano la personalità di Melkio. Ho pubblicato una foto che avevo scattato ad un palazzo durante una mia mostra a Parigi e dopo 20 secondi mi arriva una notifica che Melkio ha commentato con una foto. Lì ho incontrato il primo Robot del nostro esercito. Gli altri sono nati con la stessa velocità, e la cosa che mi ha sempre colpito è che le foto dove prima vedevo solo edifici, dopo essere passate attraverso la fantasia di Melkio non mi sembrano più le stesse. Ora quando scendo in strada armato di macchina fotografica le periferie non sembrano più così fredde. Da dietro le finestre dei palazzi gli occhietti di teneri robot mi sorridono e mi distraggono dalle forme architettoniche chiedendomi di portarli davanti all’immaginazione di Melkio’.

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Atrio ]]>

Dal 28 luglio all’8 ottobre 2017
Corridoio del Munizioniere,
ingresso da piazza Matteotti

di Cinzia Ghigliano
 
Ingresso libero

In occasione della mostra Vivian Maier. Una fotografa ritrovata e in continuità con le iniziative del Premio Andersen, che quest’anno si è svolto a maggio nella Sala del Munizioniere di Palazzo Ducale, in esposizione le riproduzioni delle tavole del libro Lei. Vivian Maier di Cinzia Ghigliano (Orecchio acerbo editore), vincitore del Premio Andersen 2016 al miglior libro “fatto ad arte”.
“Vivian era misteriosa. Portava camicie da uomo, imprecava in francese, conosceva a memoria tutti i racconti di O. Henry, camminava come un uccello. E così, come un trampoliere dalle lunghe gambe, ha attraversato il suo tempo fotografandolo”. Un diario. Il diario di Vivian Maier. Scritto non con la penna ma con la macchina fotografica, la sua inseparabile Rolleiflex. Sempre al collo, sempre sul cuore.
 
 
Una collaborazione Palazzo Ducale Fondazione per la Cultura, Andersen – la rivista e il premio dei libri per ragazzi, Orecchio acerbo editore
 

Tra le poche fumettiste italiane, Cinzia Ghigliano ha collaborato con importanti testate, da Linus a Il corriere dei Piccoli, esplorando anche l’illustrazione, in particolare nell’editoria per ragazzi. Negli ultimi anni si è molto concentrata sulla pittura, allestendo mostre itineranti dedicate alla interpretazione pittorica della Poesia (“Se parole e suoni fossero colori” -dedicata ai testi di Fabrizio De Andrè- e “Tradurre con il colore” -dedicata all’Antologia di Spoon River di Edgar Lee Masters- interpretazione pittorica delle voci di quattro grandi traduttori, Cesare Pavese, Fernanda Pivano, Beppe Fenoglio e Fabrizio De André). Quando non disegna o dipinge, Cinzia insegna illustrazione e fumetto presso l’Accademia Pictor di Torino e presso il Corso di Illustrazione dello IED, l’Istituto Europeo di Design di Torino.

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Sala Dogana]]>

Dal 30 giugno al 16 luglio 2017
Sala Dogana

Inaugurazione 30 giugno 2017, ore 18
 
Progetto di Niccolò Pizzorno
 
Orario: dal martedì alla domenica ore 15-20
Ingresso libero

Tenui sfumature acquarellate, chiaroscuri esasperati e catacombali, inappagabili invenzioni visive, giochi di specchi citazionistici e divertiti accentuano le dinamiche sequenze d’azione di Un mondo nuovo, originale e innovativa graphic novel del giovane illustratore e fumettista Niccolò Pizzorno, edita dalla casa editrice palermitana I Buoni cugini editori. Genova – città decostruita dal gioco dell’horror – è invasa da un’inarrestabile orda di zombi. Una tenace eroina dai capelli rossi, aiutata da un’impercettibile costellazione di sopravvissuti, combatte una guerra individuale e, allo stesso tempo, collettiva. I voraci cadaveri barcollanti sono spinti, come da tradizione, da una fame inestinguibile di carne umana, ma la causa scatenante di questa incontrollabile epidemia non è più una formula magica che legittima un rito di magia nera, una droga futuribile, un virus sfuggito da un laboratorio oppure un ceppo batterico sconosciuto. Il colpevole di questa tremenda invasione è il mugugno, onomatopeica voce che indica il brontolio caratteristico dei genovesi. Si sa come talvolta il lamentarsi porti all’assenza di dialogo, alla mancanza di scambi – sociali, culturali, amicali, sentimentali – tra gli esseri umani, alla rinuncia a una presa di posizione o a una spinta al cambiamento. Il giovane autore ha voluto racchiudere in un anima di carta la protesta splatter verso questo atteggiamento mentale autodistruttivo, portatore di uno status conservativo atto a demolire ogni prospettiva futura.
La storia raccontata nella graphic novel supera le barriere cartacee per divenire un percorso sonoro, fotografico, artistico, teatrale e multimediale che impegna il corpo e la mente. Lo spettatore può finalmente provare a calarsi nelle atmosfere del fumetto in compagnia del collettivo d’artisti genovesi PLUR41, dalla cui collaborazione con Ama – Associazione Abitanti della Maddalena nacque Un mondo nuovo, costruttivo evento che ebbe il merito di ospitare il nucleo originario di questa straordinaria storia a fumetti, da cui l’autore Niccolò Pizzorno prese affettuosamente in prestito il titolo dello stesso per descrivere una storia che ha l’ambizione di trasmettere una scossa elettrizzante e necessaria.
Glauco Piccione
 
Programma delle attività previste
 
>>> venerdì 30 giugno | h18
in compagnia di PLUR41, vernissage e performance sonora video teatrale
 
>>> domenica 2 luglio | h16 – h18
workshop fotografico I VOLTI DI UN MONDO NUOVO
 
>>> domenica 9 luglio
h16 – h18
workshop fotografico I VOLTI DI UN MONDO NUOVO
h18 – h19.30
workshop olistico L’ARTE E IL MOVIMENTO, la percezione dei sensi attraverso il movimento corporeo
 
>>> venerdì 14 luglio
presentazione di UN MONDO NUOVO con l’autore Niccolò Pizzorno, coordina Glauco Piccione
 
>>> domenica 16 Luglio | h18 – h19.30
workshop olistico L’ARTE E IL MOVIMENTO, la percezione dei sensi attraverso il movimento corporeo
 
Artisti coinvolti
Gruppo PLUR41
Renato REC e Anomalo DJ
Giulio de Paoli, Daniela Vescovo, Pino Costaro – Fotografi
Giuliogol e Drina A12 – Muralisti
Niccolò Pizzorno – Illustratore
 
> Presentazione di UN MONDO NUOVO a cura dell’Autore Niccolò Pizzorno e Glauco Piccione – Direttore artistico della rivista Segnali di confine
 
> Workshop olistico L’ARTE E IL MOVIMENTO la percezione dei sensi attraverso il movimento corporeo, a cura di Paola Fava Counselor e cintura nera di judo 2dan
 
> Workshop fotografico I VOLTI DI UN MONDO NUOVO a cura di Giulio de Paoli, Daniela Vescovo, Pino Costaro
 
> performance Teatrale al Vernissage a cura della Compagnia Filò – Gloria Maranatti e Nicoletta Vaccamorta
 
> Video installazione
con fotografie di Giulio de Paoli, Daniela Vescovo, Pino Costaro elaborate da Giuliogol e Drina A12 – montaggio di Fabio Giovinazzo