La mostra “Helmut Newton. Fotografie. White Women / Sleepless Nights / Big Nudes” presenta, per la prima volta a Genova, oltre 200 immagini di Helmut Newton, uno dei fotografi più importanti e celebrati del Novecento.
Curata da Matthias Harder e Denis Curti e organizzata dalla Fondazione per la Cultura di Palazzo Ducale Genova in collaborazione con Civita e la Fondazione Helmut Newton di Berlino, l’esposizione è frutto di un progetto, nato nel 2011 per volontà di June Newton, vedova del grande fotografo.
La rassegna raccoglie le immagini di White Women, Sleepless Nights e Big Nudes, i primi tre libri di Newton pubblicati alla fine degli anni ‘70, volumi oggi considerati leggendari e gli unici curati dallo stesso Newton.
Nel selezionare le fotografie, Newton mette in sequenza, l’uno accanto all’altro, gli scatti compiuti per committenza con quelli realizzati liberamente per se stesso, costruendo una narrazione in cui la ricerca dello stile e la scoperta del gesto elegante sottendono l’esistenza di una realtà ulteriore, di una vicenda che sta allo spettatore interpretare.

  
Copyright immagine: Sie kommen – from the series Big Nudes – Paris 1981 © Helmut Newton Estate

        

Conferenza Stampa

Inaugurazione

Non solo selfie. Jotaf, Opera Recente

13 – 21 giugno 2015
Sala Liguria
 
Inaugurazione: 12 giugno ore 17
 
Un cammino caratterizzato sovente anche da errori. Nella fotografia l’atto artistico ha inizio prima di riprendere l’immagine: non è questione di stile e non dipende dal soggetto della scena, ma dalle intenzioni e dalle pratiche di realizzazione. L’arte di Jotaf si potrebbe ritrovare in quella che viene definita “fotografia soggettiva” di stampo californiano. Nelle sue competenze pedagogico-artistiche, in una visione dell’” educazione alla fotografia”, include anche un approccio empatico e una lettura psicologica delle immagini. Esse, infatti, sono la punta dell’iceberg
di un progetto, o la realizzazione finale di un procedimento che si allontana sempre più dall’idea romantica e naif del fotografo che vaga tra le vicende della vita quotidiana, in attesa di catturare un atteggiamento od un’inquadratura.
Perché l’uso del bianco e nero? A volte il colore può risultare un elemento percettivamente molto forte che attrae oltremodo molto l’attenzione dell’osservatore. Di conseguenza, la sola presenza del colore può distogliere dagli altri elementi di una fotografia, come la luce o la trama della superficie degli oggetti. Qualora poi si tratti di pigmenti molto forti e brillanti, il loro effetto distraente è maggiore, oltre ad assumere, di primo acchito, un valore documentaristico, di mera registrazione degli eventi. Il bianco e nero invece, per sua natura, si differisce dalla realtà e lascia maggiore spazio all’interpretazione. L’impatto visivo rende “automaticamente” la ripresa in bianco e nero più indistinta, ipotetica, irreale. Ma, quasi d’incanto, l’utilizzo del colore diviene necessario, è l’immagine stessa che te lo chiede gridando, e la sua forza diviene indiscutibile. In realtà, è solo quando vedi la fotografia che riuscirai a sapere se debba essere a colori oppure no!
Perché l’uso del bianco e nero a colori? la luce è somma di tinte, toni e sfumature che penetrano nei nostri corpi e condizionano le nostre reazioni, il nostro umore, le nostre emozioni. Il colore avvolge le ore del giorno e delle stagioni, intervallato dalla notte, metronomo che ritma il trascorrere del tempo. Si creano relazioni inconsce profonde tra colori e sensazioni, simili in tutte le civiltà, tanto che persino il linguaggio è pregno di espressioni che usano i colori per esprimere concetti indescrivibili. Per esempio la percezione del giallo è molto sviluppata
tanto da riuscire a distinguere ed a “classificare” una moltitudine di sfumature: i popoli primitivi distinguevano molti più gialli di noi “civilizzati”, così come gli uomini del Settecento discernevano molte più gradazioni, quantità e qualità di suoni di noi “moderni”. Non sempre il “progresso” è sinonimo di miglioramento. Feliz sperimenta la “teoria dei colori” in bianco nero
quale apporto importante al messaggio che intende trasmettere, sfruttando con coerenza ed armonia il “dipingere con la luce” che è somma di animazione tra monocromatismi e mancanza di colore, ossia il bianco-nero ma pur esso, a tutti gli effetti, colore. Per questi motivi Non solo selfie supera il difficilissimo esame del tempo, allo scopo di restituire “un ricordo” a noi orfani della nostra storia e della nostra cultura.
Un risultato comunicativo davvero di altissimo livello!
Andrea Panizzi

Giornale Antropomorfo

4 – 14 giugno 2015
Spazio46 di Palazzo Ducale
 
Inaugurazione mercoledì 3 giugno 2015 ore 18
 
personale di Silvio Monti
a cura di Virginia Monteverde
 
ART Commission Events
 
presentazione critica a cura di Stefano Bigazzi
La mostra rimarrà allestita fino al 14 giugno e vedrà l’esposizione di una serie di opere che Monti ha realizzato utilizzando la carta di un quotidiano. L’artista sottolinea in questo modo l’importanza della carta stampata e della presenza dei quotidiani nella nostra società e nella nostra cultura.
 
… Una babele di parole, notizie, suggerimenti, moniti, recensioni nei giornali antropomorfi di Silvio Monti, che nello Spazio46 di Palazzo Ducale dispone sei grandi installazioni la cui materia prima è costituita dalla carta. Pagine di Repubblica lasciano la quotidianità per aggregarsi come materia nuova in un nuovo contesto, fisico e mentale… (Stefano Bigazzi)
 
Silvio Monti è nato a Borgomanero nel 1938. Ha frequentato la Spolecznos Akademia Uniwersytetu Batorego a Londra. E’ stato allievo di Marian Bohuz Szysko. Ha frequentato lo studio di Oscar Kokoschka. Nel 1963 da Londra si trasferisce a Parigi, Bruxelles, Wiesbaden, Dublino, Beyrouth, Roma, per poi stabilirsi a Varese dove attualmente vive e lavora.
Disegna e illustra diversi CD del cantautore Angelo Branduardi e con lui partecipa al Tour Europeo “Paint Session” nel 2003, con performance e pittura in teatri di Germania, Austria, Svizzera, Belgio e Italia. Sue opere sono esposte in Musei ed Enti Pubblici italiani ed esteri.

Tonino Conte. Due volte quaranta
Un compleanno patafisico

29 maggio – 28 giugno 2015

A cura di Fondazione Luzzati Teatro della Tosse

Per gli ottant’anni di Tonino Conte, regista, scrittore, artista visivo e visionario, un percorso espositivo con fotografie, bozzetti, manifesti, modellini, scenografie, testi letterari e
incursioni teatrali.

Un omaggio all’immaginario poetico di Tonino Conte, originale, complesso ma non complicato, semplice ma non facile, popolare ma non banale.

Un’esposizione ostinatamente patafisica per raccontare un modo di fare arte, teatro e letteratura “artigianale” e fuori da tutti gli schemi.

Social Illusion

31 marzo – 12 aprile 2015
Sala Dogana, Palazzo Ducale
 
progetto di Pawel Kuczyński
 
a cura di Emilia Saglia, Karolina Kowalcze e Raffaello Franiuk
 

inaugurazione 31 marzo, ore 18
opening March 31th, 6pm
 
Dal 31 marzo al 12 aprile si terrà presso Sala Dogana a Palazzo Ducale di Genova la mostra “Social Illusion”, illustrazioni del noto artista Pawel Kuczyński.
 
Kuczyński è un giovane artista polacco che attraverso le sue opere, piene di ironia e di sarcasmo, riflette sui problemi dell’attuale società, ovvero quelli del consumismo, della guerra, dei meccanismi politici, della povertà, della dipendenza da internet e dai social media.
Le sue diagnosi sociali illustrate sono estremamente suggestive e non hanno bisogno di essere accompagnate da nessuna spiegazione. L’artista, infatti, non dubita dell’intelligenza dell’osservatore e grazie all’umorismo nero delle sue illustrazioni raffigura in modo diretto e spesso sfrontato il peso delle responsabilità di ciò che è stato creato dall’uomo.
 
La mostra, curata da Emilia Saglia, Karolina Kowalcze e Raffaello Franiuk, è il primo appuntamento del progetto “Prossima fermata: Polonia” che dal 31 marzo al 29 aprile proporrà un ciclo di incontri artistici, letterari e gastronomici sulla cultura polacca.
Il progetto è stato ideato dall’Associazione culturale Gulasch in collaborazione con il Consolato Generale della Repubblica di Polonia in Milano e la Sezione di Polonistica dell’Università degli Studi di Genova. Il progetto è realizzato con il sostegno del Ministero degli Affari Esteri della Repubblica di Polonia.
 
L’associazione culturale e di promozione sociale “Gulasch” nasce a Genova nel 2013 dall’incontro di un gruppo di persone unite dall’interesse comune per quello che geograficamente – ma anche politicamente e in senso storico – è chiamato, dal mondo Occidentale, Est Europa.
Ai numerosi Paesi che lo compongo i membri dell’associazione sono legati da ragioni affettive, di sangue e di provenienza, ma anche di studio, lavoro e passione. Gulasch è l’identità attraverso la quale promuovono eventi culturali per raccontare, vivere e condividere il loro “mal d’Est”.
 
Prossimi apputnamenti:
 
I seguenti appuntamenti saranno ospitati in via dei Giustiniani 3r, presso il ristorante “Kowalski”.
 
8 aprile – ore 18.30
Evento gastronomico “Una Mela al Giorno”
Sarà una lezione tenuta dalla cuoca del ristorante, Agnieszka Zareba, durante la quale verrà raccontato un menù interamente polacco in cui il fil rouge sarà la mela, simbolo ufficiale del padiglione polacco all’Expo 2015. Alla fine, i partecipanti siederanno ad un’unica tavola per degustare l’oggetto della lezione appena tenuta. È necessaria la prenotazione.
Prezzo Lezione e cena a seguire: 25 euro. Inizio lezione: ore 18.30. Inizio Cena ore 20.00
 
9 aprile – ore 18.30
Evento letterario “Tra italofobia e italomania”: l’immagine dell’Italia nella letteratura e nell’arte polacca a cura di Fabrizia Scortecci e Karolina Kowalcze
I rapporti tra Polonia e Italia vantano una tradizione secolare di cui troviamo tracce non solo in ambito culturale e artistico, ma anche nella vita sociale e quotidiana dei due popoli. Le relatrici approfondiranno le peculiarità di tali relazioni, soffermandosi sull’alternanza in esse di tensioni opposte e spesso conflittuali: adorazione e disprezzo.
 
9 aprile – ore 20.00
“Kowalski Backs to Poland: MAŁOPOLSKA (La Piccola Polonia)!”
La prima di un ciclo di cene a tema dedicate alle regioni della Polonia. Un viaggio gastronomico che parte dalla terra sulla quale sorge la meravigliosa città di Cracovia e ai cui confini si erge la catena montuosa dei monti Tatra.
 
10 aprile: – ore 19.00
Evento fotografico: Mittelphoto Polonia a cura di Alberto Rizzerio e Karolina Kowalcze
Presentazione di alcuni giovani fotografi contemporanei polacchi nell’ambito del progetto Mittelphoto che pruomuove l’arte fotografica dell’Europa Centro-Orientale.
 
15 aprile: – ore 20.00
“Kowalski Backs to Poland: MAZURY (Masuria)!”
Il nostro viaggio gastronomico in terra Polacca approda nella regione dei laghi. Kowalski proporrà un menù nel quale il pesce d’acqua dolce sarà assoluto protagonista.
 
17 aprile – ore 18.30
Workshop gastronomico: “La Mela Alcolica”
Lezione su come confezionare interessanti drink a base di mela. E’ gradita la prenotazione mentre sarà obbligatorio degustare! Prezzo lezione più degustazione: 10 euro.
 
22 aprile – ore 19.00
Incontro lettearario: “Amori proibiti nella letteratura polacca del 900″, a cura della Prof.ssa Laura Quercioli, responsabile della Sezione di Polonistica dell’Università di Genova
L’incontro seguirà il filo rosso di come alcuni dei massimi scrittori polacchi del Novecento abbiano scelto di illustrare pulsioni ed amori “illeciti”, sia etero che omosessuali.
 
23 aprile – ore 20.00
“Kowalski Backs to Poland: POMORZE (Pomerania)!”
In occasione dell’arrivo sui muri del “Kowalski” della mostra personale di Pawel Kuczynski, viene offerto al pubblico un menù dedicato alla regione polacca dalla quale proviene l’artista.
 
29 aprile – ore 20.00
“Kowalski Backs to Poland: ŚLąSK (Slesia)!”
Il piccolo tour delle regioni polacche visitate attraverso le loro caratteristiche gastronomiche termina con la visita alla regione della Slesia. Un affascinante assaggio dei piatti tipici di questa terra del sud polacco.
 
La gelateria Profumo di Rosa di via Cairoli presenterà nel mese di aprile uno speciale gelato pensato per omaggiare “Prossima fermata: Polonia!”.
 
L’associazione culturale e di promozione sociale “Gulasch” nasce a Genova nel 2013 dall’incontro di un gruppo di persone unite dall’interesse comune per quello che geograficamente – ma anche politicamente e in senso storico – è chiamato, dal mondo Occidentale, Est Europa.
Ai numerosi Paesi che lo compongo i membri dell’associazione sono legati da ragioni affettive, di sangue e di provenienza, ma anche di studio, lavoro e passione. Gulasch è l’identità attraverso la quale promuovono eventi culturali per raccontare, vivere e condividere il loro “mal d’Est”.

Viaggio col Poeta.
La poesia incontra la pittura

31 marzo – 12 aprile 2015
Palazzo Ducale, Sala Liguria
 
Inaugurazione 31 marzo 2015
 
Una mostra nata dalla collaborazione tra il poeta Guido Zavanone, alcuni Artisti e la Fondazione Mario Novaro.
L’idea è quella di attraversare le pagine del suo poema Il viaggio stellare, edito da S. Marco dei Giustiniani, ricavandone dipinti e disegni liberamente ad esse ispirati. Un viaggio che coinvolge lo spettatore in una sorta di giostra vertiginosa, costellata di parole, figure, colori.
A questa avventura con Zavanone, poeta visionario e recente vincitore del premio Cesare Pavese, hanno dato il loro prezioso apporto nove artisti, differenti tra loro per tendenze e dati anagrafici, ma tutti con una ricca storia artistica alle spalle:
Milly Coda
Gigi Degli Abbati
Walter Di Giusto
Sergio Giordanelli
Luigi Grande
Bruno Liberti
Sergio Palladini
Raimondo Sirotti
Giuseppe Trielli
 
Alla mostra, che raccoglie le opere (quattro per ogni artista per un totale di 36) e i versi che le hanno ispirate, si affianca una pubblicazione con le immagini e i testi poetici, introdotta da una presentazione di Giulio Sommariva (Conservatore del Museo dell’Accademia Ligustica di Genova).
Curata da Walter Di Giusto con il patrocinio della Fondazione Mario Novaro Onlus e dell’ UNESCO, l’iniziativa avrà carattere itinerante: prima tappa dal 7 al 22 Marzo 2015 presso Il Castello di Rapallo, la seconda nella sala Liguria del Palazzo Ducale di Genova dal 31 Marzo al 12 Aprile 2015.
 

Mai perdute forme del Mondo

12 – 22 marzo 2015
Inaugurazione 12 marzo, ore 17

La mostra Mai perdute forme del Mondo, la persistenza del figurativo in alcune esperienze contemporanee, sarà allestita a Palazzo Ducale (Liguria Spazio Aperto) nel periodo che va dal 12 al 22 marzo (vernissage, 12 marzo, ore 17), dove saranno esposte opere di artisti figurattivi contemporanei e dove, il 20 marzo alle ore 17, si svolgerà nell’auditorium attiguo allo spazio della mostra un Convegno in cui la storica e critica dell’arte Lorena Gava traccerà un profilo di tutti gli artisti partecipanti e spiegherà il senso della mostra e l’importanza di rilanciare il figurativo italiano di qualità, quello che attinge alla nostra grande tradizione e nel contempo la rinnova.

Interverranno al Convegno Alessandra Gagliano Candela, docente dell’Accademia Ligustica di Belle Arti, per riaffermare la centralità di questa prestigiosa istituzione per la formazione degli artisti e Luisa Caprile, presidente della Fondazione Garaventa, per presentare un bando di concorso nazionale sul ritratto celebrativo, onde proseguire il processo di attenzione sull’arte figurativa.

L’iniziativa è organizzata dall’Associazione Voltar Pagina, presidente Miriam Pastorino, e dal Circolo Arci Pinetti, presidente Giampiero Ielli, col patrocinio della Regione Liguria e del Comune di Genova.

Gli artisti:
Elisabeth Cyran, Luisa Caprile, Dionisio di Francescantonio, Paola Ginepri, Sergio Massone, Dario Modena, Vittorio Morandi, Fabio Prati, Svevo Salvini, Maria Luisa Seghezza, Elisabetta Semeria, Rossella Tassinari, Alessandra Varbella, Lenka Vassallo.

Inaugrazione:

Eugenio Carmi. Speed Limit 40

27 febbraio – 17 maggio 2015
 

Palazzo Ducale presenta dal 27 febbraio al 17 maggio 2015 un’ampia antologica delle opere di Eugenio Carmi, artista nato a Genova, dove ha anche lavorato dal 1956 al 1965 come responsabile dell’immagine per l’industria siderurgica Cornigliano-Italsider, e che durante la sua vita da cosmopolita ha costruito un percorso artistico riconosciuto a livello internazionale.
La mostra, curata da Nicoletta Pallini, raccoglie più di cento opere di tutti i suoi periodi, dalla fine degli anni ’40 al 2013: dipinti su tela, su tavola e su carta, fra “latte litografate”, video, libri illustrati per bambini in collaborazione con Umberto Eco, “segnali immaginari”, fotografie e documenti, permette di mettere a fuoco l’universo creativo, poetico e immaginifico di Carmi, che più che artista e pittore ama definirsi un “fabbricante di immagini”.
Un’occasione per approfondire la sua singolare vicenda artistica a cominciare da alcune opere giovanili della fine degli anni ’40, ancora figurative, per arrivare ai collages informali degli anni ’60 e all’invenzione delle latte litografate e dei suoi cartelli antiinfortunistici, fino a un ritorno alla pittura vera e propria negli anni ’70 scandita dalla scoperta di una “geometria lirica” fatta di figure euclidee, di piani colorati che si intersecano e si inseguono in equilibri inattesi e mai scontati.
Il percorso espositivo che si snoda lungo la Loggia degli Abati inizia con alcune opere dei suoi anni giovanili, due vedute di Genova, il suo autoritratto e quello dell’artista Kiky Vices Vici, sua moglie. Sono dipinti della fine degli anni Quaranta e dei primi Cinquanta e nella composizione, nei toni del colore, nella stessa pennellata, si avverte l’importanza che Felice Casorati, suo maestro, ebbe in quel periodo.
Dagli anni ’50 agli anni ’60 Eugenio Carmi ha vissuto un intenso momento di sperimentazioni: ha lavorato sulla tela, sulla carta ma anche con smalti su acciaio, ha disegnato stoffe e si è misurato molto con la grafica. Il suo quadro Appunti sul nostro tempo del 1959, dove il segno è appena abbozzato su una macchia di colore, fa pensare nella sua essenziale purezza all’arte giapponese, non privo di un’ intensa musicalità. La stessa che troviamo in altre opere di quegli anni, come Senza titolo del 1956, Senza titolo del 1963 e Alfabeto dello stesso anno. Musicalità che ritorna nelle sue opere successive, quelle degli anni ’70, quando la sua ricerca pittorica si concentra su una rigorosa astrazione geometrica.
 
Pochi anni fa, una vera rivelazione per Carmi è la riscoperta della sezione aurea e come dice nella bella conversazione, introduzione al catalogo della mostra (Skiraeditore), fatta con Nicoletta Pallini: “Il mio interesse a realizzare opere sulla sezione aurea nasce pochi anni fa, mano a mano che aumenta il mio interesse per le regole della natura e che aumentano le mie letture scientifiche sulla presenza nella natura di regole molto precise e funzionali. Già i greci avevano conoscenza del rapporto 1,6… che esiste nella sezione aurea e un esempio dei più famosi è il Partenone”.
Alcune opere su questo tema sono in mostra e in catalogo.
E da allora a oggi la sua ricerca prosegue, dando vita a ulteriori approfondimenti e lasciando aperto uno spiraglio che offre nuove possibilità di indagine sul mistero della natura, della forma e dell’universo.
 
La mostra gode del Patrocinio del Ministero dei Beni e delle Attività Culturali e del Turismo.

Gli adulti non esistono
Adults don’t exist

26 febbraio – 15 marzo 2015
Sala Dogana, Palazzo Ducale
 

inaugurazione giovedì 26 febbraio, ore 18
opening Thursday February 26th, 6pm
 
progetto di Cristina Gardumi
a cura di Beatrice Giovannoni
 

installazioni, materiali vari
toe story, 2015, video installazione, in stop motion
da 1 a 13, 2014-2015, tecnica mista su carta velina + qr code technology, suono
 
Gardumi presenta un progetto site specific per indagare sulla possibilità di rituali personali, quotidiani, anche routinari, come forma replicante e nevrotica nella contemporaneità del mito, precedente l’organizzazione del pensiero razionale per l’uomo all’inizio della sua storia, e apparato/frammento abbastanza necessario a sostenerne la capacità di guardare la sua condizione esistenziale. Dice Gardumi che questo processo sperimentale, di conoscenza e autoaffermazione della specie, che da sempre continua senza esclusione di colpi, avviene oggi secondo modalità che appaiono meno codificate in ortodossie collettive, macro rituali, e più probabilmente riferibili a minuscoli, ossessivi esercizi di controllo, preferibilmente? autoreferenziali, condotti nello spazio, privato, che meglio definisce il nostro limite individuale, confortevole, spietato, eternamente piccolo, tra(n)scendente? Cosi, la macaca è l’antropoide e la psiche da toeletta, la scimmia esplorata, manipolata, abusata, ammaestrata, il mandylion che restituisce nello sguardo il segno penoso del confronto, vicinissimo, da uomo a uomo, un tentativo di autoidentificazione, e di evoluzione controllata, tollerabile, della specie umana, su ogni altra.
 
Al suo ingresso, il visitatore è provvisto di QR code, la cui scansione per il tramite di una applicazione per smartphone consente l’ascolto della fase sonora dell’installazione.
 
Cristina Gardumi, Brescia 1978, artista visiva, performer, attrice. Vive e lavora tra Pisa, Roma e Genova. Ha vinto il Premio Celeste Pittura 2011 e il Premio Arte Laguna Pittura 2012.
info ABOUTNESS contemporary art, 333 1344345

Srebrenica 1995-2015
Bosnia-Erzegovina 20 anni dopo. Un futuro perduto?

22 febbraio – 8 marzo 2015
Sala Liguria
 
A vent’anni dal genocidio di Srebrenica (il più grande eccidio in Europa dalla fine della seconda guerra mondiale) e dalla fine della guerra nella ex Jugoslavia, il Centro Culturale Primo Levi, in collaborazione con l’Associazione Culturale 36° Fotogramma e Genova Palazzo Ducale propone, la mostra fotografica “Srebrenica 1995-2015”, contenente le immagini di reportage realizzate in occasione del grande funerale collettivo che si celebra ogni anno nel mese di luglio, sui luoghi della strage (Fotografie di: Carmelo Calabria, Marco Dragonetti, Stefano Fazio, Federico Montaldo, Rosanna Ponsano, Marco Tomassini). Palazzo Ducale di Genova – Sala Liguria. Dal 22 febbraio all’8 Marzo 2015.Inaugurazione domenica 22 febbraio 2015, ore 18. Presentazione di Silvio Ferrari.
In collaborazione con Dipartimento Scienze Politiche (DISPO) dell’Università di Genova si terrà inoltre un incontro dal titolo “Bosnia-Erzegovina 20 anni dopo. Un futuro perduto?”. Palazzo Ducale di Genova. Sala Minor Consiglio, 1 Marzo 2015, ore 17.

Outsiders
Tre artisti fuori schemi

20 febbraio – 18 marzo 2015
Spazio 46 Rosso

La mostra, promossa da Massoero 2000, Associazione San Marcellino, Museo del caos e curata da Sandro ricaldone, raccoglie i lavori recenti di piero Mauro Bisogno, Marina Junyent Mercader e Michele Ventricelli, tre autori che hanno coltivato la loro creatività al di fuori degli schemi e dei contesti dell’ “asfissiante cultura” di cui dubuffet rimarcava i limiti nel celebre saggio apparso nel 1968, dando vita ad opere nelle quali agglomerati di oggetti di scarto vengono convertiti in delicate costellazioni poetiche (Bisogno), i corpi vengono fissati in posture contratte, d’implosa energia (Junyent), gli scenari urbani sono sbozzati attraverso l’affollarsi di tratti martellanti (Ventricelli).

Decidi tu?
Mostra fotografica interattiva

14 – 26 febbraio 2015
Ducale Spazio Aperto
 
“decidi tu?” è una mostra interattiva che sarà alle stita a Genova a Palazzo Ducale dalla Associazione Presente Futuro . Si tratta di un percorso con fotografie, testi, installazioni, video che affronta in modo insolito il tema della violenza sulle donne spostando l’attenzione sulla complessità della scelta. La mostra comprende un laboratorio virtuale di discussione attraverso una pagina Facebook gestita dalle artiste. “decidi tu?” è il titolo provvisorio della mostra, saranno i visitatori a proporne uno dopo averla visitata.
Ogni giorno donne e uomini si incontrano e cercano di conoscersi e di capirsi…a volte è bellissimo altre così difficile da perdere la pazienza… a volte è così drammatico da perderci la vita……capire il nostro vero ruolo in un rapporto, in qualsiasi rapporto, è importante e difficile…non capirlo costituisce distanze molto pesanti da attraversare…
Chi siamo noi nei rapporti che viviamo? Chi siamo per l’altro che ci accompagna? Chi è lui per noi? Siamo noi a decidere se essere vittime o carnefici? A decidere cosa fare delle nostre emozioni, delle nostre frustrazioni, della nostra sconfinata paura?
Decidi tu? siamo sempre chiamati a decidere…siamo noi a decidere? La mostra interattiva fotografica Decidi tu?, realizzata da alcune giovani artiste della associazione Presente Futuro,
pone questa domanda ai visitatori chiedendo loro di entrare e commentare le emozioni che le fotografie, i filmati e i testi propongono dando della violenza contro le donne una lettura particolare… questa pagina che accompagna l’evento vuole chiedere a chi la apre di fare la stessa cosa.
Mostra a cura della Associazione Presente Futuro, laboratorio di idee creative attivo in città
La mostra rientra nelle attività del progetto L.E.T. Presente Futuro
 
Associazione Presente Futuro
L’associazione Presente Futuro è attiva da anni in città per iniziative di aggregazione e promozione della creatività giovanile.
In tale direzione realizza laboratori, spettacoli, mostre, eventi, produzioni editoriali, radiofoniche (siamo una delle radio del network di Zainet) e musicali nonché attività di educativa di strada e iniziative a difesa dei diritti dei minori promuovendo una idea interculturale di cittadinanza attiva.
Tutto questo in collaborazione con le istituzioni cittadine (gestisce tra l’altro dal 2000 il L.E.T. per adolescenti in Valbisagno), con altre realtà come Fondazione Cultura (la finale di FestiValbisagno si è tenuta a Palazzo Ducale), studi di incisione come Nadir Music, con Teleliguria, con case editrici, con associazioni tra cui Nuovi Profili, con le cooperative del privato sociale quali Agorà, Lanza del Vasto, S.A.B.A. e con UNICEF.

Di roccia, di luce

Impressioni di montagne 1920 – 1940

Inaugurazione  venerdì 16 gennaio, ore 18.00 In occasione del centenario di fondazione dell’Unione Ligure Escursionisti, la mostra presenta al pubblico il lavoro di due ex soci ed appassionati fotografi tra loro contemporanei, attivi in un arco di tempo che va dagli anni ’20 agli anni ’40 dello scorso secolo.

 

 

Eugenio Molini ci accompagna alla scoperta dell’escursionismo di altri tempi attraverso i suoi interpreti: gli uomini e la loro fatica.

Umberto Saukkonen ci regala invece prospettive sorprendenti delle vere protagoniste di questo racconto: grazie alle sue eccezionali fotografie stereoscopiche possiamo ammirare le montagne nella loro concretezza, comprendere la mole dei loro chiaroscuri, sfiorare con gli occhi la trama rocciosa delle loro grandiose pareti.  

Franco Fontana. Vita Nova

29 novembre 2014 – 6 gennaio 2015
 
A cura di Sabrina Raffaghello.

 
Un progetto fotografico che Franco Fontana concepisce nel 2010, per misurarsi con il tema della morte, partendo da un luogo di grande rilevanza estetica e simbolica: il Cimitero di Staglieno.  
 
Quaranta fotografie dove il tema della morte è affrontato nel suo delicato rapporto di Eros e Thanatos conferendo alle statue funebri una sensualità che le rende vive e suadenti.

Variazioni Biasetton

Spazio 46R
19 novembre – 8 dicembre 2014

Un percorso assoluto attraverso i segni – di ispirazione e suggestione calligrafica contemporanea – declinati su diversificate superfici e “giocato” nello spazio.
La calligrafa Francesca Biasetton esplora le affascinanti, nonché numerose variazioni artistiche della scrittura a mano, dal suo valore di testo, di contenuto semantico, di segno astratto.
In questi simboli si evidenzia il lungo e intenso rapporto dell’artista coi segni alfabetici e le loro diversificate declinazioni e interpretazioni.

www.biasetton.com

Casa Garibaldi, una storia levantina
La Società Operaia Italiana di Mutuo Soccorso
in Costantinopoli

17- 30 novembre 2014
Ducale Spazio aperto, Cortile Maggiore
 
Inaugurazione 17 novembre, alle ore 17 con conferenza di Sedat Bornovali, direttore dei restauri di Casa Garibaldi.
 
In occasione del gemellaggio fra il Comune di Genova e la Municipalità di Galata – Beyoglu di Istanbul l’Associazione Culturale Balumina con il sostegno di Palazzo Ducale presenta la mostra Casa Garibaldi, una storia levantina. La Società Operaia Italiana di Mutuo Soccorso in Costantinopoli
 
a cura dell’Architetto Francesca Faiella.
 
L’esposizione presenta materiale documentario, fotografie d’epoca e filmati che ripercorrono la storia della Società Operaia Italiana di Mutuo Soccorso dall’anno della sua fondazione ad oggi.
 
Il giorno 3 Maggio 1863 alcuni Operai Italiani appartenenti alla Comunità Italiana di Costantinopoli, stabilirono di costituire una Società ispirandosi ai principi di fratellanza e ne definirono lo statuto, in testa al quale si legge:
“Fratelli, in tutte le epoche ed in tutti i tempi la mancanza di associazione generò la discordia e dalla discordia ne venne la guerra. L’unione soltanto costituisce la forza – e da questa ne viene la grandezza e la gloria di ogni Nazione”.
 
Fu così che in data 17 Maggio 1863 nacque il primo sodalizio italiano a Costantinopoli che con il motto “Chi ama la patria la onori con le opere” prese il nome di “Società Operaia Italiana di Mutuo soccorso in Costantinopoli”.
 
Furono eletti all’unanimità il Presidente Effettivo della Società, “L’Eroe dei due Mondi” Giuseppe Garibaldi e il Presidente Onorario Giuseppe Mazzini.
Nel 1864 la società accolse sotto la sua bandiera anche le donne, che costituite in Sezione Femminile si radunarono per la prima volta il 20 settembre e la Presidenza Onoraria fu assegnata alla “Madre della Patria” Adelaide Cairoli.
Lo scopo principale della Società Operaia era la fratellanza degli operai, il Mutuo Soccorso, la beneficienza – e quanto della solidarietà umana, della moralità e della civiltà dei popoli – ma si propose altresì il miglioramento delle condizioni morali e materiali dell’operaio, dell’istruzione, l’incremento degli interessi nazionali e il decoro del Nome Italiano.
 
La prima pietra della sede definitiva della Società Operaia fu posta Il 2 Novembre 1884 sotto il Regno del Re d’Italia Umberto I e del Sultano Abdul Hamid II.
 
Il percorso della Società Operaia ci permette di ripercorrere storicamente i 151 anni trascorsi dalla sua fondazione accompagnandoci nella scoperta di una emigrazione italiana nel Mediterraneo Orientale e in Turchia che resta, ad oggi, una parte di storia italiana importante ancora poco approfondita.
Dal 2012 questo edificio, considerato come esempio classico dell’architettura levantina di Istanbul, è in pieno percorso di restauro e verrà restituito nella sua integrità al pubblico nel corso dell’anno 2015. La Società Operaia che prenderà il nome popolare di Casa Garibaldi, sarà sempre attiva secondo il suo statuto in nome della cultura italiana, e la sede accoglierà uno spazio polivalente che ne permetterà l’accesso agli archivi storici, ai cimeli, alla biblioteca.

Recenti scoperte archeologiche di reperti datanti l’epoca bizantina, rinvenuti nel sottosuolo durante gli attenti lavori di restauro in corso, hanno destato l’interesse del Museo Archeologico di Istanbul. Si auspica che le scoperte e i reperti venuti alla luce potranno essere visitabili in loco in una sezione museale permanente a loro dedicata.
Il filmato, che accompagna la parte documentaria, presenta la memoria storica vivente della Società Operaia di Mutuo Soccorso in Costantinopoli.

Fra altri preziosa è la testimonianza del più anziano socio, il signor Angelo Teresi, classe 1923 oriundo di Palermo, levantino.
In un settore apposito della mostra “100 anni di Souvenirs 1914-2014”
saranno proiettate le immagini di cartoline relative all’ “Esposizione Internazionale Coloniale di Marina e di Igiene Marinara” che ebbe luogo a Genova nel 1914, nel grande piazzale antistante la Stazione Brignole.
L’Architetto Gino Coppedè progettò per l’occasione il padiglione effimero che conteneva l’esposizione e in cui venne ricostruita in cartongesso la famosa Torre di Galata di Istanbul, la Torre del Cristo dell’antico possedimento genovese medievale, ancora oggi esistente.
Nell’Esposizione Internazionale, inaugurata il giorno 23 Maggio 1914, un intero padiglione fu dedicato alle antiche colonie genovesi. La raccolta di cartoline e di immagini fotografiche esposte, provenienti da diversi archivi, ci permetterà di viaggiare in esotiche località, ci suggerirà stilemi architettonici, ci farà visitare coste marittime molto simili a quelle della nostra Liguria. Mari in cui i nostri avi navigarono e crearono dei “comptoire”, delle colonie commerciali. Luoghi in cui le loro gesta divennero leggendarie e furono tramandate nelle storie orali come le storie dei “GIN dell’oltremare”, i guerrieri mercanti invincibili, “i signori del mare” appartenenti a Genova, “La Superba”.

Il Capo dello Stato Italiano Napolitano nel 2012 ha concesso l’onorificenza dell’Ordine della «Stella d’Italia» nei gradi di Ufficiale al dott. Başaran Ulusoy, presidente della TÜRSAB (Unione delle Agenzie di viaggio turche), – sponsor dei restauri in corso – per il sostegno al recupero della Società Operaia di Mutuo soccorso in Costantinopoli, ora ribattezzata popolarmente “Casa Garibaldi”.

Il Dr. Bornovoli nella sua visita in città sarà accompagnato dalla Dr.Sig.ra Pinar Günay, rappresentante dello sponsor del restauro TÜRSAB.

Il rumore e il viavai della folla sull’adiacente via Istiklal contrasta con il silenzio raccolto della piccola traversa dove si trova lo storico edificio della Societa’ Operaia Italiana di Mutuo Soccorso di Costantinopoli. Dalla fine dell’ottocento il palazzetto di tre piani ospita il prestigioso sodalizio fondato nel 1863 da alcuni italiani emigrati ad Istanbul. Animati da sentimenti patriottici e solidaristici, conferirono la Presidenza a Giuseppe Garibaldi, gia’ residente in città, e la Presidenza onoraria all’altro faro del Risorgimento, il genovese Giuseppe Mazzini.
Nel 2010, appena arrivato a Istanbul come Console Generale, visitai con il Presidente Enrico Boari l’edificio cosi’ ricco di ricordi e di storia ma purtroppo malandato e in larga parte inutilizzato. Decisi a recuperarne l’antico splendore e renderlo nuovamente un punto di riferimento per la comunita’ italiana di Istanbul, con un gruppo di volenterosi e qualificati professionisti abbiamo preparato un progetto per farne un luogo del ricordo della presenza plurisecolare degli italiani ad Istanbul ed un centro per attivita’ culturali legate all’Italia. La Confederazione Turca delle Agenzie Turistiche guidata dal Presidente Basaran Ulusoy ha sposato l’idea, anche per le connessioni con lo sviluppo del turismo nei due sensi, e si e’ impegnata a procedere ad un attento restauro scientifico e a gestire l’attivita’ dell’edificio per i prossimi anni. Grazie alla generosita’ di tutti i partecipanti al progetto, tra poco la citta’, gli italiani e gli amici turchi potranno tornare ad usufruire di questo storico luogo. Merita un ringraziamento speciale il dott. Sedat Bornovali, l’attuale direttore di Casa Garibaldi (nome ricco di suggestioni che indicherà il recuperato palazzo della Societa’ Operaia) che tanto si sta prodigando per il restauro e per far conoscere il ricco patrimonio culturale dell’associazione.

Gianluca Alberini
Presidente Onorario della Società Operaia Italiana di Mutuo Soccorso di Costantinopoli
 
SOSTENITORI DELLA MANIFESTAZIONE:
 
Palazzo Ducale Fondazione per la Cultura
Assessorato cultura e Turismo del Comune di Genova
Assessorato cultura e Turismo della Regione Liguria
Fondazione dell’Ordine degli architetti della Provincia di Genova
Organik Holding
TÜRSAB
Turkish Airlines
Ufficio Cultura e Informazioni dell’Ambasciata di Turchia
Centro di Documentazione per la Storia, l’Arte e l’Immagine di Genova.
Fondazione Ansaldo
Centro Studi Wolfsoniana
Società Ligure di Storia Patria
Camera di commercio di Genova
Vicosouvenir

Fausto Giaccone
Macondo
The World of Gabriel García Márquez

14 – 23 novembre 2014, Spazio Liguria
Inaugurazione mercoledì 13 ore 18
Nell’ambito della rassegna “L’altra metà del libro”

A cura di Clelia Belgrado.

Fausto Giaccone ha viaggiato a lungo in Colombia per raccontare il mondo di Gabriel García Márquez. Attraverso strade, fiumi, paesi, campagne e coste, Giaccone si è inoltrato nell’universo
dello scrittore, nei luoghi della sua vita e in quelli dei suoi romanzi, fotografando con un’attrezzatura ridotta al minimo, per raccontare una storia fatta di gente umile ma dignitosa, come
i personaggi di Gabo.

Un altro tiro di corda
Volti e storie del Club alpino a Genova

6 – 10 novembre 2014
Sala Liguria

A cura del CAI Genova

La Sezione Ligure – Genova del CAI, in collaborazione con Top Market Foto Video, inaugura il 6 novembre alle ore 17, presso la Sala Liguria di Palazzo Ducale, la mostra fotografica Un altro tiro di corda. Volti e storie del Club alpino a Genova, fotografie di Egidio Nicora e Federico Lombardo. Presenti i protagonisti.

Un altro tiro di corda è una mostra fotografica che racconta una pagina fondamentale della storia del CAI: quella che riguarda la generazione dei giovani alpinisti che fra gli anni ’50 e ’60, dopo la tragedia della guerra, tornarono a frequentare le alte cime e consentirono la ripresa dell’attività del CAI.

In città come in montagna, a Genova come in tutta Italia, l’alpinismo era allora praticato fra molte difficoltà e con scarsi mezzi: richiedeva grande determinazione e si praticava in forme molto più vicine all’alpinismo di fine ’800 che a quello attuale.

Corde di canapa, pantaloni alla zuava, giacche di tela: nulla di più lontano dall’ipertecnicismo di oggi. Tuttavia le motivazioni e i sogni erano gli stessi: la libertà, l’esplorazione, la conoscenza, l’avventura, l’amicizia.

Nata da un visionario progetto di Egidio Nicora, la mostra raccoglie 14 alpinisti accomunati da un lungo impegno nel CAI a Genova: Armando Antola, Renato Avanzini, Sergio Casaleggio, Pio Codebò, Gino Dellacasa, “Giangi” Fasciolo, Euro Montagna, Gianni Pastine, Vittorio Pescia, “Marno” Revello, Margherita Solari, Gianluigi ed Eugenio Vaccari, Giorgio Vassallo.

La mostra affronta questa pagina di storia locale, che ha però la forza delle grandi avventure internazionali, affiancando al ritratto ambientato di ciascun partecipante una serie di fotografie storiche.

Ogni singolo è stato fotografato nel proprio ambiente, vicino agli oggetti che meglio lo rappresentano, in modo da coglierne il carattere più profondo. A ciascuno è stato chiesto poi di proporre alcune fotografie della propria storia, per raccontare attraverso le immagini la propria biografia.

Aneddoti, racconti, alcune storie felici, altre tragiche ma di sicuro tanti ricordi: un dittico che unisce presente e passato, che racconta avventure di uomini ma anche di pezzi di Storia, che conferma la continuità di attività del CAI sul territorio.

Wandering – through the memory – of photography
collettiva di Juliana Mrvová, Milan Vagač, Adam Šakový

31 ottobre – 16 novembre 2014
Sala Dogana
 
a cura di Juliana Mrvová
 
INAUGURAZIONE venerdì 31 ottobre ore 18
 
Il progetto Wandering – through the memory – of photography unisce il lavoro di tre giovani artisti della scena slovacca contemporanea. La loro collaborazione non nasce per caso, i tre artisti hanno infatti recentemente avuto modo di confrontarsi partecipando a diversi progetti collettivi.
Nel progetto comune per Sala Dogana, gli artisti si concentrano sia sul tema del viaggio, come scoperta di luoghi nuovi e la loro origine, che sull’abilità mentale di memorizzare i ricordi. Un ulteriore tema affrontato è l’analisi della capacità-incapacità della fotografia di preservare i ricordi e di rappresentare la realtà.
 
Adam Šakový utilizza la fotografia come punto di partenza per la realizzazione di dipinti su carta fotografica o su tela. L’autore esamina il tema personale del corpo e della relazione emotiva usando delle fotografie sfocate ed evocative. In questo modo ogni sua opera presenta una voluta manipolazione della realtà e ci fa viaggiare contemporaneamente nel tempo e nello spazio.
 
Milan Vagač fa un uso intelligente di fotografie rappresentanti montagne e le manipola. Allo stesso tempo affronta i temi della memoria, del ricordo e della documentazione del passato e del presente. In Sala Dogana presenta anche disegni su diversi strati sul tema del viaggio e del pellegrinaggio che fanno riferimento all’esperienza personale.
 
Nel recente lavoro di Juliana Mrvová, che viene presentato in Sala Dogana, il disegno appare come documentazione di viaggio. L’intento dell’artista è quello di unire gli schizzi e i frammenti di ricordi memorizzati durante il viaggio creando nuovi legami e nuove storie nella forma di una grande mappa mentale. Il suo approccio al disegno si dirige verso la ricerca di nuove possibilità, alternative alla fotografia, di registrare gli eventi.
 
L’esibizione è finanziata dal Ministero della Cultura della Repubblica Slovacca e per questa occasione è stato pubblicato un catalogo con testi in italiano e in inglese.
 

Nickolas Muray Celebrity Portraits

dal 16 ottobre 2014 al 8 febbraio 2015
Sottoporticato

Nickolas Muray è uno dei più celebri e intriganti fotografi del XX secolo, ritrattista di star del cinema, personaggi dello spettacolo e dello sport, ma anche ideatore di campagne pubblicitarie per le più note riviste americane. In occasione dell’esposizione giungerà a Palazzo Ducale una selezione di circa 150 immagini in bianco e nero e a colori provenienti dalla George Eastman House, dagli archivi “Vanity Fair” e Condé Nast e da diverse collezioni private.
Una apposita sezione sarà dedicata ai ritratti fotografici di Frida Kahlo, sua amica e confidente, realizzati fra gli anni ’30 e ’40; è suo lo scatto che nel 2012 è divenuto copertina di “Vogue” ed ha definitivamente trasformato Frida in icona pop.
A cura di Salomon Grimberg con la collaborazione di Nickolas Muray Photo Archives e George Eastman House.

La mostra è promossa da Palazzo Ducale Fondazione per la Cultura, Comune di Genova e prodotta da MondoMostre Skira.

4 – 18 ottobre 2014

Immagini di un fotografo militante

Un percorso di immagini e parole maturate dentro a Senonoraquando e parole che raccontano le atroci verità sullo stupro in Siria, tratte dall’inchiesta giornalistica di Annick Cojean pubblicata sull’Internazionale a marzo 2014 numero 1042 .
Inaugurazione 4 ottobre ore 11,30 alla presenza di Fabrizia Giuliani co-fondatrice di Senonoraquando e deputata alla Camera
A cura di Snoq Genova, realizzazione artistica di Alessandra Raggi con l’aiuto delle donne di Senonoraquando Genova.

Prima luce

3 – 19 ottobre 2014
Sala Dogana

COLLETTIVA DI FOTOGRAFIA – III edizione

Inaugurazione venerdì 3 ottobre, ore 18

L’Associazione culturale Profondità di Campo presenta la III edizione della mostra fotografica PRIMA LUCE, nell’ambito della programmazione di ‘Sala Dogana. Giovani idee in transito’, progetto del Comune di Genova – Assessorato Cultura e Turismo, Ufficio Cultura e Città – e di Genova Palazzo Ducale Fondazione per la Cultura.
La mostra verrà inaugurata a Genova, in Sala Dogana a Palazzo Ducale, venerdì 3 ottobre alle ore 18.00.
Sarà visitabile a ingresso libero dal 4 al 19 ottobre 2014, dal martedì alla domenica con orario 15-20.
La mostra nasce dal concorso fotografico internazionale rivolto ai creativi under 35, ideato per mettere in luce i giovani talenti premiando i migliori progetti con una collettiva nella prestigiosa cornice di Palazzo Ducale, la più importante sede espositiva della città di Genova. La mostra viene presentata in Sala Dogana, uno spazio interamente ed esclusivamente dedicato alla creatività giovane, per la produzione culturale emergente, la sperimentazione, lo sviluppo di nuove tendenze e la contaminazione dei linguaggi.

Sono stati ammessi al concorso tutti i progetti sviluppati attraverso le diverse espressioni e tecniche della fotografia, dalle tradizionali alle più innovative: fotografia analogica e digitale, a colori e in bianco e nero, fotoritocco, progetti audiovisivi e installazioni.
Grazie alla collaborazione con GenovaFotografia, una Commissione di esperte – composta da Elisabetta Papone, Direttrice del Centro di Documentazione per la Storia l’Arte l’Immagine di Genova e docente di Storia della Fotografia presso l’Università degli Studi di Genova, da Paola Valenti, Ricercatrice in Storia dell’Arte Contemporanea dell’Università degli Studi di Genova, e dalla fotografa Federica De Angeli – ha selezionato tra i numerosi progetti pervenuti i più meritevoli, secondo criteri di creatività, ricerca, innovazione e contemporaneità.
Per la III edizione sono stati selezionati 9 artisti italiani e 4 stranieri: Luciano Baccaro (1981, Termoli) con il progetto “IO PARLO ITALIANO!”, Beatrice Baldacci (1993, Città di Castello) con “MI TROVO DOVE VOGLIO”, Giorgio Caione (1981, Borgomanero) con “ERIKLI’YE HOŞGELDINIZ / WELCOME TO ERIKLI”, Klodian Deda (1984, Albania) con “FREE SPACE”, Maura Ghiselli (1981, Genova) con “POSTCARD BY TWO MINUTES FROM MY MESSED UP LIFE”, Golsa Golchini (1986, Iran) con “IO FOTOGRAFO L’INVISIBILE”, Mihail Ivanov (1990, Bulgaria) con “LITTLE(R)’ WORLD(‘S)”, Michele Lepera (1979, Genova) con “A IMMAGINE E SOMIGLIANZA”, Emmanuele Panzarini (1984, Padova) con l’installazione “FAMILY LUNCH”, Mauro Pellegrini (1989, Bergamo) con l’installazione multimediale interattiva “DIALOGO TRA MIO NONNO E ALZHEIMER (TUTTO IL SUO ALZHEIMER SENZA DI LUI)”, Eliška Stejskalová (1991, Repubblica Ceca) con l’installazione “SITUATION I., II., III.”, Lorenzo Taccioli (1987, Cesena) con “RIFUGI”.

L’evento PRIMA LUCE, ideato e curato da Angela Ferrari, è organizzato quest’anno in occasione della X Giornata del Contemporaneo promossa da AMACI (Associazione dei Musei d’Arte Contemporanea Italiani), in programma sabato 11 ottobre 2014.

Pietro Germi. 1914-1974

1-29 ottobre 2014
Sala Liguria

Mostra organizzata dal Gruppo Ligure Critici Cinematografici (S.N.C.C.I.)

allestita da Claudio Bertieri
con materiali della Fondazione Mario Novaro Genova

si ringraziano
l’Archivio Museo Nazionale del Cinema per le pagine di sceneggiature dei film
e Walter Di Giusto
per la collaborazione all’allestimento della Mostra

Gli anniversari, si sa, sono sempre dei pretesti anche quando sono doppi come nel caso di Pietro Germi, di cui cadono ne! 2014 i 100 anni dalla nascita e i 40 dalla morte. Così è anche per la massima gloria cinematografica genovese, genovese solo per l’anagrafe, perché, come tutti quelli che intendono fare cinema, ha trascorso nella città d’origine poco più dell’adolescenza prima dell’approdo romano; il che non ha impedito a Germi di conservare comunque memorie genovesi, sparse qua e là nei film fatti.
L’omaggio che gli rende il Gruppo Ligure Critici Cinematografici, con la fattiva collaborazione di quanti figurano nel colophon qui accanto, non ha però una semplice motivazione occasionale. Al
contrario è l’opportunità per una riflessione su un autore tanto celebrato – e contrastato – da vivo quanto sovente rimosso dopo la scomparsa. Una certa discontinuità della sua produzione, la singolarità individualista dei suoi soggetti e del suo tono, e ancora l’aver condiviso i tempi di neorealismo, nuovecorrenti e commedia italiana – sposando però modi e maniere del cinema di genere in un ‘epoca in cui cominciava affacciarsi il cinema d’autore – fanno tuttavia di Germi un punto ftrmo: il regista genovese rappresenta infatti una sorta di test per la riflessione libera da preconcetti su chi fa cinema senza facili riferimenti a quanto è esterno alle immagini sullo schermo.

Ricordare oggi Germi con una mostra ha quindi un valore che va al di là della sua persona, il valore dello sguardo verso il senso del passato, che è la vera password per accedere al senso (eventuale) del presente.
Nell’anno in cui il Gruppo Ligure Critici Cinematografici ha appena avviato la quindicesima stagione della “Stanza del Cinema” – l’appuntamento mensile che guarda e medita sul presente della
settima arte – si realizza così la Pienezza della sua “missione” di affrontare il cinema in maniera criticamente articolata, cioè senza l’esclusiva attenz!one verso ifamosi, i diversi, gli schierati, gli strani di turno. E insomma come l’applicazione di quell’ ‘!Assalto al cinema” che quattro annifa comPilò !’inventario storico del gusto, della passione, della cultura cinematografiche, ripetutamente alimentate nella nostra città e nella nostra regione da generazioni.
E che speriamo lo saranno ancora in futuro.
Massimo Marchelli
Presidente
Gruppo Ligure Critici Cinematografici (S.N. C. C.L)

IL CINEMA DI PIETRO GERMI
La passione di Pietro. Germi per il cinema nasce nei numerosi pidocchiettl del centro stonco di Genova – dove il 14 settembre 1914 egli viene alla luce in via Ponte Calvi, figlio di Giovanni, portiere d’albergo, e della sarta Armellina Castiglione – e si alimenta poi negli anni in cui frequenta l’Istituto Nautico dopo di essersi trasferito con la famiglia, allargata ore a tre sorelle, in via Santa Croce a Sarzano. Più tardi dirà che tra i tanti film visti quelli che più lo avevano emozionato erano stati A me la libertà (1932) di René Clair e Il traditore (1936) di John Ford. Intanto, Germi faceva le prime esperienze d’attore (nella filodrammatica del teatrino di Santa Maria di Castello), di scrittore (alcuni racconti editi su “Il Lavoro”) e di soggettista cinematografico (la rivista “Cinema” gli pubblica il soggetto Piano regolatore). Era il 1937, lo stesso anno in cui Germi, abbandonato l’impiego da spedizioniere, si trasferisce per breve tempo a Milano e presenta domanda d’ammissione al Centro Sperimentale di Cinematografia.
Convocato a Roma in autunno, egli s’iscrive dapprima ai corsi di recitazione e poi anche a quelli di regia, tenuti da Alessandro Blasetti. Il suo battesimo dietro la cinepresa avviene con il saggio ambientato in un manicomio e girando con il compagno di studi Dino De Laurenilis il mediometraggio Pantaloni corti.
L’esordio di Germi nel professionismo avviene nel 1939, quando Blasetti lo chiama come co-sceneggiatore e assistente alla regia di Retroscena. Conseguito il diploma al Centro Sperimentale, seguono le collaborazioni con Palermi (La peccatrice, 1940), Elter (II figlio del Corsaro Rosso e Gli ultimi fillibustieri, 1941) e ancora, pur non accreditato, con Blasetti sui set di La corona di ftrro (1941) e Nessuno torna indietro (1943). Intanto, nel 1942, Germi si sposa con Anna Maria Bancio, che gli darà la figlia Maria Linda. Il passaggio alla regia, grazie anche all’appoggio di Blasetti (supervisore) e dell’amico Monicelli (aiuto regista) avviene nel 1945 con Il testimone. È l’inizio della prima fase della sua attività di autore cinematografico, che si muove su un crinale nel quale convergono l’esempio neo realista e il dichiarato amore per il cinema di “genere”. Seguono infatti Gioventù perduta (1947, “noir” d’ambientazione romana sulla criminalità giovanile nel dopoguerra), In nome della legge (1949, “western” siciliano SlÙ tema del rapporto tra la mafia e la giustizia), Il cammino della speranza (1950, epico viaggio dalla Sicilia alla Francia di un gruppo di emigranti: con tante citazioni cinematografiche interne, da Ejzenstein a Renoir, passando per Ford) e La città si difende (1951, “poliziesco” hollywoodiano ambientato a Roma).
Dopo un film su commissione (La presidenteJsa, 1952), un “western” risorgimentale (II brigante di Tacca de! Lupo, 1952), il ritorno in Sicilia con il letterario Gelosia (1953) da Capuana e un episodio di Amori di mezzo secolo (1953, Guerra 1915-1918), la fùmografia di Germi sterza verso il melodramma d’ambiente quotidiano con il “dittico familiare” che segna la sua definitiva rottura con la critica ufficiale: Ilftrroviere (1956) e L’uomo di paglia (1958), entrambi con lui stesso protagonista, a testimonianza del suo amore per la recitazione già evidenziato in Montecassino (1946) di Gemmiti, in Fuga in Francia (1948) di Soldati e ribadito nel seguente Un maledetto imbroglio (1959, da Gadda). Attore essenziale e molto amato dal pubblico, Germi dà ottima prova di sé anche in Jovanka e le altre (1959) di Ritt, Il rossetto (1960) e Il sicario (1961) di Damiani, La viaccia (1961) di Bolognini; ma la sua carriera d’interprete è bruscamente
interrotta dalla pare si facciale che lo colpisce durante le riprese di Divorzio all’italiana (1961). Questo film apre la stagione del “grottesco sociale”, cui appartengono anche Sedotta e abbandonata (1963), ancora la Sicilia, e Signore e signori (1965), ambientato a Treviso.

È per Germi il momento di massimo successo (Cannes, Oscar, Nastri d’argento, David di Donatello, ecc.), l’apice di una filmografia che da allora in poi sbanda da L’immorale (1966) ritratto di un poligamo per vocazione, alla favola agreste Serafino (1968); dall’apologo anti-contestazione di Le castagne sono buone (1970) alla paradossale misoginia di Alfredo Alfredo (1972). L’anno dopo, Germi viene stroncato dalla cirrosi epatica, mentre lavora al progetto di Amici miei, da lui lasciato in eredità a Mario Monicelli. Quel 5 dicembre 1974, al suo capezzale, c’erano la seconda moglie Olga D’Ajello, la figlia Maria Linda e i gemelli, Francesco e Francesca, avuti con la D’Ajello.

Molte indubbiamente a disposizione sono le scelte che si possono operare volendo raccontare in una mostra espositiva il percorso creativo di un personaggio. In questo caso, di un regista come Pietro Germi, il cui iter quasi trentennale vissuto a Cinecittà ha svoltato più volte tra i generi del racconto cinematografico. Per ovviare all’influenza di possibili adesioni personali, di opzioni privilegianti, si è preferito pertanto un percorso per così dire “uniforme”, volutamente asettico, assegnando eguale spazio testimoniale alle diciannove tappe del percorso, quanti
sono stati appunto i fùm diretti dal regista genovese tra il 1945 e il 1972. Una rilettura affidata dunque a foto di scena e ai materiali pubblicitari, e di promozione, realizzati per ciascuna pellicola, cercando di sottolinearne l’eventuale diffusione internazionale. Con una presenza accomunante: il francobollo con cui le poste italiane hanno ricordato l’attività di Germi nel 1997.

Germi alla stanza del cinema
Il 13 ottobre la “Stanza” monografica avrà per tema il regista-attore in mostra.
Parteciperanno alcuni soci del Gruppo Ligure Cinematografici.

Germi in convegno
Il 10 dicembre, alle ore 10.30, nell’Aula Magna di Via Balbi 2, si terrà un convegno promosso dall’Università di Genova, l’Università di Torino e CSC-Cineteca Nazionale con la collaborazione del Gruppo Ligure Critici Cinematografici.

Adriano Silingardi. Genova in movimento
Immagini di un fotografo militante.

26 settembre – 10 ottobre 2014
Cortile Maggiore

A cura di Associazione per un Archivio dei Movimenti

Le fotografie di Adriano Silingardi restituiscono una storia dall’interno dei movimenti politici degli anni settanta a Genova.

Un intervento di Luca Borzani
Le fotografie di Adriano Silingardi rimandano a una stagione politica e culturale, “gli anni Settanta”, di cui si è largamente deformata la memoria e con cui molti degli stessi protagonisti hanno a lungo evitato di fare i conti. Il racconto pubblico è oscillato tra autocelebrazione e rimozione, ridimensionato di fatto in stereotipi che risultano contradditori e poveri. Le ragioni di questa perdita di senso storico sono ovviamente molteplici, ma una appare di fondo: la difficoltà a misurarsi con la sconfitta. Perché di sconfitta insieme politica e generazionale si è trattato. La stessa definizione di “anni di piombo” assunta come sintesi dell’intero decennio e non del suo tragico epilogo è forse l’aspetto più emblematico dello svuotamento di una vicenda collettiva che ha avuto ben altri tratti e ambizioni. Non a caso la percezione della chiusura irreversibile di una fase, dell’improvvisa perdita di significato di linguaggi, comportamenti, autorappresentazioni appartiene, come forse ultima estrema condivisione, a tutti coloro che vissero “in movimento” quegli anni. Più che una ritirata fu una rotta, che rese nel tempo difficile distinguere la partecipazione diffusa, studentesca ma anche operaia, dall’azione terrorista e il conflitto sociale dalla violenza armata. Eppure gli anni settanta furono altra cosa. E’ bene dirlo. E furono sostanzialmente una generalizzata istanza di ribellione verso un paese ancora apertamente classista nelle sue strutture fondamentali, dalla scuola agli ospedali, dalla magistratura all’università, segnato da una classe di governo priva di alternanza, identificabile con la pura gestione del potere e non estranea a tentazioni autoritarie. Né la sinistra storica, ampiamente egemone a livello sindacale e di fabbrica, era in grado di riassorbire, per l’ossificazione ideologica e la sostanziale visione conservatrice della vita sociale che la caratterizzava, le spinte alla modernizzazione e democratizzazione dello stato, le differenze di genere, i nuovi diritti delle persone. Non che la nuova sinistra, più o meno extraparlamentare, non si muovesse su rigidi codici ideologici, su mutuazioni, talvolta patetiche altre volte paranoidi, del mitico partito delle avanguardie, su luoghi comuni rivoluzionari e innamoramenti acritici di regimi totalitari e ferocemente repressivi. Ma dentro quello scenario si affermava, appunto, il protagonismo di una generazione, la prima in Italia a non essere segnata dalla fame e dalla guerra, che rifiutava la pura logica dei consumi, che praticava esperienze di democrazia diretta, che rivendicava una reale eguaglianza sociale, la libertà sessuale, i diritti della donna. Vale poi la pena di ricordare che gli “anni settanta” cominciano con le bombe di piazza Fontana, con il clima cupo della strategia della tensione e il profondo rimescolamento del quadro geopolitico bipolare. Dalla primavera di Praga al Vietnam, a Cuba, all’Angola il quadro internazionale uscito dal dopoguerra sembrava progressivamente frantumarsi, con l’affermarsi dei popoli poveri in una lotta anticoloniale che era anche ricerca dell’emancipazione dall’imperialismo americano come dalla burocrazia sovietica. E in quelle lotte e vittorie si delineava un internazionalismo nuovo, non solo di maniera, che collegava le periferie delle città, le fabbriche con le paludi del Mekong o le cime andine. In un mondo non ancora globalizzato il mondo entrava nella vita quotidiana di migliaia di giovani italiani. Così come fermezza nella denuncia delle collusioni e con la controinformazione si contribuì a svelare le trame e gli inquinamenti della democrazia. Insomma uno sguardo nuovo sulle cose, la vita, i rapporti di classe che contribuì a smuovere, a formare coscienze, pensiero collettivo, legislazione più avanzata. E ancora la non neutralità del sapere e della scienza, le prime timide istanze ecologiche. Perché si perse? In realtà persero sia la sinistra storica che la nuova sinistra. L’incapacità di un programma di riforme radicali, la grigia strategia del compromesso storico, la ristrutturazione produttiva che avvia la deindustrializzazione del paese, l’inadeguatezza delle formazioni di origine extraparlamentare più attente alla costruzione dell’autoreferenzialità organizzativa che a processi unitari e poi l’esplosione del 1977 con una radicalità antagonista che si configura davvero come punto di svolta, insieme irruzione rivoluzionaria e impotenza. Ma è già un’altra composizione sociale, proletariato giovanile urbano, precari, operai “flessibili”, e altri modelli organizzativi. La nuova sinistra anticipò la fine dei partiti. E’ l’alba del “no future”. Lì finisce una storia e ne inizia un’altra. Questa si destinata a intrecciarsi con le formazioni armate. Anche in questo caso sarebbe però scorretto operare generalizzazioni e non vedere la convivenza di anime politiche profondamente diverse. Ma da lì in poi lo slogan del “privato come pubblico” si rovescia nel “pubblico come privato” in molteplici declinazioni: da quella del reduce a quella dei neoentusiasti promotori della modernizzazione craxiana. La deformazione della memoria si allargherà a comprendere, e non a caso, la sinistra tradizionale travolta, alla fine del decennio successivo, dalla caduta del muro di Berlino senza riuscire a produrre una riflessione critica sulla propria storia e definire strumenti per affrontare il mondo globalizzato e della finanziarizzazione dell’economia. Tanti nodi dell’oggi hanno le loro radici ancora lì negli anni Settanta. Ma ripercorrerli significa aprire più ferite che consolazioni nostalgiche. E con la consapevolezza di aver vissuto nell’ultimo ventennio veri “anni di ferro”. Le fotografie di Adriano Silingardi ripropongono frammenti genovesi di quell’età. E credo sia stata un’operazione utile riproporli in un volume corredato da una cronologia da lui stesso curata. Valgono credo alcune avvertenze di lettura. La fotografia e ancor più la cinepresa o la telecamera televisiva non erano strumenti di autorappresentazione politica. Anzi nei loro confronti vigeva una sorta di sospetto, di possibile uso poliziesco. Siamo lontani dai giorni dell’amplificazione mediatica come surrogato dell’identità. Non a caso la memoria visiva di quegli anni è sostanzialmente concentrata nelle immagini di due soli grandi fotografi affini culturalmente ai movimenti: Uliano Lucas e Tano D’Amico. La seconda: a Genova la nuova sinistra rappresentò sempre una componente politica ampiamente minoritaria, sostanzialmente studentesca, con bassa soglia di erosione della sinistra storica e poca influenza sia in fabbrica sia nei quartieri cittadini con esclusione del centro storico. Il centro storico di allora, caratterizzato da progressivo degrado e da una comunità umana socialmente variegata e tendenzialmente marginale ma capace di profonde solidarietà interne. La rappresentazione costruita da Adriano Silingardi rimanda non a caso soprattutto ai cortei e alle manifestazioni, spazio di visibilità per eccellenza dei movimenti e luogo simbolico e di centralità politica nella vita delle organizzazioni. Rimane anche attraverso queste immagini una dimensione forte di protagonismo collettivo e di straordinaria generosità sociale. A distanza di quasi quaranta anni difficile non leggere le occasioni mancate.
Luca Borzani

Shot! Generation Y!

 
12 – 28 settembre 2014
Sala Dogana
 
inaugurazione / venerdì 12 settembre 2014 ore 18
opening / friday 12 september 2014 6pm
 

Progetto di / Project by / Selena Candia e / and / Jacopo Tedeschi — Studio IN2
 
Progetto selezionato dal concorso internazionale SHOT. Sala Dogana Hands-On Transformation
 
Generazione Y è un allestimento sui Millenials genovesi, ragazzi che rispondono alla crisi lavorativa puntando sulla creatività.
L’allestimento comincia tra le vie della città per concludersi a Sala Dogana: punto di incontro tra arte e società. Attraverso le installazioni proposte, con schede informative tra un groviglio di fili e sagome, i ragazzi si presentano.
 
Project selected from an international competition SHOT Sala Dogana Hands-On Transformation.
Generation Y is an exhibition about the Genoa’s Millenials, youngsters who react to the work crisis betting on creativity.
Sala Dogana is the meeting point between art and society: though the proposed installations, with informative forms hanging down a tangle of filaments and silhouettes, the millenials introduce themselves.
 
Programma:
 
MARTEDI’ 23 ore 18
MIDORI RAIN chitarre acustiche, haiku giapponesi, percussioni etniche. Progetto artistico di Giorgio Cinquegrana e Stefano Tirasso
+ MISENTOTALE misentotale, ecco tutto
+ digital painting di STEFANO TIRASSO
a cura di UGA – Unione Giovani Artisti

MERCOLEDI’ 24 ore 18
FABIO DE LORENZO chitarra acustica

GIOVEDI’ 25 ore 18
NAIM ABID live

VENERDI’ 26 ore 18
SHIRTLESS rock italiano

SABATO 27 ore 18
TRIO ACUSTICO WOOD
La musica e la poesia di Fabrizio De Andrè, reinterpretata in chiave acustica e moderna

DOMENICA 28
ore 16
ATOMIC BOMBRASS quintetto di ottoni | classica, jazz, moderna
ore 17.30
TAGLIERE SONORO
breve storia della Musica attraverso la presentazione di diversi strumenti musicali

Tréuggi e Fontànn-e de Zena
Aurora Bafico Ferrari

dal 3 al 16 settembre 2014

GENOVA – PALAZZO DUCALE
Cortile Maggiore – Spazio 42r

Inaugurazione – Sala del Camino, martedì 2 settembre ore 17

Mostra personale della pittrice Aurora Bafico Ferrari.
Tra i quadri esposti uno avrà come soggetto il truogolo di Salita alla Chiesa di Staglieno, restaurato dalla Associazione Ponte Carrega

Le forme dell’assenza

 
20 giugno – 6 luglio 2014
Sala Dogana
 
Di Giulia Vasta
 
Inaugurazione venerdì 20 giugno, ore 18

Viene inaugurata venerdì 20 Giugno alle ore 18 in Sala Dogana a Palazzo Ducale la mostra di Giulia Vasta “Le forme dell’assenza” a cura di Caterina Gualco, visitabile fino al 6 Luglio.
“Le forme dell’assenza” è un progetto site-specific della giovane artista genovese Giulia Vasta per Sala Dogana. La mostra è una riflessione sul tempo e sull’assenza, temi centrali nel lavoro dell’artista.

Giulia Vasta fotografa oggetti e cumuli di detriti trasportati dalle mareggiate. Cannicci, copertoni e tavole da surf spezzate, vecchi rosari e tronchi coperti da alghe. “Le forme dell’assenza” è la storia del flusso di un torrente, degli oggetti che trasporta, la storia di tante vite, di ricordi. Lungo il corridoio i visitatori inizieranno a percepire il suono di un fiume. La sensazione di essere all’interno di un flusso, di fare parte di un percorso, accompagnerà il visitatore lungo tutta l’esposizione. Nella prima sala verrà presentato un video, l’inquadratura fissa e in loop di un torrente visto da sopra un ponte. L’acqua scorre dall’alto verso il basso come la sabbia di una clessidra. La sala centrale ospiterà un’installazione site-specific composta da un accumulo di rami, canniccio e oggetti intorno alle quattro colonne. L’intenzione visiva sarà quella di riprodurre ciò che avviene dopo la piena dei torrenti, quando il flusso dell’acqua incontra degli ostacoli e gli oggetti trasportati dalla corrente si accumulano, formando dei nidi di ramaglie. Alle pareti della sala saranno esposte composizioni fotografiche, immagini di oggetti ritrovati in riva al mare dopo le mareggiate e luoghi abbandonati.

La mostra è accompagnata da un catalogo con testi di Viana Conti, Caterina Gualco e Grazia Previati.

Giulia Vasta nasce nel 1984 a Genova, dove vive e lavora. Specializzata in Pittura presso l’Accademia Ligustica di Belle Arti di Genova, partecipa a numerose collettive di prestigio in Italia e all’estero, tra le quali “Et verbum caro factum est” presso la Reggia di Venaria Reale di Torino, “…erba e fior che la gonna…” e “On your feet!” presso le gallerie UnimediaModern Contemporary Art e VisionQuest di Genova e “Lost & Found”, Tranzit (Bratislava). Nel 2010 vince il premio della critica al “First European Art Slam” e viene selezionata come finalista del Premio Nazionale delle Arti nel 2010 e nel 2011. Ha collaborato come performer con Ben Patterson, Philip Corner ed Eric Andersen. Nel 2012 partecipa al progetto di residenza per artisti “Aperto Uno” presso l’Atelier A di Apricale (IM). La sua ricerca si muove nell’ambito dell’esistenza. Le emozioni, la loro incomunicabilità e la ricerca del “senso” sono espresse attraverso diversi linguaggi: performativi, fotografici, pittorici e video.

Tra le esperienze più recenti:
2014 – “Le Forme dell’assenza” – UnimediaModern Contemporary Art – Genova – a cura di
Caterina Gualco (Pubblicazione su catalogo)
2013 – “Come non detto” – Celle Ligure – a cura di Celle Arte Giovani
2013 – Rolly Days 2013 – “Stone” – Palazzo Tobia Pallavicino – Genova – Courtesy UnimediaModern
2012 -”On your feet!” – UnimediaModern e VisionQuest – Genova – a cura di Clelia Belgrado e Caterina
Gualco
2012 -”Lost&Found” – Tranzit – Bratislava (SVK) – a cura di Juliana Mrvovà
2012 -”Aperto Uno” – Castello di Apricale – Apricale (IM) – a cura di Atelier A
2012 -”Abbey Contemporary Art”– Ex Abbazia San Remigio – Parodi Ligure (AL) – a cura di Michele Dell’Aria e Setsuko

Lorenzo Capellini.
Fotografie dal 1954 a oggi

14 giugno – 21 settembre 2014
Sottoporticato

Inaugurazione, 14 giugno, ore 17

Nei sessant’anni di vita con la fotografia Lorenzo Capellini, già fotografo de Il Mondo di Pannunzio, ha documentato il Novecento artistico e letterario: da Moravia a Hemingway, da De Chirico ad Alessandra Ferri e Sylvie Guillem, da Parise a Henry Moore, da Jonesco a Pavarotti, da Muti a Antonioni, da Pasolini a Marisa Berenson, da Mandela a La Capria.
“Per la fotografia è indispensabile avere un occhio speciale, una mano ferma e delle buone gambe. Occorrono sensibilità e immaginazione: se non si hanno queste qualità, non c’è nessuna scuola al mondo che possa insegnarle.
L’occhio del fotografo è come quello del pittore che gode della forma, della struttura, della luce. Le gambe devono essere a disposizione di una curiosità insaziabile, ma non indiscreta: una presenza lieve che disegna con la luce una immagine che solo lui, il fotografo, in quel momento vede.

Vedere cose che altri non vedono o che non sanno vedere.
La mano, l’indice della mano, ha il grande privilegio di fermare quell’attimo irripetibile. La tecnica in sé non esiste, ma esistono tecniche specifiche e utili a ciò che si vuole esprimere attraverso l’apparecchio fotografico che è come il pennello per il pittore o la penna per lo scrittore.
Ogni fotografo si costruisce la propria tecnica lavorando: e qui sta il superbo aspetto artigianale che determina la singolarità di ogni autore e del suo lavoro. Concentrarsi sulla tecnica significa ammettere di non avere molto da dire: spesso la fotografia bella tecnicamente non trasmette nessuna emozione. Emozione che io provo ogni volta che scatto una fotografia. L’unica grande inesauribile passione che mi accompagna nella vita.” (Lorenzo Capellini).
La mostra antologica dei lavori di Lorenzo Capellini presenta con oltre 200 fotografie il percorso artistico e di vita che ha portato il grande fotografo a farsi testimone del mondo artistico, dal balletto alla musica, di quello industriale, della moda, dell’architettura. Il mondo dell’arte, dalla letteratura alla scultura e all’architettura, dal cinema al teatro alla danza alla musica classica e non, è rappresentato in una antologica del secolo, che tassello dopo tassello ricostruisce la storia della creatività e del pensiero del Novecento.
I reportage dei suoi numerosi viaggi, che lo portano in Brasile, Messico e Cuba, in Africa con l’amico Alberto Moravia, ogni anno in Canada per fotografare la nascita delle foche, in Baja California per le balene, a Berlino per la Caduta del Muro, in Argentina per immortalare i più grandi tangueri, sono alcune delle esperienze che Capellini ci trasferisce attraverso questa esposizione.
Il mondi più intimo delle relazioni ci viene reso dalle straordinarie fotografie di personaggi incontrati e conosciuti, a cui spesso è legato da grande amicizia. E allora ecco Ernest Hemingway, Dino Buzzati, Alberto Moravia, Goffredo Parise, Giuseppe Ungaretti, Giò Pomodoro, Raffaele La Capria e molti altri ancora.
Le sezioni della mostra:

AMICI
Personaggi incontrati e conosciuti, Alberto Moravia, Nelson Mandela, Goffredo Parise, Eugene Jonesco, Carlo Ripa di Meana, Dino Buzzati, Ernest Hemingway, Raffaele La Capria, Sarah Ferguson, Isabella Rossellini, Giuseppe Ungaretti, Michelangelo Antonioni, Paolo Portoghesi, Maria Schneider, Arthur Miller, Pierpaolo Pasolini John Galbraith, ecc.

I VOLTI DELL’ARTE
Henry Moore, Arnaldo e Giò Pomodoro, Andrea e Pietro Cascella, Pietro Consagra, Marino Marini, Piero Dorazio, Giorgio De Chirico, Rauschemberg, Sebastian Matta, Pistoletto, Manzù, e una selezione delle Biennali di Venezia, ecc.

SULLA SCENA
Carla Fracci, Barisnikov, Alessandra Ferri, Silviè Guillem, BejartPina Baush, Leonide Massine, Luca Ronconi, Jerzy Grotowsky, Living Theatre, Pavarotti, Vittorio Gassmann, Claudio Abbado, John Cage, Pierre Boulez, Riccardo Muti, Luciano Berio Luigi Nono, Arthur Rubinstein, ecc.

SUI GHIACCI
Sul pack nell’Atlantico del nord con Brian Davies per la nascita delle foche.

BERLINO 1989
La caduta del Muro il 9 novembre 1989.

I NUDI
“L’anima del corpo” e “Il nudo nel nudo”.

AFRICA
Gli animali, i luoghi e la gente incontrate nei viaggi con Alberto Moravia.

ITALIA
La Capri di Raffaele La Capria, il Veneto di Goffredo Parise, la Pantelleria di Giorgio Armani, le Calabrie di Marina Valensise.

IL MONDO di MARIO PANNUNZIO
Una selezione di immagini pubblicate sul Mondo tra il 1959 e il 1962

ARCHITETTURE
Da Andrea Palladio a Gaudì, da Aldo Rossi al Bramante, da Oscar Niemeyer a Paolo Portoghesi

SGUARDI
Alcune fotografie così dette d’autore senza un preciso tema.

13 giugno, ore 10.30, l’anteprima stampa:

14 giugno, ore 17, inaugurazione:

La materia multiforme

dal 21 al 27 giugno 2014
Spazio 42 rosso

Inaugurazione:
venerdì 20 giugno 2014 alle ore 18.30
presso lo Spazio 42 rosso di Palazzo Ducale a Genova,
ART Commission Events presenta la mostra d’arte “La materia multiforme”.

La mostra presentata dal critico Lorenzo Mortara vedrà l’esposizione delle opere di sette artisti provenienti da liguria, toscana e lombardia. Diverse le tecniche utilizzate, dalla pittura alla ceramica alla scultura in marmo e in legno. In mostra anche una galleria video di altre opere degli stessi artisti. Allestimento a cura di Interni Ad Arte.

La mostra rimarrà allestita fino a venerdì 27 giugno e sarà visitabile nei seguenti orari: dal martedì alla domenica dalle 15.30 alle 19 – ingresso gratuito. Lunedì chiuso

Gli artisti: Mario Cicalese, Gabry Cominale, Franca D’Alfonso, Roberto Mazzonetto, Concetta Pisano, Riccardo Panusa e Alessandra Politi Pagnoni.

Se è vero quello che dice il poeta Ferdinando Pessoa, ossia che ognuno di noi è più di uno, è molti, è una prolissità di se stesso, e che il maggior poeta dell’epoca moderna sarà colui che avrà maggiore capacità di sogno, aforismi quanto mai attuali, e se reinterpretiamo e trasferiamo queste riflessioni nella visione e nella ricezione delle opere di pittura e di scultura della collettiva “La materia multiforme” allora è giocoforza che è il filo, l’arco, il ponte alchemico che tiene uniti i diversi mondi realtà-fantasia qui esposti, che ci deve condurre alla percezione e all’intuizione del sé interiore, magmatico, immaginativo, che ogni artista qui presente sperimenta.

Percorso non semplice, perché in questo divenire, mutare, sta il nocciolo, forse, della possibile conoscenza – fugace visione della realtà, che questi artisti esprimono con le loro opere, ossia nell’andare oltre il comune senso delle apparenze visive e il non arrendersi al sentimento del quotidiano trascorrere delle figure e delle forme della natura e del proprio io, nel multiforme gioco delle interazioni tra materia e tempo, volumi e assenze, colori e ombre, corpi e simboli.

Lorenzo Mortara

Quarto Pianeta.
Dall’emozione all’azione condivisa tra Progetti e Arte Inconsapevole

21 giugno – 21 settembre 2014
Spazio 46 Rosso

Inaugurazione, 21 giugno ore 18,
con introduzione a cura di Coordinamento x Quarto, Arch. Ruocco – I.M.F.I.

Presentazione del dipinto Un leopardo di Antonio Ligabue
a cura di Vittorio Zanini (Galleria Centro Steccata di Parma)

In mostra alcuni lavori provenienti da vari atelier di attività espressive del Museattivo Claudio Costa, dell’Istituto per le Materie e le Forme Inconsapevoli, in particolare quelli del Centro Socio-Riabilitativo Franco Basaglia della ASL3 Genovese. Inoltre sono esposte opere di artisti professionisti i quali, invitati da Claudio Costa a confrontarsi con quelle prodotte negli atelier, hanno donato le loro opere al Museattivo.

Tra loro, oltre allo stesso Costa, Aurelio Caminati, Plinio Mesciulam, Rodolfo Vitone, Luigi Tola, Raimondo Sirotti, Rocco Borella, Emanuele Luzzati, Edoardo Alfieri. Una sezione della mostra è dedicata al progetto dello Studio Icardi e Ruocco associati che consente una visione sia architettonica, che della struttura ed il suo uso a partire dalla sua costruzione fino ad oggi. A cura di Coordinamento per Quarto.

Robert Capa in Italia

7 giugno – 5 ottobre 2014
Palazzo Ducale, Loggia degli Abati

Inaugurazione, 6 giugno 2014, ore 18

Dopo il successo di Roma e Firenze arriva a Palazzo Ducale di Genova la mostra dedicata al grande fotoreporter di guerra Robert Capa, che racconta con 78 immagini in bianco e nero gli anni della seconda guerra mondiale in Italia.
Considerato da alcuni il padre del fotogiornalismo, da altri colui che al fotogiornalismo ha dato una nuova veste e una nuova direzione, Robert Capa (Budapest, 1913 – Th’i Binh, Vietnam, 1954) pur non essendo un soldato, visse la maggior parte della sua vita sui campi di battaglia, vicino alla scena, spesso al dolore, a documentare i fatti: “se le tue fotografie non sono all’altezza, non eri abbastanza vicino”, ha confessato più volte. In oltre vent’anni di attività ha seguito i cinque maggiori conflitti mondiali: la guerra civile spagnola, la guerra sino-giapponese, la seconda guerra mondiale, la guerra arabo-israeliana del 1948 e la prima guerra d’Indocina.
In occasione dell’Anno Culturale Ungheria Italia 2013 – 2014 che coincide con il centenario della nascita di questo grande maestro della fotografia, il Museo Nazionale Ungherese di Budapest, la Fratelli Alinari, Fondazione per la Storia della Fotografia in collaborazione con Palazzo Ducale Fondazione per la Cultura gli dedicano una mostra che raccoglie le fotografie scattate in Italia nel biennio 1943 – 44. L’esposizione è curata da Beatrix Lengyel ed è stata ideata e promossa in collaborazione con il Museo Nazionale Ungherese di Budapest, il Ministero delle Risorse Umane d’Ungheria, il Fondo Nazionale Culturale, l’Istituto Balassi – Accademia d’Ungheria a Roma e l’Ambasciata di Ungheria a Roma. A settanta anni di distanza, la mostra racconta lo sbarco degli Alleati in Italia con una selezione di fotografie provenienti dalla serie Robert Capa Master Selection III conservata a Budapest e acquisita dal Museo Nazionale Ungherese tra la fine del 2008 e l’inizio del 2009. La serie, composta da 937 fotografie scattate da Capa in 23 paesi di 4 continenti, è una delle tre Master Selection realizzate da Cornell, fratello di Robert Capa, anch’egli fotografo, e da Richard Whelan, biografo di Capa, all’inizio degli anni Novanta e oggi conservate a New York, Tokyo e Budapest. Le serie, identiche tra loro e denominate Master Selection I, II e III, provengono dalla collezione dell’International Center of Photography di New York, dove è conservata l’eredità di Capa.

6 giugno 2014, ore 18, l’inaugurazione

6 giugno 2014, ore 11.30, l’anteprima per la stampa

Uomini del Mare – I pescatori del Mediterraneo

 
30 maggio – 15 giugno 2014
Sala Dogana
 
progetto fotografico di Stratis Vogiatzis
a cura di Afrodite Oikonomidou
 
inaugurazione venerdì 30 maggio, ore 18 

 
Dal 30 maggio al 15 giugno, lo spazio espositivo di Sala Dogana a Palazzo Ducale ospiterà una serie di fotografie dell’artista Greco Stratis Vogiatzis. Un progetto voluto per rendere omaggio ai pescatori del Mediterraneo, a questo lavoro duro e faticoso ma nello stesso tempo magico, pieno di rituali che lo rende quasi un’attività sacra.
Negli ultimi quattro anni Stratis Vogiatzis ha dedicato gran parte del suo tempo a documentare la vita e il lavoro dei pescatori in nove paesi del Mediterraneo (Grecia, Italia, Francia, Turchia, Tunisia, Egitto, Spagna, Libano, Palestina). Penetrare nel mondo dei pescatori, un mondo così diverso da quello delle persone che abitano la terra ferma, rappresenta per l’artista un grande privilegio. Gli permette di venire a conoscenza dei segreti di un lavoro che è rimasto praticamente invariato nel corso del tempo, di vedere come i pescatori riescono a domare
i venti e le onde, di imparare i loro metodi per seguire le rotte marine, di ascoltare i loro racconti incredibili. Fotografando gli “uomini del mare” e documentando il loro lavoro, vive un’unica esperienza e instaura un vero rapporto con la semplicità e la magnificenza del mare. Con la sua arte e la sua sensibilità Stratis Vogiatzis trasforma queste forti emozioni in immagini eccezionali, piene di energia, che trasmettono allo spettatore la forza e la particolarità di un mondo quasi sconosciuto.
 
“Sapete, io sono nato in un’isola greca, il mondo dei pescatori fa parte integrante dei miei ricordi d’infanzia” dice l’autore. “Per me erano i viaggiatori, gente che lasciava lo spazio sicuro della terra e si perdeva nel mare aperto.
Erano creature lontane che rimanevano in silenzio per ore, a districare le loro reti. A volte avevo la sensazione che questo era più una meditazione che un lavoro, un canale che si apre e li collega con i segreti eterni di mare. E non vi è alcun dubbio che il lavoro del pescatore è uno dei lavori più duri: si lavora sulle barche in condizioni atmosferiche rigidissime, spesso con solo due o tre ore di riposo, a volte senza essere pagati se non con il pesce pescato, lontano dalle proprie famiglie e senza assicurazione sanitaria. Affascinato da questo mondo, ho deciso di seguirli e di documentarli. Ogni volta che la barca lascia un porto, un nuovo viaggio comincia per me, un nuovo mondo si apre davanti ai miei occhi”.
 
Stratis Vogiatzis
www.stratisvogiatzis.com
 

Stratis Vogiatzis è nato nel 1978 sull’isola di Chios, in Grecia. Ha studiato Economia e Scienze politiche all’Università di Salonicco e Antropologia Sociale ad Amsterdam, dove si è laureato con una tesi sui bambini e la violenza politica. Ha lavorato con i bambini in Palestina, come insegnante e educatore dei bambini zingari alla periferia di Salonicco, e come ricercatore per la ONG IALE di Nuova Delhi. Come fotografo freelance ha lavorato per progetti commissionati in vari Paesi del mondo come Turchia, India, Vietnam, Tanzania, Kosovo, Marocco, Messico e Iran. Dal 2005 ha deciso di dedicarsi a progetti sociali a lungo-termine. Dal 2011 ha cominciato a produrre film documentari con i quali ha partecipato in vari festival internazionali. Nel 2011 ha iniziato anche la collaborazione con Thekla Malamou per la realizzazione del Caravan Project, un viaggio a bordo di un camper nelle aree più remote della Grecia con lo scopo di documentare e svelare personaggi e storie personali di un mondo che sta scomparendo (www.anotherworldishere.com). All’inizio del 2014 ha partecipato alla grande mostra Nautilus, organizzata al Bozar di Bruxelles in occasione dell’apertura del semestre di Presidenza Greca all’UE.
 
MOSTRE
Inner World, Rosphoto-San Pietroburgo, Luglio-Agosto 2014
Naftilos, Bozar-Brussels, Gennaio 2014
People of the Sea, Beirut Souks-Beirut, Gennaio 2014
People of the Sea, Photomed-Marsiglia, Maggio 2013
Inner World, Consolato Greco ad Ankara, Gennaio 2012
Inner World, DEPO-Istanbul, Dicembre 2011
Topos, Mostra collettiva a Torino e Trieste, Ottobre 2010-Febbraio 2011
Unreal Steps, Centro Culturale-Stockholm, Novembre 2010
Inner World, Chelsea Hotel-New York, Maggio 2010
Inner World, Ambasciata Greca-Washington DC, Giugno 2010
Inner World, Thessaloniki Photobiennale-Salonicco, Aprile 2010
Inner World, Citrus-Chios, Agosto 2009
Athletes with Disabilities, Beijing Sports Hall, Marzo 2009
Foundation Maria Tsakos-Montevideo, Uruguay, Maggio 2008
 
PUBBLICAZIONI
People of the sea, 2013 / Inner World, 2009 / From Athens to Beijing, 2008
Chios, 2006 / Kosovo: Refugees Returning Home, 2003
 
FILM
Sculpting Land, 2014/ The Forest of Gold, 2014/ Man at Home, 2014/ Paporias, 2014
Black Land 2013/ The Blind Fisherman, 2011
 

End in nation. Andata e ritorno

25 maggio – 1 giugno 2014
Spazio 46 rosso del cortile Maggiore

END IN NATION/Andata e Ritorno è il titolo della “fermata” genovese di una mostra, partita da Studio Dieci – Centro Culturale no profit che opera da oltre quarant’anni nella città piemontese di Vercelli – nell’ottobre 2011.
L’evento che ha raggiunto e attraversato diverse città in Italia e in Europa, riguarda qualche decina gli artisti in mostra, quelli della storica galleria vercellese, che vengono a Palazzo Ducale, per incontrare un gruppo di artisti liguri sul tema del viaggio, in collaborazione con Art Commission Event di Genova, che rafforza gli intendimenti sociali e culturali del progetto stesso. Un progetto che nasce con l’intento e il bisogno di cercare alleanze, condivisioni, voci e pensieri, ma anche con il desiderio d’incontrare un nuovo pubblico di appassionati e sognatori.

ARTE-FICIO
Arte, comunicazione, linguaggi ed iconografie dei poteri dagli anni settanta ad oggi, nel percorso artistico di Ettore Pasculli e Giuliano Galletta.

8 – 29 maggio 2014
Loggia degli Abati

A cura di Roberto Mastroianni

In occasione della mostra, “ARTEFICIO”, viene pubblicato da Altralinea Edizione di Firenze, un volume che ripercorre l’esperienza artistica di Ettore Pasculli del quale vengono raccontati e mostrati gli interventi e le collaborazioni coi gruppi di lavoro più significativi, a cavallo di due secoli. L’esperienza dell’artista milanese, che ha dedicato la maggior parte della sua vita alla sperimentazione linguistica e tecnologica congiuntamente a un convinto impegno sociale e civile, viene poi messa in relazione con quella dell’artista genovese Giuliano Galletta.

Ettore Pasculli,
Laureato in Architettura e diplomato a Brera partecipa e organizza numerose mostre. Insegna Storia dell’Architettura contemporanea al Politecnico di Milano e per un decennio dirige e avvia l’innovazione tecnologica del gruppo di Cinecittà. Con numerose pubblicazioni e 23 lungometraggi a soggetto è tra i primi a sperimentare realtà virtuale e cinema digitale.

Giuliano Galletta,
Artista, giornalista, scrittore è attivo fin dalla seconda metà degli anni Settanta e ha esposto in gallerie e musei italiani e stranieri.

Roberto Mastroianni è filosofo, curatore e critico d’arte, ricercatore indipendente presso il C.I.R.Ce del Dipartimento di Filosofia dell’Università degli Studi di Torino dove si è Laureato in Filosofia Teoretica alla Facoltà di Lettere e Filosofia. Ha curato libri di teoria della politica, scritto di filosofia e arte contemporanea e curato diverse esposizioni museali.

Walter Vallini,
Architetto e designer, cura da anni con l’associazione “Fusion Art” importanti mostre ed eventi internazionali al fine di creare una sinergia tra la produzione culturale italiana e quella di altri paesi sia europei che extraeuropei

Smascherare gli inganni!
Il volume illustrato racconta la ricerca artistica e il percorso culturale di Ettore Pasculli, un protagonista della rivolta creativa degli anni settanta. Si tratta di una panoramica emblematica della sua più che quarantennale carriera artistica, che nel suo svolgersi mostra e svela un interesse per l’iconografia del corpo e del potere dei “segni”, l’immagine, il suo statuto disciplinate e la sua natura politica, tutte questioni che si pongono come fondamentali per la comunicazione, l’arte, lo spazio pubblico e le sue dinamiche a cavallo tra il XX e il XXI secolo.
All’estetizzazione della società l’artista ha provato a rispondere con la politicizzazione dell’arte adeguata agli sviluppi della contemporaneità. Si può affermare senza dubbio che nell’officina dell’arte e della comunicazione cui Pasculli ha dato vita siano stati messi in discussione i campi dell’arte stessa e dell’informazione, il valore delle immagini e della rappresentazione dell’umanità; tutto ciò l’ha portato alla consapevolezza che il valore disciplinante delle immagini è prima di tutto antropologico e che il disciplinamento politico è solo una parte dell’azione portata avanti dalla rappresentazione e dall’autorappresentazione della corporeità e del potere.
In appendice il lavoro di E.P. viene messo in relazione ad un’altro artista, Giuliano Galletta, un genovese, che negli stessi anni ha esplorato territori e pratiche.

 

Christian Lebrat – Le temps déroulé

9 maggio – 8 giugno 2014
Cortile Maggiore, Spazio 42 rosso

Promossa da Palazzo Ducale, Fondazione per la Cultura, la mostra è dedicata a Christian Lebrat, fotografo, cineasta, editore e video artista parigino.

L’artista nel corso della sua attività, iniziata nei primi anni 70, ha realizzato una ventina di film, video e performance per film, oltre a cicli di lavori come i rubans photographiques (nastri fotografici). L’esposizione presenta una serie di questi nastri, al confine tra otografia e cinema, che costituiscono il corpo principale dell’opera fotografica di Lebrat. Le immagini sono composte da più scatti in sequenze multiple e spesso sovrapposte, che moltiplicano lo spazio rappresentato con profondità differenti in una sorta di simultaneità dove anche l’architettura diviene elemento dinamico. Genova è più volte presente nelle opere dell’artista francese, a partire dal 1978, anno del suo primo nastro fotografico. In mostra, accanto alle immagini di Parigi, NewYork, Chicago, Venezia, Torino, saranno esposti diversi lavori che rappresentano i luoghi simbolo della città di Genova, come Boccadasse, Villa Pallavicini, Piazza de Ferrari, ma anche le visioni dell’altoforno dell’ILVA di Cornigliano prima dell’abbattimento che, come testimonia Lebrat, “è stato il (mio) modo di rendere omaggio agli uomini che hanno costruito queste acciaierie, che le hanno subìte, lasciandovi il sudore e le loro speranze”.

La vita è sogno
Bloc-notes: musica in immagini

 
9 – 25 maggio 2014
Sala Dogana
 
Premio “Sergio Fedriani” 2014
mostra concorso di opere figurative

inaugurazione venerdì 9 maggio, ore 18

 
Per ricordare il pittore, illustratore, incisore, scenografo e umorista genovese Sergio Fedriani (1949-2006), illustre esponente del disegno poetico e surreale, l’Associazione Culturale a lui intitolata propone annualmente un concorso per giovani artisti, volto a segnalare personalità emergenti nei campi della produzione figurativa fantastica.
Dopo le edizioni dedicate all’illustrazione, alla grafica incisoria, alla scenografia, alla pittura, alla grafica umoristica e ai temi “Il cinema, la fabbrica dei sogni” e “In viaggio: fantastiche istantanee”, questa ottava edizione è intitolata “Bloc-notes: musica in immagini”.
Il Concorso di opere figurative per giovani artisti “La vita è sogno”, ottava edizione del Premio “Sergio Fedriani”, organizzato dall’omonima Associazione culturale in collaborazione con il Comune di Genova, Genova Palazzo Ducale Fondazione per la Cultura e lo studio professionale SFL di Genova, si è concluso dopo lo spoglio degli elaborati inviati da tutta Italia.
 
La Giuria, presieduta dal pittore, illustratore e musicista Cesare Reggiani e composta dall’illustratrice Costanza Favero, dall’artista visivo e musicista Gianfranco Johnny Grieco, dai cantautori Max Manfredi e Claudia Pastorino, dal Presidente dell’associazione Chiara Fedriani e dai Soci Mariacleme Bartesaghi e Rossella Scunza, esaminando le opere selezionate (26 per 17 autori finalisti), ha così deliberato l’assegnazione dei riconoscimenti:
 
1º premio (€ 1500) a CALLA DI LATTA (LUCA CATTANEO e LAURA MANICARDI) di Cologno al Serio (BG) con l’opera Note(s)
2º premio (€ 1000) a FAUSTO MONTANARI di Genova con l’opera Suona-tori
3º premio (€ 500) a STEFANO MAESTRELLI di Villa Poma (MN) con l’opera Il mangiadischi
 
La Giuria ha inoltre ritenuto di segnalare con tre menzioni d’onore le opere: “La primavera (macchina da… suonare” di MARTA ALACEVICH da Pontassieve (FI), “The Last Thoughts About Music” di CHRISTIAN IMBRIANI da Lecce, “Quartetto” di BIANCA MONTANARI da Genova.
In mostra e in catalogo saranno presenti opere di Sergio Fedriani, dei premiati, dei segnalati e dei finalisti Giulio ALVIGINI, Caterina BALDI, Giorgia BELLINGERI, Lucia CARIANI, Roberta DALL’OLMO, Luisa FALETTI, Matilde GIULIANI, Giulia RAMBERTI, Mattia SANSEVERINO, William TARANTINO.
 
Nel corso dell’inaugurazione della mostra si procederà alla presentazione del catalogo e alla premiazione dei vincitori.
 

L’oriente di Pasolini “Il fiore delle mille e una notte” nelle fotografie di Roberto Villa

 
Spazio 46 rosso del cortile Maggiore
4 -21 maggio 2014
 
A cura di Virginia Monteverde
 
Inaugurazione, sabato 3 maggio, ore 18.30, sarà presente l’autore, introduce Matteo Lo Presti.

Attraverso una selezione fra oltre duecentosettanta immagini, l’esposizione ripercorre l’esperienza di Villa sul set del film Il fiore delle mille e una notte, un documento felice sul lavoro di Pasolini in Oriente, ma anche uno degli ultimi sguardi su un’area geografica che stava per trasformarsi in un enorme e prolungato scenario di guerra, come scrive Gian Luca Farinelli nell’introduzione del catalogo edito dalla Cineteca di Bologna nel 2011.
 
La mostra è articolata in due sezioni, trentacinque stampe fotografiche che testimoniano il lavoro di Pasolini sul set e una galleria multimediale in cui scorrono tutte le immagini dei volti, dei luoghi, del fuori set magistralmente documentati da Roberto Villa.
 

Le piazze del cibo

dal 10 al 27 aprile 2014
Loggiato Minore

I colori del cibo, i mercati dimenticati e quelli che vediamo tutti i giorni ma non abbiamo mai guardato, perché vetrate, pilastri e finestre scompaiono al nostrosguardo, concentrato sui banchi. Il viaggio della Scuola di Fotografia dello Studio Leoni, esplora i mercati genovesi e racconta anche particolari “invisibili”, un percoso dentro ai mercati per sentirne le voci, i rumori e rievocarne gli odori.

1936 – USA / Fuga dalla fame

10 – 27 aprile 2014
Loggia degli Abati

Una selezione di fotografie del progetto Farm Security Administration, scattate tra il 1936 e il 1943 da grandi fotografi americani, per documentare la recessione agricola dilagante negli Stati Uniti, dopo la grande crisi del ’29.
 
Sono “istantanee di povertà” scattate da Dorothea Lange, Walker Evans, Arthur Rothstein, Russell Lee e John Vachon.

La Spoon River contadina

10 – 27 aprile 2014
Loggia degli Abati

In collaborazione con la Fondazione Nuto Revelli, un omaggio a Nuto Revelli nel decennale della morte attraverso le foto di Bruno Murialdo e Paola Agosti, che ritraggono i protagonisti dell’epopea revelliana, i contadini de Il Mondo dei vinti ma anche le donne de L’Anello forte.

La cucina futurista

10 – 27 aprile 2014
Spazio 46r

 
Tra le opere esposte il libro La Cucina futurista, bozzetti di menù, menù originali, fotografie e ceramiche prodotte ad Albissola.
 
A cura di Matteo Fochessati.

I tempi del cibo

 
10 aprile – 4 maggio 2014
Munizioniere

Allestimento a cura di N!03

 
Un’installazione site specific, di forte impatto visivo negli spazi del Munizioniere, ambiente storicamente utilizzato come magazzino, ove venivano conservate le provviste alimentari del Palazzo. Il percorso interattivo, pensato per un pubblico eterogeneo e di ogni età, segue l’evoluzione del rapporto dell’uomo con il cibo nel corso della storia attraverso un racconto fatto di immagini, oggetti e suggestioni cinematografiche.
 
Si ringrazia il Museo del Passatempo di Rossiglione per alcuni prestiti (una ghiacciaia e un frigorifero anni Cinquanta, una stufa di ghisa e una cucina a gas anni Quaranta) funzionali ad illustrare come è cambiato il modo di conservare e cucinare i cibi dall’Ottocento al Novecento. Durante La Storia in Piazza il percorso sarà guidato da animatori (solo su prenotazione).

Tomás Saraceno

 
Installazione Site Specific
 
10 aprile – 14 settembre 2014
Cortile Maggiore
 

Saraceno presenta un piccolo mondo sospeso iridescente di circa tre metri di diametro, racchiuso dentro una rete di poliestere ancorata alle colonne. Pensato appositamente per l’antico cortile di Palazzo Ducale, il pianeta di Saraceno irradia dalla superficie, costituita da solar foil, una forma di energia cromatica, il cui spettro di colori è celestiale.
 
L’energia solare alimenta la luce interna dell’installazione durante il giorno e nel buio notturno la trasforma in una magia fluttuante.

Le Colonne (Arte Ceramica 2014) e
Notturni (Carlo Pizzichini)

18 – 27 aprile 2014
Spazio 42r

Inaugurazione, 17 aprile 2014, ore 18

160 anni di immagini dalla Fototeca Ansaldo

4 aprile – 29 giugno 2014
Centro Civico Buranello

inaugurazione 4 aprile 2014, ore 18

Una grande mostra che testimonia, attraverso un migliaio di immagini fotografiche, la lunga stagione del ‘saper fare’ industriale italiano.
Centosessant’anni di radicate e ben diffuse capacità progettuali e costruttive, di straordinarie trasformazioni tecnologiche, documentati con immagini che provengono dalla Fototeca della Fondazione Ansaldo, istituzione culturale dove, oltre a 400mila preziose fotografie industriali d’epoca, è custodita oggi, in Italia, la più vasta e ricca concentrazione di archivi economici e d’impresa.
Nella mostra si trovano fotografie multimedializzate o esposte in originale, gigantografie che, a partire dalla metà del secolo XIX, illustrano il lavoro operaio nelle officine, nei cantieri e nei porti; il treno, il primo e più vistoso prodotto della rivoluzione industriale, simbolo e fattore di sviluppo economico e sociale; la grande meccanica delle caldaie, delle turbine, degli apparati motore; la produzione navale con al centro i maestosi transatlantici; l’epopea dell’acciaio e della ciclopica attività siderurgica; le mastodontiche centrali e gli impianti per l’elettrificazione e la modernizzazione del Paese; la produzione bellica con corazzate, cannoni, aerei e carri armati; le colonie e le gite sociali dei lavoratori negli anni Cinquanta; il ‘miracolo economico’ degli anni ’60 con l’automobile, il tempo libero e la trasformazione urbanistica; l’irrompere dell’informatica e dell’automazione. E ancora immagini sulle più diverse manifestazioni politiche e sindacali o su eventi, come ad esempio, la Resistenza che hanno segnato la storia del nostro Paese.

La mostra, pensata per raggiungere un pubblico vasto e culturalmente diversificato – e non solo coloro che hanno verso questi temi uno specifico interesse professionale o culturale – non obbliga il visitatore ad un percorso prestabilito, unidirezionale. Ci si può limitare ad una veloce ma comunque suggestiva vista d’insieme percorrendo, in pochi minuti, la galleria delle gigantografie; stampate con accuratezza nel bianco e nero delle lastre originali e disposte in ordine cronologico, permettono di intravvedere le forme del paesaggio industriale, le filiere produttive, gli uomini al lavoro e i loro manufatti dalla metà dell’800 sino all’oggi, sino all’esplosione di colore delle fotografie contemporanee di Edoardo Montaina.
Ma per chi vuole vedere e conoscere di più può intrattenersi con le lavagne touch screen (Dall’originale al virtuale) o usare le torce multimediali (La città da scoprire), può
entrare in un antico laboratorio fotografico (Il laboratorio do sciù Campostano) o sostare presso le postazioni interattive collocate al centro dello spazio espositivo dove importanti vicende industriali prendono corpo e vengono narrate grazie alle fotografie (Racconti industriali).

L’urlo della crisi

9 – 23 marzo 2014
Loggiato Minore

Mostra collettiva

Inaugurazione sabato 8 marzo alle ore 17 nel Loggiato Minore

 
In occasione della grande mostra di Edvard Munch a Palazzo Ducale di Genova, l’Associazione ART Commission in collaborazione con “Spazioporpora” di Milano, presenta una collettiva di artisti provenienti da diverse città italiane chiamati a presentare la propria opera che, insieme a tutte le altre, darà vita a un grande urlo collettivo.

Erika Sambiase “Ghimel”

 
16 febbraio – 2 marzo 2014
Loggiato Minore
 
Inaugurazione 16 febbraio 2014, ore 17

 
Domenica 16 febbraio 2014 alle ore 17.00 nel Loggiato Minore di Palazzo Ducale, si inaugura la personale di Erika Sambiase “Ghimel”. La mostra, organizzata da ART Commission, si apre con la performance di pittura e corpo in movimento di Erika Sambiase e Federica Bastoni, sulle musiche originali di Marcello Gori. Presentazione critica a cura di Bettina Bush.
Erika Sambiase.
 
Nata a Genova il 10 Maggio 1979, dopo un percorso di studi scientifici nel 2003 si avvicina al mondo dell’arte iscrivendosi all’Accademia Ligustica di Belle Arti. Laureata in Scenografia nel 2006 inizia subito a lavorare come assistente scenografo e costumista in ambito teatrale e cinematografico, collaborando con i principali teatri genovesi e con diverse produzioni cinematografiche nazionali. Nel frattempo inizia un proprio percorso di ricerca artistica, fondato sull’uso di diversi linguaggi presi in prestito dal palcoscenico, consolidando uno stile pittorico e plastico espressivo, profondamente intimo, dirompente e necessario. Alla sua prima esperienza performativa, in collaborazione con Federica Bastoni, è ideatrice del progetto e autrice dell’istallazione che ne costituisce lo spazio agito.

Il viaggio

25 gennaio – 16 febbraio 2014
Cortile Maggiore, Spazio 42 rosso
mostra di Angelo Baghino
Inaugurazione 24 gennaio, ore 17

È il filo spinato che segna il percorso del viaggio. Filo spinato che è anche il confine tra universi non comunicanti. Non tra umanità e dis/umanità perché sia le vittime che i carnefici erano uomini. Non esiste il male assoluto, esiste il male inferto da uomini contro altri uomini, esistono le responsabilità, le colpe. L’oblio della memoria porta a cancellarle. Si ricordano i sommersi ma non i colpevoli. Angelo Baghino con il suo lavoro ci consegna immagini di rabbia, non di paura o di sottomissione. Rabbia con cui è utile confrontarsi per non consegnarsi alla retorica, al vuoto dei sentimenti, per conservare la consapevolezza di quanto è successo.

sabato 24 gennaio 2014, l’inaugurazione:

I colori del mondo

31 gennaio – 1 aprile 2014
Loggia degli Abati

mostra fotografica a cura di Guglielmo Pepe

Un’esposizione fotografica di National Geographic Italia che focalizza l’attenzione su “I Colori del Mondo”, organizzata da Pho_To Progetti per la fotografia e promossa da Genova Palazzo Ducale Fondazione per la Cultura.
Dal 31 gennaio al 1 aprile 2014 in mostra nella Loggia degli Abati del Palazzo Ducale di Genova una selezione di cinquanta immagini, di trentadue fotoreporter, inedite per il magazine e di grande impatto visivo ed emotivo, declinate attraverso quattro colori per descrivere, tra contrasti e suggestioni, il presente e il futuro del mondo.
Rosso, colore della terra, del fuoco, delle comunità, degli usi e costumi, del cuore, del sangue, della passione.
Verde: il mondo green in tutte le sue espressioni, come colore dell’oggi e del domani, della speranza.
Il colore della natura, dell’esistenza stessa.
Bianco: l’immacolato dei luoghi colpiti dal riscaldamento globale, degli animali a rischio di sopravvivenza, dell’innocenza, della purezza.
Azzurro: il colore dell’acqua e del cielo, dei mari e dei suoi “abitanti”, della gioia di esistere e della tranquillità.
Un affascinante viaggio fotografico realizzato con gli scatti dei più grandi fotografi che lavorano e collaborano con il magazine a livello internazionale e nazionale.

Tra gli eventi collegati alla mostra, National Geographic Channel (canale 403 di SKY) e Nat Geo Wild (canale 409 di SKY) propongono al Museo di Storia Naturale Doria una rassegna di documentari che pongono domande su cosa conosciamo veramente, su come vediamo il mondo e sul futuro che si prospetta all’umanità. Le proiezioni, gratuite, avranno inizio a partire dal 18 febbraio, dal martedì alla domenica, in tre orari: alle ore 11, alle ore 13 e alle ore 17.

I FOTOGRAFI IN MOSTRA:

SAM ABELL – LYNSEY ADDARIO – STEPHEN ALVAREZ – ROBERT CLARK – JODI COBB – PETER ESSICK – MELISSA FARLOW – ALESSANDRO GANDOLFI – GEORGE GRALL – LYNN JOHNSON – ED KASHI – BRIAN LANKER – PASCAL MAITRE – STEVE MCCURRY – JAMES NACHTWEY – MICHAEL NICHOLS – PAUL NICKLEN – RANDY OLSON – CARSTEN PETER – ANTONIO POLITANO – JIM RICHARDSON – SANDRO SANTIOLI – JOEL SARTORE – SHAUL SCHWARZ – BRIAN J. SKERRY – STEPHANIE SINCLAIR – JAMES L. STANFIELD – GEORGE STEINMETZ – BRENT STIRTON – ALEX WEBB – STEVE WINTER – MICHAEL S. YAMASHITA

Inaugurazione, 30 gennaio ore 18

Conferenza stampa, 30 gennaio ore 11.30

SEGRETE.
Tracce di Memoria

26 gennaio – 9 febbraio 2014
Prigioni della Torre Grimaldina

Il 25 Gennaio 2014 alle 18.00 si inaugura la VI edizione di SEGRETE, Tracce di Memoria, la rassegna d’arte contemporanea ideata e curata da Virginia Monteverde per il Giorno della Memoria, in collaborazione con Genova Palazzo Ducale Fondazione per la Cultura e Ilsrec, presentazione a cura di Stefano Bigazzi.

Anche quest’anno saranno le suggestive celle delle antiche prigioni della Torre Grimaldina a fare da sfondo e al tempo stesso essere parte integrante del lavoro degli artisti, impegnati a creare una serie di opere site specific per celebrare il sacrificio della Shoah e ricordare, soprattutto alle nuove generazioni, una pagina della storia contemporanea che ha segnato in modo indelebile le vicende politiche e umane del secolo scorso. L'arte affida alla suggestione delle opere il compito di tramandare la memoria non attraverso una funzione didascalica, ma parlando direttamente al cuore e alla mente dei visitatori. Un percorso originale e innovativo, come è nella tradizione di SEGRETE, che quest'anno si sviluppa attraverso le installazioni di:

FELICE ARDITO – LINO DI VINCI – MAURIZIO DUSIO – ROBERTO MERANI – BRUNO MENEGHELLI – SILVIO MONTI – NINA STAEHLI – GÜNTER STANGELMAYER.

Nel corso dell’inaugurazione, sabato 25 gennaio, i visitatori, oltre a seguire il percorso delle sette celle, avranno accesso al piano superiore della Torre Grimaldina dove potranno assistere alla performance “Dentro la Violenza_Dietro la Notizia” realizzata dalla Compagnia Filo' con la partecipazione di Danilo Spadoni.

La mostra si avvale anche delle videotestimonianze di: Luca Borzani – presidente di Genova Palazzo Ducale Fondazione per la Cultura, Piero Dello Strologo presidente del Centro Culturale Primo Levi, Mino Ronzitti – presidente dell’Istituto Ligure per la Storia della Resistenza e dell’Età Contemporanea.

Anche quest’anno avrà una parte di rilievo la documentazione storica. I visitatori potranno per la prima volta “consultare” la mappa dei rifugi antiaerei utilizzati a Genova nel corso della Seconda Guerra Mondiale, grazie al progetto di ricerca di Carlo Cassan “Genova e i rifugi della Memoria: le gallerie dimenticate”

Fascismo ultimo atto.
La Repubblica Sociale Italiana

Wolfsoniana a Palazzo Ducale

7 febbraio – 16 marzo 2014
Munizioniere

Attraverso manifesti, disegni, bozzetti, volantini, opuscoli, cartoline, volumi, fotografie e altro materiale delle collezioni della Wolfsoniana e dell’Istituto Mazziniano, la mostra intende documentare la storia e soprattutto l’immagine della Repubblica Sociale Italiana (8 settembre 1943 – 25 aprile 1945), l’ultima e la più feroce rappresentazione del fascismo italiano.

L’autorappresentazione dell’ultimo fascismo, quello più tragico della Repubblica Sociale Italiana, costituisce una sorta di disperato tentativo di costruire un’identità e un sistema di valori in grado di sorreggere un apparato statale sostanzialmente ininfluente e interamente dipendente dal dispositivo militare nazista. Riproporre dopo settanta anni il materiale propagandistico di Salò è l’occasione per riflettere sui modelli visivi e culturali a cui il fascismo dell’ultimo atto ha consegnato la sua immagine. Larga parte dei materiali conservati dalla Wolfsoniana e dall’Istituto Mazziniano sono esposti per la prima volta e documentano in modo esaustivo sia lo sforzo di rimotivazione ideologica della propaganda repubblichina sia l’illusorio tentativo di riattualizzare quella dimensione eversiva e di movimento che aveva caratterizzato il fascismo delle origini. La retorica del tradimento, dell’onore perduto, l’esaltazione della
morte, del sacrificio e dell’estrema difesa della Patria consegnano in realtà un immaginario fragile e rancoroso incentrato sul lutto e sulla vendetta. La stessa che animò gli uomini e le donne della RSI nelle uniche funzioni a loro concesse dall’“alleato” tedesco: la repressione dell’antifascismo, la persecuzione razziale, la deportazione di uomini e macchine per alimentare l’organizzazione bellica nazista.

Conferenza stampa, 7 febbraio ore 12

Inaugurazione, 7 febbraio ore 18

Gianni Berengo Gardin.
Storie di un fotografo

14 febbraio – 8 giugno 2014
Sottoporticato

Con occhio sempre vigile, attento a cogliere le svolte della storia, così come i passaggi minimi, più discreti del reale, Gianni Berengo Gardin ha narrato – e continua a farlo, basti pensare al suo lavoro su L’Aquila, prima e dopo la devastazione inflitta dal terremoto – avvenimenti che hanno marcato in profondità la storia del nostro paese, sotto molteplici
punti di vista. Le sue immagini sono uno spaccato della vita politica, sociale, economica e culturale dell’Italia dagli anni del boom a oggi, sia nei suoi risvolti felici, sia nelle sue pieghe drammatiche e a volte tragiche.

La mostra “Gianni Berengo Gardin. Storie di un fotografo” – prodotta e organizzata da Civita e Genova Palazzo Ducale Fondazione per la Cultura, progetto espositivo di Civita Tre Venezie, Casa dei Tre Oci e Fondazione Forma – approda a Palazzo Ducale in versione completamente rinnovata e con un intero capitolo dedicato a Genova, la città natale del nostro autore.

Inaugurazione, 13 febbraio ore 18

Storie al lavoro

 
17 gennaio – 2 febbraio 2014
Sala Dogana
 
Fumetti e Racconti per una riflessione sul mondo del lavoro
a cura di Sergio Badino
 
Inaugurazione 17 gennaio 2014, ore 18

 
Nell’ambito di “Giovani idee in transito” in Sala Dogana a Palazzo Ducale – Genova, venerdì 17 gennaio 2014, alle ore 18, inaugura STORIE AL LAVORO, esposizione collettiva di fumetti e racconti, a cura di Sergio Badino, in mostra fino al 2 febbraio 2014.
 
Storie al Lavoro presenta l’unione di fumetti e racconti per una riflessione a 360° sul mondo del lavoro: un tema di attualità veicolato da un tandem espressivo inedito.
Accanto alla narrativa breve e alle tavole a fumetti, a colori e in bianco e nero, la mostra presenta le sceneggiature di queste ultime, in modo da comprendere il processo che, tramite lo storytelling e la scrittura per immagini, conduce alla pagina disegnata.
Sono esposte le opere degli studenti di sceneggiatura e narrativa di StudioStorie, scuola di storytelling e scrittura di Sergio Badino: una mostra da leggere tutta d’un fiato!
 
Sceneggiature & racconti scritti da:
Giorgia Bruzzone, Luca Caridà, Paola Cassano, Maria Grazia Corradi, Davide Costa, Alberto De Paulis, Valeria delle Cave, Giuliana Erli, Camilla Ferroni, Marcello Gastaldo, Filippo Ghiglione, Andrea Grenci, Silvia Ierardi, Marco Moretti, Nicola Pastrano, Gianmarco Perrone, Fabio Peytrignet, Giuseppina Picetti, Laura Magda Sparacello, Francesca Talloru, Laura Taverna.
 
Tavole a fumetti illustrate da:
Matteo Anselmo, Stefano Bortolin, Giulia Bracesco, Vincenzo Cardona Albini, Francesco D’Ippolito, Rudy Dore, Federico Franzò, Luca Marcenaro, Giorgia Marras, Alex Raso, Gianluca Sturmann, Stefano Tirasso.
 

DesertMed
Le isole deserte del Mediterraneo

 
12 dicembre 2013 – 2 febbraio 2014
Museo d’arte contemporanea Villa Croce
 
Anteprima stampa: mercoledì 11 dicembre 2013, ore 11
 
Inaugurazione: giovedì 12 dicembre 2013, ore 18
 
L’isola e a maggior ragione l’isola deserta sono nozioni estremamente povere e deboli da un punto di vista geografico; esse possiedono un debole statuto scientifico. Ma questo va a loro onore. Non c’è alcuna unità oggettiva nell’insieme delle isole. Ancora meno nelle isole deserte. Magari l’isola deserta può avere un suolo estremamente povero. Deserta, essa può essere un deserto, ma questo non è affatto necessario. Se il vero deserto è inabitato, esso lo è in quanto non presenta le condizioni di diritto che renderebbero la vita possibile, vita vegetale, animale o umana. Al contrario, che l’isola deserta resti spopolata, resta un puro fatto che si collega alle circostanze, vale a dire a ciò che la circonda.
L’isola è ciò che il mare circonda, ciò che è deserto è l’oceano tutto intorno. Ed è in virtù delle circostanze che le navi passano da lontano e non si fermano mai. (tratto da: Gilles Deleuze, L’isola deserta e altri scritti. Testi e interviste 1953-1974, Torino 2007)
Il Museo di Arte Contemporanea di Villa Croce propone per la prima volta in Italia una mostra che raccoglie il frutto del lavoro di ricerca portato avanti in questi anni dal collettivo Desertmed.
Desertmed è un’indagine artistica multidisciplinare rivolta alla scoperta delle isole deserte del Mediterraneo che analizza le cause storiche, politiche e geografiche del loro abbandono. Le isole visitate dai membri del collettivo sono state suddivise in categorie a seconda del loro impiego odierno: Isole naturali, private, turistiche, adibite a parchi naturali, divenute sedi di prigioni, di insediamenti militari o industriali.
Il risultato della ricerca è composto da video, fotografie, disegni, sculture, materiali audio, rilievi, mappe e interviste che tentano di fornire allo spettatore “una cartografia poetica e concettuale” degli unici spazi rimasti liberi nel mediterraneo. Desertmed Cerca di rendere visibile l’invisibile attraverso l’interazione tra tecnologie tradizionali e tecnologie digitali innovative, senza privilegiare le une rispetto alle altre, convinti che il confine tra i vari modi di rappresentare possa essere superato. Il collettivo, conosciuto a livello internazionale, ha esposto in rilevanti sedi quali Berlino, Istambul e Salonicco, inizialmente composto da Giulia di Lenarda, Armin Linke, Amedeo Martegani Giuseppe Ielasi, Renato Rinaldi e Giovanna Silva ad oggi annovera collaborazioni con artisti, fotografi, architetti, sound artist, scrittori e teorici. (Daniele Ansidei, Aristide Antonas, Elina Axioti , Angelo Boriolo, Giulia Bruno, Fabian Bechtle, Antonia Dika, Stefano Graziani, Wilfred Kühn e Simona Malvezzi, Franck Leibovici, Carlo Marchi, Carlo Ratti, Donato Ricci, Stella-Sophie Seroglou, Francesco Siddi, Andrea Tamburini)
 
Collettivo iniziale:
Giulia Di Lenarda, vive a Milano, fotografa e ricercatrice.
Giuseppe Ielasi, vive a Vimercate, musicista.
Co-curatore di Senufo Editions www.senufoeditions.com
Armin Linke, vive a Berlino, artista, lavora con fotografia, video e vari media, professore di fotografia presso University for Arts and Design Karlsruhe.
Amedeo Martegani, vive a Milano, artista, lavora con disegno, fotografia e vari media.
Giovanna Silva, vive a Milano, architetto, fotografa, artista. Cofondatrice della rivista San Rocco www.giovannasilva.com
Renato Rinaldi, vive a Cividale, musicista, compone colonne sonore per il teatro e la radio.
 
Desertmed vuole ringraziare
Flavio Albanese, Luca Alfonso, Carlo Antonelli, Paolo Berto, Milena Brambilla, Nina Brambilla, Roberto Badoglio,
Ilaria Bonacossa, Valerio Bozzo, Damien Bright , Alice Bulgari, Pierluigi Cacioppo, Renato Cafiero, Giuseppe Calabrese,
Gennaro Carducci, Carla Caredda, Aurora Ciardelli, Federica Cimatti, Massimiliano Cipriano, Paola Clerico,
Paolo Colombo, Siro Corriga, Sandro Cortis, Lieven De Cauter, Diego Domenico, Luca Fais, Carlo Forteleoni, Kurt W. Forster, Els Hanappe, Rebecca Harms, Vincenzo Latronico, Michele Marchetti, Iginio Marson, Mauro Martino, Romina Mastellone, Salah Matmati, Francesco Mattuzzi, Luisa Mazier,Carlo Alberto Mazzerbo, Daniele Milani, Giulia Nomis, Raja Noomane, Viviana Panaccia, Francesca Pennone, Franco Pennone, Alessandro Petti, Valerie Pihet, Giulia Pireddu, Simona Pompilio, Valerio Rosano, Annalisa Rosso, Luca Rotondo, Tassos Sakellaropoulos, Alessio Satta, Salvatore Schiano di Colella, Atman Sahnoun, Lazarus Siakos, Alessandro Silva, Laura Silva, Paolo Soravia, Marina Sorbello, Benedetta Spalletti, Angelika Stepken, Onofrio Storniolo, Elisabetta Terragni, Mario Tozzi, Silvio Vetrano, Adelina von Fürstenberg, Antje Weitzel, Edmond Zhupani
 
Desertmed vuole ringraziare per il supporto:
Albanian Ministry of Defense / Albanian Ministry of Tourism / Benaki Museum, Athens / Commissariat National du Littoral d’Algérie / Commissariat Regional au Tourisme, Bizerte / Comando Generale Capitanerie di Porto – Guardia Costiera, Roma / Conservatoria delle Coste della Sardegna, Cagliari / Corpo Forestale dello Stato, Roma / Direzione e Amministrazione Penitenziaria del carcere di Pianosa e Gorgona / Ente Parco Nazionale Arcipelago Toscano / Ente Nazionale Tunisino per il Turismo, Milano / Galleria Vistamare, Pescara / Ifa Institut für Auslandsbeziehungen, Stuttgart / Istanbul Museum of Modern Art / Istituto Nazionale di Oceanografia e Geofisica Sperimentale,Trieste / IUAV. Università di Arte e Design, Venezia / MAXXI. Museo Nazionale delle arti contemporanee, Roma / Ministère de la Communication d’Algérie / Ministère de l’Environnement d’Algérie / MIT. Senseable City Lab, Boston / Navionics™ / Museo d’Arte Contemporanea Villa Croce, Genova / NGBK, Berlin / Parco Nazionale dell’Asinara / Parco Nazionale dell’Arcipelago di La Maddalena / Science Po Media Lab, Paris / State Museum of Contemporary Art, Thessaloniki / Stavros Niarchos Foundation, Athens / Telespazio, Roma / University of Thessaly, Department of Architecture, Volos / Villa Romana, Firenze / ZKM. Museum für Kunst und Medien, Karlsruhe

20 anni di Limes

 
14 – 22 dicembre 2013
Liguria Spazio Aperto, Palazzo Ducale
 
A cura di Laura Canali, grafica e cartografica di Limes
 
nell’ambito della Festa dei 20 anni di Limes

 
La storia di Limes attraverso una carrellata dell sue copertine. La geopolitica incontra l’arte.
 
Limes compie 20 anni e organizza con Palazzo Ducale Fondazione per la Cultura la sua prima festa, un appuntamento destinato a cartografare e discutere lo stato del mondo e il nostro posto in esso, una sorta di giro strategico del pianeta esplorando scenari chiave in compagnia dei massimi esperti nazionali e internazionali di geopolitica.
Dal 1993 a oggi, Limes ha prodotto oltre un centinaio di volumi e migliaia di carte che illustrano le dinamiche geopolitiche che stanno cambiando il mondo e con esso le nostre vite.
 
“La vicenda di ciò che accade in tempi diversi, che è propriamente la storia, non è altro che una ininterrotta geografia, perciò è una delle più grandi manchevolezze storiche quando non si sa in quale luogo una cosa sia accaduta, o cosa questo abbia comportato”.
Immanuel Kant, Vorlesungen über die Physische Geographie, a cura di L. Voss, Leipzig 1939.
 

I colori dell’armonia

 
14 – 20 dicembre 2013
Vis grafica primo piano ovest
 

 
Maria Cristina Carmina, nasce a Genova dove vive e lavora. Artista autodidatta ha partecipato ad importanti mostre collettive e ha ottenuto numerosi premi e riconoscimenti a livello nazionale.
 
Questa sua personale è dedicata ai paesaggi, creazioni astratte, stesure di colore che, trasformandosi in incantevoli vedute, traducono fedelmente le sue più forti emozioni.
 
Per la prima volta in mostra anche nei grandi formati.

Il filo della memoria

 
7 – 22 dicembre 2013
Sala Dogana
 
Veicolo della creatività della donna ed espressione di una condizione femminile legata alla tradizione
doppia personale di Natalia Serrano e Giulia Ferrero

 
Nell’ambito di “Giovani idee in transito” in Sala Dogana a Palazzo Ducale – Genova, venerdì 6 dicembre 2013, alle ore 18, inaugura Il filo della memoria, doppia personale di Natalia Serrano e Giulia Ferreri, in mostra fino al 22 dicembre 2013.
 
Con questa mostra le artiste parlano della donna, della sua essenza, delle sue origini e della sua creatività.
 
Ripercorrendo le strade esplorate prima di loro da molte artiste considerate liberate, indipendenti, intellettuali, Giulia e Natalia riprendono qualcosa di così tradizionale come la tessitura, attingendo ad una memoria femminile collettiva, interrogandosi sulla propria condizione, passata, presente e futura nella società.
 
L’atto di filare o cucire si identifica con l’atto creativo e diviene un atto di ricerca e conoscenza di sé, delle proprie origini e della propria cultura. Attraverso la stoffa, la lana, i fili, le donne ricordano e raccontano, descrivono mondi interiori molto profondi e intimi.
 
Giulia e Natalia, attraverso le loro opere, parlano di una donna libera dai vincoli imposti da una società sessista e iniqua, una donna che riconquista la propria identità femminile, conservando l’individualità e la specificità della propria ricerca artistica.
 
Il filo della memoria è ‘iniziativa del progetto ‘Sala Dogana. Giovani idee in transito’, realizzato nell’ambito dei Piani Locali Giovani – Città Metropolitane, promossi e sostenuti dal Dipartimento della Gioventù – Presidenza del Consiglio dei Ministri e dall’Anci – Associazione Nazionale Comuni Italiani

Beyond Science
La scienza in uno scatto

 
6 dicembre 2013 – 19 gennaio 2014
Loggia degli Abati

 
Beyond Science. La scienza in uno scatto è una mostra fotografica che nasce per raccontare l’incontro tra scienza e immagini. Oltre cinquanta scatti di oggetti e realtà invisibili a occhio nudo, strumenti e robot, che svelano l’esistenza di mondi non ordinari, stimolano l’immaginario e la conoscenza, e suggeriscono possibili futuri. Ideata e realizzata dall’Istituto Italiano di Tecnologia (IIT), la mostra è il risultato di un concorso fotografico che l’IIT ha proposto ai propri ricercatori, sia della sede di Genova sia nei dieci centri sul territorio nazionale, per favorire una riflessione sull’importanza delle immagini nella scienza e il loro ruolo nel comunicarla ai non esperti: essere belle, per farsi guardare, e significative, per raccontare i risultati. A colori o in bianco e nero, acquisite con microscopi ottici, elettronici o con videocamere e macchine fotografiche, le immagini sono, infatti, al centro della ricerca scientifica, poiché mostrano realtà biologiche o artificiali non visibili a occhio nudo, rappresentano risultati complessi, testimoniano un’attività di esplorazione della natura che richiede di essere registrata, oltre che dimostrata. Un’esplorazione che è anche il luogo e le persone che la realizzano: i laboratori, i ricercatori, i tecnici.
 
Le fotografie esposte presentano il progresso della conoscenza scientifica catturato in diversi scatti dai ricercatori dell’IIT. Esse parlano di ricerche d’avanguardia nei settori della biologia, nanotecnologia, neuroscienze, robotica, farmacologia, scienze dei materiali, le quali, grazie all’immagine, sono state sospese nel tempo e rese disponibili all’osservazione del grande pubblico.
 
Le figure in mostra, anche svuotate del loro contenuto scientifico, sono immagini belle e affascinanti, selezionate da una giuria di professionisti che le hanno valutate, a titolo volontario, secondo i criteri di originalità, abilità tecnica e impatto visivo. La giuria è stata composta da: Massimiliano Clausi (fotografo), Andrea Paolella (chimico e fotografo), Laura Sicignano (regista e direttrice, Teatro Cargo), Giovanni Spataro (redattore, Le Scienze).
 
Conferenza Stampa

 
L’inaugurazione

Nulla su di noi senza di noi

 
4 – 11 dicembre 2013
Porticato

 
concerto Giornata internazionale dei diritti umani
Concerto di celebrazione del Coro Millelire Gospel Choir
10 dicembre 2013, ore 19
 
Nulla su di noi senza di noi: da slogan condiviso del movimento internazionale delle persone con disabilità a mostra rivolta a tutti. Grazie allo sforzo della Federazione Italiana per il Superamento dell’Handicap, il 3 dicembre apre a Palazzo Ducale, un percorso per immagini che ripropone la storia, le azioni, la voglia di partecipazione delle persone con disabilità e delle loro famiglie. Immagini simbolo e commenti significativi testimoniano diversi passaggi epocali: com’eravamo, come eravamo guardati, come vivevamo e come oggi tentiamo e, talvolta, riusciamo ad essere protagonisti delle nostre vite, partecipi delle scelte politiche, attori delle decisioni.
 
“Uscire dalla segregazione, superare la marginalità, riappropriarci della libertà è la nostra storia, è la nostra identità”. È questo il messaggio che le persone con disabilità, per voce della FISH, vogliono trasmettere in questo percorso di appunti per immagini. Un modo diverso, quindi, di celebrare il 3 dicembre, Giornata internazionale delle persone con disabilità: ricordare il passato, osservare il presente, operare per il futuro.
 
L’evento è stato possibile grazie al Patrocinio e al supporto del Comune di Genova, di Palazzo Ducale Fondazione per la Cultura, al sostegno di Fiat Autonomy e alla supervisione di Roberto Koch dell’Agenzia Contrasto e alla entusiastica collaborazione di tante associazioni che hanno messo a disposizione i loro archivi fotografici.
 
“Nulla su di noi senza di noi” verrà inaugurata il 3 dicembre 2013, alle ore 18, a Palazzo Ducale e rimarrà aperta fino all’11 dicembre 2013.
 
Le iniziative di celebrazione della giornata proseguiranno anche il 10 dicembre con il Concerto del Coro Millelire Gospel Choir (Atrio – Palazzo Ducale ore 19.00) a cui seguirà una cena solidale alle ore 20.15 presso il Berio Cafè in Via del Seminario 16 a Genova.
 
La Federazione Italiana per il Superamento dell’Handicap è, dal 1994, un’organizzazione ombrello cui aderiscono le più rappresentative associazioni impegnate nell’inclusione sociale delle persone con differenti disabilità.
 
La FISH interviene attivamente per garantire la non discriminazione e le pari opportunità, in ogni ambito della vita, rifacendosi ai principi della Convenzione ONU sui diritti delle persone con disabilità.
 
La Convenzione, ratificata nel 2009 anche dall’Italia, costituisce il manifesto ideale per la Federazione e per la rete associativa che vi si riconosce. Attraverso la collaborazione con il Forum Italiano sulla Disabilità (FID), organismo che rappresenta l’Italia all’interno dell’ European Disability Forum (EDF), raccorda le politiche nazionali con quelle transnazionali, facendo sì che il contributo del movimento italiano per i diritti delle persone con disabilità venga coerentemente rappresentato, ad esempio, presso l’Unione Europea o le Nazioni Unite.
 

Piero Simondo. I Monotipi (1954-1958)

 
29 novembre – 14 dicembre 2013
Spazio 42R

 
Fra gli artisti che nel settembre 1955 diedero vita, ad Alba, al Laboratorio sperimentale del Movimento Internazionale per una Bauhaus Immaginista, Simondo è colui che ha impersonato i due aspetti più estremi, in apparenza inconciliabili: l’applicazione di un metodo di ricerca di serrato rigore e la maggiore apertura all’indeterminazione. Al di là del comune richiamo al modello diffuso nella ricerca scientifica (Gallizio e Simondo avevano alle spalle studi di chimica, Jorn aveva una conoscenza approfondita delle teorie fisiche elaborate dal conterraneo Niels Bohr), la concezione del laboratorio si articola diversamente nei tre protagonisti. Jorn lo concepisce come una sorta di community of inquiry, in un senso molto simile all’ideale proposto da Peirce per la crescita della conoscenza. Gallizio ne fa il luogo deputato di un’alchimia estrosa, dove vagliare le più azzardate combinazioni di materiali e di forme. Simondo, invece, ne elabora una versione d’impianto metodologico, che propone di agire attraverso ipotesi di lavoro intenzionalmente formulate, secondo un processo in cui, come scrive in Eristica (1956), “la struttura finita può essere lo strumento di controllo di una prossima operazione – il tessuto complesso assunto come elementare di una nuova opera”. In virtù della vena antispecialistica sottesa a questo procedimento, il laboratorio immaginato da Simondo non doveva essere, banalmente, una microaccademia dove acquisire la padronanza di tecniche magari inconsuete per produrre un’arte purchessia, bensì uno spazio nel quale fondare una prassi differente, capace di investigare la materia e di elaborare criteri volti a dar vita ad immagini impreviste. Coerentemente con un simile assunto, il suo operare si è orientato, sin dall’avvio, su modalità che includessero nell’esito pittorico un tratto d’indeterminazione. Analogamente a quanto accadrà negli anni ’70 con le “ipopitture” e nel decennio successivo con i “nitroraschiati”, i monotipi realizzati a partire dal 1954 mirano insieme ad una spersonalizzazione del gesto, introducendo il diaframma della matrice (la lastra di vetro su cui sono stesi i colori), e ad affrancare, almeno in parte, tramite la specularità e le imperfezioni dell’impronta, l’immagine dall’aspettativa dell’autore e dal peso della tradizione (anche di una tradizione, per così dire, d’avanguardia). Si tratta di un sovvertimento allora appena avvertibile ma per certi aspetti non meno radicale del détournement di elementi estetici prefabbricati teorizzato da Debord, dato che al suo estremo contempla il deperimento del ruolo dell’artista e l’autoproduzione dell’immagine visiva. Se quest’approdo viene sancito con evidenza in talune fra le opere più recenti di Simondo, per i lavori degli anni ’50 è lecito invece parlare di una dinamica sotterranea, che si accompagna alla propensione, non comune per l’epoca nel nostro paese, verso un primitivismo in bilico tra memoria figurale e astrazione espressionista. Sui fogli raccolti in questa mostra si stagliano profili di personaggi che appaiono come incisi su fondi solcati da tracce gestuali o maculati da colori sovrapposti; segni ancestrali, simili a graffiti rupestri, impronte rilevate in negativo, campiture dilavate che sembrano evadere dai confini del supporto. La riproposta, a distanza di più di cinquant’anni, del momento inaugurale del lavoro di Simondo sembra perciò inverare con singolare autenticità l’affermazione di Heidegger secondo cui “Il dipinto dura alla sua maniera. Ma l’immagine giunge sempre improvvisa nel suo apparire, non è nient’altro che l’improvviso di questo apparire”.
 
Piero Simondo nasce a Cosio d’Arroscia (Imperia) nel 1928. Allievo di Felice Casorati e di Filippo Scroppo all’Accademia Albertina di Torino, si laurea in Filosofia nell’ateneo torinese. I primi lavori sono ceramiche astratte che espone nel ’52 ad Alba, dove si trasferisce, ospitato da Pinot Gallizio, che introduce alla pittura. Dopo l’incontro con Asger Jorn ad Albissola, nel settembre del 1955 fonda ad Alba con questi e Pinot Gallizio il Laboratorio di esperienze immaginiste del Mouvement Internationale pour une Bauhaus Imaginiste (M.I.B.I.) contribuendo a pubblicare il Bollettino del movimento, “Eristica”. Nell’estate 1956 (2-9 settembre) organizza, sempre ad Alba, con Jorn, Gallizio ed Elena Verrone (che sposa l’anno seguente), il Primo Congresso mondiale degli Artisti liberi sul tema “Le arti libere e le attività industriali”. Nell’estate del 1957 in occasione di una soggiorno nella sua casa di Cosio d’Arroscia viene fondata l’Internazionale Situazionista, da cui si distacca nel gennaio successivo con Elena Verrone e Walter Olmo, in polemica con Guy Debord. Nel 1962 fonda a Torino, con un gruppo di operai e intellettuali, il CIRA (Centro Internazionale per un Istituto di Ricerche Artistiche) (1962-1967) con il proposito di recuperare l’esperienza del Laboratorio di Alba. Con il nuovo gruppo progetta – fra l’altro – installazioni sui temi dell’alienazione e della natura dei media. Nel 1972, chiamato da Francesco De Bartolomeis, entra all’Università di Torino (dove resterà sino al 1996) per occuparsi dei laboratori di “attività sperimentali” presso l’Istituto di Pedagogia. Qui in seguito tiene l’insegnamento di Metodologia e didattica degli audiovisivi.

Il limite oltrepassato
Parole e immagini di uomini e donne
sulla violenza nelle relazioni d’intimità

 
21 – 29 novembre 2013
Cortile Maggiore
 
Immagini di Erica Canepa
Testi a cura di Cristina Oddone

 
Esiste un confine che segnala la scelta di un cambiamento: per le donne vittime di violenza, una volta superato, può significare mettere fine a una relazione dannosa; per gli uomini maltrattanti può voler dire avere il coraggio di affrontare i propri comportamenti violenti.
Il limite oltrepassato invita a riflettere sul fenomeno della violenza maschile sulle donne in maniera complessa, unendo l’indagine fotografica presso un centro antiviolenza (Centro di via Mascherona, a Genova) alla ricerca etnografica presso il Cam, Centro di Ascolto per uomini Maltrattanti (Firenze).
L’accostamento delle immagini delle donne che hanno subito violenza alle testimonianze degli uomini autori tesse la trama di percorsi diversi ma paralleli, offrendo nuovi punti di vista, distanti dalle narrazioni della cronaca che riservano alle donne il ruolo di “vittime passive” e agli uomini quello di “mostri psicopatici”.
Dal contrasto dei linguaggi e dei contenuti si coglie l’occasione per una riflessione che lascia spazio alle strategie femminili di resistenza e alla possibilità maschile di cambiare, per comprendere e superare la violenza maschile sulle donne.
 
Il Centro Antiviolenza di via Mascherona, gestito dalla Provincia e dal Comune di Genova, è un luogo di ascolto e accoglienza per donne che hanno subito violenza. Al momento è gestito dall’associazione “Il Cerchio delle Relazioni”.
Il Centro di Ascolto uomini Maltrattanti (www.centrouominimaltrattanti.org) di Firenze è il primo centro italiano che si occupa di uomini autori di comportamenti violenti.
 

 
In occasione della
Giornata Internazionale contro
la violenza sulle donne

Da D’Annunzio all’aeropittura

 
15 novembre 2013, ore 18
Wolfsoniana via Serra Groppallo 4 Genova Nervi
 

 
Apre alla Wolfsoniana la mostra Da D’Annunzio all’aeropittura. Arte e aviazione in Italia dalla Grande Guerra agli anni Trenta
 
Oltre all’ottantesimo anniversario della conquista del Nastro Azzurro da parte del transatlantico Rex, il 2013 è scandito da due importanti ricorrenze legate al tema del volo: il trionfale arrivo negli Stati Uniti, nel luglio del 1933, della squadriglia di idrovolanti guidata da Italo Balbo, in occasione della seconda trasvolata atlantica, e il 150° anniversario della nascita di Gabriele d’Annunzio, protagonista durante la prima guerra mondiale di alcune celebri imprese aeronautiche. È in riferimento a questo contesto che la Wolfsoniana presenta la mostra Da d’Annunzio all’aeropittura. Arte e aviazione in Italia dalla Grande Guerra agli anni Trenta, che verrà inaugurata venerdì 15 novembre, alle ore 18.00, da Angelo Berlangieri, Assessore alla Cultura e Turismo della Regione Liguria, Maria Teresa Orengo, Amministratore unico della Fondazione regionale per la Cultura e lo Spettacolo e Lucio Zanon di Valgiurata.
 
La mostra è infatti organizzata in collaborazione con la collezione Zanon di Valgiurata di Torino ed è curata da Matteo Fochessati e Gianni Franzone in collaborazione con Chiara Massimello, curatrice della raccolta torinese.
 
Il percorso espositivo, che intende offrire una prospettiva originale sugli sviluppi dell’aviazione italiana tra le due guerre mondiali e sul rapporto tra questa e le arti figurative, nel momento in cui il volo aereo cominciò a configurarsi come uno degli elementi di modernità per antonomasia, è articolato in quattro sezioni.
 
- D’Annunzio e il volo. Le esperienze aviatorie di d’Annunzio sono ricordate, oltre che dal bozzetto di Silvio Bicchi per le decorazioni allegoriche della villa Magni a Canzo, attraverso il modello del suo aereo e una sua lettera del 14 luglio 1918, proveniente dalla Fondazione Ansaldo di Genova, all’ingegner Giuseppe Brezzi, in cui il Vate esprime il suo dolore per la morte improvvisa del capitano Bourlot. Era stato infatti l’ingegner Brezzi, l’anno precedente, a disegnare per il poeta il famoso biplano SVA, con cui egli compirà il 9 agosto il celebre raid su Vienna.
- L’industria aeronautica italiana e l’aviazione civile. Vari modelli di aerei – dall’ambizioso Dornier Do.X del 1929, un colossale idrovolante da 70/100 passeggeri, ai Savoia Marchetti modelli S74 Millepiedi e SM83 Ala Littoria dei tardi anni Trenta – dialogano con le vedute degli stabilimenti Caproni a Taliedo raffigurate nelle acqueforti di Carlo Vitale e con il materiale promozionale per l’Ala Littoria, la prima compagnia aerea di linea italiana di proprietà statale, fondata il 28 ottobre 1934, che effettuava servizi postali e di trasporto passeggeri.
- Le trasvolate atlantiche di Italo Balbo. Le spettacolari imprese del ras di Ferrara – la prima (1931) in Brasile e la seconda (1933) negli Stati Uniti (Chicago e New York), conosciuta come Crociera aerea del Decennale poiché doveva commemorare i primi dieci anni del fascismo al potere – ebbero una risonanza mediatica straordinaria in tutto il mondo occidentale e diedero al Quadrumviro una tale fama da suscitare l’invidia di Mussolini. Queste due imprese sono documentate in mostra dai manifesti commemorativi, realizzati da alcuni tra i più importanti cartellonisti dell’epoca (da Marcello Dudovich a Umberto Di Lazzaro e Lugi Martinati), dai modelli degli aeroplani utilizzati – in particolare l’idrovolante Savoia Marchetti S55 – e da alcuni gadget (souvenir, orologi, calamai, fotografie, giochi per bambini, spartiti musicali) che vennero prodotti in quell’occasione.
La sezione è completata dai bozzetti per le decorazioni murali e dalle fotografie degli interni del Ministero dell’Aeronautica a Roma, iniziato nel 1929 dall’architetto Roberto Marino, e dal dipinto di Enrico Prampolini Aeroritratto simultaneo di Italo Balbo, realizzato dopo la sua morte ancora oggi misteriosa.
- Aeropittura. La vicende e i diversi indirizzi espressivi dell’aeropittura futurista degli anni Trenta – il manifesto apparve nel 1929 – sono ripercorsi mettendo a confronto dipinti e disegni delle due collezioni (tra gli artisti Uberto Bonetti, Alessandro Bruschetti, Tullio Crali, Mino Delle Site, Giovanni Korompay, Tato). Anche in questo caso i modelli in legno e in metallo dei più famosi aeroplani civili e militari dell’epoca contribuiscono a documentare l’evoluzione tecnologica e industriale in questo specifico settore produttivo dei mezzi di trasporto.
Un posto speciale è dedicato infine al grande bozzetto dell’architetto Virgilio Marchi per un Palazzo dell’aria (1929) da edificarsi a Roma sulle rive del Tevere, una risposta in chiave più “lirica”, ma anche monumentale e novecentesca, alla visionarietà metropolitana che aveva contraddistinto le visoni urbanistiche di Antonio Sant’Elia e di Mario Chiattone.
 
Con il patrocinio della Fondazione Il Vittoriale degli Italiani, la mostra rientra nel programma delle iniziative D’Annunzio a Genova. Viaggio ideale nel mondo dell’Immaginifico per le celebrazioni genovesi del 150º anniversario della nascita di Gabriele d’Annunzio. Accompagnata da un serie di proposte didattiche per le scuole, l’esposizione rimarrà aperta fino a lunedì 2 giugno 2014.
 

Sacrosante risate

 
15 -24 novembre 2013
Sala 46R
 
A cura di Mirko Melis – Circolo UAAR di Genova
Inaugurazione: venerdì 15 novembre, ore 18

Incontro pubblico con Sergio Staino
In mostra:
ALTAN – BANDANAX – Massimo BUCCHI – Stefano DISEGNI – ELLEKAPPA – Giorgio FRANZAROLI – Roberto MANGOSI – Danilo MARAMOTTI – Alberto MONTT – Sergio STAINO – VAURO
 
PRESENTAZIONE:
La storia della satira anticlericale ha una lunga e onorevole tradizione europea. Per restare in Italia, a partire dai sonetti del Belli in giù, si pensi all’opera storica di giornali rimasti famosi, come Il becco giallo, L’Asino, Don Basilio, Il Travaso, e alle arti affilate di umoristi efficaci come per esempio Gabriele Galantara; per non dimenticare, in tempi meno lontani, l’esplosione collettiva dei tanti scatenati autori de Il Male.
 
Ma parlare di satira religiosa oggi è decisamente temerario e non solo quando questa satira riguarda la religione islamica. Lo sa bene chi in Italia ha subito più volte la censura semplicemente per qualche innocente battutina sul Vaticano. Tutte le religioni sono decisamente suscettibili quando si toccano i loro dogmi e tradizioni, quasi temessero realmente di esser seppelliti da una risata, e i loro anatemi non solo persistono ma addirittura si accentuano.
 
Eppure è soprattutto in momenti critici come questi, quando vi è chi parla perfino a livello istituzionale di reintrodurre il reato di blasfemia, che l’unico strumento vincente può essere l’ironia, quanto più possibile intelligente, sotto il segno della libertà di giudizio e d’espressione, restando nei limiti del rispetto umano reciproco e del cosiddetto buon gusto.
 
Per questo l’UAAR, Unione degli Atei e degli Agnostici Razionalisti, ha pensato di organizzare questa mostra, raccogliendo alcuni dei migliori esempi recenti e contemporanei di satira religiosa – il che vuol dire indirizzata più spesso sui religiosi che sulle religioni stesse che sono infatti obiettivi decisamente diversi.
 
Nell’esposizione di vignette Sacrosante risate sfilano i nomi più noti dell’umorismo e della satira italiana, con un paio di puntate estere. In nome dell’autonomia del pensiero, del piacere/dovere del confronto, della sfida intellettuale, della necessità del contraddittorio, contro tutte le insofferenze liberticide e – non ultimo – sotto l’egida sempre salutare del buonumore. Speriamo condiviso da tutti.
 

Donna Faber

8 – 25 novembre 2013
Spazio 42R – Cortile Maggiore

 
Dall’8 al 24 Novembre 2013, presso Palazzo Ducale di Genova, si terrà la mostra fotografica “Donna Faber. Lavori maschili, sessismo e altri stereotipi”.
 
La mostra, esito di un progetto di sociologia visuale coordinato dalla prof.ssa Emanuela Abbatecola, è frutto della collaborazione tra il Laboratorio di Sociologia Visuale dell’Università di Genova e l’Associazione Culturale 36° Fotogramma, con il patrocinio del Comune di Genova.
 
Il progetto, che si occupa di indagare il sessismo nel mondo del lavoro e le difficoltà incontrate dalle donne nei lavori che la società continua a rappresentare come maschili, comprende ritratti ambientati di donne impiegate in lavori “da uomini” (camionista, minatora, direttore d’orchestra, fabbra e molti altri) riprese nel loro contesto lavorativo, e una serie di interviste “sul campo”, di cui vengono proposti in mostra alcuni estratti, recitati sulle immagini.
 
Conferenza di presentazione del progetto: 8 Novembre 2013, ore 17, Sala del Camino.
Seguirà l’inaugurazione della mostra alle ore 18,30 presso lo Spazio 42R, nel Cortile maggiore.
 

L’effimero colto dal velo d’organza

 
8 – 24 novembre 2013
Sala Dogana
 
mostra personale di Federica Gonnelli
a cura di Adriana M. Soldini

 
Nell’ambito di “Giovani idee in transito” in Sala Dogana a Palazzo Ducale – Genova, venerdì 8 novembre 2013, alle ore 18, inaugura L’effimero colto dal velo d’organza, personale di Federica Gonnelli, a cura della narratrice d’arte Adriana M. Soldini, in mostra fino al 24 novembre 2013.
 
L’artista si propone attraverso il suo alter ego: il velo d’organza, la pelle dell’opera. La sua interposizione non è di ostacolo, ma è il tramite che porta alla conoscenza e all’archiviazione del sapere. Attraverso il medium espressivo che predilige e in cui eccelle, l’installazione, lo spettatore vedrà mondi fantastici dettagli intimi di ricordi che la memoria conserva; tracce di vissuto annidate nei meandri dell’inconscio che l’arte di Federica fa emergere e rende visibili all’interno di contenitori-case-rifugi, come tesori da preservare. Spesso non tangibili, per la loro fragilità e perché lo spettatore non si fermi alla loro corporeità. Non solo immagini, ma ci sono parole riferite a emozioni o a riflessioni intime in cerca di eternità. È tangibile come il rapporto tra corpo e natura costituisca uno dei fili conduttori della sua arte. Il linguaggio artistico di Federica Gonnelli si sviluppa in una molteplicità di significati e di varianti di significato.È al contempo raffinato e ironicamente pop. Sa essere maestoso senza essere urlato e sa essere convincente anche nell’infinitamente piccolo.
 
“È come una trasmutazione continua dello stato della materia e dell’antimateria, della sostanza e dell’essenza, dove sono rilevanti i luoghi dal confine sfumato e dalla natura labile che si pongono nei punti di contatto tra diversi stadi e tra stati” – afferma la curatrice Adriana M. Soldini.
 
L’artista offre l’invito a compiere un viaggio iniziatico verso una maggiore consapevolezza di sé, per il riconoscimento dell’identità personale e collettiva. Dalla luce al buio. Dal corpo in terracotta di L’Orna-mento/L’Orna-mente, alla richiesta di esito positivo dell’impresa fatta con gli ex voto, fino al momento del passaggio della cortina spazio-temporale con Effimeri Parati. E così giungere nella stanza centrale dove il Tempo – passato/presente/futuro – si svolge in un’atmosfera evanescente. Nel labirinto dei percorsi offerti dalla memoria, come il ricordo di un amore perduto in Louise & Herbert, e dalla natura, come il bosco di Insonne Dormire Ri(s)veglia o l’albero di Cristalldii, l’artista si affida alla luce artificiale delle opere per fare strada allo spettatore tra le finissime trame del tessuto. Una guida mai definibile che si avvale della collaborazione dell’ombra, che esiste perché proviene da lei, la luce. Mentre con la proiezione, l’artista sottolinea il concetto di transizione e la possibilità di presenza dei corpi.
 
Il progetto è presentato dal collettivo Arts Factory (di cui fa parte l’artista con la curatrice e la poetessa Francesca Del Moro) e dal gruppo neRo POP. Nato nel 2011 da un’idea dell’artista Roberto Messina e presentato a Berlino nel 2012 dalla curatrice del gruppo Adriana M. Soldini, intende rappresentare la vena dark del corpo Neo Pop, senza costituire una corrente, ma muovendosi tra le correnti. Si confronta principalmente con i temi caldi dell’attualità, con la letteratura e la musica, che costituiscono il punto di partenza per raffigurare un immaginario spesso malato, metafora di una società in crisi di valori, ipocrita e dall’inquietante lato oscuro, su cui il gruppo tiene alta l’attenzione. L’elemento distintivo è l’ex voto, inteso come fonte che testimonia una situazione e racconta una storia: omaggio a qualcosa o a qualcuno per una corrispondenza di ideali o di azioni; celebrazione di un evento; espressione visiva di un desiderio o di una promessa. Oltre ad Arts Factory e a Roberto Messina, il gruppo è composto da: Anonymous Art (Elena Bertoni, Simone Romano), Loredana Catania, Massimo Festi, Shanti Ranchetti e Francesca Randi.
 
Federica Gonnelli: www.federicagonnelli.it
Arts Factory: vimeo.com/user7538653
neRo POP: neropop.weebly.com
 
L’effimero colto dal velo d’organza è ‘iniziativa del progetto ‘Sala Dogana. Giovani idee in transito’, realizzato nell’ambito dei Piani Locali Giovani – Città Metropolitane, promossi e sostenuti dal Dipartimento della Gioventù – Presidenza del Consiglio dei Ministri e dall’Anci – Associazione Nazionale Comuni Italiani

Fukushi Ito. Luce, spazio e tempo
Storia di una ricerca artistica tra Italia e Giappone (1983-2013)

 
6 – 30 novembre 2013
Liguria Spazio Aperto
 
A cura di Roberto Mastroianni
 
Inaugurazione martedì 6 novembre, ore 18

 
La mostra, dal titolo “Fukushi Ito. Luce, spazio e tempo. Storia di una ricerca artistica tra Italia e Giappone (1983-2013)”, ospitata in “Liguria spazio aperto”, curata da Roberto Mastroianni con un progetto di allestimento di Walter Vallini, 6-30 novembre 2013, è una personale antologica che mette assieme 78 opere (18 di medie e grandi dimensioni e 60 di piccole) dell’artista giapponese, proponendo un percorso nella sua trentennale carriera tra Italia e Giappone.
 
La mostra intende restituire il filo rosso della poetica e della sperimentazione su materiali e linguaggi portata avanti da Ito nel tentativo di rendere ragione di elementi come “spazio”, “tempo” e “grammatica” del manifestarsi della realtà, al fine di tratteggiare una “fenomenologia del visibile” che si accompagna ad un’implicita “fenomenologia dell’invisibile”.
Attraverso l’esposizione mette in scena la riflessione sulle dimensioni specifiche della realtà e dell’arte e sulle condizioni di possibilità delle dimensioni fondamentali dell’apparire delle cose nel mondo (spazio e tempo) e i vettori che permettono di rendere visibile l’articolazione delle cose (luce, buio, forme, colori…).
 
Fukushi Ito ha compreso che non vi è “mondo” e non vi è arte, se non nello spazio e nel tempo e che spazio e tempo possono accogliere artefatti, solo se questi sono collocati spazialmente e temporalmente in relazione alla luce, alle forme e al colore. Per questi motivi, individua come compito specifico dell’arte l’espansione del nostro universo percepito e la rappresentare delle dinamiche nascoste della natura, al fine di renderle visibili.

Edvard Munch

 
6 novembre 2013 – 27 aprile 2014
Appartamento del Doge
 
La grande mostra a Palazzo Ducale
 
prorogata al 4 maggio 2014
 
a cura di Marc Restellini
 
www.mostramunch.it
 
La mostra

Nel 150º anniversario della sua nascita, Edvard Munch è celebrato in tutto il mondo.
L’Italia rende omaggio al sublime artista norvegese con un’imperdibile retrospettiva che si terrà a Palazzo Ducale di Genova dal prossimo novembre.
Curata da Marc Restellini, direttore della Pinacotheque de Paris, che nel 2010 dedicò al maestro norvegese una straordinaria esposizione visitata da oltre 600.000 persone, la mostra è promossa dal Comune di Genova e da Palazzo Ducale Fondazione per la Cultura, ed è prodotta da Arthemisia Group e 24ORE Cultura – Gruppo 24 ORE, già partners di Palazzo Ducale nello scorso autunno per la mostra “Mirò!Poesia e Luce”.
“Realizzare questa mostra proprio nell’anno delle celebrazioni e con le enormi difficoltà legate ai prestiti di Munch è stato un miracolo.” – dichiarano gli organizzatori – “La scommessa è stata altissima, ma vedremo opere straordinarie, concesse dai più importanti collezionisti di Munch”.
E molti se ne aggiungeranno, anche per “Warhol after Munch”: una mostra nella mostra in anteprima assoluta per l’Europa, una serie di opere realizzate da Andy Warhol e ispirate alla produzione di Munch.
Il corto circuito è assicurato: l’artista dei sentimenti più oscuri interpretato dall’artista pop per eccellenza.
“Munch dipinge ciò che vede – racconta Marc Restellini – ma oltre le proprie paure ha anche una nuova visione dell’arte che è pura avanguardia e in questa mostra saranno esposte le sue opere più belle, sentite, amate e sofferte”.
Per questo motivo l’esposizione di Palazzo Ducale è allo stesso tempo rappresentativa del percorso artistico ed esistenziale di Munch, ma anche testimonianza del passaggio da un naturalismo di stampo impressionistico a una pittura nuova e audace che contribuisce in maniera determinante a sconvolgere tutta l’arte del XX secolo.
“La mostra racconta – continua Restellini – un Munch artista che potremmo in qualche modo considerare il contrario di tutto ciò che esisteva fino ad allora. Munch si oppone deliberatamente a ciò che vede e conosce. In una logica quasi anarchica, si mette in contrasto con l’impressionismo, il simbolismo, il naturalismo per inventarsi una forma di espressione artistica in rivolta contro tutto ciò che sin dalla sua infanzia gli è stato presentato come regola sociale”.
“È sorprendente scorgere così presto nella storia dell’arte moderna un artista capace di staccarsi da tutte le convenzioni alle quali ci avevano abituati gli artisti e i movimenti precedenti; ed è prodigioso notare sin dagli anni Ottanta dell’Ottocento come Munch si accanisca sugli strati di colore, vederlo letteralmente solcare la superficie pittorica o lasciare le sue tele esposte alla pioggia e alla neve, trasferire fotografie e fotogrammi di film muti all’interno dei suoi dipinti e dei suoi lavori grafici. Stupefacente è anche l’audacia con cui sopprime i confini tra i supporti e le tecniche, nelle sue incisioni, sculture e fotografie, come nei suoi quadri, collage e film. Munch s’iscrive nella linea di William Turner e di Gustave Courbet, è l’anello mancante della catena che unisce artisti come Pablo Picasso, Georges Braque, Jean Dubuffet e Jackson Pollock nella storia del modernismo. Autentico innovatore per quanto riguarda l’apporto della cinetica all’arte, egli fu anche un modello in termini di avanguardia e di rottura con i modelli precedenti” conclude il curatore.
Il comitato scientifico della mostra Edvard Munch è composto da Richard Shiff, Øyvind Storm Bjerke, Petra
Pettersen e Ina Johannesen.
“La natura è l’opposto dell’arte. Un’opera d’arte proviene direttamente dall’interiorità dell’uomo. (…) La Natura è il mezzo, non il fine. Se è necessario raggiungere qualcosa cambiando la natura, bisogna farlo. (…) L’arte è il sangue del cuore umano”.
Edvard Munch (1863-1944)

Biglietteria MostraMI s.r.l.

Servizi didattici
Genova, Palazzo Ducale Fondazione per la Cultura

Audioguide Antenna Audio

Uffici Stampa
Palazzo Ducale Fondazione per la Cultura
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Catalogo
24 ORE Cultura – Gruppo 24 ORE
Michela Beretta – michipress@virgilio.it

5 novembre 2013, ore 18, l’inaugurazione:

5 novembre 2013, ore 12, la conferenza stampa:

Scatti di industria
160 anni di immagini dalla Fototeca Ansaldo

 
29 ottobre – 1 dicembre 2013
Munizioniere

 
Palazzo Ducale di Genova ospita dal 29 ottobre al 30 novembre 2013 una grande mostra che testimonia, attraverso un migliaio di immagini fotografiche, la lunga stagione del ‘saper fare’ industriale italiano.
 
Centosessant’anni di radicate e ben diffuse capacità progettuali e costruttive, di straordinarie trasformazioni tecnologiche, documentati con immagini che provengono dalla Fototeca della Fondazione Ansaldo, istituzione culturale dove, oltre a 400mila preziose fotografie industriali d’epoca, è custodita oggi, in Italia, la più vasta e ricca concentrazione di archivi economici e d’impresa.
 
Nella mostra si trovano fotografie multimedializzate o esposte in originale, gigantografie che, a partire dalla metà del secolo XIX, illustrano il lavoro operaio nelle officine, nei cantieri e nei porti; il treno, il primo e più vistoso prodotto della rivoluzione industriale, simbolo e fattore di sviluppo economico e sociale; la grande meccanica delle caldaie, delle turbine, degli apparati motore; la produzione navale con al centro i maestosi transatlantici; l’epopea dell’acciaio e della ciclopica attività siderurgica; le mastodontiche centrali e gli impianti per l’elettrificazione e la modernizzazione del Paese; la produzione bellica con corazzate, cannoni, aerei e carri armati; le colonie e le gite sociali dei lavoratori negli anni Cinquanta; il ‘miracolo economico’ degli anni ’60 con l’automobile, il tempo libero e la trasformazione urbanistica; l’irrompere dell’informatica e dell’automazione. E ancora immagini sulle
più diverse manifestazioni politiche e sindacali o su eventi, come ad esempio, la Resistenza che hanno segnato la storia del nostro Paese.
 
La mostra, pensata per raggiungere un pubblico vasto e culturalmente diversificato – e non solo coloro che hanno verso questi temi uno specifico interesse professionale o culturale – non obbliga il visitatore ad un percorso prestabilito, unidirezionale. Ci si può limitare ad una veloce ma comunque suggestiva vista d’insieme percorrendo, in pochi minuti, la galleria delle gigantografie; stampate con accuratezza nel bianco e nero delle lastre originali e disposte in ordine cronologico, permettono di intravvedere le forme del paesaggio industriale, le filiere produttive, gli uomini al lavoro e i loro manufatti dalla metà dell’800 sino all’oggi, sino all’esplosione di colore delle fotografie contemporanee di Edoardo Montaina.
 
Ma per chi vuole vedere e conoscere di più può intrattenersi con le lavagne touch screen (Dall’originale al virtuale) o usare le torce multimediali (La città da scoprire), può entrare in un antico laboratorio fotografico (Il laboratorio do sciù Campostano) o sostare presso le postazioni interattive collocate al centro dello spazio espositivo dove importanti vicende industriali prendono corpo e vengono narrate grazie alle fotografie (Racconti industriali).
 

 

Il progetto “PICTURE ATLAS”
incursioni dell’arte contemporanea
nella Fototeca della Fondazione Ansaldo

incontro, mercoledì 20 novembre 2013, ore 11
Palazzo Ducale, Munizioniere

Nasce nell’ambito dalla mostra Scatti di Industria – 160 anni di immagini dalla Fototeca Ansaldo l’idea di una pubblicazione dedicata al progetto Picture Atlas, per cui cinque artisti contemporanei internazionali sono chiamati a svolgere tra novembre e dicembre 2013, delle ricerche presso la Fondazione Ansaldo per scoprire le attività della Fototeca, indagare i materiali fotografici, rielaborare le immagini prescelte e, con queste, creare nuove narrative e nuove letture. Il risultato di questo lavoro verrà poi documentato da una volume/catalogo, che vedrà la luce a fine gennaio 2014.
Alla pubblicazione, curata da Alessandro Lombardo, consigliere scientifico della Fondazione Ansaldo, seguiranno da febbraio a maggio 2014, al Museo di Villa Croce, le presentazioni dei lavori svolti, frutto delle ricerche e dei progetti di ciascun artista.
Il progetto “Picture Atlas – incursioni dell’arte contemporanea nella Fototeca della Fondazione Ansaldo”, curato da Ilaria Bonacossa e da Anna Daneri, viene presentato alla stampa e discusso
in un incontro aperto al mondo dell’arte che avrà luogo mercoledì 20 novembre alle ore 11 nella sala del Munizioniere, all’interno della stessa mostra Scatti di industria.
La discussione prevede gli interventi degli artisti Anya Titova (L’archivio come dispositivo) e Linda Fregni Nagler (Archiviare le immagini), di Anna Daneri (il progetto Picture Atlas), Luca Borzani, Presidente della Fondazione Palazzo Ducale di Genova (Fotografia e storia sociale), Ilaria Bonacossa, curatrice Museo d’arte contemporanea di Villa Croce di Genova (Breve storia degli archivi nell’arte contemporanea) e di Luigi Giraldi, Presidente della Fondazione Ansaldo di Genova (l’originale esperienza archivistica della Fondazione Ansaldo).

Il progetto “Picture Atlas”
Attingere a un archivio di immagini tanto ricco come quello costituito dalla Fototeca Ansaldo può essere per un artista unʼesperienza di svolta nella sua ricerca. D’altro canto, lʼinterpretazione che un artista contemporaneo può dare di nuclei selezionati della Fototeca stessa, può costituire un arricchimento ulteriore nella già stratificata storia dalla Fototeca genovese, fornendo delle nuove letture, dischiudendone delle chiavi d’accesso inaspettate, creando altrettanti e personali “atlanti di immagini” di warburghiana memoria. Il contributo che gli artisti contemporanei possono dare a un archivio di immagini storiche è quindi l’attivazione di una forma di conoscenza che si fonda sulle immagini, e sulla capacità di queste ultime di raccontare il mondo. Un modo di sdoganare la fotografia industriale dalla sua vocazione tecnico-promozionale per farla assurgere a nuovo linguaggio filtrato attraverso l’arte.
Al progetto Picture Atlas hanno a tutt’oggi aderito Daniel Gustav Cramer (Germania, 1975), Linda Fregni Nagler (Italia, 1976), David Maljković (Croazia, 1973), Katrin Sigurdarottir (Islanda, 1967) e Anya Titova (Russia, 1984). Sono artisti che per il loro lavoro hanno nel tempo già investigato i temi della memoria e della fotografia e presentato loro opere nelle più importanti rassegne d’arte contemporanea internazionali quali la Biennale di Venezia 2013 (Linda Fregni Nagler, Katrin Sigurdarottir, Anya Titova), la Biennale di Sao Paolo 2010 (David Maljković), la Biennale di Mosca 2011 (Anya Titova) e Documenta 2012 (Daniel Gustav Cramer).

Electropark

 
25 e 26 ottobre 2013
Sala Dogana

 
venerdì 25 OTTOBRE MAKE YOUR SOUND! 2a edizione
LIVE & DJ Set dalle ore 21
 
sabato 26 OTTOBRE WORKSHOP 4 MUSIC PROJECTS
ore 15.00 – 20.00
Una serata all’insegna dei LIVE con giovani artisti emergenti e un pomeriggio nella musica elettronica, tra riflessioni, esperienze e interazioni con esperti e strumenti di musica.
In SALA DOGANA Workshop, Live Demo, Proiezioni Visual, Superfici interattive a cura di Limulo Lab, Igor Muroni – Naba Sound e Forevergreen.fm
 
Il concorso Make Your Sound! e i Workshop 4 Music Projects sono eventi gratuiti e sono parte della programmazione del festival ELECTROPARK2013 – Autumn Session.
Per partecipare ai workshop è preferibile la prenotazione al numero 3403380190.
Tutto il programma ai siti www.forevergreen.fm | www.genovacreativa.it
 
ELETTROPARK 2013 – SALA DOGANA, è un’iniziativa del progetto ‘Sala Dogana. Giovani idee in transito’, realizzato nell’ambito dei Piani Locali Giovani – Città Metropolitane, promossi e sostenuti dal Dipartimento della Gioventù – Presidenza del Consiglio dei Ministri e dall’Anci – Associazione Nazionale Comuni Italiani
 
PROGRAMMA ELETTROPARK2013 presso SALA DOGANA
- VENERDÌ 25 OTTOBRE
ESIBIZIONI LIVE dei 4 finalisti al concorso Make Your Sound! e proclamazione vincitore
- ore 21.30 A DARK DRESS pres. A DARK DRESS #01#
- ore 22.30 CRISTIANA DELLA VECCHIA pres. IN SANE III
- ore 23.30 MILESOUND BASS pres. PERFORMANCESONORA
- ore 00.30 MACHINE OVERDRIVE pres. MOVE ANALOGIC LIVE PT.2
- ore 1.30 / 3.00 Dj Set di chiusura con Randomplay e Mushi Mushi
 
SABATO 26 OTTOBRE
WORKSHOP sulla progettazione e produzione musicale elettronica
prenotazione consigliata al numero 3403380190
- ore 15.00-16.00 / SPREADING CULTURE. WORK-IN-PROCESS.
a cura di FOREVERGREEN.FM
“Strumenti, esperienze e riflessioni per la progettazione e lo sviluppo agile di prodotti musicali”
- ore 16.00-17.30 / PROTOTIPO 3 a cura di LIMULO LAB
“Prototipo 3, ovvero il diario di bordo per la realizzazione di una superficie interattiva”
- ore 17.30-20.00 / ELECTRICITY a cura di IGOR MURONI – NABA Sound
“Materiale di un futuro da ascoltare: da Tesla ad Alva Noto passando per David Bowie e Brian Eno”
 
PROGRAMMA ELETTROPARK2013 \ presso LA CLAQUE
SABATO 26 OTTOBRE
concerto dalle ore 21.30 con l’artista internazionale WOLFGANG VOIGT
 
SABATO 16 NOVEMBRE
chiusura di Electropark 2013 con l’artista internazionale ALVA NOTO
 
ELETTROPARK2013 a cura di Forevergreen.fm
Associazione culturale musicale formata da un collettivo dinamico che si occupa di organizzare eventi a favore di artisti emergenti nel campo musicale e video/visual. Le collaborazioni coprono anche la produzione artistica, fotografica, creativa, dell’intrattenimento e dello spettacolo con il coinvolgimento di giocolieri, fotografi, designers. Forevergreen.fm si occupa di progettazione, produzione e direzione artistica di eventi, organizzazione workshop e seminari, allestimento spazi, contatto e gestione artisti, event budgeting e produzione digitale.
Le produzioni tutt’ora in corso sono gli eventi FOREVERGREEN FESTIVAL e ELECTROPARK, il ciclo di serate DISC OVER , il concorso per artisti emergenti MAKE YOUR SOUND! e le produzioni discografiche digitali sotto le etichette .FM e .LTD

Silent / Listen
Dodici lettere luminose di colore azzurro per due parole

 
11 ottobre – 29 dicembre 2013
Sala Dogana
 
di Cri Eco
Ultima delle tre installazioni selezionate dal concorso BASAMENTI per creativi under 35
 
www.genovacreativa.it

Non è un paese per vecchi?

4 – 20 ottobre 2013
Sala Dogana
 
Scarica la cartella stampa
 
progetto di Antonella Croci e Federico Florian
selezionato dal concorso nazionale Giovani curatori
 

Verdiana.
Impressioni d’arte dalle musiche di Giuseppe Verdi

 
1 – 13 ottobre 2013
Loggiato Minore di Palazzo Ducale
 
Inaugurazione: lunedì 30 settembre ore 18
 
 
Nell’anno delle celebrazioni per il bicentenario della nascita del grande musicista italiano Giuseppe Verdi, ART Commission ha organizzato la mostra d’arte contemporanea Verdiana. Impressioni d’arte dalle musiche di Giuseppe Verdi.
La particolarità della mostra, consiste nell’offrire al pubblico la possibilità di contemplare le opere proposte dagli artisti della collettiva e al tempo stesso ascoltare le musiche di Verdi che le hanno ispirate. Ogni artista infatti presenta un’opera che nasce dalle suggestioni e dalle impressioni suscitate in lui dall’ascolto delle musiche del Maestro.
 
La tecnica pittorica si fonde in questo caso con le possibilità offerte dalle nuove tecnologie, che consentono di trasformare una mostra di pittura in una vera e propria esperienza multimediale, con l’ausilio di un semplice smartphone in grado di leggere un QR Code. Ogni visitatore potrà scegliere così di ascoltare sul proprio telefonino l’opera di Verdi che ha ispirato l’artista, mentre ne contempla la realizzazione pittorica.
 
Gli artisti in mostra:
Raffaella Bisio – Virginia Cafiero – Cesare Canuti – Donatella Chiarenza – Ermano Chiesa – Titti Ciurlo – Valeria Dapino – Gabriella De Filippis – Adriana Desana – Lia Franzia – Alessandra Guenna – Daniela Kalepyros – Valentina Kartavitskaia – Krix – Dolly Lavezzi – Maddalena Leali – Rita Malagutti – Giulio Manuzio – Paola Pappalardo – Lucia Pasini – Eva Pollio – Ron St Claire – Ivo Vassallo.

Robert Doisneau. Paris en liberté

29 settembre 2013 – 26 gennaio 2014
Sottoporticato
 
Info e prenotazioni: 199.15.11.15
 
www.doisneaugenova.it
 
Orari: da martedì a domenica (ore 10-19), lunedì (ore 14-19)
la biglietteria chiude un’ora prima
 
Ingressi:
Biglietti comprensivi di audioguida:
intero € 11
ridotto € 9 per giovani fino a 25 anni, maggiori di 65 anni, gruppi di almeno 15 persone, apposite convenzioni e possessori dell’abbonamento al Festival della Scienza ridotto speciale € 4 per scuole e minori di 18 anni la biglietteria chiude alle 18

Genova e la Crimea secc. XIII – XV

 
19 settembre 2013 – 17 gennaio 2014
Archivio Storico del Comune – Loggiato Minore
Archivio storico del Comune – Sala Giorgio DORIA
Palazzo Ducale – Loggiato Minore
 
a cura di Michel Balard
 
Dal 1275 al 1475 i Genovesi fondarono importanti insediamenti sul litorale della Crimea. Da Caffa a Soldaia, da Cembalo ai 18 casali della Gotia, questi luoghi divennero un dominio ricco di potenzialità economiche. Documenti d’archivio e fotografie ripercorrono la storia di quest’area del “Commonwealth genovese”.
 

Pino Ninfa. Jazzgigs
Musica e immagine. 1983-2013

 
14 settembre – 13 ottobre 2013
Loggia degli Abati
 
inaugurazione 13 settembre ore 19.30
 
Le fotografie di Pino Ninfa scorrono seguendo un andamento che è quello di un viaggio, in compagnia della sua musica preferita: il jazz. Alla ricerca di storie da raccontare a se stesso e agli altri. Come la tavolozza di un pittore è il preludio al lavoro che ne seguirà, così per il fotografo un quaderno degli appunti, dove risiedono gli elementi della scena (microfoni, aste, cavi), i musicisti, il pubblico, gli spazi architettonici, diventa lo strumento della sua indagine.
 
 
Appuntamenti collaterali:
13 settembre ore 21 – Sala del Minor Consiglio
Enrico Pieranunzi piano solo
 
29 settembre ore 18 – Loggia degli Abati (interno mostra)
Gianni Azzali sassofoni – Attilio Zanchi contrabbasso
 
7 ottobre ore 21 – Salone del Maggior Consiglio
Paolo Fresu tromba, flicorno, effetti – Dado Moroni piano
 
I concerti sono a ingresso libero fino ad esaurimento posti
 
28 e 29 settembre
Workshop fotografico con Jimmy Katz
in collaborazione con Phocus Agency e PIM
per informazioni: luciano.rossetti3@tin.it
 
28 settembre ore 10 – Sala Camino
Convegno – Fotografare il jazz. Documento o opera d’arte?
Intervengono: Jimmy Katz, Roberto Masotti, Pino Ninfa, Luciano
Rossetti, Luca Conti, Roberto Mutti – modera Guido Festinese
 

Unione femminile nazionale

14 – 22 settembre 2013
Spazio 42r, Palazzo Ducale
 
Genova contro la violenza sulle donne: tornare a dire, a emozionare
 
Il 14 settembre 2013 dalle ore 15 nel porticato di Palazzo Ducale non stop di parole, musica, teatro, aperta alla città.
 
In questa edizione alle ore 18 si inaugurerà la mostra sulla più antica associazione di donne italiana: l’Unione femminile nazionale.
 
La mostra, che resterà al Ducale nella sala al 42R per 10 giorni, e che da Genova girerà in altre città italiane, riassume in 30 pannelli la storia per immagini di questa importante realtà femminile. Visitabile sul sito www.unionefemminile.it.
 
Oltre ai vari interventi di artiste, artisti, donne e uomini del mondo politico e culturale, parteciperanno Giovanna Franchini e Tilde Capomazza, dell’Unione Femminile. Da 5 anni a Genova, a settembre, tre gruppi di donne, Archinaute, il gruppo teatrale l’Atelier e il trimestrale Marea organizzano un evento a Palazzo Ducale nel quale numerose donne e uomini testimoniano,
in forme espressive differenti, l’impegno contro la violenza sulle donne, costruendo, insieme, una giornata ricca di emozioni e pensieri, molto partecipata.
Le violenze nei confronti delle donne non si fermano, come sta a testimoniare il numeri dei femminicidi. Come stanno a testimoniare le cronache sulle donne percosse e violate.
L’assuefazione ad una violenza che non risparmia nessuna contiene il pericolo, per le giovani generazioni, di introiettare un’immagine di sé in cui la sessualità scelta,
la ricerca e il rispetto del proprio desiderio, l’inviolabilità del proprio corpo, non hanno riconoscimento. Un’immagine di sé sempre inadeguata a stereotipi fisici e comportamentali.
Sappiamo che la dignità comincia dal riconoscersi soggetti di diritti e dalla volontà di vederli attuati, e che la civiltà nei rapporti fra i sessi riguarda l’intera società.
Sono molti anche gli uomini che rifiutano un rapporto tra donne e uomini basato sulla violenza e sanno che è anche la loro dignità ad essere in gioco.
L’inaugurazione della mostra storica, offerta dall’Unione Femminile Nazionale, chiuderà l’evento di quest’anno.
 
I gruppi organizzatori:
Archinaute – Donne tra Memoria e futuro
Trimestrale Marea – www.mareaonline.it
Gruppo teatrale l’Atelier

Il Cile in Italia.
Solidarietà, lotte e politiche della sinistra

 
12 – 29 settembre 2013
Spazio 46R, Porticato di Palazzo Ducale
 

Line Life
SHOT Sala Dogana Hands On Transformation

 
6 – 22 settembre 2013
Sala Dogana
 
Installazione site-specific di Tvrtko Buric,
a cura di Stella Seitun
progetto selezionate dal concorso SHOT per creativi under 35
 

Riflessioni in piazza
Nuova vita ai piedistalli di Piazza Matteotti

 
19 luglio – 29 settembre 2013
Piazza Matteotti
 
di Liberato Aliberti e Roberta Pacelli
 
La seconda delle tre installazioni selezionate dal concorso BASAMENTI per creativi under 35
 
www.genovacreativa.it