Temporanei presenti
Esposizione degli studenti dell’Accademia Ligustica di Belle Arti
16 gennaio – 2 febbraio 2020
 
Sala Dogana

Ingresso libero
Inaugurazione 16 gennaio, ore 18
Orario: dal martedì alla domenica ore 15 – 18

Giovedì 16 gennaio alle ore 18.00 negli spazi di Sala Dogana a Palazzo Ducale, inaugura la mostra Stocks-temporanei presenti, un progetto del Dipartimento di Comunicazione e Didattica dell’Arte dell’Accademia Ligustica di Belle Arti: gli studenti del corso di Didattica dell’Arte, sotto la guida dei professori, hanno seguìto lo sviluppo dei progetti artistici dei loro compagni, dando vita ad una esposizione nella quale la curatela e la ricerca artistica si intrecciano in una sperimentazione di grande interesse.
Il percorso si snoda su tre livelli con nove progetti che declinano linguaggi artistici diversi.
Performance e video danno concretezza al movimento delicato e fragile della “persona”, ma allo stesso tempo solido e sicuro, che domina la scena.
Installazioni, tele, grafiche e strutture creano una commistione di messaggi, di personalità, di pieni e vuoti tra reale e surreale, verticalità e orizzontalità, presenza e assenza di corpi e materiali che hanno una memoria, un passato ma soprattutto un presente.
In un’epoca di consumismo, in cui tutto si desidera e tutto si compra con facilità, il visitatore è invitato a fermarsi, liberarsi e osservare senza filtri ciò che si palesa davanti ai suoi occhi. Un presente “con-temporaneo” difficile da catturare e afferrare, in quanto mutevole ed effimero, un tempo che scivola via e scorre velocemente.
Una sfida, quella di immortalare il temporaneo, che i giovani dell’Accademia hanno raccolto appieno. Il tutto, sul filo dell’ironia, per non risultare frivoli e superficiali, soprattutto in questo periodo storico, in cui si cerca di interiorizzare, di mostrare il lato profondo e di cercarlo costantemente nelle cose che ci circondano.
Nell’intrecciarsi delle competenze, Martina Chiarini, Aurora Persico, Valentina Biondi, Marina Danesi, Edoardo Ferrando, Maria Paola Infuso, Giorgia Lombardo, Jacopo Ottoboni, Elisabetta Todde, Marta Zappa, hanno curato lo sviluppo dei progetti, Virginia Bronzini, Franco Ferrari, Margherita Ferrari, Sara Mennella, Alessia Neri, Aleksandra Nowak, Andrea Pena-Reyes, Aurora Persico, Elisabetta Todde, Davide Toscano li hanno realizzati.
La mostra mira a coinvolgere dinamicamente tutti i sensi e permette di comunicare attivamente con gli elementi in modo provocatorio, girandoci intorno, toccandoli con mano, prelevandoli e, perché no, appropriandosi di essi.
Nei giorni, 19 gennaio, 26 gennaio e 2 febbraio avrà luogo la performance Animalier#Anomalo.
INFO comunicazione@accademialigustica.it – 010.5601324

Annalisa Moschini e Diletta Nicosia
a cura di Clelia Belgrado e Benedetta Donato
16 novembre – 1° dicembre 2019
 
Sala Dogana

Ingresso libero
Inaugurazione 15 novembre, ore 18
Orario: 15-19.30 dal martedì alla domenica

Due autrici, due differenti visioni e approcci per una partita a scacchi immaginaria, che si disputa attraverso l’escamotage del ciò che sembra, ma non è come appare.
In questo percorso ci troviamo di fronte a due narrazioni che interpretano luoghi, attraverso coordinate precise, costituite dalle reinterpretazioni di Annalisa Moschini e Diletta Nicosia. Ogni fotografia mostra tracce di mondi esteriori ed interiori agli antipodi, dove il comune denominatore è percettibile nella scelta di ritrarre i luoghi, al di là della loro evidente destinazione specifica.
Un tema che abbiamo imparato a conoscere dalle teorie di studiosi come Marc Augé, grazie al quale rintracciamo una definizione precisa del concetto di luogo.
Per Augé deve possedere tre caratteristiche fondamentali: deve essere identitario, tale da contrassegnare l’identità di chi ci abita; relazionale, che individui cioè i rapporti reciproci tra i soggetti, in funzione di una loro comune appartenenza; e infine storico, deve cioè ricordare all’individuo le proprie radici. Caratteristiche mancanti agli spazi che ci circondano, in particolar modo a quelli deputati al transito, al trasporto e al tempo libero, dove le persone sono di passaggio, vi sostano brevemente, ma nessuno in realtà li abita.
Allo stesso modo, spostandoci in ambito prettamente visivo e prendendo come riferimento un autore quale Guido Guidi, ci soffermiamo sull’apparire dei luoghi: si iniziano a fotografare spazi e oggetti esclusi da ogni attribuzione di significato e quindi si amplia notevolmente il terreno dell’osservabile e dell’immortalabile, evidenziando gli aspetti spesso contraddittori che compongono la contemporaneità.
In entrambi i percorsi – teorico e visivo – si sottolinea un’ambivalenza insita per natura nel paesaggio, come contenitore di segni difficili da definire e decodificare, perché frutto di continue stratificazioni, che modificano il senso del luogo e che, per mezzo della fotografia, divengono intercettabili ed evidenti, in molteplici ed inaspettate sfaccettature.
E’ il caso della doppia prospettiva offerta dalle due autrici protagoniste di questa narrazione che, partendo da istanze diverse per vissuto ed esperienze individuali, formazione, ricerca e percorso, diventano compatibili, donando spunti interessanti alla riflessione sulla metamorfosi dei luoghi, sulla loro reinterpretazione, ai fini di una comprensione più profonda della funzione contemporanea assunta da questi ultimi, tramite inediti punti di vista.
In Fun di Annalisa Moschini, i luoghi del divertimento assumono la veste di «centri di contenimento». Tutti gli elementi riconducibili alla coadiuvazione del gioco, diventano strumenti di costrizione ed inclusione forzata. Il rigore, il taglio e il colore delle immagini, sono strumenti abilmente utilizzati dall’artista, per enfatizzare le evidenti contraddizioni tra contenitore e contenuto. Si assiste ad una perturbazione dell’ambiente abitualmente percepito come libero, spensierato e aperto, da cui scaturisce inevitabilmente una domanda sul senso e sulla funzione dello spazio.
Ne I Quotidiani non luoghi proposti da Diletta Nicosia, i luoghi di passaggio e di sosta, generalmente occlusivi e indipendenti tra loro, vengono ripresi istintivamente e qui diventano gradevoli, perché caratterizzati dall’individuazione di elementi sequenziali, comuni e coerenti, come ad esempio le geometrie sinuose o la scelta di colori tenui, offrendo un risultato esteticamente godibile e accattivante, di uno spazio che per sua definizione nasce chiuso, contenitivo, limitante e privo di appeal, e che ora diviene accogliente e rassicurante.
Nel gioco delle apparenze, ogni luogo viene mostrato per il suo esatto contrario, denotando la perdita della sua essenza e funzione primaria.
 
Le due prospettive colgono fattori non concreti e impalpabili, come l’assenza e l’immobilità che, da un lato vengono restituite con la riflessione socio-antropologica sul senso odierno dei luoghi aperti e deputati alle attività ludiche del tempo libero, dall’altro si palesa attraverso l’escamotage estetico di ambienti chiusi e destinati alle pause tra un’attività e la successiva.
La particolarità dei punti di vista consente di muoversi dalla profondità alla superficie dei luoghi riportati, ipoteticamente identificati come familiari e ora irriconoscibili, in quanto generatori di senso di spaesamento, rispetto alla tradizionale e diffusa percezione.
 
Non sono mondi immaginari, sono luoghi fisici e reali, mostrati come appaiono in modo nuovo, curioso e inquietante nelle due visioni opposte e inaspettatamente allineate.
© Benedetta Donato, 2019
Link photopress: https://www.dropbox.com/sh/04pi9fvv1t79adz/AACSAzN7ZVHHpiHWgKL22yeSa?dl=0
 

Note Biografiche Autrici

Annalisa Moschini
nata a Parma, risiede a Milano appartiene alla Generazione Y
Studia a Firenze laureandosi in Progettazione e Gestione di Eventi ed Imprese dell’Arte e dello Spettacolo (PROGEAS), con tesi sperimentale in cinematografia dal titolo “L’espressione attraverso la censura: Skazka Stranstvij di Aleksandr Mitta”.
Professor Alessandro Bernardi, voto 110 e lode e dignità di pubblicazione.
Prosegue gli studi a Milano presso la Nuova Accademia di Belle Arti (NABA) frequentando il biennio di Arti Visive, dove si specializza in fotografia con Francesco Jodice. Tesi sperimentale in cinematografia dal titolo “La regia come pratica curatoriale del presente: Danny Boyle e la nascita del cinema contemporaneo”.
Professor Marco Scotini, voto 110 e lode e dignità di pubblicazione.
Riconoscimenti
Il libro fotografico ALEKSANDRA (2016) viene selezionato a Fahrenheit 39, festival dell’editoria indipendente (Ravenna).
Il cortometraggio I miei colori (2016) vince la categoria miglior film al concorso “Un’opera per Giuseppe Pinelli”.
Il cortometraggio Blu reale (2018) viene selezionato al Milano Movie Week.
Pubblicazioni
L’inverno (Edizioni Campanotto, 2017) è un romanzo minimale, situato al di fuori della narrativa classica sia per contenuto che per intento. E’ l’unica opera che mai esporrà
la parabiografia dell’artista. Include una conversazione con Paolo Barozzi
 
Diletta Nicosia
nata a Genova il 31 luglio 1990.
Durante gli studi universitari, inizia a dedicarsi alla fotografia.
Nel 2014 supera con successo la selezione per entrare a far parte del corso per
fotografi di scena presso l’Accademia del Teatro alla Scala di Milano. Durante questo
periodo di formazione ha l’opportunità di scattare in altri prestigiosi teatri milanesi, tra
i quali: il Piccolo Teatro Strehler ed il Teatro degli Arcimboldi.
Frequenta il Corso Superiore Biennale presso l’Istituto Italiano di Fotografia a Milano,
dove ha modo di approfondire ulteriori tecniche: dallo still life alla ritrattistica, dal
reportage alla fotografia di moda.
Attualmente lavora tra Milano e Genova, come fotografa freelance dedicandosi
principalmente allo still life, alla food photography e alla fotografia di scena. Prosegue
il suo percorso personale di ricerca, partecipando a diversi progetti espositivi con
mostre monografiche e collettive.
Gennaio-Febbraio 2017
Master Adobe Photoshop
Espéro Milano Master in Photoshop e Visual Design con superamento esame ACA
(Adobe Certificate Associate)
Ottobre 2014-Settembre 2015
Diploma secondo anno Corso Biennale Superiore presso l’Istituto Italiano di Fotografia
a Milano come fotografa professionista
Febbraio 2014-Luglio 2014
Master presso l’Accademia del Teatro alla Scala di Milano in fotografia di scena; storia
del teatro; storia della fotografia – Diploma Regione Lombardia Arti e Mestieri dello Spettacolo
Principali Esposizioni
Marzo 2018, Galleria Meravigli, Milano
Mostra personale in collaborazione con il quotidiano Il Giornale e il magazine
specializzato Eyesopen!
Febbraio 2017, Satura Art Gallery, Genova
Mostra doppia personale “Usa e Getta”, a cura di Andrea Rossetti
Aprile 2016, Spazio Artelier, Palazzo Ducale, Genova
Mostra doppia personale “Genova, ruvida poesia”, con Mattia Ciafardo
Maggio 2015, Teatro Litta, Milano
Mostra collettiva “Fotografie di teatro”, inserita all’interno del Photofestival
Giugno 2014, MaMoLab, Arles
Mostra collettiva “Fourthinee”, Fotografie Teatro alla Scala, inserita all’interno del
circuito OFF del festival Les Rencontres d’Arles 2013
Pubblicazioni
Un colle, un transatlantico e un nome. Tre storie sul porto di Genova, di Beatrice
Moretti, Sagep Editori
Progetto fotografico a cura Diletta Nicosia
Playboy mensile 2 anno 1 Settembre 2015
Pubblicazione fotografia per concorso dal titolo “ Il Divinismo”
Progetto in collaborazione con l’Istituto Italiano di Fotografia

progetto di Viviana Dal Lago
a cura di Mixta Gallery
3 – 20 ottobre 2019
 
Sala Dogana

Ingresso libero
Inaugurazione 3 ottobre, ore 18
Orario: 15-20 dal martedì alla domenica

111 cubetti di zucchero è un’immersione in un immaginario sospeso. 111 fotografie raccontano la necessità di rappresentare quella distanza sempre presente tra l’occhio di chi guarda e l’essenza di quel che viene guardato. Vedere è come non vedere, e forse essere ciechi significa vedere meglio: ecco qui un mondo leggero che, silenzioso, ti apre la porta e ti invita ad annegare nella sua stanza per osservare la frontiera tra interiore ed esteriore.
Nella ricerca di Viviana dal Lago – che prima, durante e dopo la laurea in Scenografia si è dedicata alla fotografia – non ha importanza che l’immagine fotografica abbia una speciale valenza semantica: molta più importanza va alla consistenza dello spazio, o degli spazi – fisici e psicologici.
111 cubetti di zucchero è un discorso aperto, dall’ampio respiro. 111 perché «Il numero 1 è molto ricorrente nella mia vita, è il numero più unico che c’è, divisore di tutti i numeri, e poi siamo tutti un tutt’uno» dice Viviana Dal Lago, per motivare la scelta del numero delle foto in mostra; mentre riguardo ai cubetti di zucchero il riferimento è un ricordo d’infanzia: la nonna anziana, non vedente, teneva sul comodino una zuccheriera di legno colma di zuccherini, e mangiava sempre e solo quelli – almeno, questo è il ricordo.
«Ricordo la malattia e la sua cecità, e la camera da letto organizzata come una stanza di ospedale: sul suo comodino una zuccheriera, dentro dei cubetti bianchi di zucchero.»
Da qui il nucleo della ricerca, che gira intorno alla volontà di vedere altro, come la nonna che non vedeva, ma sentiva. Alla staticità quasi afona delle immagini si affianca un flusso continuo di pensieri e ricordi malinconici, processo che mescola insieme sensibilità di ordini differenti e che denota un’attenzione speciale, appunto, per le diverse consistenze degli spazi: quello fisico, probabile deformazione da scenografa, e quello psicologico, più proprio oggetto di interesse della sua ricerca.
111 è un mondo un po’ confuso e annebbiato, in cui vive un immaginario che sta sospeso tra il ricordo, la dolcezza e la malinconia. Eppure, incredibilmente, 111 è anche geometrico e ben delineato: per questo motivo si configura come una specie di caos organizzato. L’invito è quello di immergersi e sondare la complessa relazione tra spazio fisico e spazio psicologico – ovvero, la relazione tra interiore ed esteriore.
 

Viviana Dal Lago, 1993, Genova.
Frequenta il liceo artistico Klee Barabino a Genova, continua poi gli studi nel 2012 all’Accademia Ligustica di Belle Arti con indirizzo Scenografia, concludendo i 5 anni nel marzo del 2019. I suoi studi scenografici riprendono il lavoro di Appia e Craig che influenzeranno la sua ricerca fotografica che, inizialmente concentrata su paesaggi urbani e naturalistici, con il passare degli anni si avvicina ai vari personaggi che ne occupano lo spazio, parallelamente come uno spettatore che osserva una commedia a teatro. E’ affascinata dalla fotografia analogica che le permette di sperimentare varie tecniche di stampa e antichi apparecchi fotografici.
 
>>> Progetto MIXTA Galleria Fluida – Storie di opere d’arte
Mixta è una galleria fluida di arte contemporanea nata a Genova nel 2019 dall’idea di tre giovani artiste (Arianna Maestrale, Silvia Mazzella e Giulia Ottonello), e con la collaborazione grafica di wall:in (Gabriele Bricola). Tra le mire del progetto – che ricerca l’unione delle arti contemporanee, delle idee e delle persone – vi è la tendenza all’unione e alla mescolanza ,come già presuppone il nome stesso della galleria (mixtus, a, um dal latino mischiato, mescolato), di pensieri, persone e arti.
Mediante la formazione di un clima che favorisce la circolazione di idee, ricco di fermenti, incontri e dibattiti, Mixta vuole raggiungere e incoraggiare l’attività dei giovani artisti genovesi operanti nel campo delle arti contemporanee tramite eventi culturali, mostre, divulgazione editoriale e sociale.
La forza comunicativa dei nuovi emergenti, definita dalla loro qualità estetica e concettuale, è stata estesa a luoghi insoliti e non di comune approccio al mondo delle arti contemporanee. Mixta si è allontanata dall’esposizione in galleria, classica e tradizionale, per comparire all’interno di spazi che mirano ad una forma più adatta al mondo contemporaneo così dinamico e fluido. Da qui la scelta di non garantire una sede fissa alla galleria, che infatti prende la forma degli spazi che la ospitano.
In virtù delle capacità creative si promuovono il fermento e le idee dei giovani emergenti, affrontando le diverse sfaccettature artistiche attraverso il dialogo e l’esposizione, studiando e approfondendo una dialettica semplice e immediata la cui comprensione possa essere agibile anche ad un pubblico ampio e non per forza elitario: l’arte diventa accessibile, l’interesse cresce e perciò lo scambio di idee e pensieri si fa ricco e prolifico incrementando così la curiosità per le pratiche artistiche contemporanee anche sul territorio ligure.
La crescente tendenza al dialogo e allo scambio ambisce a una dinamica di crescita culturale e artistica di un’arte in fermento, cercando anche di avvicinarsi alle innumerevoli variazioni che l’arte stessa può avere.
Il binario perseguito dal progetto della galleria, pertanto, si affianca e allo stesso tempo si svincola dal contesto artistico istituzionale, fornendo ai giovani un’occasione di inserimento in un mondo difficile e sottile come quello dell’arte.

progetto di Martina Giovene (Pigna)
5 – 22 settembre 2019
 
Sala Dogana

Ingresso libero
Inaugurazione 5 settembre, ore 18
Orario: 15-20 dal martedì alla domenica

Freak show è un progetto ispirato agli omonimi spettacoli circensi degli Stati Uniti a cavallo fra l’ultima metà del diciannovesimo e l’inizio del ventesimo secolo, in cui uomini e animali dalle sembianze anomale si esibivano per il pubblico. In particolare, viene preso d’esempio il periodo fra gli anni ’30 e ’40, non solo nel contenuto ma anche nella forma: i soggetti proposti difatti riprendono le caratteristiche dei protagonisti della cultura pop delle animazioni statunitensi di quell’epoca, riproposti in chiave grottesca e inquietante. L’obiettivo dell’esibizione è presentare un ambiente in cui il fruitore possa essere affascinato da uno spettacolo sinistro e curioso creato dal contrasto fra creature deformi e colori brillanti.
Lo spettatore sarà accolto da una serie di animazioni sinistre accompagnate da melodie nostalgicamente angoscianti. Successivamente, all’interno della mostra effettiva, verranno presentate opere dipinte su legno, oppure realizzate tramite il ricamo, le quali prendono ispirazione inizialmente dalle icone religiose, fino ad arrivare alle illustrazioni di “De Monstris” di Fortunio Liceti.
 
Martina Giovene è un’artista emergente nata a Genova nel 1996. Laureata in Pittura all’Accademia di Belle Arti di Bologna con il massimo dei voti, ha alle spalle molteplici esperienze nell’organizzazione e nella partecipazione attiva a diversi eventi di natura artistica in Italia e all’estero. Oltre all’adesione ad eventi organizzati dall’Accademia di Bologna e ad esposizioni in differenti gallerie bolognesi, fra il 2016 e il 2018 Martina ha avuto l’occasione di prendere parte a performance durante rassegne musicali e a collaborazioni con collettivi artistici nell’ambito del fumetto, avendo la possibilità di partecipare a fiere in gran parte d’Italia.
Nel corso dei suoi studi la poetica artistica di Martina si è sviluppata verso la riproposizione di elementi ludici in chiave grottesca, creando così un contrasto tra i personaggi dei cartoon americani della prima metà del ‘900 e ciò che essi rappresentano (deformità, volti sardonici, ambientazioni sinistre).

Corso di Pittura
A.A. 2018-2019
20 giugno – 7 luglio 2019
 
Sala Dogana

Ingresso libero
Inaugurazione 20 giugno, ore 18
Orario: 15-20 dal martedì alla domenica

Il progetto Frammenti del contemporaneo ha come punto di riferimento primario il “fare pittura” e trae la sua origine e la sua motivazione dalla considerazione che l’appartenenza alla contemporaneità all’interno delle discipline artistiche non debba necessariamente ed esclusivamente essere legata al medium o alla tecnologia ma, al contrario, ad una imprescindibile elaborazione del linguaggio (o dei linguaggi).
 
La mostra è anche il pretesto per una riflessione, seppure parziale e non assoluta, sullo “stato della pittura” nel contemporaneo, con particolare riferimento a quello che è attualmente uno dei modus operandi all’interno delle Accademie: in questo caso quello del corso di Pittura dell’Accademia Ligustica di Belle Arti di Genova.
I protagonisti di questa selezione allargata appartengono ad una generazione che convive quotidianamente con il digitale, ma che fa di una visione non gerarchica rispetto ai “mezzi” e trasversale rispetto alla pittura la propria cifra identificativa, senza timori reverenziali o rifiuti pregiudiziali verso la Storia dell’Arte.
 
La “smaterializzazione” dell’immagine operata dall’avvento del digitale, ha arricchito in modo sconfinato le potenzialità espressive del fare, complicandone in maniera sostanziale la materia teorica. La possibiltà è quella di muoversi tra i differenti codici costitutivi della rappresentazione, attraversare le potenzialità espresse dai singoli media, trovandone il comune denominatore nella ricostruzione fisica che il procedimento della pittura fa dell’immagine stessa.
 
Il risultato è una sorta di installazione “transmediale”: uno spaccato e un caleidoscopio delle opere degli allievi sia del Triennio che del Biennio del corso.
 
Federico Palerma, Pietro Millefiore, Roberto Merani
(docenti corso di Pittura – Accademia Ligustica di Belle Arti)

Progetto artistico
di Stefano Boccardo
30 maggio – 16 giugno 2019
 
Sala Dogana

Ingresso libero
Inaugurazione 30 maggio, ore 18
Orario: 14.30 – 19.30 dal martedì alla domenica

Quotidianamente ci confrontiamo con il tema dei confini, siano essi barriere protettive, limiti intangibili o frontiere militarizzate. Ognuno di essi nasce da un istinto di sopravvivenza e determina uno spazio di controllo, nonostante scienza e storia dimostrino come non vi sia crescita senza interazione.
Confini e Commistioni presenta alcuni lavori realizzati negli ultimi anni che declinano il tema secondo un’accezione più intima, offrendo al visitatore un pensiero sul proprio rapporto con i confini personali, con l’intenzione di porre domande più che offrire risposte.
Ognuna delle opere tratta una differente forma di confine innegabile e personale: la pelle, la lingua, la proprietà, i muri… attraverso la ricerca e la creazione di oggetti fisici si pone la domanda su come questi possano essere considerati più che limiti, delle aree di interazione con l’altro per la crescita collettiva, cercando un equilibrio più che un controllo.
 
STEFANO BOCCARDO, 1983. Architetto.
Laureato a Genova nel 2008 con tesi sulla Rigenerazione Urbana, ha collaborato con lo studio Topotek1 di Berlino, Recetas Urbanas di Santiago Cirugeda a Siviglia e Alianza Internacional de
Habitantes a Buenos Aires.
A Genova con Gruppo Informale porta avanti dal 2011 ricerca e sperimentazione su architettura partecipata, lavoro condiviso, riuso e spazio pubblico, attraverso progetti in autocostruzione e cocreazione.
Negli ultimi anni, attraverso differenti residenze (Quarto Pianeta/Genova 2015, Creart/Linz 2018, Landxcapes/Puglia 2018, Bosco Nordio/Chioggia 2019), ha sviluppato una ricerca artistica sull’influenza tra uomo, habitat, costruito e natura, le cui restituzioni prendono forma di oggetti, progetti ed installazioni territoriali, tramite il lavoro manuale, di recupero e costruzione diretta.

Esposizione degli elaborati finali
di tesi dell’a.a. 2017/2018
a cura di Accademia Ligustica di Belle Arti

10 – 26 maggio 2019
 
Sala Dogana

Ingresso libero
Inaugurazione 10 maggio, ore 18
Orario: 15 – 20 dal martedì alla domenica

Venerdì 10 maggio alle ore 18.00 negli spazi di Sala Dogana a Palazzo Ducale inaugura la mostra Approdi, che presenta una selezione delle tesi più interessanti discusse dagli studenti dell’Accademia Ligustica di Belle Arti nell’anno accademico 2017/2018.

Dalla pittura alla fotografia, dal video alla grafica, alla scenografia, all’installazione, i risultati finali della ricerca condotta dai giovani al termine del loro percorso di studio offrono una testimonianza importante del lavoro che si svolge quotidianamente nelle aule dell’Accademia. La natura stessa dell’insegnamento, che combina ed intreccia riflessione teorica e formazione artistica, rende il lavoro di tesi un momento imprescindibile di sintesi del cammino intrapreso da ogni studente, nel quale spesso si rivela il raggiungimento di un’autonomia espressiva che gli consentirà di avviare una propria ricerca.
 
Le tesi di Alice Baiardi, Viviana Baroni, Laura Bianchi, Beatrice Bracchi, Francesca Bregante, Maria Cesare, Viviana Dal Lago, Margherita Ferraris, Giulia Giorgi, Chiaretta Guidi, Chiara Giovannini, Melanie Macacho, Clara Orlando, Armin Taghdisirad, Yuko Wakasugi, costituiscono un punto di arrivo, dal quale ripartire per il futuro, proponendo uno sguardo originale sulla ricerca dei giovani, la molteplicità e l’intreccio dei media che vengono declinati da ciascuno in maniera sempre differente.
 
Al termine della settimana nella quale l’Accademia Ligustica presenta i propri corsi di diploma (Open Week 6 – 10 maggio) ed i possibili percorsi di ricerca, anche innovativi, Approdi si propone come un appuntamento per conoscere quello che si muove nell’antica Istituzione genovese, che si è ormai avviata a diventare statale.

progetto artistico
di Caterina Lorenzetti
18 aprile – 5 maggio 2019
 
Sala Dogana

Ingresso libero
Inaugurazione 18 aprile, ore 18
Orario: 10.30-13 / 15-19.30 dal martedì alla domenica

 untitled_2019_laboratori.pdf
 untitled_2019_call_lorenzetti.pdf
 
Untitled (The Ausilum Seeker) introduce il migrante come singolo individuo.
La narrativa mira a decostruire l’identificazione sistematica e fredda che la società occidentale attribuisce alla persona migrante.
Numeri e statistiche sono in contrasto con uno stato d’animo emotivo: delle persone da conoscere, con cui ogni sorta di barriera culturale verrà possibilmente messa in questione, stimolando un interesse verso degli esseri umani che abbiamo alienato e reso fantasmi nella nostra comunità. Sviluppato sotto forma di un’installazione interattiva, l’esposizione in sala Dogana prende forma in tre fasi principali:
> il richiedente asilo nel nostro sistema politico, economico, legale e sociale;
> ritratti e immagini metaforiche esplorano il mio stato mentale attraverso le loro vite presenti e passate: uno spostamento attraverso il quale l’osservatore è condotto a un punto di vista più
intimo;
> il risultato di un laboratorio artistico legato alla cognizione di “casa” vissuta con un gruppo di ragazzi Africani nell’estate del 2017.
L’esposizione si fa capo inoltre di un quadro più ampio dove appuntamenti satellite – performance, installazioni viventi e spazi di dibattito e sensibilizzazione – daranno luogo ad una
piattaforma di dialogo e confronto in diversi spazi urbani della città in cui il pubblico sarà stimolato a interagire.
 
Caterina Lorenzetti
Nata a Santa Margherita Ligure nel 1994, sono cresciuta tra Stati Uniti, Spagna e Italia prima di trasferirmi a Parigi, dove ho conseguito il diploma di fotografia all’Ecole de l’image, Les Gobelins.
L’adattamento e l’evoluzione in luoghi culturalmente diversi hanno stimolato un profondo e costante interesse per l’identità, il senso di sé di una persona e l’appartenenza locale.
I valori riemergono costantemente lungo la mia scrittura artistica.
Da settembre 2017 sono coinvolta attivamente nella crisi migratoria mondiale, attraverso lo sviluppo sul territorio italiano di un sistema di integrazione culturale alternativo con una piattaforma artistica itinerante di scambi concreti tra persone di provenienze diverse.
 
>>> Gli appuntamenti saranno frutto del lavoro dei partecipanti ai laboratori, individuati attraverso la call
http://www.genovacreativa.it/content/call-partecipare-al-ciclo-di-eventi-artistico-sociale-untitled-asylum-seeker-project
 
>>> I workshop http://www.genovacreativa.it/sites/default/files/uploads/laboratori_dialogo_interculturale.pdf

giovedì 11 aprile 2019, ore 17
 

Ingresso libero

Nel quadro delle iniziative legate al 50° anniversario dell’apertura della sede di Viale Orti Sauli del Liceo Artistico Nicolò Barabino di Genova, il comitato “Amici del liceo Barabino”, in collaborazione con il Comune di Genova e con il Network internazionale BJCEM-Biennale dei Giovani Artisti dell’Europa e del Mediterraneo, di cui il Comune è socio, organizza un evento dedicato alla promozione dell’arte e della creatività giovanile.
L’incontro, a cui parteciperà anche l’altro socio ligure di BJCEM, il Comitato Regionale ARCI Liguria, ha il duplice obiettivo di far conoscere sul territorio le attività della Rete, attraverso la presentazione di alcuni dei più importanti progetti realizzati negli ultimi mesi e di offrire nuove opportunità per i giovani artisti.
 
Oltre a una carrellata dei progetti realizzati nell’ultimo anno, che hanno coinvolto 132 artisti e 7 curatori under-35, provenienti da oltre 15 paesi dell’area Euro-Mediterranea, l’evento sarà
l’occasione per introdurre la 19° edizione della Biennale.
 
Mediterranea 19 Young Artists Biennale si terrà a San Marino nell’ottobre del 2020. Un evento, promosso dai soci BJCEM Istituti Culturali e Università degli Studi di San Marino, che si svolgerà in alcuni luoghi suggestivi quali la Galleria Nazionale, il nuovo Museo d’Arte Moderna e Contemporanea, l’ex Monastero di Santa Chiara, le ex Gallerie Ferroviarie, le antiche cisterne di Palazzo Pubblico, i teatri dei Centri Storici di Città e Borgo Maggiore.
 
L’appuntamento, a ingresso libero, è giovedì 11 aprile alle ore 17
 
Programma
ore 17
>>> Saluti Istituzionali
>>> Introduce l’incontro la curatrice Olga Bachschmidt
>>> Presentazioni a cura del Segretario Generale BJCEM Federica Candelaresi
- Presentazione generale dell’Associazione BJCEM
- Presentazione dei progetti:
Landxcape, Lasciare il segno (seconda edizione), UP-Urban People, Nottingham City
Takeover
- Presentazione di Mediterranea 19 Young Artists Biennale – San Marino 2020

Domande e risposte in forma di storie
laboratorio di scrittura creativa
per La Storia in Piazza
4 – 7 aprile 2019
 

Ingresso libero
Aperta dalle ore 10 alle 19

www.lastoriainpiazza.it
 
Citiamo Bukowski pensando all’utopia come a una forma di follia. Una follia necessaria, auspicata da Steve Jobs (“siate affamati. Siate folli!”) per creare, per rivoluzionare, per cambiare le cose, per andare lontano. Di grandi utopie è fatta la storia della nostra specie ma di piccole utopie è fatta la nostra vita quotidiana. Le utopie non sono sogni, sono progetti affascinanti e impossibili. Ciascuno di noi coltiva qualche utopia. Le racconteremo in brevi storie da lasciare alla Dogana che, per La Storia in Piazza, si trasformerà nel deposito delle UTOPIE. Compagne delle utopie sono le Domande. Un’utopia è una risposta impossibile a una domanda possibile, è una risposta folle. Emilia Marasco
 
Il Laboratorio di scrittura creativa è la proposta che sala Dogana rivolge ai giovani creativi e a coloro che amano scrivere, nell’ambito della decima edizione de La Storia in Piazza, il festival principale di storia in Italia e fra i più importanti d’Europa, curato da Luciano Canfora e Franco Cardini, dedicato quest’anno al tema UTOPIA.
 
Evento inaugurale, il 4 aprile, del laboratorio sarà il gioco delle Domande ideato da Mario Benvenuto (ledomande.it)
 
Nel giorni seguenti si svolgerà il laboratorio di Piccole storie di ordinaria utopia a cura del gruppo di Officina Letteraria (officina letteraria.com).
Il workshop privilegerà la partecipazione di giovani under 35. Le storie saranno via via appese alle pareti, anche in assenza del laboratorio i visitatori potranno entrare, scrivere una breve
storia sulla base di tracce lasciate a disposizione e appenderla insieme alle altre.
 
>>> Gli appuntamenti
@ @ @ Giovedì 04.04 _ h18.30
 
EVENTO INAUGURALE
LE DOMANDE gioco ideato e condotto da Mario Benvenuto
@ @ @ Venerdì 05.04 _ h15 e h17.30
@ @ @ Sabato 06.04 _ h10.30, h15 e h17.30
@ @ @ Domenica 07.04 _ h10.30, h15 e h17.30
 
LABORATORIO DI SCRITTURA CREATIVA
Coordinamento: Emilia Marasco con Manuela Romeo e con la collaborazione di Martina Morando.
Tutor: Claudia Badaracco, Sabrina Branchi, Alice Campani, Nadia Carì, Silvia Casaccio, Cristina Colombo Bolla, Elena Gallia, Patrizia Minetto, Marcello Mistrangelo.
 
* L’evento inaugurale Le Domande è a libero ingresso fino ad esaurimento posti
* Per il workshop è necessaria la prenotazione:
saladogana@comune.genova.it
010 5574806/73975 dal lunedì al giovedì | ore 9.30/13

Altre forme di identità culturali e pubbliche | seconda edizione
un progetto a cura e di Francesco Arena ©2019
9 – 23 marzo 2019
 
Galleria ABC-ARTE, Galleria Guidi&Schoen-Arte Contemporanea, PRIMO PIANO di Palazzo Grillo, Sala Dogana-Palazzo Ducale

Ingresso libero
Opening in tutte le sedi: venerdì 8 marzo, ore 17
Orario Sala Dogana: da martedì a domenica, ore 16-20

Mostra collettiva, evento internazionale d’arte contemporanea (Fotografia – Installazioni – New Media Art – Videoarte – Electronic Music)
Con il patrocinio della Regione Liguria e Comune di Genova In collaborazione con: Goethe-Institut Genua, Galleria ABC-ARTE, Galleria Guidi&Schoen-Arte Contemporanea
Organizzazione: Benedetta Spagnuolo/ARTISTI ITALIANI-arti visive e promozione
Partner e sponsor tecnici: Radiobabboleo, Il Secolo XIX, Locanda di Palazzo Cicala, EdArte-Associazione Culturale, AA Photography di Alessandro Arnò e M. Lucia Menduni, Valentino Visuals, Capra Pictures Cover photo: Chiara Cordeschi
 
Giunta alla sua seconda edizione Other Identity desidera decifrare un fenomeno ormai diffuso che ha cambiato radicalmente il modo di “vivere” e “interpretare” la nostra immagine, costantemente esibita e pubblicizzata: il nostro modo di autoritrarci e di presentarci al mondo, la spettacolarizzazione di un privato che si trasforma in pubblico attraverso i social media, creando nuove forme di identità in continua trasformazione.
“Other Identity” vuole essere una tappa di un progetto espositivo, che funga da cartina al tornasole capace di misurare di volta in volta lo stato di una nuova grammatica narrativa, di nuove forme di interpretazione della nostra immagine. A confrontarsi sul tema dell’identità e dell’autorappresentazione sono artisti italiani e stranieri uniti da una comune piattaforma emotiva e tematica, dalla quale poi sfociano ricerche personali ben distinte, e dal comune linguaggio fotografico.
Una nostra peculiarità è quella di presentare artisti per la maggior parte inediti per la città per favorire e stimolare la conoscenza del loro lavoro e l’interesse del pubblico.
La fotografia è qui il medium privilegiato in ogni sua forma, sia essa analogica o digitale, utilizzata attraverso reflex professionali o smartphone, usata sempre con consapevolezza e coerenza dall’artista che la piega alla propria ricerca personale, senza abusare di quelle post-produzioni spesso
impiegate per mascherare un’inesistente qualità dell’immagine. Il comune denominatore dei nostri artisti è la loro “onestà intellettuale” nel senso di un consapevole, intelligente, lucido, semplice uso del mezzo espressivo, a tratti brutale nella sua desolante rappresentazione del reale, spesso filtrato da emotività malinconiche e sognanti, crudo iper-realismo, graffiante autobiografia, esibizionismo pubblicitario e complesse dinamiche di intimità familiari. Non è corretto parlare di “artisti selezionati”, ma di artisti che si sono scelti, avvicinati con quell’istinto “animale” che ci fa riconoscere i nostri simili anche in cattività, identificare una piattaforma emotiva comune da cui poi sfociano ricerche personali ben distinte legate però da questa tematica di fondo.
 
Artisti
Karin Andersen | Holger Biermann | Silvia Bigi | Isobel Blank | Manuel Bravi | Silvia Celeste Calcagno | Marco Cappella | Ivan Cazzola | Maurizio Cesarini | Cinzia Ceccarelli | Chiara Cordeschi | Giacomo Costa | Davide D’Elia | Amalia De Bernardis | Emanuele Dello Strologo | Montserrat Diaz | Boris Duhm | Patricia Eichert | Nadja Ellinger | Erresullaluna + Chuli Paquin | Francesca Fini | Nadia Frasson | Giorgio Galimberti | Debora Garritani | Chiara Gini | Federica Gonnelli | Christina Heuring | Corinna Holthusen | Giacomo Infantino | Donatella Izzo | Richard Kern | Sebastian Klug | Sandra Lazzarini | Francesca Leoni | Francesca Lolli | Mater_ia | Giulio Romolo Milito | Monica Mura | Alessandra Pace-Fausto Serafini | Alexi Paladino | Carmen Palermo | Phoebe Zeitgeist | Ophelia Queen | Francesca Randi | Bärbel Reinhard | Christian Reister | Natascia Rocchi | Solidea Ruggiero | Paula Sunday | Marcel Swann | Roberta Toscano | Mauro Vignando | Ramona Zordini
 

Performance
Vernissage Venerdì 8 Marzo:
H. 17:00 | Nadia Frasson (Guidi&Schoen-Arte Contemporanea)
H. 19:00 | Cinzia Ceccarelli (ABC-ARTE)
H. 20:30 | Francesca Fini (Sala Dogana-Palazzo Ducale)
H. 21:30 | Electronic Live: FLeUR/Enrico Dutto-Francesco Lurgo (Sala Dogana-Palazzo Ducale)
Sabato 23 Marzo:
H. 20:00 | Electronic Live: Luca Fucci; The Deep Society/Valerio Visconti-Mirko Grifoni (Sala Dogana-Palazzo Ducale)
 

Video Rassegna
Vernissage Venerdì 8 Marzo:
H. 17:00 | Francesca Fini (Sala Dogana-Palazzo Ducale)
Venerdì 15 Marzo:
H. 17:00 | Phoebe Zeitgeist; Francesca Lolli (Sala Dogana-Palazzo Ducale)
 
Anche in questa edizione abbiamo associato al progetto, come da nostra consuetudine, diversi elementi:
Performance che si alternano durante il periodo della mostra, all’interno delle diverse location; azioni live site specific strutturate appositamente per l’evento, l’opportunità di un confronto con un pubblico molto ampio che potrà così vivere da vicino il contatto diretto con artisti che hanno privilegiato il media live nel proprio lavoro. Gli artisti selezionati con linguaggi molto diversi tra loro affrontano man mano diverse sfumature legate all’identità e alle sue possibili interpretazioni mettendo in gioco senza riserve il proprio corpo, non solo esposto ma in molti casi “offerto” agli spettatori che saranno invitati ad interagire alle azioni.
Un Catalogo Web che si occupa dell’immagine coordinata dell’evento e che pubblichiamo in concomitanza della vernice; contiene tutti i materiali realizzati per la mostra, le schede tecniche degli artisti, gli approfondimenti critici del curatore Francesco Arena e i contributi che molteplici personaggi nel mondo dell’arte, della moda e dei blog hanno espresso circa le tematiche trattate; uno strumento immediatamente scaricabile su qualunque piattaforma mobile o fissa attraverso codice QR-code o indirizzo url che permette in tempo reale di disporre di tutte le informazioni o le curiosità su Other Identity ed i suoi partecipanti. Si abbattono quindi le barriere tra catalogo fisico e fruizione dell’informazione rendendo tutto molto più disponibile e condivisibile.
Un Video-Catalogo che non è soltanto una trasposizione video di quello on line ma contiene tutte le riprese live delle azioni, dei pezzi esposti, documenti inediti sugli artisti, brevi video interviste, e backstage sull’evento, un modo per poter vivere Other Identity non soltanto dal vivo ma dall’interno della propria genesi. Tutti i materiali prodotti sono di volta in volta disponibili presso il Sito Ufficiale della manifestazione.
 
Hanno scritto su Other Identity Giampaolo Abbondio | Edoardo Acotto | Alessandra Arnò | Claudia Attimonelli | Lidia Bachis | Emanuele Beluffi | Chiara Boni | Marco Bruschi | Bettina Bush | Anita Calà | Lorenzo Canova | Mario Casanova | Giulia Cassini | Annalisa Cattani | Piera Cavalieri | Claudio Cerritelli | Maurizio Cesarini | Rossana Ciocca | Anna d’Ambrosio | Valerio Deho | Amalia Di Lanno | Isabella Falbo | Anna Fiordiponti | Matteo Fochessati | Patrizia Gaboardi | Alessandra Gagliano Candela | Carlo Gallerati | Francesca Galliani | Roberto Garbarino | Nunzia Garoffolo | Carlo Garzia | Ferruccio Giromini | Caterina Gualco | Romina Guidelli | Chiara Guidi | Flavia Lanza | Amelì Lasaponara | Marla Lombardo | Karolina Mitra Lusikova | Luciana Manco | Angelo Marino | Gianluca Marziani | Chiara Messori | Roberto Milani | Lorenzo Mortara | Ivana Mulatero | Maya Pacifico | Massimo Palazzi | Luca Panaro | Sabrina Paravicini | Claudio Parentela | Claudio Pozzani | Domenico Quaranta | Sandro Ricaldone | Mariella Rossi-Stefano Cagol | Claudia Sensi | Stefania Seoni | Ivano Sossella | Benedetta Spagnuolo | Federica Titone | Caterina Tomeo | Roberta Vanali | Venette Waste | Bruno Wolf
 
Spazi e orari
Galleria ABC-ARTE: Via XX Settembre, 11/A > Mart-Sab 09:30-13:30 | 14:30-18:30 Dom e Lun su appuntamento
Galleria Guidi&Schoen-Arte Contemporanea: Piazza dei Garibaldi, 18R > Mart-Sab 10:00-12:30 | 16:00-19:00
PRIMO PIANO di Palazzo Grillo: Vico alla Chiesa delle Vigne, 18R > Merc-Dom 16:00-20:00
Sala Dogana-Palazzo Ducale: Piazza Matteotti > Mart-Dom 16:00-20:00

Progetto artistico di Andy Caraway
24 gennaio – 10 febbraio 2019
 
Sala Dogana

Ingresso libero
Inaugurazione 24 gennaio, ore 18
Orario: da martedì a domenica, ore 15-21

L’effimero, nelle sue molteplici sfaccettature, è rintracciabile in tutto ciò che concerne la nostra esistenza. Nella ricerca della popolarità, nella nostra infanzia, nelle relazioni umane e nel solco fondamentale della nostra stessa vita.
L’artista tenta, attraverso un percorso che spazia tra diversi linguaggi, di portare alla luce gli effetti dell’effimero sull’essere umano, approdando all’analisi della naturale contrapposizione
tra esso e il nostro innato desiderio di eternità. Si osserveranno così i suoi tentativi di colmare tale mancanza, il suo rapporto con la sessualità e l’effetto di queste lotte interiori sulla sua salute mentale.
Fotografie, installazioni e video interverranno con l’obiettivo di creare un percorso all’interno della nostra psiche, seguendo il filo rosso del fugace, del temporaneo e del transitorio. Tutto
ciò all’interno di un contesto ricco di citazioni e omaggi (dalla pop art alla letteratura inglese, dall’arte contemporanea al surrealismo) in cui niente è off-limits e niente è troppo sacro o
spaventoso per poter essere messo sotto la lente di ingrandimento.
 
Andy Caraway
Nata a Genova nel 1996, si appassiona fin da bambina alla fotografia e alla storia dell’arte.
Frequenta perciò il Liceo Artistico Paul Klee – N. Barabino e, dopo un anno trascorso all’Università degli Studi di Genova al Dipartimento di Architettura e Design, si iscrive al DAMS di Torino.
Dal 2014 comincia ad approcciarsi alla fotografia di nudo e avvia le sue ricerche sul corpo umano, in particolare sulla sua relazione con la natura, rifacendosi ai valori del romanticismo.
Da quel momento espande la sua ricerca fino all’approdo ad una pulizia completa dell’immagine e ad una rappresentazione statuaria e marionettistica dei corpi, mettendoli tuttavia in relazione con diversi materiali e oggetti.
Oltre a ciò sperimenta con diversi linguaggi, tra cui quello cinematografico, dirigendo la fotografia di molteplici cortometraggi e studiando le tecniche di montaggio in funzione della
video-arte.
 
Info:
www.andycaraway.com
www.instagram.com/andycaraway

musica elettronica _ live set con visual
a cura di KONTAMINA & DUPLEX RIDE
29-30 dicembre 2018
 
Sala Dogana

Ingresso libero
Orario: dalle ore 18 alle 23

VENERDÌ 29 DICEMBRE
Kontamina showcase
Luca Fucci (Firenze)
Ettore Brancè (Pistoia)
Carlotta Wax Intesa (Prato)
 
SABATO 30 DICEMBRE
Duplex Ride showcase
Valerio Visconti
The Ritual Sphinx
Antonio Armènia
Stefano Bertoli
 
SABATO 29 DICEMBRE
Luca Fucci
www.lucafucci.com
Luca Fucci è un artista toscano da anni milita in formazioni elettroniche di avanguardia (Interferenze, Crafty Cell, BMT). Nel 2015 l’esigenza di esprimersi individualmente lo porta a pubblicare il suo primo disco strumentale solista “Hidden Scars”: un crossover elettronico di emozioni, in cui sintetizzatori, drum machines e pianoforte sono elementi imprescindibili gli uni dagli altri, attraverso i quali viene plasmato un decadente microcosmo a tinte scure in cui immergersi e perdersi senza pregiudizi. Accolto con grande successo da pubblico e critica, “Hidden Scars” è stato accompagnato da esibizioni live in cui musica e suggestivi visuals si fondono in un unico elemento. L’espressione musicale di Luca Fucci si basa su pianoforti melodici, cupi e gravi che si alternano, incontrano e fondono con l’elettronica delle drum machines, dei synth analogici e modulari, per portare alla luce “cicatrici nascoste”.
La attenta ricerca del suoni attraverso le macchine non è esercizio fine a se stesso, ma un mezzo per dare voce a sensazioni ed emozioni, senza bisogno alcuno di parole. Il 26 Gennaio 2018 viene pubblicato “Live Scars”, una testimonianza audio-video della performance live tenutasi l’8 dicembre 2017 nella live room de“La Fucina Studio”: un viaggio personale ed intenso, tra musica elettronica e visuals. Una esperienza unica nel suo genere. “Live Scars” è disponibile in versione audio sulle principali piattaforme digitali di streaming e download, ed in versione video sul canale Youtube di Luca Fucci.
(https://youtu.be/cLehWMcnCfc)
 
ETTORE BRANCE’
CARLOTTA WAX INTESA
 
VALERIO VISCONTI
www.visconti.cc
Synth analogici, noise, kick drums. Un progetto solista che guarda al futuro, e sempre alla ricerca di nuove fonti sonore, senza dimenticare un uso molto personale del pianoforte.
Compositore per pianoforte sin da bambino, Valerio Visconti da più di 10 anni crea e compone anche musica elettronica.
Video di ricerca per l’Istituto Italiano di Tecnologia, colonne sonore di app musicali, collaudatore di nuovi dispositivi, un disco a Londra, uno a Milano, e molta altra musica nel suo sito visconti.cc
THE RITUAL SPHYNX

https://theritualsphinx.bandcamp.com/

Ritual Sphinx è un progetto multidisciplinare di Alessandro Bartolena nato nel 2011 come ricerca d’interazione tra immagine e sonoro. Dopo un percorso iniziale legato alla pittura, è ora strutturato in due filoni simbionti, dove il sonoro è l’elemento portante:
-Installazioni d’arte contemporanea
-Musica elettronica sperimentale
La ricerca sonora mira alla costruzione di sonori materici concettuali, costituiti in particolare da suoni elettronici organici, spesso afferenti alla percezione legata al corpo umano.
ARMENIA

http://www.armeniamusic.it/

Armenia, musicista elettronico sperimentale, così si racconta:
“Come sopra così sotto. Ho capito di essere un infiltrato nel mondo delle macchine e dell’elettronica. Di base un sovversivo. Vado verso l’uomo e tutto viene adeguato a questo fine in vari modi e vie. Installo un virus umano e vado al risultato. Allora le macchine, sia software che hardware, cominciano a piegarsi, a scaldarsi e a diventare vive. A volte è sorprendente. Un’operazione alchemica ai miei occhi. Comanda il Saggio. Sullo sfondo il Bambino e il Catastrofista.”
Armenia porta con sé il nuovo inquieto album di studio, WE ARE STILL MACHINES, preceduto da LIKE A DERVISH e pubblicato su Bandcamp. “La nostra vera coscienza può essere, e infatti lo è quasi sempre, completamente assente da tutto ciò che facciamo, pensiamo, vogliamo e immaginiamo …”
A “FRACTAL” a cura di Duplex Ride, Armenia introduce inoltre il freschissimo progetto di collaborazione con la fotografa professionista Eliana Maffei che ha curato la parte visiva di due nuovi brani e che saranno parte di un nuovo EP in lavorazione: I Need To Go Up e Our Memories.
STEFANO BERTOLI

https://www.facebook.com/stefano.bertoli.666

Landscape elettronici.
 
KONTAMINA
Il progetto “Kontamina” nasce dalla volontà di arricchire la proposta artistica e contribuire all’aggregazione di creativi ed artisti in contesti intimi e di sperimentazione.
Liberi da qualunque canone consumistico e commerciale la Kontaminazione può realizzarsi.
direct info: kontamina.arte@gmail.com
DUPLEX RIDE
costituita nel 2010 attorno ad un nucleo di operatori artistici, attivi nei settori della musica elettronica e dell’immagine digitale per mettere in comune le proprie esperienze ed espandere l’area creativa in cui agiscono, per contribuire allo sviluppo culturale del territorio, è un’associazione culturale interessata ad ogni forma d’arte, che organizza principalmente eventi di musica elettronica e videoproiezione.
E’ un’idea in movimento, è arte collettiva, è ricerca elettronica, è sperimentazione in tutte le sue forme, dalla pittura, alla fotografia, alla scrittura.
sito web: http://duplexridegenova.wordpress.com

progetto espositivo a cura di
Dipartimento di Comunicazione e Didattica dell’Arte
Accademia Ligustica di Belle Arti di Genova
6 – 23 dicembre 2018
 
Sala Dogana

Ingresso libero
Inaugurazione 6 dicembre, ore 18
Orario: da martedì a domenica, ore 15-20

Giovedì 6 dicembre alle ore 18 a Sala Dogana a Palazzo Ducale inaugura la mostra Monitoraggi 6, il progetto espositivo del Dipartimento di Comunicazione e Didattica dell’Arte dell’Accademia Ligustica, giunto alla sua sesta edizione.
Monitoraggi è un progetto che il Dipartimento di Comunicazione e Didattica dell’Arte dell’Accademia ha avviato con la finalità di indagare quello che avviene in Accademia dal punto di vista della ricerca artistica nei diversi livelli dei corsi di laurea.
Selezionati dalla commissione del Dipartimento di Comunicazione e Didattica dell’Arte gli studenti dell’Accademia Ligustica propongono sette progetti site-specific concepiti per gli spazi di Sala Dogana.
Anna Icardi & Mauro Casalino, Elena Grasso, Luca del Torto, Davide Toscano, Valentina Viviano & Giulia Zini, Collettivo PES (Parastoo Dadvar, Elena Grasso, Sadaf Akrad), Filippo Cotella, sperimentano media diversi, articolando una ricerca che include tracce sonore, sculture in resina, supporti e tessuti, video installazioni e disegni di grandi dimensioni.
Monitoraggi è un progetto aperto a tutti gli studenti liberi di presentare e sperimentare ricerche personali senza limiti di tema o linguaggio, uno strumento di osservazione, per i docenti, una selezione dei risultati più interessanti presentata e comunicata con una mostra in uno spazio pubblico come, ormai da diverse edizioni, Sala Dogana, banco di prova per i giovani artisti.
 
Info comunicazione@accademialigustica.it Tel. 0105601324

Fabio Sacco
15 novembre – 2 dicembre 2018
 
Sala Dogana

Orario: da martedì a domenica, ore 15-20
Ingresso libero
 
Inaugurazione 15 novembre, ore 18

In questa esperienza artistica, l’autore intende sottolineare le ormai prive prospettive future della classe operaia. Attraverso le sue immagini affronta le tematiche essenziali che
costituiscono l’attuale società tra cui il lavoro, la famiglia, la casa……dove il soggetto degli scatti rubati è proprio lui, Fabio Sacco, fotografo per passione, nato e cresciuto a Novi Ligure, dove tuttora vive e lavora.
Una delle finalità della mostra è quella di condurre il visitatore attraverso ogni singolo scatto, in un percorso di identificazione e partecipazione, atto a percepire il senso di desolazione e avvilimento che hanno indotto l’artista alla realizzazione del reportage fotografico.
 
L’artista afferma:
‘Per comprendere a fondo le motivazioni da cui è scaturito il mio progetto è necessario tornare indietro nel tempo di un paio di decadi, a quando il mondo del lavoro fu colpito su ogni fronte, privando la gente di prospettive e degli innegabili diritti sui quali si fonda la nostra Costituzione:
art.1 L’Italia è una Repubblica democratica fondata sul lavoro. La sovranità appartiene al popolo, che la esercita nelle forme e nei limiti della Costituzione.
In realtà si è allontanata sempre più l’età pensionabile e l’ambito lavorativo è stato caratterizzato da infiniti contratti a tempo determinato che non assicurano un futuro concreto a
chi intraprende la strada del mondo del lavoro.
I giovani, ultimata la fase dedicata alla formazione scolastica, si trovano perlopiù ad affrontare una situazione profondamente compromessa, quasi sempre costretti a lavori precari o lontani dal proprio paese di origine, sfidando il destino e cercando all’estero quel riconoscimento e quella possibilità di progettare il futuro lontano dal proprio Paese che oramai non ha più nulla da offrire e dal quale si sentono traditi.
In questa mostra ho voluto rappresentare la giornata lavorativa di un operaio, spogliato dei suoi diritti, con la sua inutile ambizione, la sua routine e le sue riposte speranze.’

progetto di Niccolò Masini,
Giulia Crispiani, Luca Carboni
25 ottobre – 11 novembre 2018
 
Sala Dogana

Inaugurazione giovedì 25 ottobre, ore 18
Orario: dal martedì alla domenica, ore 15-20
Ingresso libero

La mostra [Ri]Tornare è una riflessione sul tema del ritorno. Tornare significa avviarsi, essere diretti al luogo da cui si era partiti o da cui ci si era allontanati, rientrare o rimettersi nel luogo da dove si era venuti. Si torna a casa da un viaggio, dopo un’assenza più o meno lunga, si riprende la propria attività. [Ri]tornare è sinonimo di tornare ma meno comune nell’uso familiare, enfatizza l’intervallo di assenza e può implicare una ripetizione. Si ritorna su una questione, o si ritorna in sé. Si ritorna dove si è già stati, spesso con l’idea di periodicità. Ritornare significa anche restituire, intercalare e riprendere.
Se Giulia Crispiani presenta un trittico-tributo a delle figure fondanti del femminismo italiano, Luca Carboni delinea un campo di ricerca storico/geografica allo scopo di sviluppare una lettura critica della relazione fra la Sardegna, le sue coste e il contesto mediterraneo contemporaneo; i lavori di Niccolò Masini invece investigano la natura stessa del concetto di temporalità, presentati attraverso una dimensione specifica, essi tentano di incorporare esperienze passate e future.
Il tentativo è quello di analizzare il concetto di luogo fisico inteso come estensione dello spazio nell’asse temporale, secondo un’immaginaria cadenza cronologica entro la cui cornice ognuno dei lavori presentati appresta una griglia interpretativa per lo sguardo specifico di ogni singolo artista.
Lo spazio, condizionato sempre più da una dimensione temporale accelerata, è ad oggi dimensione emblematica della capacità stessa di auto-comprensione: «viviamo in un momento in cui il mondo si sperimenta, credo, più che come un grande percorso che si sviluppa nel tempo, come un reticolo che incrocia dei punti e che intreccia la sua matassa» (Foucault, 1994).
Consapevoli che la mobilità sia un privilegio confinato a determinati soggetti e geografie, è necessario porsi delle domande per far sì che l’idea di ritorno risulti scevra di romanticismi: che
cosa spinge ad andarsene e cosa stimola il desiderio di ritorno? In che modi si possono attivare esperienze e competenze, sviluppate in anni di studio e vita in contesti e condizioni differenti
rispetto alle realtà da cui si è partiti e in cui si torna? Benché l’asse del ritorno si sviluppi, idealmente, lungo una direttrice passato-futuro, cosa significa rifiutare questa dualità, e la
conseguente idea di progresso, in favore di una lettura che superi la tentazione di trovare facili
soluzioni in un passato perduto da recuperare, o in un futuro inedito da conquistare?
I lavori degli artisti in mostra, sviluppati lungo tematiche indipendenti e parallele, secondo le diverse pratiche artistiche, si pongono come passo intermedio verso la costruzione di un percorso che possa trovare momenti comuni di inserimento e impegno nelle varie realtà di appartenenza,con uno sguardo al tempo stesso locale e forestiero.
Niccolò Masini, Giulia Crispiani e Luca Carboni sono nati e cresciuti in Italia. Dopo un primo percorso di formazione universitaria, decidono di continuare gli studi all’estero. Si incontrano alla Gerrit Rietveld Academie di Amsterdam, dove parallelamente completano percorsi separati, ottenendo un diploma di laurea nel 2015. Dopo varie altre esperienze e percorsi di formazione internazionali, più o meno contemporaneamente maturano la decisione di tornare a vivere e lavorare in Italia.
 

The exhibition [Ri]tornare is a reflection on the topic of return. To return means to go or come back,as to a former place, position, or state; to revert or recur, as in thought, discourse and so on. We return from a trip, after a more or less long absence, we start again with an activity. We return where we have already been, often with the idea of recurrence. To return means also to give back, to intercalate and start again.
Giulia Crispiani presents a tryptic-tribute to fundamental figures of Italian feminism; Luca Carboni binds together some historic-geographical research topics on Sardinia, in order to materialize some problematic aspects of the Mediterranean contemporaneity—removed yet highly influential; Niccolò Masini’s works investigate the nature of temporality, as an attempt to materiality itself, they try to physically re-create a dimension where past and future experience are embodied.
The main focus is to analyze the concept of the physical space intended as a continuation of the temporal axe, according to imaginary intervals. Each of the presented works is an interpretation of this interval.
More and more affected by an accelerated temporal dimension, space is today the emblematic dimension for self-understanding.
Keeping in mind that mobility is a privilege confined to specific subjects and geographies, it is necessary to pose some questions, to liberate the act of return from any kind of romanticism: why do we go away in the first place? Where does the desire to return stem from? In which ways can we reactivate experiences and competences, developed during several years of studies and living in different contests and conditions from the reality we have left behind or we go back to?
Despite the axe of return is ideally placed on the vector past–future, what does it mean to reject this duality and the consequential idea of progress, in favor of a reading that would go beyond finding easy solutions in a past to restore or a future to conquer?
The exhibited artworks are developed along independent and parallel thematics, according to the diverse approaches. They want to be an intermediate step towards the construction of a path, where to find communal moments of engagement in the respective places of belonging, through a local-yet-foreign gaze.
Niccolò Masini, Giulia Crispiani and Luca Carboni were born and raised in Italy. After a first academic experience, they decide to continue their studies abroad. They met at the Gerrit Rietveld Academie in Amsterdam, where they followed separate courses but graduated together in 2015.
After various international experiences, they all decided more or less simultaneously to return to live and work in Italy.

Niccolò Masini nasce a Genova nel 1989. Il suo percorso artistico prende forma nelle aule dello IED di Milano, laureandosi nel 2011 nei corsi di Illustrazione e Animazione. Incomincia così la propria carriera nel mondo dell’arte visuale. La svolta definitiva la compie però trasferendosi in Olanda, dove frequenta la prestigiosa Gerrit Rietveld Academie di Amsterdam, dalla quale si laureerà nel 2015 con una specializzazione in Audio Visual Arts. Durante il periodo alla Rietveld, ha la possibilità di seguire un programma di scambio internazionale alla RMIT University di Melbourne. Vincitore di numerosi premi, concorsi e residenze internazionali, dal 2015 ha iniziato a dedicarsi alla propria ricerca personale, alla quale affianca lavori su commissione. Praticando in tre continenti, il suo lavoro è stato esposto a livello internazionale in paesi come Australia, Canada, Argentina, Olanda, Giappone ed Italia. Ad oggi, vive e lavora tra Genova e Montreal.
IL PENSIERO: Le opere di Niccolò Masini si collocano nel reame della narrazione per immagini e dell’artigianato, ma anche in quello dell’antropologia e poesia. Seguendo una poetica lontana da
un classico susseguirsi del tempo, esse guidano il suo creatore e pubblico attraverso una narrativa estemporanea di metodi, voci, opinioni e prospettive. Mettendo in discussione i ruoli fondamentali e le regole nascoste dentro una definizione odierna del concetto di «cultura», essa trae ispirazione da letteratura, storia, teatro, psicanalisi, e religione. È essenziale conoscere per poter appartenere.
La ricerca visuale di Masini attinge a un flusso creativo che ha radici profonde, un tipo di conoscenza che non può essere trovata unicamente dentro ad un libro. Certe tipologie di apprendimento necessitano di essere vissute, come per afferrare una conoscenza del mondo che si può guadagnare unicamente attraverso l’esperienza, identificandone la forma ed avvicinandosi ad una diversa percezione di noi stessi. Come per diventare parte di un processo che sta all’essenza stessa di quello che siamo in quanto esseri umani, estraniandoci dai preconcetti di tempo e cultura.
 

Giulia Crispiani è artista e scrittrice, e vive e lavora a Roma dove collabora con la redazione di NERO Editions. Si è diplomata in Disegno Industriale alla Facoltà di Architettura Ludovico Quaroni (Sapienza, Roma) nel 2009, per poi trasferirsi in Olanda, dove ha completato un BA alla Gerrit Rietveld Academie di Amsterdam con specializzazione in Ceramica (2015) e un programma extra curricolare in Art & Research con l’Università di Amsterdam (2014). Nel 2017 ha ottenuto la laurea MA al Dutch Art Institute (Artez, Arnhem). Ha partecipato a progetti indipendenti tra Amsterdam, Beirut, Tehran e partecipato alla mostra Coming Soon alla Fondazione Sandretto Re Rebaudengo di Torino (2018).
 

Luca Carboni è un graphic designer, vive e lavora tra Cagliari e Berlino. Nel suo lavoro sviluppa metodi di ricerca storico-geografica e artistica applicati a temi inerenti commistioni fra estetica e politica, intesi come contributo ad una militanza politica. Si è diplomato in Disegno Industriale alla Facoltà di Architettura Ludovico Quaroni (Sapienza, Roma) nel 2010 per poi trasferirsi nei Paesi Bassi, dove ha completato un BA alla Gerrit Rietveld Academie di Amsterdam con specializzazione in Graphic Design (2015) e un MA in Art Praxis presso il Dutch Art Institute (ArtEz, Arnhem) nel 2018. Ha lavorato come stampatore serigrafo in contesti educativi, collaborato e sviluppato progetti di ricerca con diversi artisti sia in Europa (Paesi Bassi, Grecia, Italia) che in Iran e Messico, su temi quali l’autorganizzazione nella modernità capitalista, rendita fondiaria e speculazione, e pratiche di (auto)pubblicazione.

Silvia Mazzella e Benedetta Boveri
4 – 21 ottobre 2018
 
Sala Dogana

Inaugurazione 4 ottobre, ore 18
Orario: da martedì a domenica, ore 15-20
Ingresso libero

Primule vuole essere un racconto.
Primule è Louisa May Alcott, Alda Merini, Rupi Kaur.
È tutto ciò̀ che ci accomuna e a volte ci allontana.
È un dialogo, fatto di fotografia, scrittura e pittura.
Primule è Diane Arbus e Jane Austen.
È fragilità, forza e bellezza.
Vuole essere un racconto fatto di simbologie femminili,
di crepe e macchie, di animo e pelle.
Vuole essere un racconto delicato,
che ti porta a pensare all’infanzia
e
ai fiori che racchiudono il tuo giardino.

 

Primule nasce a Genova, davanti ad una birra e una coca-cola zero, nel 2016 dalle fotografe Silvia Mazzella e Benedetta Boveri. Entrambe indagano sulla figura della donna: dalla sua bellezza incorniciata dai dettagli del viso, dalle crepe del suo corpo e dalla sua fragilità. Il nome Primule nasce dal fiore che sboccia per annunciare la primavera che si collega alla figura della Venere nel Botticelli: Il mantello rosso che porge alla dea è decorato con primule, rose e rametti di mirto. Primule diventa il nome della ricerca che raffigura la nascita della donna, nell’età adulta, quando si mette a confronto con se stessa e il mondo che la circonda. L’intento del progetto è quello di unire due fotografie per creare un percorso sulla donna attraverso vari mezzi come: Fotografia, Pittura, Scrittura.
Due giovani fotografe, due visioni sulla donna a confronto, per creare una suggestiva visione della realtà femminile, con tutte le sue simbologie e caratteristiche.
Primule vuole essere un dialogo aperto al pubblico, un diario d’infanzia, di perdita e di rinascita.
La giovane curatrice Virginia Lupo e Sofia Torre, giornalista freelance, hanno accompagnato Primule con i loro testi. Giovanissime e caparbie hanno interpretato Primule con due stili differenti e coinvolgenti. Da una parte lo spettatore è accompagnato alla visione delle immagini dall’altro è invitato a riflettere su alcuni concetti come nel testo ‘ Il diritto di essere una donna che dà fastidio’ di Sofia Torre.
Per rendere la mostra più dinamica e partecipativa, si è deciso di dedicare uno spazio del progetto alla libera interpretazione. Abbiamo selezionato 9 autori che hanno realizzato la propria visione Primule. Dal dipinto ad olio a quello ad acquarello, dalla fotografia sperimentale alle parole scritte nero su bianco. Ogni mezzo ha lo stesso valore e la stessa valenza. Gli autori hanno affrontato il tema della femminilità, riflettendo sull’identità legata all’eredità famigliare e culturale, al taboo, all’iconografia greca, alle osservazioni più intime che prendono forma in maniera sfrontata, delicata e realistica. Autori: Andy Mcfly, Arianna Maestrale, Caterina Lorenzetti, Caterina Scolari, Chiara De Maria, ERRESULLALUNA+ChuliPaquin, Jessica Morichi, Martina Nai Fovino e Tatiana Minelli.
Durante l’esposizione sarà possibile visionare e acquistare il catalogo Primule in 30 copie limitate e firmate dalle autrici.

Primule wants to be a storytelling.
Primule is Louisa May Alcott, Alda Merini, Rupi Kaur.
It is everything that brings us together and sometimes takes us away.
It is a dialogue, made of photography, writing and painting.
Primule is Diana Arbus and Jane Austin.
It is fragility, strength and beauty.
It wants to be a story made of female symbols,
of cracks and stains, of soul and skin.
It wants to be a delicate story,
that leads you to think about childhood
and
flowers that enclose your garden.
 
Primule was conceived in Genoa in 2016 by the photographers Silvia Mazzella and Benedetta Boveri. Both investigate the image of woman: from her beauty, framed in the details of her face and by the cracks in her body to her fragility. The title Primule is referred to the flower which blooms announcing the arrival of spring, connected to the figure of Venus in Botticelli:
in the right side of the panting, spring season is approaching on the jagged coast of the island. The red cloak given to the goddess is decorated with primroses, rose and myrtle branches. Primroses becomes the name of the quest that depicts the birth of a woman, in adulthood, when she is confronted with herself and the world around her. The aim of the project is to combine two pictures in order to create a path through various means, such as photography, painting and writing.
Two young photographers, two visions on the woman in comparison, to create a suggestive vision of the female reality, with all its symbols and characteristics. Primule wants to be a dialogue open to the public, a diary of childhood, loss and rebirth.
The young curator Virginia Lupo and freelance journalist Sofia Torre have accompanied Primule with their writing. Young and determined they have interpreted Primule with two different and involving styles. On one hand the viewer is driven to observe the images and on the other
hand he is invited to think about ideas from the text ‘ Il diritto di essere una donna che dà fastidio’ by Sofia Torre.
Primule intends to be a dynamic and participatory exhibition. For this reason we selected 9 under 30 artists. They realised their own visions on Primule. Ranging from oil painting to watercolour, from experimental photography to words put on paper. Every tool has its own importance. The authors dealt with the theme of femininity, reflecting on cultural and family identity, on taboos, on Greek iconography, on intimate visions which take shape in a powerful, gentle and realistic way. Artists: Andy Mcfly, Arianna Maestrale, Caterina Lorenzetti, Caterina Scolari, Chiara De Maria, ERRESULLALUNA+ChuliPaquin, Jessica Morichi, Martina Nai Fovino e Tatiana Minelli.
During the exhibition you can buy the catalog of Primule in 30 limited copies signed by the artists.

Silvia Mazzella, 1993, Genova
Benedetta Boveri, 1992, Genova
Virginia Lupo, 1991, Genova
Sofia Torre, 1991, Bologna
 
A cura di / Curated by
Silvia Mazzella
Coordinamento/ Coordination
Virginia Lupo
Fotografie / Photography
Silvia Mazzella
Benedetta Boveri
Testi / Texts
Virginia Lupo
Sofia Torre
Silvia Mazzella

Progetto di Luca Arboccò
a cura di Fabio Vito Lacertosa
13 – 30 settembre 2018
 
Sala Dogana

Ianugurazione 13 settembre, ore 18
Orari: 15-20 dal martedì alla domenica
Ingresso libero

Luca Arboccò mette al centro della sua indagine la pittura. Un’indagine arguta ma anche appassionata, colta contemporaneamente da pittore e da studioso.
Se è vero, secondo il pensiero dell’artista genovese, che tutta la storia della pittura è storia dello scarto – nel senso del divario che separa la rappresentazione e l’oggetto di riferimento (sia esso fisico o concettuale) – è anche vero che tutta la storia della pittura, in quanto eterna variazione sul tema della mimesi, finisce per divenire una sorta di enciclopedia di aneddoti sul “realismo”, cioè la pubblica sfida sui procedimenti, le tecniche e i segreti per ricreare sulla tela la metafisica della realtà.
 
Le opere in mostra negli spazi di Sala Dogana si presenteranno come frutto di una ricerca a metà tra l’evocazione dello stupore e della disillusione, tra tensione e fallimento, in una dialettica della visione che è la sfida di richiudere il campo visivo entro i limiti di una soluzione formale che sia credibile, accettabile, convincente.

Progetto di Paolo Tarsi
a cura di Veronica Grozio
12 – 29 luglio 2018
 
Sala Dogana

Ianugurazione 12 luglio, ore 18
Orari: 15-20 dal martedì alla domenica
Ingresso libero

L’esposizione anticipa l’uscita di A Perfect Cut in the Vacuum, il nuovo album del musicista, compositore e produttore Paolo Tarsi, frutto della collaborazione con figure di primo piano provenienti da formazioni di culto quali Kraftwerk, Tangerine Dream, Neu!, King Crimson, Afterhours, Tuxedomoon, Ulan Bator, Henry Cow, National Health, fino a stretti collaboratori di David Bowie, Brian Eno, Bryan Ferry (Roxy Music) e di band come Radiohead, Faust e Soft Machine.
La mostra, che verrà inaugurata con un live dello stesso musicista, racchiude partiture grafiche del compositore senigalliese così come video-opere, artwork e videoclip realizzati da artisti di fama internazionale per accompagnare la sua musica. Tra questi l’ex Kraftwerk Emil Schult (Elektric Music, Coldplay), Roberto Masotti (Cramps Records, Ecm), Luca Domeneghetti, Emiliano Zucchini, Roberto Rossini e Ahmed Emad Eldin, autore della cover dell’album The Endless River dei Pink Floyd.
 
Il Concept
«Si fa presto a dire che la musica su supporto fisico è morta. Continue ristampe, per non parlare poi della rinascita del vinile, ci propongono un’overdose di nuove uscite discografiche in vari formati. Più musica di quanta potremmo mai non solo ascoltare, ma persino prendere in considerazione. Ed è paradossale avere a disposizione – gratuitamente! – un’offerta così ampia in un momento in cui abbiamo perso quasi completamente la capacità di dedicarci all’esperienza dell’ascolto senza fare altro. Perché, se ci si fa caso, il massimo che riusciamo a concederci è un sentire distratto, quasi pornografico, dove i tempi di valutazione di un nuovo brano durano meno di un clic per una preview.
Ed ecco il punto. Non siamo più padroni di niente – si può possedere uno streaming? – ma semplici utenti di un mercato bulimico che sta sostituendo la qualità con la quantità. Ed è bene chiarirlo una volta per tutte: ciò che in rete è gratuito ha in realtà un prezzo molto alto. Nell’epoca della sharing economy a pagare il conto sono i musicisti stessi, in un quadro ben più ampio che ha colpito duramente estese fasce e varie categorie di lavoratori. Volendoci limitare al nostro settore, accade così che i padroni della rete si impossessano di qualcosa creato da altri, gli artisti, senza condividere equamente con quest’ultimi i propri profitti.
La musica nella sua forma liquida è utilissima se affiancata al formato fisico, quasi inutile e persino dispersiva, per via della sua inconsistenza, se isolata da quest’ultimo. Perché un file nella nostra memoria dura meno di un respiro. Stringere tra le mani un disco vero, vederlo davanti a sé, aiuta invece a ricordare ciò che esso contiene. Certo, non sono mancati passi falsi in questo cammino. Da quando negli anni Ottanta si è deciso di trasferire la musica dal vinile al Cd, si è privilegiato un supporto fragile, venduto inizialmente a un prezzo molto più alto benché gli oneri di produzione fossero minimi rispetto a quelli del vinile. Inoltre la possibilità di scorporare ed estrapolare le singole tracce ha dato impulso al fenomeno della libera condivisione in rete di dati digitali tramite programmi di file sharing come Napster o software open source quali eMule, segnando un punto di non ritorno. È anche vero però che la tecnologia ha introdotto una grande libertà per tutti di esprimersi e l’opportunità di produrre in casa dei progetti in una maniera impensabile fino a non molto tempo fa. Lo si vede non solo nella musica, ma anche nei video e nella fotografia, dove se fino all’altro ieri erano indispensabili attrezzature costose e una certa competenza, oggi ‘basta’ un telefonino. Dal lato inverso, è altrettanto vero come tutto questo abbia generato probabilmente più proposta che richiesta, lasciando molti fruitori quantomeno disorientati.»
dalla prefazione al libro “L’algebra delle lampade” (Ventura, 2018) di Paolo Tarsi
 
Biografia
Paolo Tarsi (Senigallia, 1984) è autore di musica elettronica e cameristica, scrive per il teatro e la video-arte lavorando regolarmente con film-maker, gallerie e musei d’arte contemporanea. Dopo gli studi di pianoforte, organo e composizione, nel 2012 consegue il Certificate of Advanced Studies (CAS) in musica elettronica e sound design presso il Conservatorio della Svizzera Italiana di Lugano, in collaborazione con il MAXXI di Roma. Si specializza quindi nella composizione con il premio Oscar Luis Bacalov e pubblica l’album “Furniture Music for New Primitives” (Cramps/Rara, 2015), accolto unanimemente dalla critica come uno dei dischi più belli di quell’anno, seguito dall’Ep “Petite Wunderkammer” (Coward, 2016) e “Loops in Cage” (Bau, 2017).
Apprezzato da Rado ‘Bob’ Klose dei Pink Floyd e da Klaus Röder dei Kraftwerk, collabora con il chitarrista Paolo Tofani nel progetto AREA Open Project, con musicisti provenienti dall’avanguardia colta, così come dalla scena elettronica, jazz e rock (Esecutori di Metallo su Carta, Robin “Scanner” Rimbaud, Fauve! Gegen A Rhino, Area International POPular Group, Andrea Tich, Calibro 35, Litfiba, CCCP, CSI, Diaframma).
Le sue composizioni sono state eseguite in luoghi di culto della musica contemporanea come lo Spectrum di New York e ha realizzato musiche per video-opere e installazioni presentate al Musma di Matera, alla Herbert Art Gallery & Museum di Coventry (UK) e all’ultima edizione dell’Athens Digital Arts Festival. Suoi articoli di carattere musicologico sono apparsi su pubblicazioni specialistiche e ha svolto attività di critico musicale per numerose testate (tra cui “Alfabeta 2”, “Artribune” e “Il giornale della musica”). Nel 2018 ha raccolto i suoi scritti in un libro dal titolo “L’algebra delle lampade”, edito da Ventura. Tra il 2014 e il 2015 ha curato la rassegna di musica e arte contemporanea “Contemporary Jukebox”. Attualmente sta ultimando al Farmhouse Studio di Rimini l’atteso ritorno discografico con un doppio album, dal titolo “A Perfect Cut in the Vacuum”, in uscita per la sua nuova etichetta Anitya Records e distribuito da Acanto.
 
info Paolo Tarsi
Facebook: @Alisnontarsis / @Algebradellelampade
Twitter: @Alisnontarsis
YouTube: Paolo Tarsi / Alis non tarsis

Progetto fotografico
di Giancarlo Colloca
21 giugno – 8 luglio 2018
 
Sala Dogana

Ianugurazione 21 giugno, ore 18
Orari: 15-20 dal martedì alla domenica
Ingresso libero

[ passo.
e nel mio passare, passo per momenti in cui la sagoma del passante, l’altro, si scaglia dritta contro la coda dell’occhio, il mio. l’ombra dell’ignaro diventa un nero nucleo gravitazionale che inesorabilmente attira a sé le mie orbite oculari e in pochi istanti tutto me stesso. tutto fino all’obiettivo che mi porto dietro e che nel suo frapporsi eroico tra la mia e la faccia buia dell’altro, riesce a interrompere la mia deriva inerme verso l’ignoto tizio profondo.
la presenza controluce di un altro mi prende sempre in controtempo, mi smarrisce dalla mia strada per orientarmi ai suoi passi, alle luci verso cui cammina e all’ombra propria, esposta senza riserbo e senza contezza. senza riguardo continua il suo percorso, gli basta un passo per uscire dal mio campo visivo. Un batter d’occhio e scompare oltre l’orizzonte degli eventi, assorbito dal buio.
eccolo. passa. ]
 
BuchiNeri è un lavoro fotografico che mette a fuoco la presenza umana per le galassie urbane. La comparsa di una sagoma eretta controluce attrae l’occhio e la lente del fotografo con la forza magnetica di un buco nero. La silhouette scura e sinuosa del passante vive del contrasto con le geometrie metropolitane che abita. Essa è espressione di una costante ricerca dell’essere umano e del suo rapporto con la città di cui è anima e definizione.
 
Giancarlo Colloca è un artista poliedrico che opera e spesso mescola fotografia, musica, grafica, disegno, pittura, teatro. Nella sua ricerca puramente fotografica c’è la voglia di percepire il mondo il più a fondo possibile, di farlo suo nei dettagli, di astrarre e decodificarne i sistemi che lo reggono, sia nella quotidianità delle piccole cose che nella diversità della vita che scopre viaggiando.
I suoi scatti cercano l’anima delle cose e il senso profondo dell’essere umano, raccontandoli attraverso bellezza e bizzarria, emozioni e contraddizioni, spesso filtrate da un’indispensabile ironia.
Fotografie di Giancarlo Colloca hanno ottenuto premi e copertine di libri e sono state esposte in Italia, Svizzera, Russia, Finlandia, USA, Francia.

1 – 17 giugno 2018
Sala Dogana

Esposizione collettiva
a cura di Emiliano Montermini
 
Inaugurazione 31 maggio, ore 18.30
 
Orario: dal martedì alla domenica, ore 10-19
 
ingresso libero

Il Festival B#Side War torna a Genova, con una proposta significativa per la città: a partire dal 31 maggio 2018, presso Sala Dogana a Palazzo Ducale, sarà visitabile la suggestiva mostra Vanitas, parte della quarta edizione della rassegna, che quest’anno, prima di fare tappa nello storico capoluogo ligure, ha toccato città quali Chicago, Kansas City, Windohek e Copenaghen.
 
La mostra nasce con la volontà di indagare le rappresentazioni contemporanee dell’iconografia della caducità, attraverso molteplici piani di lettura: la fragilità dell’essere umano – storicamente oggetto iconografico in tempo di guerra – hanno trovato espressione anticamente nel Memento Mori romano, e poi nella simbologia della Vanitas, alle porte della sanguinosa guerra dei trent’anni. Il XVII secolo è stato l’apice di questa produzione artistica, creando una costellazione di simboli della caducità e dell’impermanenza, quali candele spente, teschi, nature morte. La fragilità dell’esistenza diventa, quindi, un medium per comunicare i pericoli e la tragedia della guerra, ma in un’ottica né violenta, né aggressiva, bensì mistica e riflessiva.
Genova nello stesso secolo stava vivendo l’apice della sua floridità (el siglo de los genoveses) che terminerà, di fatto, con il bombardamento della superba ad opera della marina francese, con i civili che saranno vittime e obiettivi in prima persona del conflitto, in una dimensione terribilmente simile ai conflitti moderni.
La guerra, le sue tragedie e le riflessioni che hanno suggerito all’essere umano sono al centro di questa mostra, che utilizza il medium dell’arte contemporanea per comunicare alle nuove generazioni che cosa abbia significato il conflitto nel passato e cosa significhi ancora ai giorni nostri.
Nel contemporaneo, momento di transizione non privo di violenza, la rappresentazione della fragilità ci restituisce nuovi significati grazie alle opere di artisti internazionali: opere pittoriche, video e installative che si rifanno ad un immaginario fortemente ancorato nella memoria collettiva, esplorando simboli antichi in chiave attuale.
La fugacità dell’esistenza umana, trova dunque nuove rappresentazioni nei materiali di volta in volta impalpabili o pesanti, nei linguaggi intangibili o concreti che la mostra propone, invitando ad una riflessione suggestiva e simbolica sui concetti di memoria e di ricostruzione identitaria (evidenziati anche dal gesto della cancellazione, dalla polvere, dal lento dilavarsi dei contorni).
 
La mostra si avvale della collaborazione dell’associazione Riprendiamoci Genova, e si svolge con il patrocinio della città di Genova e dell’Unesco.
 
In mostra, opere di:
Nathalie Vanheule (Belgio) Lorenzo Bordonaro (Italia-Portogallo), Coral Woodbury (Stati Uniti), Carola Minicleri (Italia), Boris Beja (Slovenia), Juan Alberto Negroni (Portorico), Angela Loydd (UK), Cosima Montevoci (Italia).
 
Per il vernissage, un aperitivo primaverile e il racconto dell’esperienza degli artisti, giovedì 31 maggio alle ore 18.30 presso la Sala Dogana

10 – 27 maggio 2018
Sala Dogana

 
ingresso libero

I risultati delle ricerche personali degli studenti dell’Accademia Ligustica di Belle Arti presentati a conclusione del percorso di formazione triennale o biennale. Un approdo necessario per guardare il viaggio intrapreso e poi ripartire. Uno spaccato della realtà accademica caratterizzata da una molteplicità di possibili percorsi e differenti ambiti di sperimentazione e ricerca.
 
The results of the personal research of the students of the Accademia Ligustica di Belle Arti presented at the end of the first and second cycle degree courses. A landfall necessary to look at the journey undertaken, and then starts again. A cross-section of the academic studies characterized by a multiplicity of possible paths and different areas of experimentation and research.

19 aprile – 6 maggio 2018
Sala Dogana

Esposizione temporanea/live performances
a cura di Francesco Corica
 
Orario: ore 15-20
 
ingresso libero

Light and Video installations: Maya Zignone
Soundscapes: Francesco Corica
Esposizione fotografica a cura Francesco Bartoli Avveduti
 
Live Acts:
>>> Giovedì 19 Aprile
[inaugurazione - opening]
ore 21:00 – 00:00
*Franco (live set)
oversize / code war
 
>>> Sabato 5 Maggio
[finissage]
ore 21:00 – 00:00
*Mach0 (live set)
code war
*Full Ashtray (live set)
[ Franco & Lo.vee]
oversize / code war
 
Dal 19 aprile al 6 di maggio, CODE WAR presenta l’esposizione temporanea CODE WAR meets CODE WAR per la prima volta a Sala Dogana.
 
CODE WAR è un progetto artistico locale legato allo sviluppo della cultura urbana: reinterpretiamo situazioni e porzioni del territorio per definire nuove forme di arte e intrattenimento sociale. La mostra è una celebrazione del lavoro svolto all’Ex Ospedale Psichiatrico di Quarto ed è frutto del nostro disperato bisogno di ripartire: ripartire da noi, dalla nostra cultura e dal nostro modo di esplorare la realtà nell’era dei new media.
 
CODE WAR meets CODE WAR è un contenitore dinamico di performance musicali, interventi artistici e installativi in una dimensione in cui spazi, luci e suoni favoriscono l’interazione tra i partecipanti e ci spingono a riflettere sui significati nascosti delle realtà in cui siamo coinvolti e sul valore delle nostre azioni.
 
>>> PROGRAMMA
Maya Zignone presenta tre installazioni al neon, l’installazione video Where are you ed un’installazione sonora. Quest’ultima è la fonte da cui si irradia il soundscape elettronico realizzato da Francesco Corica.
 
La luce diventa strumento compositivo in grado di inventare mondi nuovi carichi di tensione e di energia, che trovano nel confronto con lo spettatore una sorta di legame esperienziale tra uomo e spazio. Pensieri e sensi si confrontano con la luce, il buio, i suoni e con uno spazio appena percepito, un luogo-non luogo in continua definizione, in cui addentrarsi solo dopo aver superato il senso di straniamento. Una sorta di simbiosi visuale e concettuale. Osservazione e ricerca sono alla base del suo lavoro, all’interno del quale realizza sempre differenti e più narrazioni che riportano alle dinamiche di un sistema disinteressato alla persona, al rapporto con l’altro e con l’industria della cultura, al confronto con una società schizofrenica.
 
L’esposizione prevede la realizzazione di due performances musicali: i live-set prenderanno luogo all’interno della sala, rispettivamente il giorno dell’inaugurazione Giovedì 19 Aprile e della chiusura Sabato 5 Maggio; a partire dalle ore 21, si esibiranno Franco, alias del curatore del progetto CODE WAR (Francesco Corica), Mach0 (Massimiliano Ciranni) e Full Ashtray, il nuovo progetto composto dal duo Franco e Lo.vee (Lorenzo Villa), entrambi dj resident del gruppo OVERSIZE.
 
Francesco Bartoli Avveduti presenta l’esposizione fotografica Breve viaggio tra le promesse fantasma. Le parole di Andrea Bàssoli e le foto di Francesco Bartoli Avveduti si intrecciano dando vita a questo quadro sulla situazione in cui versa l’Ex Ospedale Psichiatrico di Quarto.

12 – 15 aprile 2018
Sala Dogana

collettiva nell’ambito de La Storia in Piazza
 
Orario: da giovedì a domenica, ore 10-19
Live performance: gio 12.04 h21 / sab 14.04 h21.30
 
ingresso libero

La collettiva SOMMOSSE è il risultato della chiamata agli artisti e ai curatori selezionati per la programmazione 2017 di Sala Dogana, finalizzata alla realizzazione di produzioni artistiche nell’ambito della nona edizione de La Storia in Piazza, il festival principale di storia in Italia e fra i più importanti d’Europa, curato da Luciano Canfora e Franco Cardini, dedicato quest’anno al tema RIVOLUZIONI.
In relazione al tema è stata richiesta un’azione artistica di interpretazione in tutte le sue possibili forme e saranno 11 i progetti artistici di altrettanti autori proposti negli spazi di Sala Dogana, nell’ambito degli eventi de La Storia in Piazza che propone anche quest’anno un fitto programma di lezioni, incontri e conferenze, laboratori, mostre, spettacoli e presentazioni.
Per tutto il periodo de La Storia, in sala Dogana saranno esposte fotografie, illustrazioni, tele, installazioni, video di: Matteo Castiglioni per Forevergreen.fm, Fulvio Ioan, Silvia Mazzella, Melkio, Niccolò Pizzorno, Stefano Pulcini, Chiara Scabini, Alessio Ursida.
Oltre al programma espositivo, l’appuntamento con La Storia in Dogana offre due serate di improvvisazione musicale e performance audio video.
 
Giovedì 12.04 | ore 21
‘STAZIONE FINLANDIA’
improvvisazione elettronica di NOS, racconti per oggetti di Dollworld, visual di Gianriccardo Scheri, grafiche di Stefano Roffo | a cura di Duplex Ride
 
Sabato 14.04 | ore 21.30
‘SILENCIO’
performance video musicale di Andrea Vescovi e Stefano Baldini | a cura di Tommaso Vergano
 
@@@ Artista ospite da Berlino il fotografo YURI SEGALERBA con il reportage:
I popoli non dovrebbero aver paura dei propri governi: sono i governi che dovrebbero aver paura dei popoli – Rio de Janeiro, 30 giugno 2013
 
Matteo Castiglioni per Forevergreen.fm
Matteo Castiglioni (9/5/1993), studente del biennio del corso di musica elettronica del Conservatorio di Milano, si dedica alla ricerca sonora, visiva e audiovisiva.
Legato in modo particolare al filone dell’arte generativa e net-art, dal 2015 a oggi progetta installazioni e opere site specific (tra gli altri) per il palazzo Litta, lo spazio Cobianchi e palazzo Reale a Milano. I suoi ultimi lavori, presentati in occasione della mostra “Your common sense well” alla Camera Oscura di Milano a marzo 2018 si concentrano sull’utilizzo della rete come fonte di informazioni con le quali generare materiali in continuo equilibrio tra realtà e finzione.
Con il duo musicale t.e.s.o. pubblica, tra il 2014 e oggi, quattro album, in parallelo all’attività discografica il duo produce diversi concerti audiovisivi.
Nel 2014 fonda insieme ad altri studenti del conservatorio la laptop Orchestra “1h20nein” con cui produce diversi concerti audiovisivi tra cui un progetto per il conservatorio di Birmingham, il museo del ‘900, la Triennale, l’Auditorium San Fedele e la Fabbrica del Vapore di Milano.
In parallelo a queste attività produce le video-scenografie per le opere liriche “Elisir D’amore” (2017), “Alfred Alfred” (in collaborazione con l’accademia di Brera) (2016), “Amor y odio” (2016), “Cantor Caffè” (2016) e “Shakespeare ‘900” (2017).
Forevergreen.fm è un’impresa culturale creativa nata a Genova nel 2010 con lo scopo di progettare e produrre eventi culturali di musica elettronica con una mirata vocazione di valorizzazione del patrimonio artistico-storico e di rigenerazione urbana.
Electropark è il progetto principale, dal 2012 a Genova sotto la forma di festival di musica elettronica e arti visive in spazi non convenzionali per la musica come musei, teatri, mercati, chiese, sale espositive, e dal 2015 anche a Milano al Teatro Franco Parenti con una rassegna di musica elettronica internazionale per un pubblico seduto.
Forevergreen.fm ha organizzato fino al 2014 il Forevergreen Festival, evento itinerante di musica elettronica in diverse cascine lombarde con lo scopo di avvicinare la musica e l’arte nei processi di riqualificazione degli spazi rurali urbani.
Attualmente Forevergreen.fm gestisce anche una linea di produzione digitale che promuove giovani artisti e producer emergenti del panorama italiano ed è impegnata con amministrazioni pubbliche e altri soggetti operanti sul territorio per divulgare buone pratiche nella progettazione e stimolare processi di rigenerazione culturale.
 
Fulvio Ioan
Artista e ricercatore indipendente, ha conseguito due Lauree specialistiche all’Accademia Ligustica di Genova in Pittura e Decorazione (2012-2015), per anni è stato allievo ed assistente del Maestro Xilografo Giovanni Berio Ligustro.
Da più di dieci anni, pratica la calcografia e la xilografia su carta e su stoffa, dipinge e lavora per la spontaneità e sincerità dell’immagine. Il suo lavoro si pone come un tentativo di rinascita dal buio (sociale e culturale); come espressione intima e personale, volta a riaffermare un’identità di bellezza. Esegue studi e ricerche, scrive articoli sull’arte e sull’analisi dell’immagine, partecipa a simposi e conferenze.
Ha insegnato all’Accademia di Belle Arti di Sanremo e collabora con l’Accademia di Belle Arti di
Genova. Intrattiene contatti e lavora con artisti e studiosi in Italia e nel mondo.
Ha partecipato ad alcune mostre tra cui: Sala Dogana a Palazzo Ducale, Genova; Archivio centrale dello Stato, Roma EUR; Fuxian exlibiris society Shanghai, Cina; Mieska biblioteka publiczna w gliwicach, Gliwice, Polonia; Palazzo Sturm, Museo Remondini, Bassano del Grappa, Italia; MaCN museo di arte contemporanea e del novecento Villa Renatico Martini, Mossumano Terme; Raccolta civica fondazione Bertarelli, Milano.
Parte della sua produzione fa parte di collezioni private nazionali ed internazionali.
 
Silvia Mazzella
Nasce a Genova l’8 ottobre 1993.
Frequenta il liceo artistico Paul Klee di Genova e si avvicina al mondo della pittura e del disegno. Continua gli studi presso lo IED di Milano laureandosi in fotografia nel 2015.
Frequenta un anno del biennio di scenografia presso l’Accademia Ligustica di Belle Arti di Genova e da ottobre 2016 inizia il master di alta formazione dell’immagine contemporanea presso la Fondazione fotografia Modena.
Il suo lavoro fotografico è incentrato sulla figura della Donna, utilizzando come base la fotografia e applicando poi varie tecniche e mezzi come la scrittura, la pittura e il disegno.
 
Melkio
Io, Melkio, Cantastorie un pò clown.
Nel disegno sono, non somiglio.
Luca Melchionda, Genova 1984 è da sempre e per tutti Melkio.
Lo stile, sia nel disegno che nella scrittura, è riconoscibile: pochi dettagli, oggetti semplici, sintesi e un immaginario magico, riflessivo ma con chiari accenti al mondo infantile.
“C’è un genere di creatività innocente, bambinesca (nell’accezione positiva del termine ovvero nel suo essere priva del pregiudizio tipico dell’età adulta) nell’approccio artistico di Luca Melchionda.
Melkio, come io l’ho conosciuto e come viene da tutti chiamato, non si muove all’interno di confini definiti, sia dal punto di vista della tecnica che del mezzo narrativo. Disegno, poesia, racconto, fotografia: ecco perché più che di arte parliamo di “mondo”, ossia di un luogo immaginario in cui Luca trova sé stesso, lasciando fluire liberamente idee, parole e visioni.”
picamemag.com
 
Niccolò Pizzorno
Nasce a Tiglieto nel 1983. Si occupa di illustrazione e tecniche calcografiche: acquaforte, acquatinta,puntasecca.
A Genova dal ‘95 si laurea all’Accademia Ligustica di Belle Arti e frequenta la Scuola Chiavarese del Fumetto. Illustra vari volumi per la casa editrice I Buoni Cugini Editori, in particolare la collana Luigi Natoli pubblica con la stessa casa editrice la Graphic Novel ‘UN MONDO NUOVO’,ambientata interamente a Genova. Insieme con un gruppo di artisti di diverse discipline crea il collettivo PLUR col quale organizza eventi a carattere sociale, agendo prevalentemente sulle periferie cittadine.
 
Stefano Pulcini
Nasce a Genova nel 1993. Si diploma all’istituto tecnico Vittorio Emanuele II-J. Ruffini come grafico pubblicitario scoprendo la passione per l’arte e la fotografia. Frequenta il corso di Graphic Design all’Accademia Ligustica di Belle Arti di Genova, dove segue il corso di fotografia analogica e digitale tenuto da Alberto Terrile, diplomandosi con la votazione di 110/110 e lode.
Nel 2016 lavora come grafico/videomaker/fotografo per Goa-Boa Festival. Nello stesso anno fa
uno stage al TStudio di Timothy Costa. Dal 2016 è attivo come videomaker e fotografo freelance e lavora con band musicali come exotago, l’ultimodeimieicani e altre realtà genovesi. Collabora anche come videomaker/grafico/fotografo per Yury Magazine.
Nel 2017 realizza una mostra fotografica e di installazioni sull’esperienza californiana dal titolo
“Land of Pleasure” presso Sala Dogana a Palazzo Ducale.
 
Chiara Scabini
Nasce a Genova nel 1992. Dopo essersi diplomata al liceo scientifico Enrico Fermi, frequenta l’Accademia di Belle Arti di Genova dove arricchisce la sua passione per la fotografia, l’arte e scopre l’illustrazione digitale. In particolare, segue i corsi di fotografia digitale e analogica tenuti da Alberto Terrile, approfondendo uno stile documentaristico e di diario personale.
Durante il periodo universitario va in Erasmus a Madrid dove frequenta l’Escuela de Diseno
Superior per 5 mesi.
Dopo la laurea, si trasferisce a Londra per 4 mesi e, in seguito, compie un viaggio di 3 mesi in
California. Tornata in Italia si trasferisce a Milano dove inizia a lavorare come grafica e fotografa per l’agenzia di comunicazione Cup Studio e come illustratrice per Alessandro Enriquez, stilista del brand di abbigliamento Italian Theory.
Nel 2017 realizza una mostra fotografica e di installazioni presso Sala Dogana a Palazzo
Ducale di Genova dal titolo “Land of Pleasure” sull’esperienza in California.
In seguito vince un bando che le permette precedentemente di seguire un corso di Marketing
Culturale presso la LUISS di Roma e dopo produce un’esperienza lavorativa nell’ambito della comunicazione presso Palazzo Reale di Genova.
 
Alessio Ursida
Nasce a Genova nel giugno 1994. Nel 2010 diventa fotografo ufficiale dei Concerti di musica barocca Musica e Cultura San Torpete. Nel 2012 collabora con il Comitato Unicef di Genova, illustrando con i suoi scatti il volume “La bellezza rimane”, diffuso in tutta Italia. Inizia un percorso di collaborazione con l’Associazione di volontariato Massoero 2000 Onlus e con la rivista Blu Liguria Sagep. Fotografa volentieri gli amici: un suo scatto diventa la copertina del cd “Per Gaber” di Giampiero Alloisio. Sempre nello stesso anno, illustra il Calendario “Volti della Medina genovese”. Nel 2013, dopo aver pubblicato alcuni articoli sul Secolo XIX, accompagna con le sue immagini la mostra “Vico del Sapor Perfetto” a Palazzo della Borsa, un excursus gastronomico sui sapori della Liguria.
A febbraio 2014 tiene, come docente, corsi di fotografia presso la sua vecchia scuola media. Allestisce una mostra al Coro delle Vigne intitolata “Andata e Ritorno”, si tratta di una articolata serie di scatti che realizza durante gli spostamenti in treno ed in autobus.
A settembre, dopo aver passato le selezioni, partecipa al programma televisivo “Scattastorie” in onda su Real Time, patrocinato da Samsung Italia. Partecipa alla mostra fotografica realizzata all’Expo’ Gate di Milano di Samsung. Nel frattempo, frequenta l’Istituto Italiano di Fotografia a Milano. A gennaio 2015, il suo volto ed i suoi scatti scorrono sulle pareti del Duomo di Milano con le immagini del reportage di Haiti.
Tra giugno 2015 e febbraio 2016 espone la mostra fotografica ‘GLI OCCHI DELLA SPERANZA – impressioni da Haiti’ allo spazio VISIVA a Roma, a Milano presso il Samsung District, presso Arte Fiera Internazionale di Bologna, in Sala Dogana a Palazzo Ducale di Genova.
 
NOS
“Continuavo a udire attorno a me un gran rumore, un rumore composto da molti suoni,
probabilmente il rumore del vecchio mondo che andava in frantumi”
A. Blok – 1918
Da questa frase del poeta russo Aleksandr Blok, ricavano ispirazione sonora i NOS (Marco Cacciamani, Claudio Ferrari e Riccardo Canessa) che, tra le rispettive diverse passioni artistiche, qui condividono quella che hanno in comune: la musica elettronica.
Essenzialmente improvvisate, le loro performances sono integrate con videoproiezioni curate da Gianriccardo Scheri ed aperte ad interventi di ospiti. Si definiscono un gruppo d’improvvisazione elettrotecnica, i cui diversi incontri in studio e i concerti dal novembre 2008
hanno finora fruttato 3 CD autoprodotti.
Angela Mambelli, video performer dal 1999 nell’ambito del gruppo Fludd, da anni, continuando la collaborazione storica, porta avanti un progetto personale con la sigla “Dollworld”. I suoi piccoli ambienti, ricostruiti con una minuzia che non cade mai nella trappola modellistica, e “arredati” in scena, sotto l’occhio di una microcamera, evocano epoche e situazioni, con un effetto straniante dovuto alla proiezione su monitor e schermi che falsa il rapporto tra uomo e oggetto.
Duplex Ride
L’Associazione Culturale Duplex Ride si è costituita nel 2010 attorno ad un nucleo di operatori artistici, attivi nei settori della musica elettronica e dell’immagine digitale, per mettere in
comune le proprie esperienze ed espandere l’area creativa in cui agiscono, per contribuire allo sviluppo culturale del territorio.
Duplex Ride è un’associazione culturale interessata ad ogni forma d’arte, che organizza principalmente eventi di musica elettronica e videoproiezione. Duplex Ride è un’idea in movimento, è arte collettiva, è ricerca elettronica, è sperimentazione in tutte le sue forme, dalla pittura, alla fotografia, alla scrittura.

 
Andrea Vescovi e Stefano Baldini, nati a Savona, frequentano rispettivamente l’accademia Naba di Milano e il Dams di Bologna. La loro passione per la musica e per l’utilizzo del video come mezzo di comunicazione principale li ha uniti nel progetto artistico Silencio. La loro ricerca, che viene portata avanti unitamente al percorso di studi, li ha portati a sviluppare un’identità artistica forte, esteticamente elaborata e allo stesso tempo ricca di contenuti e citazioni. Poter frequentare università e spazi stimolanti come Dams e Naba gli ha permesso
di confrontarsi con pareri autorevoli e personalità influenti del mondo dell’arte e dell’insegnamento. Silencio è la sintesi, parziale, della loro esperienza.
 
Yuri Segalerba
Genovese trasferitosi a Berlino, trascinato dalla sua passione per zone industriali abbandonate, si occupa di fotografia dal 2009. L’interesse per architettura, archeologia industriale, sociologia e per le minoranze culturali gli danno ispirazione per scegliere le mete dei suoi viaggi, nei quali si avventura per i più reconditi luoghi del pianeta documentando differenti situazioni sociali. Le sue foto sono caratterizzate da simmetrie, forme geometriche e prospettive centrali che tendono ad appiattire il soggetto, dando una sensazione di bidimensionalismo dello stesso. My Point of view è il suo blog fotografico.

Network of Cities for artistic creation
 
21 marzo 2018, ore 18
Sala del Munizioniere

La Commissione Europea ha deciso di proseguire il finanziamento del progetto CreArt Network delle città europee per la produzione artistica, capofilato dal Comune di Valladolid.
Il nuovo progetto CreArt si svilupperà tra il 2017 e il 2021, in continuità con il percorso precedente che ha già visto impegnata Genova come città partner dal 2009.
 
Queste le città coinvolte nel nuovo partenariato:
1. Fundación Municipal de Cultura. Ayuntamiento de Valladolid (España) (Coordinatore)
2. Comune di Genova (Municipality of Genova) (Genova –IT)
3. Hrvatsko Drustvo Likovnih Umjetnika (Croatian Association of Artists) (Zagreb – HR)
4. Mairie Clermont Ferrand (Municipality of Clermont – Ferrand) (Clermont-Ferrand – FR)
5. Katowice – Miasto Na Prawach Powiatu (Municipality of Katowice) (Katowice-PL)
6. Ville de Rouen (Municipality of Rouen) (Rouen-FR)
7. Gmina Lublin (Municipality of Lublin) (Lublin-PL)
8. City of Skopje (Municipality of Skopje) (Skopje-MK)
9. Città di Lecce – Comune di Lecce (Municipality of Lecce) (Lecce-IT)
10. Liverpool City Council (Liverpool – UK)
11. Vsl Artkomas (Kaunas – LT)
12. Camara Municipal de Aveiro (Aveiro –PT)
 
OBIETTIVI
1. Proseguire le attività di mobilità transnazionale, scambi culturali e esperienze di lavoro congiunte tra gli operatori dei settori creativi e culturali
2. Sviluppare le opportunità di formazione e professionalizzazione: residenze per artisti, workshops, seminari, conferenze, incontri, …
3. Promuovere l’introduzione della creatività nei percorsi scolastici quale competenza necessaria per lo sviluppo personale attraverso lo sviluppo di programmi specifici
4. Sfruttare gli strumenti tecnologici per comunicare, disseminare e scambiare la creatività e le idee per il management culturale, a partire dal website di CreArt e della nuova piattaforma dedicata ad idee e progetti.
5. Lavorare affinché nelle diverse città della rete la Giornata Europea per la Creatività Artistica e le mostre europee itineranti entrino a far parte della programmazione culturale annuale.
6. Ricercare e promuovere le buone pratiche che testimonino il ruolo della cultura come leva per lo sviluppo
7. Contribuire allo sviluppo dello stato sociale degli artisti, come previsto dalla Proposta di Decisione del Parlamento Europeo (2006/2249)
 
ATTIVITA’
3 Mostre europee itineranti
Ogni anno verrà organizzata una mostra collettiva che sarà esposta in periodi successivi in 3 città della rete. Alla mostra prenderanno parte artisti di tutte le città partner, selezionati da un curatore Europeo, anch’esso scelto tra una rosa di curatori proposti dai partner. Ipotesi di calendario:
2018: Valladolid (maggio/giugno) – Liverpool (luglio/agosto) – Lublin (settembre/ottobre)
2019: Lecce – Zagreb – Clermont-Ferrand
2020: Genoa – Skopje – Aveiro
 
4 Dual Exhibition
Un curatore e un artista locale, selezionati dal partner ospite, lavoreranno insieme ad un artista di un’altra città partner alla realizzazione di una mostra.
2018 e 2020: Rouen
2018 e 2021: Katowice
2019 e 2020: Valladolid
2019 e 2021: Kaunas
2021: Zagabria
 
6 Residenze artistiche
Ogni città ospite emetterà un bando per la selezione di artisti delle città partner che, supportati da un tutor/curatore, potranno sviluppare il proprio progetto artistico durante la residenza. La residenza terminerà con una mostra finale delle opere realizzate.
 
dicembre 2017, 2018, 2019 e 2020 Linz
novembre 2017, 2018, 2019 e 2020 Valladolid
settembre/ottobre 2017, 2018, 2019 e 2020 Kaunas
2018, 2019, 2020 e 2021 Skopje
2017, 2018, 2019 e 2020 Liverpool
2018, 2019, 2020 e 2021 Porto
 
5 Workshop rivolti ad artisti e 5 seminari rivolti a curatori
Workshop e seminari saranno curati da artisti di fama internazionale e dureranno 3/5 giorni. Almeno un artista/curatore per ognuna delle città partner potrà prendervi parte.
Workshop:
gennaio 2018: Lublin
dicembre 2018: Zagreb
2019: Valladolid
2020: Lecce
2021: Clermont-Ferrand
 
Seminari:
febbraio 2018: Aveiro / Cosa significa curare una mostra? Esperienze e consigli fondamentali
2018 Genova / Buone pratiche di curatela in Europa
2019 Skopje / Le gallerie d’arte e il loro lavoro con gli artisti locali
2020 Rouen / Altri spazi per l’arte nelle città della rete. Nuove forme di curatela
2021 Lecce / Nuove tematiche, nuove curatele
 
5 Incontri e 6 conferenze
Relatori di fama internazionale verranno invitati a confrontarsi su tematiche legate alle professioni artistiche e creative.
 
Attività locali annuali in tutte le partner:
- eventi collegati al 21 marzo Giornata Europea della creatività
- seminari locali
- bandi legati al tema della street art
 
WEBSITES DEL PROGETTO
www.creart-eu.org
www.europeandayofartisticcreativity.org
 
SOCIAL MEDIA
www.facebook.com/CreArtRedCiudadesCreacionArtistica
www.facebook.com/CreArtNetworkCitiesArtisticCreation
www.facebook.com/EuropeanDayArtisticCreativity

https://twitter.com/Creart_es

- ore 18:00 – Quinta Pelle

installazione e performance di Boccardo-Marrapodi-Orlacchio. Un progetto di contaminazione tra architettura e coreografia dei corpi. A partire dalla propria pelle, passando per abiti e pareti, si interagisce con il proprio ambiente, con l’alterità. Grazie alla permeabilità di questi confini a differente scala si apprende il rispetto dell’identità intima ed ecologica, intesa come vissuto sia partecipativo che corale. Concept: S. Boccardo, N. Marrapodi, R. Orlacchio \ Installazione: Stefano Boccardo \ Coreografia e Interpretazione: Nicola Marrapodi – Roberto Orlacchio \ Costumi: Matteo Brizio

ore 18.45 – Street art, legalità e regolamentazione conferenza e dibattito tra alcuni operatori culturali attivi nella trasformazione della scena street-artistica nazionale

Intervengono
- dott. Cesare Torre – Direzione Marketing territoriale, Promozione della città e Attività culturali – Comune di Genova
- dott.ssa Valeria Mazzesi – Responsabile U.O. Qualificazione e Politiche Giovanili – Comune di Ravenna. City walls: prospettive di rigenerazione creativa
- Chekos, Ania K e Davide PDA, Associazione 167/B Street, Lecce
- avv. Domenico Frode – writer e avvocato libero professionista – Milano
- Davide Allegretti – curatore Walk the Line – Genova
Modera arch. Emanuela Caronti, Associazione Linkinart / Walk the Line

ore 20.15 – presentazione video Walk the Line e vol. 1 della sonorizzazione del progetto, curata e prodotta dal collettivo Magellano

Segue aperitivo e dj set di Filo Q

Boccardo-Marrapodi-Orlacchio
QUINTA PELLE
Installazione e Performance

QUINTA PELLE è un progetto di contaminazione tra architettura e coreografia dei corpi.
Le pelli in oggetto sono quelle tra le quali passiamo la nostra quotidianità e che definiscono gli strati del nostro vissuto, così come definito dall’artista viennese F. Hundertwasser.
A partire dalla propria pelle, passando per abiti e pareti, si interagisce con il proprio ambiente ed intorno. Ed è proprio grazie alla permeabilità di questi confini a differente scala che si
conosce ed apprende il rispetto dell’identità intima e sociale e dell’ecologia, intesa come vissuto corale e partecipativo della nostra esistenza.
L’ecologia è visione, e quindi Teatro: una prospettiva rigenerante e nuova chiave di lettura per l’identità del corpo. In riferimento al pensiero del filosofo H. Schmitz, difatti, la ricerca del
proprio asse non è data solo dall’interiorità propria, ma a cavallo della carne e dell’atmosfera, tra le sostanze percettive, percepibili e impercettibili, tra il pudore e lo stupore.
Se Schmitz parlando di sentimento atmosferico muoveva una critica filosofica al riduzionismo razionalista, Hundertwasser esaltava curve e sentimento architettonico nelle proprie opere, in
contrasto all’asetticità della linea retta del Bauhaus, aprendo una nuova frontiera creativa ispirata all’armonia con l’ambiente e la natura.
 
QUINTA PELLE è dunque un discorso performativo plurale, rivolto agli spazi della persona, del Me che abito, che si affaccia al mondo.
La performance è concepita come un dialogo non riduzionista tra i luoghi, del proprio corpo e del corpo altrui, del proprio abitare e dell’abitare altro; protagonista è una struttura mobile e
variabile nella sua composizione, ideata dall’architetto Stefano Boccardo, attraverso la quale si sviluppa un duo corporeo – Marrapodi-Orlacchio – che prende in considerazione cinque
pareti coreografiche e percettive – pelle (la natura dell’uomo), abito (status), casa (il mio intorno) , ambiente (identità), ecologia (il mondo e chi vi abita).
Corpi e struttura diventano ponte tra il dentro e il fuori, gioco di integrazione e alternanza fluida tra pensiero e movimento, concetto e sentimento.
L’idea di collocare la struttura in un determinato luogo, parla già di un gioco di luoghi-neiluoghi, a strati – il corpo proprio, i corpi altri, il luogo prossimo, il luogo esterno, il luogo oltre – come pelle/i necessaria/e, di confine e di connessione, mai violabile/i ma sempre pudicamente da indagare e conoscere.
 
La performance spazia quindi tra public art e danza contemporanea / teatro danza, diventando performance site-specific in ogni sua rappresentazione, data la comunicabilità presente del
luogo prescelto, il luogo della struttura, il luogo tra i corpi dei performers.
Ragione della Quinta Pelle è quindi la presenza del pubblico spettatore, che assiste all’illustrazione simbolica della chiave di lettura ecologica e comunicativa di una possibile visione quotidiana.

15 marzo – 1 aprile 2018
Sala Dogana

progetto artistico di Fabio Tasso
 
Inaugurazione 15 marzo, ore 18
 
Orario: dal martedì alla domenica ore 15-20
 
ingresso libero

“Se ascolto dimentico, se vedo ricordo, se faccio capisco” – Confucio
 
“Negativo in positivo” è l’estensione di un evento espositivo, iniziato a San Francisco nel 2017, che prende spunto proprio dal pensiero confuciano. È un momento che unisce la tradizionale mostra d’arte all’esperienza attiva che si può fare in un museo delle scienze. Saranno presenti sculture, disegni e molto altro, il tutto realizzato attraverso processi che prevedono l’utilizzo di sistemi produttivi. Durante il talk con il quale verrà inaugurata la mostra – ma anche durante il suo intero svolgimento – sarà possibile osservare e provare di prima persona i “macchinari” creati dall’artista. Chi visita questa mostra, invece di limitarsi al guardare, potrà anche comprendere ciò che è esposto attraverso la pratica. “Negativo in positivo” offre un momento di piacere a tutti, grandi e piccoli, attraverso una fruizione attiva. L’esposizione è basata sul rapporto tra pieno e vuoto ed ha indubbiamente un’impronta di tipo filosofico e orientale. Il titolo stesso “negativo in positivo”, oltre al riferimento topologico, allude ad una sfumatura psicologica. Arte, scienza, filosofia, psicologia e oriente sono gli stimoli che l’osservatore potrà ricevere. Tutti questi temi in delle opere che, non raffigurando nulla se non lo spazio stesso, sono adatte a qualsiasi tipo di pubblico.
 
Il Pensiero
Fabio Tasso studia la Scultura adoperando dei macchinari auto costruiti con elementi a basso costo. Ciò che li accomuna è l’utilizzo dell’aria, soffiata od aspirata. Questa, modellando una membrana, trasforma molteplici oggetti in un corpo unico.
Producendo come un’industria, queste macchine lasciano nel mondo dei “residui”, le sculture. Anche se la necessità che ha portato alla creazione di questo sistema è unica, ciò che lo scultore fa potrebbe essere fatto da chiunque: non ci sono la sua “mano” e le sue emozioni. L’artista si ispira alle sculture preistoriche che, restando spesso a noi incomprensibili a causa della lontananza culturale e temporale, restano solo delle forme perfette, realizzate con il materiale, la tecnologia e la sensibilità dell’epoca. Chi sia lo scultore non è importante. Questo è quello che Tasso cerca di fare: sculture anonime ma universali, realizzate con i materiali di adesso, che studino lo spazio, la forma e il rapporto che il nostro corpo ha con questi. Per questo motivo le sue opere non hanno titoli, ma solo codici di catalogazione con celate tutte le informazioni sulla scultura. Senza di lui, unico detentore delle chiavi per leggerli, per codificarli bisognerà cercare e ipotizzare, come in un processo di indagine archeologica.
 
L’Artista
Fabio Tasso nasce a Savona nel 1990. Il suo percorso artistico incomincia con la frequentazione dell’artigianato ceramico ad Albisola. La svolta definitiva la compie frequentando l’Accademia di Belle Arti di Genova, dove si immerge completamente nel mondo della Scultura. Durante gli studi, nel 2012, vive ed insegna in Nepal nel monastero buddhista Neydo Tashi Choling. Lì ha modo di studiare ciò che in realtà ha scoperto essere sempre stato il centro della sua ricerca: il vuoto ed il rapporto che questo ha con il pieno, con la materia.
Dopo il diploma a Genova si trasferisce a Carrara, dove completa gli studi e dove sviluppa i suoi macchinari. Vincitore di numerosi concorsi, partecipa a simposi di scultura, residenze artistiche e avvia la sua attività artistica tra Europa e Stati Uniti.
Dal 2015 è stato professore presso l’Accademia Ligustica, insegnando Disegno del Nudo e Anatomia Artistica.
 
info Fabio Tasso
Website www.fabiotasso.com
Instagram @fabiotasso_sculpture
Facebook @fabiotasso_sculpture
Youtube Fabio Tasso – sculpturey

22 febbraio – 11 marzo 2018
Sala Dogana

progetto di LABADANzky
 
Inaugurazione 22 febbraio, ore 18
 
Orario: mar-dom, ore 15-20
 
ingresso libero

Utensili dalle fattezze bioidi, veri e propri compendi di coscienza cinematica che vanno serenamente deambulando per le metropoli, diavolerie a trazione concettuale: tale la forma che ha di recente assunto il complesso repertorio espressivo (riconducibile alla Street Art tanto quanto a dinamiche del Relazionale) recante la firma LABADANzky.
Questa volta, esercitando una metonimia tra lo spazio di Sala Dogana e la città medesima, ci si deve rappresentare l’ambiente espositivo in questione come il luogo dove tutto ebbe inizio: punto d’origine dell’utopia meccanica LABADANzky, sorta di luddismo rovesciato in adiecto. Asilo appartato in cui stremati pionieri meccanici si ritirano in cerca di conforto, concedendosi vizi ed amenità normalmente non riservate agli oggetti; inestimabile limbo di ristoro per automi bellicosi e nondimeno malinconici, giusto il tempo che la mostra in quanto tale si dipani – appena prima di correre a immolarsi nel nome di nuova, incomprensibile causa.
 
*LABADANzky – feb.2018 – Courtesy of Aboutness Gallery

1 – 18 febbraio 2018
Sala Dogana

progetto di Ludovica Virginia Roncallo
a cura di Elena Guarnieri
 
Inaugurazione 1 febbraio, ore 18
 
Orario: mar-dom, ore 15-20
 
ingresso libero

Giovedì 1 febbraio alle ore 18 in Sala Dogana a Palazzo Ducale inaugura la mostra CORPOREA, progetto espositivo di Ludovica Virginia Roncallo a cura di Elena Guarnieri.
Corporea è un viaggio attraverso la memoria, la traccia di corpi che hanno indicato un’azione, un passaggio, un tempo passato che ci viene restituito e del quale resta un segno sbiadito. È la traccia del nostro motus perpetuo, della metamorfosi e della lotta affermazione-negazione.
Dei corpi che hanno solcato quel luogo e quella materia, restano pochi segni nascosti, che solo la nostra mente può ricostruire, tassello dopo tassello. È la memoria di una presenza che si fa lentamente assenza, è la materia che col tempo si deteriora fino a smaterializzarsi in una macchia: l’impronta.
Le opere proposte sono la restituzione di un processo connesso ai luoghi, alla memoria e al legame indissolubile che unisce un corpo ad un luogo e al tempo.
Attraverso l’impiego di materiali di recupero e industriali e all’utilizzo di svariate tecniche che vanno dalla fotografia all’incisione, passando per la pittura, ci si addentra in un insieme di immagini, frutto del deterioramento di corpi, che si rivelano ai nostri occhi attraverso l’indagine e la percezione intima di chi li osserva. In una sorta di trasfigurazione che da concreta e tangibile muta in una forma più astratta e impalpabile.
Alla radice di tale ricerca si colloca l’esperienza infantile dell’artista, legata alla costante presenza dell’acqua e del fiume, quale luogo di perpetui mutamenti. Ed è proprio questo elemento terrestre che ci accoglie, attraverso la sua forza generatrice di vita, di distruzione e di continue trasformazioni, dove i corpi divengono presenza, assenza o traccia.
In questo frangente le opere ci forniscono elementi di ricostruzione e di memoria prima della totale cancellazione.
 
Ludovica Virginia Roncallo _ artista/artist
Classe 1982, dopo il conseguimento della maturità artistica si diploma in pittura presso l’Accademia Ligustica di Belle Arti di Genova, e consegue successivamente una specializzazione in didattica dell’arte presso l’Accademia di Belle Arti di Brera a Milano. Cultrice di pedagogia e antropologia focalizza la propria ricerca sul corpo residuo, ponendo l’attenzione alla relazione corpo-spazio-tempo. I soggetti analizzati si deteriorano, mutano e si dissolvono, come sottoposti ad una scansione, e lentamente la materia lascia spazio all’impronta, testimonianza unica di una presenza divenuta assenza. Gli elementi e i “corpi” utilizzati sono molteplici, a partire dal corpo stesso dell’artista fino ai solchi del terreno o agli oggetti “smarriti”. I supporti e le tecniche variano dalla pittura all’incisione, dall’installazione alla fotografia istantanea. Dopo aver compiuto diversi viaggi e progetti artistici internazionali, collaborando con associazioni ed enti statali nazionali ed internazionali, da circa tre anni vive e lavora a Genova.
She was born in 1982 and after obtaining a high school diploma in Arts she graduated in Painting at the Accademia Ligustica di Belle Arti in Genoa, and at a later time she specialized in Didactics of Art at the Accademia di Belle Arti di Brera in Milan. As a lover of pedagogy and anthropology she focused her studies on the residual body, paying close attention to the body-space-time relationship.
The analysed objects deteriorate, change and dissolve, as if they were scanned, and slowly the matter gives space to the imprint, the only proof of a presence which became absence.
The elements and “bodies” she used are several, from her own body to the furrows of the soil or “lost” objects.
The means and techniques vary from painting to engraving, from installation to snapshot.
After travelling and working on international projects, collaborating with associations, national and international public institutions, she’s been living and working in Genoa for about three years.
 
Elena Guarnieri_curatrice/curator
Classe 1980, consegue la maturità artistica al liceo Paul Klee e successivamente il diploma di pittura presso l’Accademia Ligustica di Belle Arti a cui fa seguito un master in progettazione dei costumi teatrali. Terminati gli studi, parallelamente al lavoro nel laboratorio di un noto atelier di moda genovese, inizia la sua lunga collaborazione con la galleria Il Basilisco dove, oltre al lavoro con il pubblico, cura alcune mostre, tra cui le personali di Matteo Cocci, Angelo Ibba e Salvatore Masciullo, esposizioni e fiere nazionali ed internazionali. Vive e lavora a Genova.
She was born in 1980, obtained a high school diploma at Liceo Paul Klee and at a later time she graduated in Painting at the Accademia Ligustica di Belle Arti, followed by a Master degree as a costume designer.
After finishing her studies, and at the same time working at a famous fashion house in Genoa, she started collaborating with the Gallery Il Basilisco, where in addition to her public relations, she curated several solo exhibitions, such as Matteo Cocci’s, Angelo Ibba’s and Salvatore Masciullo’s ones, national and international fairs and shows. She’s been living and working in Genoa.

11 – 28 gennaio 2018
Sala Dogana

Progetto di Giorgio Musinu
 
Inaugurazione 11 gennaio, ore 18
 
Orario: mar-dom, ore 15-20
 
ingresso libero

Giovedì 11 gennaio alle ore 18 in Sala Dogana a Palazzo Ducale inaugura la mostra MOLLOY, progetto fotografico di Giorgio Musinu.
 
“Molloy” è una storia senza Storia in cui l’osservatore è lasciato con un indizio nell’opacità del nostro mondo.
Molloy è la ricerca di un mistero, l’inseguimento di un’ossessione.
Molloy prende spunto dall’omonimo romanzo di Samuel Beckett. Di quel romanzo questo lavoro riprende le atmosfere e la sospensione del senso proprio della nostra epoca. Il dramma si svolge in una tensione congelata e destinata a divenire memoria di un evento che non avrà mai luogo.
Molloy consiste di un filmato in Super8 e una serie di autoscatti con l’ausilio di telecomandi e temporizzatori, realizzati in svariate location fatiscenti e in stato di abbandono totale. Lo spettatore è invitato a inoltrarsi in questo “mondo” surreale ed estraneo alla vita di tutti i giorni, in compagnia del medesimo personaggio e della sua cinepresa.
 
“Molloy” is a story without Narration in wich the observer is left with a hint in the opaqueness of our world. Molloy is the research of a mystery, pursuit of an obsession. Molloy is inspired by the homonym novel of Samuel Beckett. From this novel it gets the atmospheres and the
suspension of the real meaning of our days. The drama takes place in a chilled strain, doom to become memory of an event that will never happen.
Molloy consists in a shoot on a Super8 film and a series of selfportraits made using remote controls and timers in many abandoned and ruined places. The audience is invited to come in and follow this surreal world, so different from everyday life, along with the same character and his videocamera.
 
Giorgio Musinu Genova, 1990
Inizia il suo percorso fotografico studiando fotografia a Genova e frequentando attualmente il master di alta formazione sull’immagine contemporanea di Fondazione Fotografia Modena.
Le sue opere non fanno riferimento a una forma riconoscibile ma si avvicinano a una vasta scala di argomenti su più livelli. Con il rifiuto di una verità oggettiva e narrazioni culturali globali, l’interpretazione diviene personale, poliedrica e metaforica. L’autore crea opere in cui l’evento reale deve ancora avere luogo o semplicemente è terminato: momenti suggestivi di
atmosfera con il dramma che si svolge in una tensione congelata destinata a divenire memoria di un evento che non avrà mai luogo.
 
Giorgio Musinu was born in Genoa (Italy) in 1990
His works do not refer to a recognizable form but approach a wide range of topics on multiple levels. By refusing an objective truth and global cultural narratives, the interpretation becomes personal, multifaceted, and metaphorical. Evocative moments of atmosphere with the drama that takes place in a cold tension destined to become a memory of an event that will never happen.

22, 23, 29 e 30 dicembre 2017
Sala Dogana

FRACTAL #1 #2 #3 e #4
electronic nights by Duplex Ride
inizio ore 21
ingresso libero

Venerdì 22 dicembre ore 21
 
ANDROMACA
“AndromacA” (Stefano Bertoli e Antonella Suella) nasce alla fine del 2006 come progetto di lettronica/sperimentale basata sull’uso della voce soprano tipico della contemporanea e non solo
e sull’uso di softwares e macchine analogiche a sostituire l’intero impianto orchestrale.
I richiami sono sicuramente all’elettronica colta del Novecento e alla musica concreta, ma anche generi considerati “meno puri”, come l’elettronica di base industriale. Importante caratteristica è dare molto spazio a improvvisazioni o quasi improvvisazioni (su palinsesto).
 
DEBASER
La musica di Debaser si contraddistingue per una parte melodica contratta ed essenziale,
samples vocali in cui le voci si confondono in echi e riverberi fino a perdere il loro significato originale e sottofondi sonori articolati.
Le trame ritmiche si susseguono in strutture verticali in continua mutazione e, attraverso accostamenti spontanei e istintivi, le sequenze si ricompongono fino a dare unità e coesione ai brani.
Per la parte visiva Debaser si avvale della collaborazione di Guido Lotti che utilizzando immagini e video scaricati dal Web affianca e rimonta le sequenze in una sorta di assemblaggio.
I segni dispersi nella rete, come object trouvé, sono manipolati e ricomposti in differenti forme e significati.
 
NIGREDO
Nigredo è il termine latino che significa colore nero o nerezza, denota in alchimia la fase al Nero della Grande Opera, cioè il passo iniziale, il primo momento nel percorso di creazione della pietra filosofale, quello della putrefazione e decomposizione.
Allo stesso modo l’approccio del progetto musicale ricerca una propria metamorfosi evolutiva partendo dai composti umili e basilari della terra, emulando il suono del suo profondo

Sabato 23 dicembre ore 21
 
VALERIO VISCONTI
Synth analogici, noise, kick drums. Un progetto solista che guarda al futuro, e sempre alla ricerca di nuove fonti sonore. Compositore per pianoforte sin da bambino, Valerio Visconti da quasi 10 anni crea e compone anche musica elettronica.
In questo periodo ha attraversato diversi generi, mantenendo sempre una sua propria identità sonora, caratterizzata da suoni profondi, ruvidi, meccanici, ispirati prima dall’industrial e dal noise, poi dall’IDM e dall’ambient-drone.
Nel 2016 la sua ultima release per Noise Praise Records di Londra, “Blauer Regen”, un EP che ha riscontrato molto interesse nella critica d’oltremanica.
Molto ricca la sua attività live prima in Italia e poi in Inghilterra, dove insieme ad altri musicisti ha ricreato nuove colonne solore per film storici, suonandole poi dal vivo durante le proiezioni dei film in una serie di concerti, sia a Genova che a Londra.
LINKS:
http://bit.do/valeriovisconti
 
VIDEO – LIVE:
https://www.youtube.com/watch?v=Wad9HZIirm8
https://www.youtube.com/watch?v=LreiIYLVmto
https://www.youtube.com/watch?v=_3zvJ8MeSfs
 
VIDEO – PROJECTS:
https://www.youtube.com/watch?v=cERRmRfKRQ8
https://www.youtube.com/watch?v=h9fHp65RaPk
https://www.youtube.com/watch?v=VF9Qkt89u30
 
GEDRON
Gedron presenterà un live denso di sfumature e ritmi, utilizzando sia synth analogici che digitali
nonchè drums ultilizzate in presa diretta.
Il tutto impreziosito dalla voce di Patrizia Paita (da Varese). La proposta di brani si snoderà tra tematiche dark ambient e nella direzione recente di tumultose cavalcate ritmiche “techno abstract”. Alla ricerca di una “catarsi”oscura, ossessiva e rituale.
 
CULT OF TERRORISM
Cult of Terrorism è il progetto ambient/soundscape di Joshua Pettinicchio,
già frontman della band crossover/mathcore Under The Bed.
Dopo aver suonato dal vivo con artisti come Thisquietarmy, Valerio Orlandini, Lili Refrain
e Petrolio, firma con l’etichetta Diodrone e pubblica ‘Il Freddo di Quel Che Esiste’,
prima tape con il supporto di Bad Girl e Le Cose Bianche.
Armato di groovebox, campionatore e microfono, Cult of Terrorism esplora atmosfere cupe, sospese e rarefatte, aspettando che il Freddo finisca.
https://diodrone.bandcamp.com/album/il-freddo-di-quel-che-esiste

Venerdì 29 dicembre ore 21
 
MODUS
Massimo Pegoraro sviluppa in Modus un suo personale universo sonoro.
Le sue composizioni elettroniche, ricche di estrosi arrangiamenti ed avanguardia tecnica, toccano diferenti generi, dal down-tempo sinfonico alla techno aereo-spaziale, dalla Concrete Musique fino ai Garage breaks piu` implacabili. Fra techno e natura, casualita e sequencer, ritmi decisi e voci parlate!
Questo e’ sostanzialmente MODUS, classe 1981, da sempre dedito alla ricerca ed allo studio in ambito musicologico. La sua musica si muove tra differenti forme e stili, incentrati in una sorta di elettronica sacrale ed estremamente narrativa.
L’amore per gli strumenti elettronici e la curiosita` nello scoprire nuovi mondi compositivi sono le fondamenta del suo percorso sonoro che vuole riprodurre in ogni performance.
Remixato da Hieroglyphic Being nel suo “Adderf Arreug” EP su Marmo Music, Modus lancia lo scorso settembre l`album di debutto per Wo Land, “Quattro”.
 
ZSP (Davide Bruzzi e Andrea Cappellari)
Davide Bruzzi, chitarrista eclettico fra rock, progressive e psichedelia elettronica, votato all’esplorazione del linguaggio solistico e alla costante ricerca di ogni prelibatezza anticonvenzionale nel panorama musicale rock metal odierno.
Attualmente suona chitarre e tastiere per Il Segno del Comando, scrive per il Zena Soundscape Project, e in passato ha contribuito ai dischi di Egida Aurea, Ritual of Rebirth e Ballo delle castagne.
Per questa collaborazione con Duplex Ride presenterà uno spettacolo di improvvisazione e sovrancisioni fra Echoplex, chitarra 7 corde e sintetizzatore.
Alla batteria elettronica Andrea Cappellari
 
> J-GST
Il progetto J-GST è nato dalle sperimentazioni del bassista genovese Giacomo Gastaldi
nell’ ambito della musica elettronica pura, influenzato da compositori, artisti e band contemporanee, da Karlheinz Stockhausen a Merzbow, dai Sunn O))) agli Ordo Rosarius Equilibrio, dai der Blutharsch, agli Atrium Carceri, dagli Einsturzende Neubauten ai Bohren & Der Club Of Gore.
Nei brani infatti si può trovare un mix di ambientazioni tipicamente industrial, suoni e rumori acidi,
passaggi drone/dark ambient e minimalistici e inserimenti di strumenti folk come chitarre e mandolini

Sabato 30 dicembre ore 21

MASS PROD
Live set audiovisivo ispirato al suo ultimo album Earquake.
“Massprod e’ il boss della Wo Land, etichetta collegata alla Marmo Music.
Il suo album e’ un solido prodotto di industrial-techno dalle scansioni metalliche su cui giostra un synth dispettoso: lo sciolto funk di “Membrane”, le atmosfere space-filmiche di ”Loculo”, l’anfetaminica frenesia di “Cimice”, le slabbrature di “Spazio Taglio” e il successivo catafascio di “Lupi”, la ambient fluorescente di “Perdido Key”, tutto e’ decisamente molto buono, un florilegio dalle possibilità’ di applicazione del techno suono.
(dalla recensione di Stefano Isidoro Bianchi, Blow Up).
 
N.O.S.
N.O.S. e’ formato da Marco Cacciamani, Claudio Ferrari e Riccardo Canessa, che, tra le rispettive diverse passioni artistiche, qui condividono quella che hanno in comune: la musica eletttronica.
Essenzialmente improvvisate, le loro performances sono integrate con videoproiezioni curate da Gianriccardo Scheri ed aperte ad interventi di ospiti.
Si definiscono un gruppo d’improvvisazione elettrotecnica, i cui diversi incontri in studio e i concerti dal novembre 2008 hanno finora fruttato 3 CD autoprodotti. http://www.soundcloud.com/nos_it
 
LIDIA GIUSTO
“Fare archeologia industriale richiede uno sguardo attento e uno spirito critico riguardo i fenomeni storici ed economici che hanno attraversato gli ultimi due secoli. L’archeologia industriale, oggi, risulta essere molto vicina a noi ma allo stesso tempo ci appare leggendaria e irrecuperabile. Vibrante di un’intensa nostalgia”. – Eugenio Battisti.
“Il sole sta bagnando lentamente le bianche facciate; di quando in quando si sentono i colpi di campana ritmici e cristallini delle chiese, e le fucine, tutte le fucine della città, le fucine nere, le fucine silenziose durante la notte, cominciano a cantare.” – Azorin, Un’elegia, da Los Pueblos.
Lidia Giusto (1984) fotografa utilizzando come mezzo di espressione un obiettivo, puntato sui chiaro scuri, sui pieni e sui vuoti, sulle forme e sugli spazi. Dedita alla fotografia dell’archeologia urbana e dell’industriale abbandonato, che la portano a viaggiare in Italia e all’estero, Lidia incentra la sua ricerca sulla contrapposizione tra la presenza e l’assenza, che traduce poi in un bianco e nero ad alta densità.
Dove l’ombra è intesa come assenza di luce e la luce come assenza di ombra, come tempo trascorso, ma mai perduto, immortalato in quell’attimo in cui una linea netta traccia il confine tra il chiaro e lo scuro oppure si scioglie, laddove assenza e presenza si confondono. Un dogma di vita, insomma, che si traducein immagini pulite, intense, assolute. Dice di sé: “La macchina fotografica è il prolungamento della mia mente, l’estensione del pensiero e dell’interiorità, che passando attraverso un obiettivo diventa inquadratura ed immagine”. Inizia a fotografare da adolescente, avvicinandosi fin da subito al tema degli abbandoni industriali e civili.
Ha partecipato ed esposto a numerose mostre e concorsi, personali e collettive, in Italia e all’estero.

Duplex Ride è un’associazione culturale interessata ad ogni forma d’arte, che propone principalmente eventi di musica elettronica e videoproiezione.
Duplex Ride è un’idea in movimento, è arte collettiva, è ricerca elettronica, è sperimentazione in tutte le sue forme, dalla pittura, alla fotografia, alla scrittura.

mail: dplxride@gmail.com
sito: http://duplexridegenova.wordpress.com
news: www.facebook.com/Duplexride
video live: www.youtube.com/DuplexRide

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Sala Dogana]]>

dal 30 novembre al 17 dicembre 2017
Sala Dogana

a cura di Liliana Iadeluca e Alberto Terrile
 
Inaugurazione 30 novembre, ore 18
Orario: mar-dom, ore 15-20
Ingresso libero

Giovedì 30 novembre alle ore 18 in Sala Dogana a Palazzo Ducale inaugura la mostra LIGHT PAINTING – Gli spazi emotivi della luce, progetto espositivo dell’Accademia Ligustica di Belle Arti a cura di Liliana Iadeluca e Alberto Terrile.
 
Il light painting ossia ‘Disegnare con la luce’ è a tutti gli effetti una forma d’arte che scaturisce da una tecnica fotografica utilizzando un tempo di posa molto lungo per impressionare tracce e segni luminosi. Possiamo quindi “dipingere nell’aria” utilizzando una sorgente luminosa, proprio come se fosse un pennello e creare immagini spettacolari su una tela immaginaria. Le sorgenti luminose possono essere di forme e colori diversi per ottenere risultati di volta in volta unici e incredibili. Si possono quindi creare ritratti personalizzati, oppure illuminare spazi interni o esterni in un modo effimero, o molto più semplicemente usare una o più sorgenti luminose con forme e stili diversi per formare trame luminose. Tutto ciò viene creato per mezzo di questa tecnica particolare utilizzando la macchina fotografica come strumento creativo e gli scatti risultanti non sono ritoccati con programmi di fotoritocco (ad es.Photoshop), ma restituiscono esattamente ciò che la luce ha impresso durante il lungo tempo di esposizione. Per ottenere i migliori risultati il light painting deve essere eseguito nell’oscurità sia in interno, sia in esterno.
Il Light- painting però ha origini scientifiche; già nel 1889 i francesi Etienne-Jules Marey e Georges Demeny impressero scie luminose in un’immagine fotografica per il programma di ricerca che doveva portare alla creazione della ‘Station Physiologique’ nata nel 1882 nel Bois de Boulogne. Hanno sviluppato diverse tecniche fotografiche per studiare con la luce il movimento umano e persino quello dei cavalli. Esistono foto in cui possiamo vedere una scia di lampadine ad incandescenza attaccate al corpo del Demeny mentre si muove di fronte alla fotocamera.
Altri esperimenti scientifici li troviamo nel 1914 quando Frank Gilbreth (USA) sistema delle piccole lampadine alle maniche del personale per controllare il processo di lavoro utilizzando la lunga esposizione, con l’obbiettivo di ottenere una mappa di movimenti dei lavoratori.
Nel tempo il Light Painting è passato da esperimento scientifico ad una vera e propria forma d’arte. Del secolo scorso ci rimangono parecchie testimonianze come, ad esempio, quelle di Man Ray e Gjon Mili (che immortalò Pablo Picasso in una serie di meravigliosi segni luminosi).
In seguito molti altri artisti si sono cimentati con tecniche sempre più evolute creando immagini entusiasmanti utilizzando la pellicola e dovendo attendere il tempo dello sviluppo e della stampa per verificarne i risultati.
Con le nuove tecnologie e l’avvento del digitale nella fotografia, coloro che ‘dipingono con la luce’ si sono moltiplicati, fino a formare una vera e propria corrente che attira artisti da tutto il mondo.
Da qualche anno il light painting è “entrato” all’Accademia Ligustica di Belle Arti praticato in sinergia da Alberto Terrile (fotografo e docente di Fotografia Digitale e Analogica) e Liliana Iadeluca (light designer e docente di Illuminotecnica).
Insieme hanno creato eventi dedicati a questa innovativa forma d’arte, coinvolgendo numerosi studenti e facendo scoprire loro una nuova frontiera della fotografia e della luce.
 
Light painting is a form of art based on the use of long exposure photography to capture light traces and trails. It is just like painting in the air: using a source of light as though it was a brush, stunning images are created on an imaginary canvas. Light sources of all shapes and colours can produce astonishing, unique results. They may be used to personalise a portrait, or to fleetingly illuminate an indoor or an outdoor space: more simply, they can be used to conjure up light patterns of all shapes and styles.
Light painters use their camera as a creative tool. Their shots are not adjusted via some photo editing software: they accurately show light effects as captured with long exposure. In order to produce the best results, light painting needs almost total darkness.
Light painting has its roots in scientific research. In 1889, Etienne-Jules Marey and Georges Demeny captured light trails in a photo image while working on the project that led to the creation of the “Station Physiologique” at the Bois de Boulogne in 1882. They developed a set of light photo techniques to study the movement of human bodies, or of horses. In some of these photos, you can see Demeny moving in front of the camera with incandescent bulbs fastened to his body.
Other experiments followed in 1914, when the American Frank Gilbreth attached small bulbs to the sleeves of his workers to trace the movements of their hands: he used long exposure to map and study their actions at work.
In the following years, light painting became a veritable form of art, as witnessed by the works of Man Ray and Gjon Mili (who immortalised Pablo Picasso in a series of wonderful luminous signs). Many other artists later experimented with advanced techniques of light painting using photographic film: images had to be developed and printed for the results to be visible.
With the advent of new technologies and digital photography, light painting has boomed, and is now attracting artists worldwide. At Genoa College of Fine Arts, Prof. Alberto Terrile (photographer and photography teacher) and Prof. Liliana Iadeluca (light designer and light design teacher) have cooperated to organise light painting events, and encourage their students to fully discover the aesthetic potential of this novel art form.

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Sala Dogana]]>

dal 10 al 26 novembre 2017
Sala Dogana

di Anto. Milotta / Zlatolin Donchev
 
Inaugurazione 10 novembre, ore 18
Orario: mar-dom, ore 15-20
Ingresso libero

Venerdì 10 novembre alle ore 18 in Sala Dogana a Palazzo Ducale inaugura la mostra Climasensibile, progetto espositivo di Anto. Milotta e Zlatolin Donchev.
Climasensibile mette in relazione una serie di installazioni create negli ultimi tre anni, evidenziando l’approccio alla ricerca che caratterizza il collettivo. I progetti selezionati propongono un’indagine multidimensionale nel sondare i diversi strati della realtà circostante, e rivelano la propria poetica nelle impronte di una presenza invisibile.
Suoni e video diventano sculture che saturano e modificano lo spazio.
 
Lavori in mostra:
 

P.P.P.
Installazione audio, dimensioni variabili, 2015-2017.
Audio (01:00min., mono); lastra di marmo incisa 35x15x3cm., lastra di marmo incisa 47x15x3cm., asta microfono, custodia microfono zeppelin modificata, cavo, speaker, player.
 

MONUMENTVM
Installazione video, dimensioni variabili, 2015.
Video (HD 1080p, colore, audio 2.1, 19 min); 20 oggetti readymade.
 

ANTENNAE
Installazione audio-video, dimensioni variabili, 2017.
Video (30 min, HD 1080p, b/n e colore, stereo);
Antenna VLF artigianale Ø 1 m.; Scultura/struttura di sostegno ingombro complessivo 100x100x57; Struttura/schermo con telo di retro-proiezione, corda nera, 200x112x5cm; Scultura con speaker integrato, ingombro complessivo 100 x 100 x 100 cm, amplificatore, cavo audio;
videoproiettore, 2 speaker, 2 cover in pvc, corda nera, 2 amplificatori.
Si ringrazia per il supporto tecnico il Museo di arte contemporanea Villa Croce di Genova.
 
Anto. Milotta (Alcamo, 1984) e Zlatolin Donchev (Pechino, 1990) vivono e lavorano tra Sofia e Genova. Hanno studiato arti visive in diverse accademie italiane ed estere, ritrovandosi uccessivamente a frequentare il corso specialistico all’Accademia di Belle Arti di Genova. Il loro percorso condiviso inizia nel 2014, quando l’Accademia Ligustica li seleziona per la residenza The sound identity of places, organizzata dall’Accademia di Belle Arti di Perugia. Questa esperienza svela una poetica parallela nella loro pratica artistica, stimolandoli a lavorare in una direzione comune. Negli ultimi anni hanno partecipato a diverse mostre collettive, tra cui Parabola ad ArtVerona i8-spazi indipendenti; Visao expandida alla Biennale di Curitiba, Brasile, e Paesaggio in movimento, Saluzzo.
Tra le mostre personali:
Naturally Artificial al Museo d’arte contemporanea Villa Croce, Genova;
Antennae alla Tenuta la favola, Val di Noto (SR).
Tra i riconoscimenti:
vincitori della residenza Fully_Grounding – BridgeArt; vincitori del premio Matteo Olivero; segnalati per il V premio MERU Art*Science.

Approfondimento critico
 

Massimo Palazzi: (prima domanda)
Anto Milotta: Penso che qui ci sia una lettura interessante del lavoro e di alcuni punti importanti per il tipo di ricerca che stiamo conducendo, ma la complessità della domanda richiede una sintesi, esige la scelta di una direzione.
Zlatolin Donchev: Quale connessione tra materia e tempo? Poi: tecnologia e natura, quale interfaccia possibile tra materiale e immateriale?
AM: Sono attratto dall’idea che paradossalmente quando raggiungi la consapevolezza che qualcosa si può fare hai creato perfettamente quella cosa prima ancora che essa trovi il tempo di essere realizzata.
Il pensiero è la scintilla che attiva la gigantesca macchina del processo di realizzazione e proprio in questo legame sottile tra immaginazione ed esistenza sta il contatto tra natura e tecnologia.
ZD: Porterei il discorso ancora oltre. Credo che le idee non siano cose che avvengono dentro di noi: noi siamo dei canali che permettono a queste idee di entrare nel mondo materiale, siamo i mezzi del loro fluire, ma anche le macchine che le realizzano. Il punto di connessione tra il mondo etereo in cui circolano le idee e il mondo reale siamo noi. Sta a noi raggiungere certe sensibilità per accordarci un certo tipo di pensiero in modo da offrire i canali più adatti a questo tipo di energie.
AM: E’ questa l’idea alla base di Antennae. In questo senso la figura che balla intorno all’antenna è una metafora anche abbastanza spicciola di un’idea più alta.
ZD: Una chiave di lettura utile per capire la dinamica del film è considerare quell’antenna una specie di totem che non è altro che uno strumento per comunicare con un aldilà.
 

MP: (seconda domanda)
AM: Mi viene subito in mente il lavoro PPP. Quando abbiamo iniziato a ragionare sull’uso dell’audio, la cosa che più ci ha affascinato è stata l’idea di un qualcosa che andasse oltre ai confini materiali dell’oggetto e dello spazio, che avesse la capacità di attraversare la materia e farsi sentire, aggiungendo alle informazioni visive un altro canale diverso e complementare. La stessa frase, estratta dal film Teorema ( P.P. Pasolini, 1968) rivendica il diritto di una libertà personale che è quella della Proprietà Privata cui allude la targa in marmo con le iniziali di Pasolini. In questi termini il lavoro diventa politico,parla di confini, di possibilità, di anarchia. Rispetto ad esso Monumentum segna un passo successivo del nostro approcciarci all’ascolto e mostra tutte quelle componenti che impediscono l’ascolto di un luogo per quello che è. La dinamica del Kaos si traduce in un’idea di progresso di sovrabbondanza, il cimitero è un luogo costruito a misura degli uomini più ancora di una casa. Paradossalmente in quel luogo dove vorresti poter ascoltare qualcosa, l’ascolto diventa utopia. Da un lato l’anarchia del suono lo fa arrivare dove non vorresti trovarlo, ma dall’altra ti impedisce di ottenere quello che cerchi ed è qui che nasce l’idea della composizione, di andare oltre a ciò che sei in grado di ascoltare.
ZD: Puntualizzo che l’audio è una sorgente di energie che ha bisogno di una materia, in questo caso l’aria, per essere trasmesso, per arrivare alle persone, mentre le onde elettromagnetiche sono energie che non hanno materia e attraversano tutto, acqua, atmosfera eccetera. In quest’ottica Antennae è il passo successivo rispetto a questo messaggio che viaggia al di là dell’audio attraverso la fisicità di un luogo. Al di là della proprietà privata ci sono gli spazi condivisi… con Antennae scopriamo un mondo fluido in cui non importano i concetti umani di limite, confine e spazio chiuso. Non c’è neanche una dimensione personale interiore, perché queste onde attraversano anche noi, ci passano informazioni e probabilmente ci cambiano. Il nostro sguardo è sempre più rivolto verso il medium più che il messaggio. Forse davvero il medium diventa il messaggio, se ha senso rileggere McLuhan ai tempi dell’antropocene.
 

MP: (terza domanda)
ZD: Abbiamo un ragazzo indiano evidentemente abituato a ballare i suoi ritmi tradizionali, ma cosa succede quando ha nelle orecchie i suoni delle antenne? Risponde in maniera genuina ascoltando
inizialmente i tamburi, poi si abbandona naturalmente a questo mondo ignoto che per lui ha connotazioni diverse rispetto alle nostre. E non c’è risposta migliore del suo corpo che danza, perché nessuna informazione verbale sul nostro lavoro in Sicilia avrebbe potuto arrivargli così direttamente come il suono attraverso le cuffie. Nel momento in cui gli abbiamo dato la possibilità di esprimere quello che sentiva, finalmente ha capito cosa stavamo facendo, tanto che poi ha deciso di seguirci in diverse tappe del progetto.
AM: Ci sono riflessioni interessanti anche in merito al background musicale che ti permette di definire oggi cosa è musica e cosa non lo è e chi si occupa di musica contemporanea ascolterebbe questi suoni in maniera diversa da un ascoltatore qualsiasi. Ma qual è il senso di costruire una macchina che permette di captare questi suoni? Ce lo siamo chiesti anche noi e la cosa che ci ha colpito di più è stata che a differenza di chi, come noi, avrebbe potuto leggere questo fenomeno con un approccio critico, l’unico che si è avvicinato istintivamente è stato un contadino indiano, un factotum, i cui occhi erano pieni di luce. A lui questo faceva risuonare qualcosa che altri non sentivano. Quando abbiamo visto la sua attenzione durante le prove ci è apparsa un’immagine perfetta per Antennae: volevamo fare un totem e abbiamo trovato questa figura ancestrale con un’energia spontanea. Tornando all’Ayahuasca, e alla questione energetica legata al nostro lavoro, ogni tipo di esperienza ultra-sensoriale va a stimolare qualcosa dentro di noi suggerendo l’esistenza di una connessione con qualcosa di più alto che non sei abituato a sentire solo perché le tue orecchie non hanno la capacità di sentire, ma che il tuo corpo sente eccome. Come hanno dimostrato ultimamente i tre premi Nobel della medicina rispetto al meccanismo
che collega il moto della Terra e l’orologio biologico dei viventi, siamo tutti perfettamente connessi in un unico enorme meccanismo: avere la capacità di fare esperienza di tale continuità richiede un’attenzione, un’apertura, una libertà e un’ingenuità particolari.
 

MP: (quarta domanda)
AM: Perché no? Penso che c’è tanto di romantico in ciò che facciamo anche se la forma rimane rigida, contenuta in schemi determinati. In PPP il materiale impiegato diventa forma. Tu hai parlato della polvere come di un’enorme scultura, anche in Monumentum tutto questo è palese nell’ascolto della complessità della natura che cambia nel corso del tempo.
ZD: A me viene in mente che se in un dipinto romantico c’è una figura che contempla la natura, in Monumentum è il microfono che contempla la natura ma c’è anche la camera che riprende il microfono e, retrocedendo ulteriormente, dietro la camera ci siamo noi, e poi ancora, chi c’è dietro di noi? Forse in questa profondità di dimensioni, che svela i diversi strati della realtà inquadrata e porta a perdersi nella complessità dell’ambiente, c’è qualcosa di romantico. Soprattutto in Monumentum ritorna il discorso della natura e dell’entropia intesa come principio fondamentale e fondante contro cui si batte il principio vitale, che nonostante tutto nasce dentro di noi e permette a un sistema, a una macchina, di combattere il degrado della materia utilizzando le diverse energie dell’ambiente in cui prospera. Il nostro principio vitale combatte ma è destinato comunque a morire. Ma cosa muore? È questa forse la domanda fondamentale di Monumentum, muore la materia umana certo e si disfano le sue costruzioni, ma un principio vitale si manifesta attraverso la piante, le radici ed è proprio lo scontro di questi opposti che si
fa oggetto del nostro discorso.
 
MP: (quinta domanda)
ZD: Questi tre lavori per noi rappresentano un ciclo che si chiude con questa mostra, che assume una forma completa che ci permette di vedere in primis noi stessi e scoprire che comunque stiamo
percorrendo istintivamente una strada che ci accorgiamo era già tracciata. I tre lavori segnano il percorso di un’evoluzione tecnica, implicano un elemento artificiale sempre più complesso. Inoltre, Antennae non è solo la conseguenza di un primo passo fatto con Monumentum e PPP ma è anche la chiave di lettura di PPP e Monumentum. In questo senso chiude il girotondo di un ciclo che aiuta noi stessi a comprendere i nostri interessi attraverso un sistema di connessioni.
AM: Mi accorgo che l’idea che tiene insieme tutto il nostro lavoro è questa dialettica di naturale e artificiale che diventa un passaggio inevitabile, in cui il ruolo della tecnologia che non è sterile e freddo ma diventa davvero un mezzo che ci dà la possibilità di leggere la contemporaneità e l’ambiente circostante nell’accezione più ampia del termine. Non si può parlare di immateriale a proposito dell’uso di immagini digitali e onde sonore perché c’è un lavoro fisico necessario alla realizzazione di quello che facciamo, in termini di elaborazione dell’immagine e composizione di materiali raccolti con registrazioni sul campo, ma anche attinti agli archivi open-source disponibili online.
 
Testo redatto trascrivendo un’intervista di Massimo Palazzi agli artisti, registrata a Genova il 6/8/2017

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deadline 27 novembre 2017]]>

Bando di preselezione
Sala Dogana

DEADLINE 27 NOVEMBRE 2017

BANDO DI PRESELEZIONE
per 10 artisti visivi finalizzata alla realizzazione della prima edizione della Mostra Itinerante Europea che avrà luogo nel 2018 nelle città di Valladolid (Spagna), Liverpool (Regno Unito) e Lublin (Polonia).
Possono partecipare gli artisti visivi tra i 18 e i 36 anni (non ancora compiuti) che risiedono, lavorano o studiano a Genova, iscritti o che si iscriveranno al sito www.genovacreativa.it nella banca dati GAI – Giovani Artisti Italiani.
I 10 artisti individuati dovranno successivamente superare la selezione internazionale a cura della città Capofila del Progetto che sceglierà i protagonisti della Mostra Itinerante Europea.
 
 creart_bando_preselezione_artisti_visivi.pdf
 creart_allegato_a_domanda_partecipazione.pdf
 creart_allegato_b_scheda_tecnica_opera.pdf
 creart_allegato_c_informazioni_aggiuntive.pdf

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Sala Dogana]]>

dal 19 ottobre al 5 novembre 2017
Sala Dogana

Inaugurazione 19 ottobre, ore 18
Orario: mar-dom, ore 15-20
Ingresso libero

Giovedì 19 ottobre alle ore 18 a Sala Dogana a Palazzo Ducale inaugura la mostra “Monitoraggi 5”. Il progetto espositivo del Dipartimento di Comunicazione e Didattica dell’Arte dell’Accademia Ligustica, giunto alla sua quinta edizione, ritorna a Sala Dogana proponendo cinque lavori site-specific.

Selezionati per la loro qualità e per il loro interesse dalla commissione composta da Simona Barbera, Alessandro Fabbris, Alessandra Gagliano Candela, Emilia Marasco, Cesare Viel fra i numerosi presentati dai giovani artisti, i progetti di BS5 (Vittoria Carrieri, Elisa Lollini, Matilde Mele, Sara Taverna, Carolina Tonini), Fabio Bergaglio e Arianna Maestrale, Arianna Spanò, Marco Tonnicchi Bonfilio, Adele Zunino sperimentano in un’ottica personale media diversi, dall’installazione, alla fotografia, alla performance, al video. Indagini e memorie di esperienze personali, tracce di eventi performativi, ricerche sulla percezione, riflessioni sulla contemporaneità delineano negli ambienti di Sala Dogana un flusso continuo, offrendo uno sguardo originale sul mondo.

In questa edizione, inoltre, BLART, il blog d’arte sviluppato dagli studenti di Progettazione Artistica per l’Impresa sotto la guida di Emilia Marasco, presenterà backstage e suggestioni critiche sui progetti e sugli artisti in mostra.
Monitoraggi 5 si propone quindi come la testimonianza della vivacità creativa dei giovani artisti dell’Accademia e segna una tappa importante nella collaborazione tra l’Accademia Ligustica e Sala Dogana, ormai al suo secondo anno.

]]> http://www1.palazzoducale.genova.it/monitoraggi-5/feed/ 0 http://www1.palazzoducale.genova.it/orienta/ http://www1.palazzoducale.genova.it/orienta/#comments Tue, 10 Oct 2017 09:00:37 +0000 http://www.palazzoducale.genova.it/?p=40626 dal 10 al 15 ottobre 2017
Sala Dogana
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Dal 10 al 15 ottobre 2017
Sala Dogana

 
a cura di Quiet Ensemble
 
Opening 10 ottobre, ore 12.30
Orario apertura ore 15-20, sabato e domenica anche ore 11-13
 
Ingresso libero

Orienta | Memorie di 11 formiche

Durante la settimana del Festival di musica elettronica Electropark, sarà possibile visitare l’installazione a cura di Quiet Ensemble ospitata negli attivi spazi di Sala Dogana a Palazzo Ducale.
L’opera propone ed invita all’attenzione sul tracciato vitale dell’essere umano e delle forme viventi tutte, compiuto durante l’arco della propria vita. Il naturale atto performativo espresso da undici formiche genera trame sotterranee, dei disegni inconsapevoli nei quali ogni nostra azione presente, personale e collettiva, è permanente nel tempo, origine di un’incontrollabile rete di
conseguenze che modellano il mondo.
L’installazione indaga il tema della migrazioni da un punto di vista cellulare, ripreso anche dal lavoro grafico di Valeria Piras anch’esso esposto in Sala. L’installazione è contenuto del festival ELECTROPARK 2017 che si svolgerà in diversi spazi del centro storico di Genova nei giorni 12-13-14 Ottobre, con la partecipazione di dj e produttori stranieri ed italiani.
 
Inaugurazione martedì 10 alle ore 12.30
Sempre martedì 10 alle ore 12.30 salaDOGANA ospita la conferenza stampa di Electropark durante la quale verrà presentato il programma del Festival e il lavoro di ricerca artistica e di valorizzazione del patrimonio storico-culturale che ha coinvolto la produzione di questa sesta edizione della rassegna.
Seguirà rinfresco con focaccia e prosecco.
 

Electropark
dal 12 al 14 ottobre 2017
 
Dal 12 al 14 ottobre Genova ospita la sesta edizione di Electropark, festival internazionale di musica elettronica dedicato alla sperimentazione artistica multimediale con una particolare attenzione ai contesti urbani locali, alla loro storia e vissuto sociale.
Il festival è organizzato e promosso dall’associazione culturale Forevergreen.fm, dedita da tempo alla valorizzazione della cultura musicale elettronica con Electropark nel capoluogo ligure e con la rassegna gemella milanese Electropark Exchanges ed è realizzato con il sostegno di Compagnia di San Paolo nell’ambito del progetto ORA! linguaggi contemporanei_produzioni innovative, Goethe-Institut Genua e con la collaborazione del Comune di Genova, Palazzo Ducale ed altri soggetti presenti sul territorio.
Tre giorni di live, dj set, mostre, conferenze ed incontri, per segnare un percorso narrativo e musicale originale, con artisti e protagonisti della scena internazionale: dalle sonorità possenti dell’hardware live dell’icona techno inglese Surgeon, ai paesaggi sonori senza confini di Laurel Halo, newyorchese di base a Berlino, e del suo affascinante live col percussionista Eli Keszler, passando per le ibridazioni futuristiche tra techno, grime e jungle di Peverelist e Kowton, le sperimentazioni e le melodie nervose tra dark wave e industrial del britannico Broken English Club, i groove eclettici e visionari di Lukid, i mondi lontani ed esotici del misterioso duo Stump Valley, l’eclettico talento italiano Healing Force Project, e le voci più interessanti della scena milanese: Joseph Tagliabue, Velasco ed Hencote, oltre ai genovesi Pierka, Franco e Giacomo Grasso.
Nel programma del festival anche la conferenza “Music is Culture” al Museoteatro della Commenda in collaborazione con Mu.MA e Cooperativa Solidarietà e Lavoro, per discutere del futuro dell’impresa culturale creativa in Italia in compagnia di alcuni membri della Commissione Cultura del Parlamento On. Irene Manzi e On. Roberto Rampi. La kermesse si svolge in sei luoghi non convenzionali dell’intricato dedalo di vicoli del centro storico più grande d’Europa, incastonati principalmente nel quartiere di Prè: lo splendido complesso architettonico romanico della
Commenda di Prè e la sua Chiesa inferiore di S. Giovanni di Prè, il mercato ortofrutticolo di Piazza dello Statuto e quello dei pescatori della Darsena, la bomboniera Piazza dei Truogoli di Santa Brigida e il fulcro della creatività giovanile cittadina Sala Dogana a Palazzo Ducale.
Al centro dell’edizione di quest’anno il complesso tema della ‘Migrazione’, sia come attuale fenomeno d’indagine sociale portatore di criticità, sia come sfaccettata chiave di lettura storica e poetica. Migrazione è strategia, gioco e arte combinatoria, una combinazione di molteplici fattori e differenti soggetti in differenti spazi e tempi. Migrazione è energia, forza, strumento di cambiamento e di indagine sul mondo. Esperienza regolare oppure straordinaria, alla stesso modo percorso tracciabile ed amalgama fluido. I contenuti proposti comprendono una ricerca storica in collaborazione con il Mu.MA e l’utilizzo di linguaggi contemporanei come le installazioni visuali di Quiet Ensemble, la realtà virtuale in 3D e il video-mapping interattivo a cura dell’artista australiano Andrew Quinn, che completano l’offerta culturale insieme ai live e djset con artisti e producer della scena nazionale, europea e internazionale.
Il progetto nasce con lo scopo di promuovere da un lato la produzione e la fruizione di contenuti culturali innovativi e cross-disciplinari creando nuove professionalità specializzate, dall’altro di sfruttare il richiamo dei linguaggi contemporanei su un pubblico giovane per agire sulla riqualificazione di un territorio.
 
Programma Electropark
 
12 ottobre
h18 – Truogoli di Santa Brigida
lukid
h22 – Chiesa Inferiore di S. Giovanni di Prè
Laurel halo live
 
13 ottobre
h23 – Commenda di Prè
Surgeon hardware live
Broken english club – Hencote
 
14 ottobre
h15 – Mercato dello Statuto
Stump valley – Pierka – Franco
h15 – Mercato dei Pescatori della Darsena
Joseph Tagliabue – Velasco
h23 – Commenda di Prè
Peverelist – Kowton – James Falco
healing force project
 
extra music is culture conference / 13/10 – h17 – Museoteatro della Commenda
migrations di andrew quinn a/v/vr show / 13/10 – h20 – Commenda di Prè
orienta | memorie di 11 formiche di quiet ensemble exhibition / 10-15/10 • Sala Dogana
electronic soundscape di giacomo grasso yoga session / 12/10 • h18 • Museoteatro della Commenda

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Sala Dogana]]>

Dal 7 al 24 settembre 2017
Sala Dogana

Inaugurazione 7 settembre 2017, ore 18
 
Orario: mar-dom ore 15-20
Ingresso libero
 
Progetto di Melkio & Yuri Segalerba

What is a hero?
It’s something that saves you…
 
Palazzi infiniti dei quartieri popolari, zone abbandonate e ambienti post-industriali.
Colate di grigio su cumuli di persone annientano la personalità, la fantasia, la speranza.
Ma finalmente qualcuno è arrivato per salvarci.
Sono gli eroi di Cemento, guerrieri robot dai poteri speciali forgiati da un’immaginazione che, nonostante tutto, sopravvive e ci tiene vivi.Le foto di Yuri Segalerba, in giro per il mondo, cercando luoghi abbandonati ed aree esageratamente popolari sono state rivisitate dalla fantasia di Melkio, decostruendole.
Una rivincita ideale dell’uomo e della sua creatività sul tentativo sistematico di soffocamento da parte della società odierna.
 
About the project
 
di Melkio
‘L’inizio dell’amicizia con Yuri si perde nei meandri del tempo che fu. Non saprei definire il rapporto che ho con lui, fatto di piccoli momenti intensi intervallati da lunghi silenzi;ma di certo posso dire che è una delle persone più importanti della mia vita, nonostante la distanza.
Oltre l’amicizia però c’è anche il rispetto del suo lavoro.
Sono affascinato dalle atmosfere delle sue foto: malinconiche, tristi ma contemporaneamente, fredde e senza emozioni. Scatti di un occhio riflessivo, più profondo di quello che vorrebbe dare a vedere.
Per questo il desiderio di “far qualcosa assieme” era forte ma non riuscivo a trovare un punto d’incontro, tra due modi di esprimersi (i nostri)apparentemente inconciliabili.
 
Poi, come spesso accade, l’idea arriva per caso, quando meno te l’aspetti.
Così una foto postata un giorno qualsiasi su facebook diede inizio a cement heroes: un’ altra avventura da vivere, di nuovo, assieme’.
 
di Yuri Segalerba
‘Con Melkio ci conosciamo ormai da una vita. Ci siamo incontrati per via di una passione condivisa e siamo cresciuti insieme. I nostri interessi si sono evoluti in parallelo, anche quando le nostre vite ed i nostri impegni ci hanno tenuto lontano. Ed ogni volta, come succede tra 2 veri amici, rincontrarsi richiede il tempo di un abbraccio per far si che il rapporto riparta da dove si era interrotto. Il progetto CEMENT HEROES è nato casualmente, con rapidità, entusiasmo e spontaneità, 3 elementi che a mio avviso caratterizzano la personalità di Melkio. Ho pubblicato una foto che avevo scattato ad un palazzo durante una mia mostra a Parigi e dopo 20 secondi mi arriva una notifica che Melkio ha commentato con una foto. Lì ho incontrato il primo Robot del nostro esercito. Gli altri sono nati con la stessa velocità, e la cosa che mi ha sempre colpito è che le foto dove prima vedevo solo edifici, dopo essere passate attraverso la fantasia di Melkio non mi sembrano più le stesse. Ora quando scendo in strada armato di macchina fotografica le periferie non sembrano più così fredde. Da dietro le finestre dei palazzi gli occhietti di teneri robot mi sorridono e mi distraggono dalle forme architettoniche chiedendomi di portarli davanti all’immaginazione di Melkio’.

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Sala Dogana]]>

3 luglio 2017, ore 17
Sala Dogana

 

Verrà lanciato ufficialmente il 3 Luglio alle 17 in Sala Dogana a Palazzo Ducale, LAND, Local Audiovisual Network and Development, il nuovo progetto di network, formazione e sviluppo dei professionisti dell’audiovisivo in Liguria, che si pone come obiettivo la crescita del comparto cinematografico come settore industriale.
Partendo dalla necessità di confronto e professionalizzazione dei liguri di nascita o adozione che, a diverso livello e in diverse parti d’Italia, lavorano nell’industria cinematografica, LAND punta a sviluppare il tessuto audiovisivo regionale con l’obiettivo di farlo crescere, renderlo competitivo e farne un interlocutore credibile per l’industria audiovisiva italiana ed internazionale.
Sono 4 le macroaree di intervento: la costituzione di un dabatase di professionisti e aziende fornitrici di servizi, eventi di formazione per professionisti di tutti i livelli e per le aziende parte dell’indotto, la creazione di un network tra i professionisti liguri e di messa in rete con realtà nazionali e internazionali, uno sportello informativo sull’industria audiovisiva e il suo funzionamento in Italia e in Europa.
Il progetto e la giornata di presentazione sarà aperto ai professionisti del settore, a coloro che muovono i primi passi nell’industria, a chi vorrebbe fare dell’audiovisivo la propria professione e alla stampa.
 
Info e contatti:
www.land-network.org
info@land-network.org

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Sala Dogana]]>

Dal 30 giugno al 16 luglio 2017
Sala Dogana

Inaugurazione 30 giugno 2017, ore 18
 
Progetto di Niccolò Pizzorno
 
Orario: dal martedì alla domenica ore 15-20
Ingresso libero

Tenui sfumature acquarellate, chiaroscuri esasperati e catacombali, inappagabili invenzioni visive, giochi di specchi citazionistici e divertiti accentuano le dinamiche sequenze d’azione di Un mondo nuovo, originale e innovativa graphic novel del giovane illustratore e fumettista Niccolò Pizzorno, edita dalla casa editrice palermitana I Buoni cugini editori. Genova – città decostruita dal gioco dell’horror – è invasa da un’inarrestabile orda di zombi. Una tenace eroina dai capelli rossi, aiutata da un’impercettibile costellazione di sopravvissuti, combatte una guerra individuale e, allo stesso tempo, collettiva. I voraci cadaveri barcollanti sono spinti, come da tradizione, da una fame inestinguibile di carne umana, ma la causa scatenante di questa incontrollabile epidemia non è più una formula magica che legittima un rito di magia nera, una droga futuribile, un virus sfuggito da un laboratorio oppure un ceppo batterico sconosciuto. Il colpevole di questa tremenda invasione è il mugugno, onomatopeica voce che indica il brontolio caratteristico dei genovesi. Si sa come talvolta il lamentarsi porti all’assenza di dialogo, alla mancanza di scambi – sociali, culturali, amicali, sentimentali – tra gli esseri umani, alla rinuncia a una presa di posizione o a una spinta al cambiamento. Il giovane autore ha voluto racchiudere in un anima di carta la protesta splatter verso questo atteggiamento mentale autodistruttivo, portatore di uno status conservativo atto a demolire ogni prospettiva futura.
La storia raccontata nella graphic novel supera le barriere cartacee per divenire un percorso sonoro, fotografico, artistico, teatrale e multimediale che impegna il corpo e la mente. Lo spettatore può finalmente provare a calarsi nelle atmosfere del fumetto in compagnia del collettivo d’artisti genovesi PLUR41, dalla cui collaborazione con Ama – Associazione Abitanti della Maddalena nacque Un mondo nuovo, costruttivo evento che ebbe il merito di ospitare il nucleo originario di questa straordinaria storia a fumetti, da cui l’autore Niccolò Pizzorno prese affettuosamente in prestito il titolo dello stesso per descrivere una storia che ha l’ambizione di trasmettere una scossa elettrizzante e necessaria.
Glauco Piccione
 
Programma delle attività previste
 
>>> venerdì 30 giugno | h18
in compagnia di PLUR41, vernissage e performance sonora video teatrale
 
>>> domenica 2 luglio | h16 – h18
workshop fotografico I VOLTI DI UN MONDO NUOVO
 
>>> domenica 9 luglio
h16 – h18
workshop fotografico I VOLTI DI UN MONDO NUOVO
h18 – h19.30
workshop olistico L’ARTE E IL MOVIMENTO, la percezione dei sensi attraverso il movimento corporeo
 
>>> venerdì 14 luglio
presentazione di UN MONDO NUOVO con l’autore Niccolò Pizzorno, coordina Glauco Piccione
 
>>> domenica 16 Luglio | h18 – h19.30
workshop olistico L’ARTE E IL MOVIMENTO, la percezione dei sensi attraverso il movimento corporeo
 
Artisti coinvolti
Gruppo PLUR41
Renato REC e Anomalo DJ
Giulio de Paoli, Daniela Vescovo, Pino Costaro – Fotografi
Giuliogol e Drina A12 – Muralisti
Niccolò Pizzorno – Illustratore
 
> Presentazione di UN MONDO NUOVO a cura dell’Autore Niccolò Pizzorno e Glauco Piccione – Direttore artistico della rivista Segnali di confine
 
> Workshop olistico L’ARTE E IL MOVIMENTO la percezione dei sensi attraverso il movimento corporeo, a cura di Paola Fava Counselor e cintura nera di judo 2dan
 
> Workshop fotografico I VOLTI DI UN MONDO NUOVO a cura di Giulio de Paoli, Daniela Vescovo, Pino Costaro
 
> performance Teatrale al Vernissage a cura della Compagnia Filò – Gloria Maranatti e Nicoletta Vaccamorta
 
> Video installazione
con fotografie di Giulio de Paoli, Daniela Vescovo, Pino Costaro elaborate da Giuliogol e Drina A12 – montaggio di Fabio Giovinazzo

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Dal 8 al 25 giugno 2017
Sala Dogana

Inaugurazione 8 giugno 2017, ore 18
 
Progetto di Tommaso Vergano
 
Orario: dal martedì alla domenica ore 15-20
Ingresso libero

‘Mai Voltarsi’ è una mostra interattiva che racconta attraverso immagini e suoni il viaggio dell’eroe, quel percorso attraverso i dodici archetipi che ogni essere umano compie semplicemente vivendo.
Le tematiche di base, riconosciute dalle più disparate culture, sono raccontate da installazioni video che permettono allo spettatore non solo di entrare in relazione con il punto di vista dell’artista, ma anche di potersi confrontare con pensieri e suggestioni completamente personali.
Il percorso espositivo vuole essere un viaggio attraverso i cambiamenti e le trasformazioni interiori diventando quindi uno strumento in grado di stimolare un processo di autocritica derivato dall’esperienza artistica.
 
Autore
Tommaso Vergano, Genova 1993, è un giovane fotografo e artista italiano.
Diplomato al Liceo Artistico e successivamente in Fotografia presso l’Istituto Italiano di Fotografia di Milano.
Nella fotografia di Still life e nell’installazione video, generi a cui si dedica, fa convivere le sue passioni: quella per gli oggetti, l’arte contemporanea, il bricolage.

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Dal 11 al 28 maggio 2017
Sala Dogana

Inaugurazione 11 maggio 2017, ore 18
 
Progetto di Alessio Ursida
 
Orario: dal lunedì alla domenica ore 14-20
Ingresso libero

UN CONTINUO MOVIMENTO è il titolo della mostra che verrà inaugurata in Sala Dogana a Palazzo Ducale giovedì 11 maggio alle ore 18 e che sarà visibile fino al 28 maggio.
La mostra racconta di un viaggio, in cinquantadue immagini, che attraversa tre metropoli europee ed una città: Parigi-Berlino-Londra e Genova.
Un progetto di street photography con il quale Alessio Ursida ha ripreso soggetti in situazioni reali e spontanee ed in luoghi pubblici per raccontare, tramite la fotografia, il continuo movimento che caratterizza le città, confrontandole tra di loro, con uno spaccato di Genova, che rispecchia le grandi metropoli europee.
La fotografia di strada permette una visione della società contemporanea, così come viene vissuta dall’uomo e ci racconta le relazioni che ogni essere umano costruisce con il proprio simile e con l’ambiente che lo circonda.
Il progetto “Un continuo movimento” è nato alla conclusione di alcuni viaggi fatti da Alessio durante questi anni, captando situazioni e volti di persone che vivono le città: attimi unici, sguardi concentrati sul cammino, dettagli di angoli di strada dove le persone si confondono con le altre, dove il luogo diventa dialogo e condivisione di esperienze, istanti dove geometria, luce e composizione sintetizzano gli sguardi e i pensieri.
Dopo le forti esperienze di Haiti, Alessio Ursida ritorna alle sue prime passioni, la fotografia di strada ed il bianco e nero, con le quali riesce a cogliere con grande sensibilità ed empatia gli aspetti meno scontati del vivere di tutti i giorni.
 
Alessio Ursida
Note biografiche www.alessioursida.com/about

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progetto di Fulvio Ioan
 
Sala Dogana
dal 14 al 30 aprile 2017

Orario
dal martedì alla domenica ore 15-20 
Inaugurazione 14 aprile, ore 18

 

Dal prossimo 14 aprile Sala Dogana ospiterà Märchenbilder, una mostra personale di Fulvio Ioan.
La ricerca dell’artista si è sviluppata nel tempo attraverso la rielaborazione,l’invenzione e la citazione di immagini attorno alle tematiche della fiaba e dell’apocalisse.
Si tratta di due argomenti apparentemente lontani, ma in realtà affini, perché intesi,la prima (la fiaba) come percorso di trasformazione, di riconoscimento di sé e della propria collocazione nel mondo; la seconda (l’apocalisse) come momento di transizione verso un futuro radicalmente rigenerato.
La mostra riunisce incisioni e dipinti realizzati negli ultimi anni, in un allestimento che mira a rimarcare, al di là della diversità dei procedimenti e degli esiti, l’intima coerenza del lavoro, di cui le singole prove costituiscono i frammenti, a loro volta scomponibili, come illustra l’installazione centrale, dove da una stessa tavola vengono enucleati brani differenti.
Così, ai lavori calcografici (Finimondo, Tzunami, La mia città di notte), dove figure riprese dall’iconografia medievale si inseriscono in contesti contemporanei, composti secondo modalità che uniscono all’ironia del grottesco una pervasiva tensione drammatica, si accostano xilografie (I Fiori, Märchenbilder #1 e #2) realizzate con l’elaborata tecnica della stampa policromatica Nishiki-E, appresa dal maestro Ligustro, modulate su immagini e tonalità di sorvegliata armonia fiabesca.
Completano il quadro le più recenti opere pittoriche, nelle quali – sullo sfondo di una quinta animata da un vivace concerto di colore – campeggiano i personaggi dello Struwwelpeter (Pierino Porcospino), protagonista delle catastrofiche filastrocche ottocentesche di Heinrich Hofmann e di Hans mein Igel (Gian Porcospino), ripreso dai Fratelli Grimm, emblemi di vicende esistenziali contrastate e di fuoriuscita da
una logica di marginalità.
Accompagna la mostra un catalogo edito da R. Melegari, con testi di Sandro Ricaldone e di Bruno Smolarz.
 
Fulvio Ioan nato ad Imperia nel 1987 vive e lavora tra Genova e Imperia. Dopo aver conseguito il diploma di perito chimico, conclude il ciclo di studi universitari con due lauree specialistiche al corso di Pittura e Decorazione presso l’Accademia Ligustica di Belle Arti di Genova.
Dal 2009 al 2014 è stato allievo del noto Maestro Giovanni Berio Ligustro. Fa parte dell’associazione Incisori Liguri e dell’associazione Incisori Contemporanei.
Insegna Tecniche dell’Incisione e Anatomia dell’Immagine presso l’Accademia di Belle Arti di Sanremo e collabora con l’Accademia Ligustica di Genova.
Partecipa a mostre in spazi privati e pubblici nazionali ed internazionali tra cui si ricordano: Biblioteca civica L. Lagorio, Imperia. Palazzo Ducale, Liguria spazio aperto, Genova. Archivio
centrale dello stato, Roma. Laboratoro papè, Imperia. Fuxian exlibiris society Shanghai, Cina. Mieska biblioteka publiczna w gliwicach, Gliwice, Polonia. Palazzo Sturm, museo Remondini,Bassano del Grappa, Italia. MaCN museo di arte contemporanea e del novecento Villa Renatico Martini, Mossumano Terme. Raccolta civica fondazione Bertarelli, Milano. Intrattiene discussioni e contatti con artisti, intellettuali e studiosi, parte della sua produzione fa parte di collezioni private nazionali ed internazionali.

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Sala Dogana]]>

collettiva nell’ambito de
La Storia in Piazza
 
Sala Dogana
dal 6 al 9 aprile

Orario
ore 10-20

 
www.lastoriainpiazza.it

“Dire imperi è dire imperio, esercizio di potere: i giovani artisti liguri chiamati a esprimere l’argomento con le armi del disegno fisso e in movimento hanno messo in campo i conflitti di potere, le situazioni in cui si verificano squilibri e soperchierie, sofferenze e insofferenze, involuzioni e rivoluzioni – l’eterna e ritornante alternanza tra Ordine e Disordine. Qualsiasi azione d’imperio instaura un ordine su un disordine precedente e cova in sé nuovi disordini pronti a imporre altri possibili ordini. E, nondimeno, un compito dell’arte non è suggerire disordini fecondi?”
Ferruccio Giromini
 
La collettiva DISORDINI IMPERATIVI è il risultato della selezione, attraverso una call per giovani artisti liguri under 35, finalizzata all’esposizione di illustrazioni e immagini animate nell’ambito dell’edizione 2017 de La Storia in Piazza. Il festival principale di storia in Italia e fra i più importanti d’Europa, curato da Donald Sassoon, Emeritus Professor of Comparative European History School of History Queen Mary, University of London, è dedicato quest’anno al tema degli Imperi, da quelli più antichi e celebri fino ai contemporanei e trasversali imperi senza terra.
 
In relazione al tema è stata richiesta un’azione artistica specifica di interpretazione del potere in tutte le sue possibili forme, attraverso la realizzazione di tavole illustrate, a fumetti, o storie animate, a rappresentare cose e fatti corrispondenti o meno a una realtà.
 
La Giuria, composta dagli esperti Ferruccio Giromini, Silvana Ghersetti, Andrea Piccardo, ha selezionato otto progetti artistici di altrettanti autori che saranno in mostra negli spazi di Sala Dogana dal 6 al 9 aprile, nell’ambito degli eventi de La Storia in Piazza che propone un fitto programma di lezioni, incontri e conferenze, laboratori, mostre, spettacoli e presentazioni.

ARTISTI IN MOSTRA
Alice Acella, Labadanzky, Letizia Iannaccone, Luca Marcenaro, Niccolò Pizzorno, Elisa Rocca, Francesca Smith, Francesca Tradii.
 
Saranno inoltre esposte in Sala le tavole della mini storia ‘ROCCIA vs CARNE’ dell’artista guest star Tommaso Di Spigna aka Spugna, uno dei nomi più interessanti emersi nell’ultima ondata del fumetto italiano, autore tra l’altro del volume ‘Una brutta storia’ (Grrrz Comic Art Books, 2014).

 
Alice Acella – Genova, 1992
Si è formata in ambito artistico, presso la Facoltà di Architettura e l’Accademia Ligustica di Belle Arti di Genova. I suoi video e installazioni pubbliche nascono dall’interesse per la scenografia, le diverse tecniche dell’animazione digitale e l’architettura, in un costante dialogo tra la tecnologia contemporanea e la ricerca storica.

 
Letizia Iannaccone
E’ un’illustratrice e autrice che vive e lavora a Genova. Collabora con editori italiani e stranieri, riviste di settore, brand e librerie.
Tra le sue collaborazioni è possibile trovare:
Einaudi edizioni (It), Giunti edizioni (It), Seuil jeunesse (Fr), Anorak Mag (Uk), Emergency (It), Le palle (Torino-It), Libreria l’albero delle lettere (Genova-It), Libreria tiritera (Milano-It).
www.letiziaiannaccone.com

 
LABADANzky
L’approccio al campo dell’arte Relazionale, unita alle metodologie espressive della Street Art e “sitespecific”, ha ispirato la produzione seriale di oggetti “estranianti” che, creati utilizzando elementi e materiali tipici del contesto cittadino, vengono collocate per le vie, a spezzare l’uniformità ambientale e concettuale del tessuto urbano, sollecitando nel fruitore interrogativi di varia natura.
In un processo di “osmosi” culturale con il territorio urbano, le caratteristiche del linguaggio e delle modalità espressive di LABADANzky si sono plasmate da un’installazione all’altra, fino a creare l’attuale stile espressivo, caratterizzato da esseri robotici di grandi dimensioni (da scala umana in su).
A fianco di queste produzioni ci sono poi sculture di più piccole dimensioni, stampe e dipinti,con umanoidi meccanici in rappresentazioni chiaramente influenzate dalle più diverse suggestioni culturali,conformemente alla cifra stilistica sopra descritta.

 
Luca Marcenaro – Genova, 1987
E’ un illustratore, grafico e serigrafo.
Ha collaborato con diverse realtà musicali realizzando grafiche, copertine e locandine per gruppi ed etichette indipendenti.
Il suo libro illustrato “VerdePrato” è in pubblicazione per Barometz edizioni.
www.lmarcenaro.com

 
Niccolò Pizzorno – Tiglieto, 1983
Si occupa di illustrazione e tecniche calcografiche: acquaforte, acquatinta,puntasecca.
A Genova dal ‘95 si laurea all’Accademia Ligustica di Belle Arti e frequenta la Scuola Chiavarese del Fumetto.
Illustra vari volumi per la casa editrice I Buoni Cugini Editori, in particolare la collana Luigi Natoli pubblica con la stessa casa editrice la Graphic Novel ‘UN MONDO NUOVO’,ambientata interamente a Genova. Insieme con un gruppo di artisti di diverse discipline crea il collettivo PLUR col quale organizza eventi a carattere sociale, agendo prevalentemente sulle periferie cittadine.

 
Elisa Rocca – Genova, 1982
Nata a, nonostante il suo percorso tutt’altro che artistico (ha conseguito la maturità scientifica e un diploma in scienze e tecniche grafologiche) ha sempre dedicato il suo tempo all’arte, dalla pittura alla musica. Nel 2012 ha cambiato radicalmente la sua vita iscrivendosi all’Accademia Ligustica di Belle Arti e dedicandosi interamente a ciò che le interessa: l’illustrazione e la fotografia. Dal 2014 ha iniziato a lavorare come assistente presso il TPW (Toscana Photographic Workshop) affiancando fotografi e grafici di fama internazionale, quali ad esempio Anders Petersen, Rena Effendi, Andrea Pistolesi e Teun Van Der Heijden. Nel 2013 la sua foto della collana “Antisofia”, disegnata da Fontana, viene pubblicata sul catalogo Phillips di New York e poco dopo inaugura la sua prima mostra personale presso la Galleria Capoverso di Genova, che ha come oggetto un mix di fotografia e pittura.

 
Francesca Smith – Chiavari, 1991
Vive tutta l’adolescenza a Sestri Levante dove sin da piccola le sue giornate casalinghe sono cadenzate da vecchi vinili di opere liriche che la madre custodisce come gli oggetti più preziosi che possa possedere insieme ai libri. Proprio la passione trasmessa dalla madre per l’Opera e il percorso intrapreso negli studi classici fanno si che Francesca s’innamori del teatro in tutte le sue accezioni e s’iscriva al corso di scenografia teatrale presso l’Accademia Ligustica di Belle Arti di Genova diplomandosi a pieni voti. Durante gli studi accademici sperimenta ed impara nuove tecniche rimanendo affascinata soprattutto dal mondo del cinema d’animazione d’artista, creando piccoli “haiku” rigorosamente fatti a mano e al ritorno alla “lentezza” con la tecnica d’incisione della xilografia trovando, con queste due nuove tecniche, il mezzo espressivo più affine alla propria emotività.

 
Francesca Tradii
Nasce in Emilia ma vive a Genova da dieci anni.
Frequenta il corso di scenografia teatrale all’Accademia Ligustica. Solo il penultimo anno riscopre la passione infantile per il cinema d’animazione grazie al maestro Paolo Bonfiglio, di cui diventa assistente a partire dalla partecipazione al festival Documentaria di Noto (CT). Realizza diversi cortometraggi sperimentando tecniche e linguaggi differenti, rigorosamente a mano, dei quali cura autonomamente anche la colonna sonora. Dopo la produzione di alcuni videoclip (Claudia Pisani, Mapuche) scopre il mondo del Vjing, nonché il gusto per l’esibizione live e la collaborazione con conoscitori di altri linguaggi, artistici e non. Il lavoro recentemente svolto ad Amburgo durante lo Stamp Festival, consacra definitivamente la necessità di essere parte di un processo creativo collettivo, a discapito della rivendicazione delle capacità del singolo e della sterile noia individualista.

dal 10 al 26 marzo 2017

Sala Dogana

progetto di Joel Cathcart
Inaugurazione 10 marzo, ore 18
 
Orari: dal martedì alla domenica ore 15-20
 
unwaltz.wordpress.com

Rizoma è un’esplorazione del paesaggio post-industriale in declino, in cui la nostra concezione rigida dello spazio urbano si scontra con l’ostinazione ciclica della natura: fiere forme geometriche si disintegrano lentamente in mezzo all’erbaccia, immerse nelle acque alluvionali, segnate dalla pioggia aspra…
 
Joel Cathcart è un artista poliedrico: compositore, pittore e raffinato autore di canzoni, originario di Belfast, da qualche anno ha scelto Genova come dimora dopo varie peregrinazioni per il mondo. Nel 2013 ha conseguito il suo dottorato in composizione presso la Queen’s University, dove ha studiato con Piers Hellawell. Il suo ultimo album in studio, Flotsam, è stato pubblicato il 22 febbraio 2017. La sua arte è ibrida, un groviglio di stili che unisce influenze sia tradizionali sia sperimentali.

16 febbraio – 5 marzo 2017

Sala Dogana

Inaugurazione 16 febbraio, ore 18
 
Orari: dal martedì alla domenica ore 15-20

Dicono che i fumatori di marijuana siano spesso pigri. Il loro eterno sognare li porta a fantasticare viaggi, siano questi terreni, come mentali e introiettati nell’immaginario allucinato di un momento. Due giovani artisti innamorati alla scoperta del Golden State, un’opera fotografica ipnotica che cerca lo spettatore disposto al viaggio interiore.
 
L’America è per tutti la terra delle grandi opportunità e delle grandi contraddizioni; la terra degli stereotipi, delle innovazioni tecnologiche, del melting pot, della musica country, della lobby delle armi.
Ma l’America è, innanzitutto, cinema allo stato puro, un posto dove iniziare tutto con niente, un’inesauribile fonte di creatività, di immagini che scorrono veloci fino quasi a stordirti.
Lo sanno bene Chiara Scabini e Stefano Pulcini, giovani artisti genovesi che raccontano il loro american trip nella mostra fotografica LAND OF PLEASURE in programma dal 16 febbraio al 5 marzo in Sala Dogana a Palazzo Ducale di Genova.
Le fotografie esposte sono state scattate tra New York, California, Nevada e Arizona in un periodo di circa tre mesi di viaggio on the road, di cui un mese trascorso a lavorare in un campo di marijuana (tra le montagne nel nord della California).
Rappresentano la caoticità sregolata dell’esperienza vissuta, influenzata anche dall’utilizzo della sostanza psicotropa.
 
“I soggetti delle nostre fotografie siamo noi ma anche amici, sconosciuti, paesaggi tipici americani e oggetti dalle forme e colori attraenti.” raccontano gli artisti. “La mostra inizierà con la serie dei ritratti che raffigurano noi e il resto del gruppo con cui lavoravamo. Sono state scattate l’ultimo giorno di lavoro, in un momento di pausa tra la fine di un’esperienza e l’inizio di un’altra.”
 
L’esposizione si conclude con la serie Every bed I slept with you, un’interessante progetto che raffigura – in ordine cronologico e in maniera “freddamente analitica” – tutti i letti in cui hanno dormito lungo il loro percorso.

Chiara Scabini nasce a Genova nel 1992. Dopo essersi diplomata al liceo scientifico Enrico Fermi, frequenta l’Accademia di Belle Arti di Genova dove arricchisce la sua passione per la fotografia, l’arte e scopre l’illustrazione digitale. In particolare, segue i corsi di fotografia digitale e analogica tenuti da Alberto Terrile, approfondendo uno stile documentaristico e di diario personale.
Durante il periodo universitario va in Erasmus a Madrid dove frequenta l’Escuela de Diseno Superior per 5 mesi.
Dopo la laurea, si trasferisce a Londra per 4 mesi e, in seguito, compie un viaggio di 3 mesi in California.
Tornata in Italia si trasferisce a Milano dove inizia a lavorare come grafica e fotografa per l’agenzia di comunicazione Cup Studio e come illustratrice per Alessandro Enriquez, stilista del brand di abbigliamento Italian Theory.
 
Stefano Pulcini nasce a Genova nel 1993. Si diploma all’istituto tecnico Vittorio Emanuele II – J. Ruffini come grafico pubblicitario scoprendo la passione per l’arte e la fotografia.
Frequenta il corso di Graphic Design all’Accademia Ligustica di Belle Arti di Genova, dove segue il corso di fotografia analogica e digitale tenuto da Alberto Terrile.
Nel 2016 lavora come grafico/videomaker/fotografo per Goa-Boa Festival. Nello stesso anno fa uno stage al TStudio di Timothy Costa.
Dal 2016 è attivo come videomaker e fotografo freelance e lavora con band musicali come ex-otago, l’ultimodeimieicani e altre realtà genovesi. Collabora anche come videomaker/grafico/fotografo per Yury Magazine.

13 – 29 gennaio 2017
Sala Dogana

Inaugurazione 13 gennaio, ore 18
Orario: martedì – domenica ore 15-20
Ingresso libero
 
Progetto di Silvia Mazzella
 

“Che bella che sei!”.
Quante volte nella vita ci siamo sentite dire questa frase.
Quante volte abbiamo risposto con un sorriso imbarazzato ed un timido grazie.
“Che bella che sei!”. Ma quanta differenza c’è tra la bellezza ed il sentirsi bella!
Quanto è difficile, oggi, partecipare come individuo alla visione di sé.
Siamo così assaliti da ‘immagini di bellezza’ che facciamo fatica a ritrovarla guardandoci allo specchio e a vedere qualcosa di altrettanto bello.
Ho studiato fotografia per tre anni, ed ero così presa dalla ‘finzione’ che può dare un set fotografico che ho perso nel tempo il mio ‘sentirmi bella’ quando mi pongo alla mia immagine riflessa.
Così ho chiesto, attraverso un annuncio sui social, di “partecipare” alla propria bellezza, di provare a intraprendere una relazione con la propria immagine attraverso una fotografia.
Si sono presentate 99 “bellissime” ragazze, che, davanti ad una fotocamera che le puntava dritta sugli occhi e sul cuore, si sono mostrate in tutto quello che volevano mostrarmi.
Tutte le 99 foto sono state realizzate in casa, con la fotocamera accanto alla finestra e con la sola luce naturale che illuminava i volti delle ragazze. Volevo dare il senso del momento in cui, noi, da sole ci mettiamo davanti ad uno specchio nella nostra intimità. Tutto il percorso con le ragazze è stato naturale, senza costruzioni, come se fossero venute in casa per prendere un semplice caffè e mettersi a confronto con se stesse.
Ad ogni sguardo verso l’obiettivo hanno combattuto la loro battaglia silenziosa, le mie bellissime guerriere.
Mi hanno mostrato tanto in quei 5 minuti di ‘ripresa’: Emozione, paura, insicurezza, forza e curiosità.
Con il loro coraggio, mi hanno lasciato la loro immagine sul computer, ma nel cuore, mi hanno regalato quel “sentirsi bella” che noi tutte avevamo dimenticato.
“99″ forti, personali, unici esempi di bellezza.

Silvia Mazzella
Nasce nella sua amata Genova l’8 ottobre del 1993. Frequenta il liceo artistico Paul Klee e si avvicina al mondo della pittura e del disegno. Continua gli studi presso lo IED di Milano
laureandosi in fotografia nel 2015. Il suo lavoro fotografico è incentrato sul ‘storytelling’ utilizzando come base la fotografia e applicando poi varie tecniche e mezzi come la scrittura, pittura e disegno. E’ attratta da tutto ciò che è storia o che potrebbe diventarlo, dai cartelloni pubblicitari, dai piccoli mercatini dell’usato fuori città, dall’odore della pioggia quando smette di scendere, dal fumo della sigaretta che si disperde nell’aria, dai cassetti chiusi di persone sconosciute, da domande a cui non smetterà mai di trovare una risposta diversa.

dal 10 al 31 dicembre 2016
Sala Dogana
 
Inaugurazione
venerdì 9 dicembre 18.00

A cura di Sabrina Marzagalli e Paolo Bonfiglio

Orari
martedì-domenica ore 15-20
chiuso il 25 e il 26 dicembre
ingresso libero

Parole chiave del percorso di mostra sono CORPO+MOVIMENTO. Le opere e le animazioni esposte rappresentano la fisicità e la corporeità delle tracce di un’azione nello spazio e nel tempo, il legame organico tra ciò che si fissa, si vede, si sente, si sa, si immagina.
 
Sette temi, sette archetipi permanenti della rappresentazione della figura umana (dall’autoritratto alla morte) sorpravvivono e si combinano nelle interpretazioni disegnate.
Sette azioni vitali, arrestate nell’immagine figurativa fissa, riscattano il loro movimento sprigionandolo nelle animazioni. Il tesoro del passato è un’eredità che contagia la creatività del presente.

Progetto di Accademia Ligustica di Belle Arti, a cura di Sabrina Marzagalli e Paolo Bonfiglio
con gli studenti
- del Laboratorio di Animazione d’Artista, i cui lavori compariranno “fisicamente” alle pareti e nella proiezione
Akrad Sadaf, Arigirò Andrea, Asborno Greta, Bacchin Lorenzo, Bassi Monica, Cipolletta Marco, De Cesari Elisa, Fanzio Sophie Mariso, Gabbrini Mattia, Gallesio Martina, Riccò Jacopo, Serra Paola, Skvaza Antonio, Spanu Martina, Tedeschi Elena, Vernetti Elisabetta
 
- Sonoristi compositori ed esecutori delle colonne sonore
Bartolena Alessandro, Del Torto Luca, Essomba Mebenga Jesus Nicolas, Junyent Mercades Marina, Mantovani Davide, Peker Ceren, Tagliamacco Claudio
 
- Seminario e video-documentari
Akrad Sadaf, Arigirò Andrea, Asborno Greta, Bacchin Lorenzo, Bassi Monica, Bignardi Rodolfo, Briganti Stefano, Camera Simone, Canale Bianca, Castania Monica, Chen Kun Min, Cherubini Marika, Cipolletta Marco, De Cesari Elisa, Fanzio Sophie Mariso, Gabbrini Mattia, Gallesio Martina, Li Ningning, Magi Valeria, Musinu Massimo, Nervi Elena, Pagano Paola, Parodi Dennis, Parodi Erica, Rebora Chiara, Riccò Jacopo, Robles Bueno Guillermo Andre, Sierra Paola, Skvaza Antonio, Spanu Martina, Tavano Irene, Tedeschi Elena, Tolomeo Anna, Vernetti Elisabetta, Wengler Anna
 
Immagine di cartolina realizzata da Marco Cipolletta

20 – 26 novembre
Sala Dogana
 
di Matteo Forli e Stefano Bertoli
 
Inaugurazione: sabato 19 novembre ore 18.30

20 ottobre, ore 17-22
Sala Dogana

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Un tavolo di confronto a livello nazionale tra operatori nell’ambito musicale e culturale, amministrazione pubblica, soggetti politici attivi, tecnici del settore, al fine di gettare le basi per un protocollo d’intesa volto allo sviluppo dell’industria della musica dal vivo nella città di Genova e al suo riconoscimento come fattore di crescita sociale, economica ed occupazionale. Una proposta che nasce dall’esigenza e dalla volontà di tanti soggetti operanti a diversi livelli di avviare processi culturali e di svago partecipativi, sostenuti, sostenibili e valorizzanti per il territorio e per la cittadinanza. Sulla scorta delle iniziative di rigenerazione urbana avviate dal Comune di Genova in stretta collaborazione con i Municipi e attraverso la condivisione di esperienze nelle aree urbane di Milano – con riferimenti a “Patto per la Musica” e “Linecheck Music Meeting” – e Foligno – sede di un festival vero modello per uno sviluppo produttivo sia culturale che territoriale – intendiamo raccogliere spunti e buone pratiche di semplificazione dei processi burocratici e di valorizzazione del patrimonio metropolitano identificando azioni concrete per la produzione e la fruizione di musica dal vivo a Genova.

Intervengono:
Carla Sibilla – Assessorato Cultura e Turismo, Comune di Genova; Luca Borzani – Palazzo Ducale Fondazione per la Cultura, Genova; Elena Fiorini – Assessorato Legalità e Diritti, Comune di Genova; Dino Lupelli – Elita / Linecheck, Milano; Andrea Minetto – Assessorato Cultura, Comune di Milano; Giampiero Stramaccia – Dancity, Foligno; Elisabetta Piccolotti – Consiglio comunale, Foligno; Maurizio Michelini – Ordine degli Ingegneri/Camera di Commercio, Genova; Marianna Pederzolli – Consiglio comunale, Genova
 
Moderano:
Irene Ravera – Municipio Medio Levante, Genova; Alessandro Mazzone – Associazione culturale Forevergreen.fmGenova/Milano; Maria Elena Buslacchi – Municipio Centro Ovest, Genova; Emanuela Caronti – Associazione culturale Linkinart, Genova; Simone Leoncini – Municipio Centro Est, Genova; Andrea Bosio – Associazione culturale Giardini di Plastica, Genova

Ore 21, a chiudere il pomeriggio di lavori in anteprima nazionale
LTW PROJECT live (Essij – Jo Choneca – Alex Cavalieri | synth, vocal drum)
 
INGRESSO LIBERO > consigliata la prenotazione > info@electropark.it

 

29 settembre – 16 ottobre 2016
Sala Dogana
 
Inaugurazione 29 settembre 2016, ore 18
 
Ingresso libero
Orario: dal martedì alla domenica ore 15-20
 

9 – 25 settembre 2016
Sala Dogana
 
Inaugurazione 9 settembre, ore 18
 
Ingresso libero
Orario: dal martedì alla domenica ore 15-20
 

15-31 luglio 2016
Sala Dogana
 
a cura di Valentina Marra
 
Ingresso libero
 
Orario mostra: dal martedì alla domenica ore 15-20
 
Inaugurazione 15 luglio 2016, ore 18
 

10 – 19 giugno 2016
Sala Dogana
 
Mostra ufficiale GELATI FANZINE FESTIVAL
a cura di Associazione Culturale Gossypium
 
Inaugurazione 10 giugno, ore 18
 
Orario: da martedì a domenica ore 15-20
 
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27 e 28 maggio 2016, ore 21
Sala Dogana
 
Rassegna di musica elettronica e video
 
a cura di Duplex Ride
 
ingresso libero
 

venerdi 27 maggio

 
“The Spherical Path”
a cura di Marina Larcher e Ilaria Testa
Un progetto che propone un live di musica elettronica con intrecci di voci suggestive, chitarra elettrica e percussioni, il tutto arricchito da un visual art atmosferico. Il collettivo dà vita a lunghe suite, in cui la propulsione di percussioni e suoni elettronici si aggiunge a maestose orbite di voci.
Con Ilaria Testa, Marina Larcher, Celeste Berardi, Davide Bruzzi, Thomas Crimi, Cecco Testa
 
Armenia
Armenia nel 2016 presenta i nuovi brani di “We Are Still Machines”, nel segno di una nuova integrazione uomo/macchine/gesto/danza. Per questo ha aperto da alcuni mesi una fortunata collaborazione di ricerca insieme al ballerino e coreografo Alekseij Canepa e alla sua creatura “Kseij Dance Company”, compagnia giovanile al femminile di danza contemporanea dello Studio Danza Alla Poilova che porterà a Genova l’1 Giugno 2016 alla rappresentazione della prima italiana dello spettacolo ” IO È “, presso il Teatro Rina e Gilberto Govi.
I brani elettronici già partoriti si sono assemblati nuovamente attorno alla performance delle giovani danzatrici e andranno a comporre il materiale definitivo dell’album, che verrà mixato presumibilmente a Settembre 2016 e uscirà in digitale per download e streaming su Bandcamp e i maggiori store online come iTunes.
“Balance”, “Like A Dervish” sono alcuni dei titoli che verranno presentati in anteprima. Nell’attesa, a Sala Dogana Armenia presenterà per la prima volta in assoluto, parte del materiale, arricchito dai nuovi visual, in una performance variopinta che spazierà dai brani più carichi di movimento a quelli più oscuri e introspettivi.
Il sito web ufficiale è Armenia Music: www.armeniamusic.it
 

sabato 28 maggio

 
“Ruins: Rovine e Macerie”
Mostra e videoinstallazione fotografica di Lidia Giusto
“Diventa rovina quello che, nel tempo, si trasforma al punto da apparire sotto forma di traccia, senza scomparire del tutto. La rovina è l’essenza dell’oggetto costruito e poi abbandonato. E’ il risultato della mancanza di cura su ciò che ne avrebbe, sempre, bisogno”.
Nelle rovine e nell’abbandono industriale, urbano, si avverte quasi sempre la vendetta della natura per la violenza subita dallo spirito, che altro non è che l’intero processo storico dell’umanità. Oggi la rovina, rispetto all’aura estetizzante che l’avvolgeva negli orizzonti settecenteschi e in quelli romantici, è sempre più la perturbante incarnazione dei tempi che viviamo, potente allegoria del mondo globalizzato e più che rammentarci la caducità di ogni cosa, diventa sempre più il simbolo che ci chiama ed un incondizionato e vigile principio di responsabilità.
Lidia Giusto (1984) fotografa utilizzando come mezzo di espressione un obiettivo, puntato sui chiaro scuri, sui pieni e sui vuoti, sulle forme e sugli spazi. Dedita alla fotografia dell’archeologia urbana e dell’industriale abbandonato, che la portano anche a viaggiare in Italia e all’estero, Lidia incentra la sua ricerca sulla contrapposizione tra la presenza e l’assenza, che traduce poi in un bianco e nero ad alta densità. Dove l’ombra è intesa come assenza di luce e la luce come assenza di ombra, come tempo trascorso, ma mai perduto, immortalato in quell’attimo in cui una linea netta traccia il confine tra il chiaro e lo scuro oppure si scioglie, laddove assenza e presenza si confondono. Un dogma di vita, insomma, che si traduce in immagini pulite, intense, assolute. Dice di sé: “La macchina fotografica è il prolungamento della mia mente, l’estensione del pensiero e dell’interiorità, che passando attraverso un obiettivo diventa inquadratura ed immagine” Inizia a fotografare da adolescente, avvicinandosi al tema degli abbandoni industriali e civili da oltre dieci anni. Ha partecipato ed esposto a numerose mostre e concorsi, personali e collettive, in Italia e all’estero.
Per contatti: Lidia Giusto Artista (Facebook) oppure lidia.giusto@libero.it
 

Aspera Project
E’ un progetto aperto, il cui nucleo sono le tracce sonore di Stefano Roffo ed i suoi interventi, su queste, con strumenti reali. Di volta in volta altri musicisti si associano all’operazione:
Stefano Bertoli eValerio Visconti, alle percussioni e tastiere, con la voce di Marta Defranchi.
 

Antwerp
Con un piede ad Hackney (Londra) ed uno a Genova, Antwerp è un compositore, multistrumentista per vocazione e scultore sonoro. E’ stato premiato dalla critica musicale per la sua originalità
nel mischiare musica classica, avanguardia ed elettronica. Improvvisando e collaborando con altri musicisti, Antwerp si propone di rivoluzionare il connubio tra immagine e suono dal vivo,
portando in primo piano il ruolo della musica e del suono nella narrazione cinematografica.
soundcloud.com/antwerpmusic
 

7 – 22 maggio 2016
Sala Dogana
 
Inaugurazione venerdì 6 maggio, ore 18.00
Opening friday 6 may, 6.00 pm
 
Orario di apertura dal martedì alla domenica, ore 15.00-20.00
Opening time /tuesday-sunday, 3.00-8.00 pm
 
Sabato 21 maggio ‘Notte dei Musei’ la mostra resterà aperta fino alle 22
 
Ingresso libero
Free entry
 
 
Venerdì 6 maggio alle ore 18 a Sala Dogana a Palazzo Ducale inaugura Monitoraggi 4.
Il progetto espositivo del Dipartimento di Comunicazione e Didattica dell’Arte dell’Accademia Ligustica, rivolto a mettere in luce le opere più interessanti fra quelle proposte dagli studenti e dagli
specializzandi, arrivato alla sua quarta edizione, si sposta a Sala Dogana, declinando la sua formula aperta in dialogo con lo spazio che a Genova ospita la giovane creatività.
Otto progetti, selezionati fra i molti presentati dai giovani artisti, abitano questi ambienti. Studiati site-specific, offrono uno sguardo non usuale sulla contemporaneità.
Sono installazioni nelle quali convivono disegni, fotografie, video, spesso il suono, frutto di ricerche magari partite dalla memoria e sviluppatesi nel tempo, di sperimentazioni sui media che ne rivelano la padronanza. Restituiscono suggestioni, ricordi, indagini sul mondo, introdotti da una breve traccia di parole dei professori, che con i giovani hanno sviluppato le idee e la mostra.
 
Alessandro Bartolena, Carlos Lalvay Estrada, Elisa Marengo, Francesca Migone, Paola Pedemonte, Paola Pietronave, Alessia Tezza, Adele Zunino presentano i più recenti esiti del loro lavoro, accompagnati ed introdotti dai testi di Simona Barbera, Alessandro Fabbris, Alessandra Gagliano Candela, Emilia Marasco, Cesare Viel.
Per alcuni punto di arrivo di un percorso pluriennale e nuovo punto di partenza per il futuro, per altri il ripetersi di un’opportunità che attesta il valore della loro ricerca artistica, “Monitoraggi 4” testimonia una collaborazione tra l’Accademia e Sala Dogana, che ci si augura ricca di sviluppi.
Accompagnata da un pieghevole progettato da due studenti del corso di Progettazione Artistica per l’Impresa dell’Accademia, Stefano Ferrando e Veronica Prili, la mostra resterà aperta fino al 22 maggio.
 
Info www.genovacreativa.it
telefono Sala Dogana 010 5573975 | 74806
 
Monitoraggi, the exhibition project of the Communication and Art Didactics Department , moves to Sala Dogana by bending its open formula to the rooms of the venue which hosts the young creativity. Monitoraggi 4 will be even more devoted to research and innovation.
 
progetto di/by Accademia Ligustica di Belle Arti
a cura di/ by Dipartimento di Comunicazione e Didattica dell’Arte
 

29 e 30 aprile, 27 e 28 maggio 2016, dalle ore 21
Sala Dogana
 
rassegna di musica elettronica e video
a cura di Duplex Ride
 

“A qualunque scala si osservi, l’oggetto presenta sempre gli stessi caratteri globali.”
Dalla geometria alla musica: FRACTAL.
29 e 30 aprile – 27 e 28 maggio
Quattro nuovissime serate elettroniche create da Duplex Ride per unire generi diversi, ma che osservati da una visuale qualsiasi, sono sempre esperimento.

Useless Idea
è il nome con cui l’artista audiovisivo Cesare Bignotti, inizia a comporre musica elettronica a metà degli anni ’90. Dal 2003 a oggi si esibisce in tutta europa, contraddistinguendosi sia sul lato visivo che su quello musicale, quest’ultimo è connotato da un mix personale di techno corrosiva, una forma ibrida di elettronica contemporanea, di diverse influenze: IDM, Acid, Ambient, Jungle ed’elementi di musica classica.
Non si può incasellare tutto, ma si tratta di qualcosa di molto personale e di grande impatto. I suoi live set sono progettati per creare un insieme vario e allo stesso tempo compatto, un percorso che ha un inizio e una fine, internamente coerente, tra ascolto e ballo. Nel 2006 fonda EVES Music, label di musica elettronica e nuovi suoni. Attualmente vive tra Genova e Londra.
www.evesmusic.it
 
Disaster Area
Iao Aea: Fretless Electric Bass
Claudio Ferrari: Electronics
Bruno Gussoni: Flutes
visual by Gianriccardo Scheri
Disaster Area è un gruppo aperto, attivo in una zona di confine tra la sperimentazione elettroacustica e l’improvvisazione totale. Presentano un lavoro basato sull’esplorazione del territorio sonoro:
partendo dal silenzio, ne segue le tracce acustiche scomponendole e ricomponendole fino alla ridefinizione dello spazio in cui i suoni si generano. Il carattere di improvvisazione dà luogo ad un risultato inedito e imprevedibile.
soundcloud.com/disaster-area
 
Deep_ups (Nicolò Capra)
È un giovane pioniere dell’elettronica sperimentale. Utilizza strumentazioni elettroniche che gli permettono di creare melodie e suoni contemporanei, passati e futuri, vicino alle tecniche e sonorità di molti artisti della scena elettronica contemporanea. Ispirato da Techno, Drum&Bass, Dub.
 
Luca Fucci
è un artista toscano che da anni milita in formazioni elettroniche di avanguardia, come Interferenze. A fine 2015 è uscito per QuaRock Records il suo disco strumentale solista “Hidden Scars” un crossover elettronico di emozioni in cui sintetizzatori, drum machines e pianoforte sono elementi imprescindibili gli uni dagli altri, attraverso i quali viene plasmato un decadente microcosmo a tinte scure in cui immergersi e perdersi senza pregiudizi.
Accolto con grande successo da pubblico e critica, “Hidden Scars” si presenta come una riflessione notturna offerta in maniera sincera e disarmante, all’interno della quale bassi elettronici profondi, droni inquieti, drum machines distorte, rumori disturba(n)ti, pianoforti melodici, cupi e gravi si alternano, incontrano e fondono per portare alla luce “cicatrici nascoste”.
L’attenta ricerca dei suoni attraverso sintetizzatori e macchine non è esercizio fine a se stesso, ma un mezzo per dare voce a sensazioni ed emozioni, senza bisogno alcuno di parole.
www.lucafucci.com
 
Valerio Visconti
Electro performer, pianista, tastierista, dj, artista moderno. Valerio Visconti è da sempre alla ricerca dell’innovazione nel campo della musica, spinto da una creatività che lo ha portato a molti risultati in diversi settori musicali. Dopo anni di concerti come pianista e un cd di sue composizioni, scopre i sintetizzatori e da lì non si staccherà più, arrivando a realizzare video di ricerca per l’Istituto Italiano di Tecnologia, partecipare alla creazione di nuovi dispositivi musicali, comporre colonne sonore per applicazioni e rivisitare quelle di lungometraggi storici. Il tutto in mezzo ad un’intensa attività di live e djset, in Italia e in Inghilterra, dove a breve uscirà il suo nuovo EP, “Blauer Regen”.
soundcloud.com/valeriovisconti
 
GEDRON (Gerardo Fornaro)
presenta a Sala Dogana il suo nuovo ep ” Lemur” realizzato con l’ausilio di 18 synth differenti sia analogici che digitali, con suoni del mondo animale campionati ed elaborati, in un percorso sonoro complesso difficilmente etichettabile come genere, piuttosto un muzak elettronico evocante suoni arcaici, ma dal ritmo a volte marziale o post industriale. I nuovi brani saranno arricchiti dalle straordinarie voci di Ilaria Testa e Patrizia Baita. LEMUR è il nuovo ep con 5 brani, che preannuncia l’uscita su vinile doppio, previsto per fine anno.
www.facebook.com/gedronsound
 
Duplex Ride è un’associazione culturale interessata ad ogni forma d’arte, che propone principalmente eventi di musica elettronica e videoproiezione. Duplex Ride è un’idea in movimento, è arte collettiva, è ricerca elettronica, è sperimentazione in tutte le sue forme, dalla pittura, alla fotografia, alla scrittura.
mail: dplxride@gmail.com
sito: duplexridegenova.wordpress.com
news: www.facebook.com/Duplexride
video live: www.youtube.com/DuplexRide

dal 30 aprile al 15 maggio 2016, Ducale Spazio Aperto
La premiazione avverrà, in concomitanza con l’inaugurazione della mostra, venerdì 29 aprile 2016 alle ore 18 nello stesso spazio
 
Per ricordare il pittore, illustratore, incisore, scenografo e umorista genovese Sergio Fedriani (1949-2006), illustre esponente della figurazione poetica e surreale, l’Associazione culturale a lui intitolata propone annualmente un concorso per giovani artisti, volto a segnalare personalità emergenti nei campi della produzione figurativa fantastica.

4 – 26 marzo 2016
Sala Dogana
 
Inaugurazione venerdì 4 marzo, ore 18
 
Orario: mar-dom ore 15-20
 
Ingresso libero
 
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12 – 28 febbraio 2016
Sala Dogana
 
Progetto di Alessio Ursida
A cura di Samsung Italia
 
inaugurazione venerdì 12 febbraio, ore 18
 
Orario: mar-dom, ore 15-20
 
ingresso libero

5 – 20 febbraio 2016
Ducale Spazio Aperto
 
un progetto di Accademia Ligustica di Belle Arti
 
a cura di Antonino Cerda, Massimo Chiappetta, Alessandra Gagliano Candela, Sabrina Marzagalli, Pietro Millefiore, Cesare Viel
 
inaugurazione 5 febbraio 2016, ore 17.30
 
ingresso libero
 
Orario: 15-19
 
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Venerdì 5 febbraio 2016 alle ore 17.30 nella sala “Ducale Spazio Aperto” si inaugura la mostra “CORPUS SAPIENS”, che presenta opere dei giovani artisti dell’Accademia Ligustica di Belle Arti che hanno come tema il corpo umano. La mostra anticipa l’ esposizione “BODY WORLDS”, della quale costituisce, per così dire, il controcanto.
Soggetto/oggetto della ricerca e dello studio accademico, il corpo si propone in “CORPUS SAPIENS” in un’ottica ampia e per molti versi inusuale. Dal disegno alla fotografia, al video, alla scultura, alla performance torsi, figure intere ferme o in movimento, parti del corpo umano , gesti, azioni, espressioni offrono punti di vista sempre diversi.
I lavori di Federica Benvenuto, Serena Loprevite, Valentina Marra,Caterina Piccardo, Stefano Pieri Vincentelli, Ciro Piscitelli, Enrica Scimone Carbone, Alessandra Stanga,Alessia Tezza testimoniano la vitalità di un’indagine che si rinnova continuamente, generando lavori che presentano il corpo nella sua molteplice essenza, dalla presenza fisica al simulacro. Un percorso che l’opera collettiva composta da disegni di particolari anatomici ben testimonia.
Curata da Antonino Cerda, Massimo Chiappetta, Alessandra Gagliano Candela, Sabrina Marzagalli, Pietro Millefiore, Cesare Viel, la mostra prevede alcune azioni performative, che avranno luogo durante il periodo di apertura in un dialogo aperto con le opere esposte, alcune delle quali sono a loro volta frutto di una performance.
“CORPUS SAPIENS” propone quindi il corpo “accademico” attraverso il filtro della sensibilità delle nuove generazioni. Uno sguardo artistico che comprende e supera il dato anatomico, presentato nella sua complessità dalla mostra “BODY WORLDS” dal 18 febbraio 2016 – Magazzini del Cotone – Porto Antico
 
www.genovacreativa.it
www.genova.bodyworlds.it
 

21 gennaio – 7 febbraio 2016
Sala Dogana
 
un progetto di Alice Merlo e Valentina Marzi
 
ingresso libero
orario: martedì alla domenica, dalle 15 alle 20
 
 Scarica la cartolina
 
Giovedì 21 gennaio 2016, alle ore 18, inaugura in Sala Dogana la mostra Diritti e pregiudizi – ieri e oggi a cura di Alice Merlo e Valentina Marzi, realizzata con la collaborazione artistica di Martina Spanu e il sostegno di Arcigay Genova – Comitato Approdo Ostilia Mulas.
L’evento inaugurale vedrà la partecipazione delle curatrici, delle artiste e di Claudio Tosi presidente di Arcigay Genova.
Le opere di illustrazione, fotografia e video presentate in ‘Diritti e pregiudizi – ieri e oggi’ mettono in parallelo i fatti storici riguardanti le persecuzioni avvenute durante la Seconda Guerra Mondiale e le minoranze discriminate ancora oggi: Donne, Omosessuali, Disabili, Ebrei e minoranze religiose, Rom e Sinti.
La mostra vuole costituire un momento di ricordo e riflessione in occasione della Giornata della Memoria, che non può e non deve ridursi a un momento commemorativo, ma sensibilizzare su quelle che sono problematiche contemporanee. “Affrontando le disuguaglianze, le persecuzioni e le ingiustizie passate ci siamo ritrovate a riflettere su quella che è la nostra società e sulle sue problematiche. Speriamo che anche il visitatore sia spronato a fare altrettanto” è la dichiarazione della co-curatrice Alice Merlo.
 
Alice Merlo è responsabile del comitato Politiche di Genere di Left Lab Genova.
Valentina Marzi è illustratrice, fumettista e fotografa freelance.
Martina Spanu è studentessa in Pittura presso l’Accademia Ligustica di Belle Arti di Genova.
 
La mostra ha ottenuto i patrocini di ANED – Associazione Nazionale Ex Deportati e di Arcigay Genova, ed è parte del programma di eventi che ogni anno il Comune di Genova organizza e promuove per la Giornata della Memoria.
 
Info
Comune di Genova – Assessorato Cultura e Turismo
Progetto Sala Dogana. Giovani Idee in Transito
saladogana@comune.genova.it

010 5573975 | 74806
www.genovacreativa.it; www.palazzoducale.genova.it
FB Sala Dogana Genova

X PREMIO “SERGIO FEDRIANI” 2016
 
CONCORSO PER OPERE FIGURATIVE
“LA VITA È SOGNO”
WELCOME: LE GIOIE DELL’AMICIZIA
 
L’Associazione Culturale “Sergio Fedriani”, in collaborazione con Palazzo Ducale Fondazione per la Cultura e con i patrocini del Comune di Genova e dell’Associazione Autori di Immagini, bandisce la decima edizione del concorso per giovani artisti destinato a rendere omaggio all’arte figurativa fantastica.
Per ricordare infatti il pittore, illustratore, incisore, scenografo e umorista genovese Sergio Fedriani (1949-2006), illustre esponente della figurazione poetica e surreale, con questo Concorso l’associazione a lui intitolata intende segnalare personalità emergenti nei campi della produzione d’immagini, assegnando nelle sue successive edizioni riconoscimenti a giovani artisti operanti nei campi dell’illustrazione, della pittura, dell’umorismo, dell’incisione e della scenografia.
 
Deadline 7 marzo 2016 – ore 18
 
 Scarica il bando

2 dicembre 2015, ore 17.30
Sala Camino, Palazzo Ducale
 
Pratiche di riuso e riciclo per lo spazio urbano e nel design
Il concetto di riuso: una breve introduzione
prof. Adriano Magliocco – Dipartimento di Scienze per L’architettura dell’Università di Genova
L’esperienza di RICICLAB
proff. Rossana Raiteri, Fausto Novi, Andrea Giachetta – DSA Università di Genova
Pratiche di riciclo nel Design
prof.ssa Raffaella Fagnoni – DSA Università di Genova
Generazione (da) Recupero
Margherita Del Grosso, Studio MaDG
Le idee e le pratiche del Gruppo Informale
Elisabetta Lo Grasso e Stefano Boccardo

24 novembre 2015, ore 17.30
Sala del Camino, Palazzo Ducale
 
MED-3R | REUSE e Città dei Mestieri presentano il primo incontro nell’ambito di
 
“Recycle ensemble: idee,risorse, materiali per l’educazione ed il lavoro”
Riciclare e riusare cambia: fornisce materiale creativo per l’insegnamento ed il tempo libero, sostiene nuovo lavoro creativo e sociale, caratterizza sempre più le competenze di chi lavora nello spazio pubblico e nel design. Due incontri ravvicinati con i racconti delle migliori esperienze in campo a Palazzo Ducale.
 
A cura delle associazioni in rete di Palazzo Verde – Al verde, Amici della Bicicletta, Festival della Scienza, Legambiente Liguria Onlus, Matermagna, Sc’Art! Centro Re Mida Genova, Terra! Onlus, Terre di Mare, Muvita – e con la partecipazione di San Benedetto – Fabbrica del Riciclo

20 novembre – 10 gennaio 2016
Sala Dogana
 
A cura di Lucas Cuturi
 
Inaugurazione: venerdì 20 novembre, ore 18
 
Orario: dal martedì alla domenica, ore 15-19
 
La terza mostra europea itinerante del progetto CreArt approda a Genova a partire dal 20 novembre.
Dopo le tappe di Pardubice (Repubblica Ceca) e Linz (Austria) i 20 progetti artistici di altrettanti artisti e collettivi provenienti da 12 città partner del progetto verranno esposti in Sala Dogana e Ducale Spazio Aperto, presso Palazzo Ducale, Palazzo Bianco e Museo d’Arte Contemporanea di Villa Croce.
Secondo il curatore internazionale Lucas Cuturi, le opere d’arte degli artisti selezionati per questa esposizione si confrontano con la vita e i problemi delle diverse città di tutta Europa, e anche oltre. A questo scopo alcuni artisti hanno lavorato sulle proprie città di provenienza mentre altri hanno riflettuto su città con le quali hanno un legame particolare, o perché vi hanno passato un po’ di tempo o perché ci vivono tuttora.
Alcuni artisti affrontano aspetti sociali, interrogandosi sull’identità degli abitanti e a volte anche sul loro destino individuale; altri hanno indagato direttamente le vicinanze a loro più prossime, le architetture in cui vivono e la vita che li circonda. Anche gli animali che popolano la città sono diventati un tema da approfondire.
Uno degli ambiti principali scelto da alcuni artisti è stato quello dell’effetto della crisi economica che gli abitanti devono affrontare, ma nella speculazione artistica si ritrovano parzialmente anche il traffico e i problemi causati dall’inquinamento ambientale mondiale. Alcuni di questi lavori hanno affrontato il tema dell’esodo rurale, altri hanno evidenziato aspetti storici. I mezzi artistici usati spaziano dal video alla fotografia, alla pittura, alla scultura, all’installazione.
 
L’inaugurazione avverrà secondo il seguente calendario:
Venerdì 20 Novembre
Ore 18.00 Sala Dogana e Ducale Spazio Aperto
Ore 19.00 Palazzo Bianco
Ore 20.00 Museo d’Arte Contemporanea Villa Croce
In occasione dell’inaugurazione della mostra tutti i rappresentanti delle città partner si incontreranno a Genova per discutere sugli sviluppi e sulle prossime attività del progetto.
 
Gli artisti
Sono stati invitati a partecipare alla mostra artisti che vivono, studiano o lavorano nelle città partner del progetto. Gli artisti selezionati sono:
Mihai Salajan e Sergiu Sas – Arad (Romania)
Hermano Noronha – Aveiro (Portogallo)
Leonard Sherifi e Luca Staccioli – Genova
Iochom Zsolt – Hargita (Romania)
Simona Zemaityte – Kaunas (Lituania)
Petter Solberg – Kristiansand (Norvegia)
Rossella Piccinno – Lecce
Evalie Wagner, Teresa Fellinger, Martin Sturm e Markus Hofer – Linz (Austria)
Jan Zdvorak, Lukas Hajek and Officity – Pardubice (Reubblica Ceca)
Belen Rodriguez e Patricia Sandonis – Valladolid (Spagna)
Jonas Anicas – Vilnius (Lituania)
Maja Rozman e Luisa Margan – Zagreb (Croazia)
 
Cosa è CreArt
 
CreArt è un progetto quinquennale finanziato dal programma Cultura 2007-2013 della Comunità Europea e che ha come obiettivo la promozione della creatività all’interno della rete di città partner. Il progetto mira a raggiungere i suoi obiettivi attraverso l’organizzazione di mostre itineranti, workshop con artisti famosi, scambio di buone pratiche, organizzazione di programmi di residenze per artisti, conferenze e studi. La rete del progetto CreArt è costituita oltre che da Genova, dalle città di Valladolid (Spagna), Arad e Hargita (Romania), Aveiro (Portogallo), Delft (Olanda), Kristiansand (Norvegia), Kaunas e Vilnius (Lituania), Lecce, Linz (Austria), Pardubice (Repubblica Ceca), Zagabria (Croazia).
 
Info: www.creart-eu.org – creart@comune.genova.it

13 – 15 novembre 2015
Sala Dogana
 
inaugurazione: 12 novembre 2015
 
Le Conclusiones, pubblicate da Giovanni Pico della Mirandola nel 1486, contengono un’ambiziosa silloge del pensiero universale. Al loro apparire provocarono scandalo.
Vietate dalla Chiesa di Roma, furono il primo libro a stampa bruciato dall’Inquisizione. Giulio Busi, esperto di ebraismo, e Silvana Greco, sociologa della cultura, hanno avuto l’idea di far incontrare questo testo fondamentale del Rinascimento con l’arte di Emilio Isgrò, uno dei grandi agitatori della cultura italiana contemporanea. Le Conclusiones interpretate da Isgrò sono un omaggio all’inquietudine del Quattrocento italiano e una sfida per una rinascita dell’arte attraverso la critica e l’ironia.
 
A cura di Giulio Busi e Silvana Greco.

10 novembre 2015, ore 19
Sala Dogana
 
Presentazione del progetto e della campagna di crowdfunding
 
BIRDS presentazione del progetto e della campagna di crowdfunding
 
ingresso libero
 
Martedì 10 Novembre alle ore 19 presso Sala Dogana a Palazzo Ducale, Genova avrete la possibilità di conoscere il progetto Birds ed assistere all’apertura della campagna di crowdfunding che lo sosterrà,attraverso la presentazione degli ideatori e realizzatori.
Grazie ai disegni, alle immagini in movimento e alle installazioni sonore, vi immergerete in un mondo poetico ed evocativo.
Birds è un film lirico di animazione, integralmente disegnato a mano ed indipendente. Quattro creativi sparsi per il mondo si sono incontrati a Genova per portare avanti questo ambizioso progetto che li vede tutti coinvolti sia come produttori che realizzatori.
Stiamo parlando di Alexandru N Teodorescu (animatore) e la preziosa collaborazione di Nanaue (Matteo Nahum e Emiliano Deferrari – musica/scoring) e Guido Affini/Doshin Studio (sound design). La perfetta sinergia dei quattro ha creato e continua a creare una poesia che può essere definita visionaria. Infatti tutto ciò che viene prodotto lascia spazio all’ ascolto delle immagini e non solo alle parole del segno.
 
Dicono gli Autori: “Ci sono ancora tante storie da raccontare, della bellissima musica da scrivere e l’ambiente sonoro da creare! Per questo motivo abbiamo deciso di lanciare la campagna di crowdfunding, per poter proseguire e concludere il film. Crediamo che le persone possano rispecchiarsi in Birds e nel suo mondo perché parla di tutti noi, dei nostri mondi immaginari e reali.
Birds ha bisogno di voi, del vostro sostegno, per andare avanti e continuare a credere che un progetto auto-prodotto, libero è ancora possibile”
 
Il film illustra un frammento del panorama urbano moderno percepito attraverso gli occhi di un uomo povero che non ha nulla da perdere, né da guadagnare. Esso vaga per la città incontrando involontariamente situazioni che porteranno lo spettatore a focalizzarsi sulle cose a cui spesso si dà poca importanza.
Attraverso lo sguardo ed i passi del povero, cammineremo nelle viuzze strette con edifici dalle finestre alte e lunghe, nelle piazze affollate, sotto la pioggia autunnale ma anche alle origini dell’umanità stessa; attraverseremo un labirinto di colori, linee, rumori e musica in cui il protagonista è l’uomo, tutti noi.
I dialoghi vengono sostituiti dalla musica e dal suono che insieme al disegno vogliono raggiungere il linguaggio universale della poesia visiva.
Il film ci mette davanti ad un intreccio fra la vita quotidiana vissuta secondo rigide logiche sociali e la vita interiore, empirica, governata da sentimenti, istinti e memoria!
Il nome Birds nasce con i 2 uccelli che portano lo spettatore attraverso lo spazio e il tempo e con il loro battito d’ali raccontano in silenzio la poesia dell’uomo.

7 novembre 2015, ore 18-21
Sala Dogana
 
RASSEGNA DI MUSICA ELETTRONICA E VIDEO
 
Ingresso libero
 
Duplex Ride e Marmeria Studio sono due associazioni culturali nate nel territorio genovese che operano nel campo delle arti, con particolare focus sulla musica elettronico/acustica ed il video.
La rassegna di musica elettronica che si terrà il 7 novembre in Sala Dogana a Genova è la prima collaborazione tra le due entità.
L’obiettivo di questa unione è la diffusione e la sensibilizzazione verso una creatività prettamente autoctona che difficilmente troverebbe spazio nel nostro territorio.
 
Duplex Ride
E’ un’associazione culturale interessata ad ogni forma d’arte.
Essa è incentrata principalmente in eventi di musica elettronica e videoproiezione.Duplex Ride è un’idea in movimento, è arte collettiva, è ricerca elettronica, è sperimentazione in tutte le sue forme, dalla pittura, alla fotografia, alla scrittura.

https://duplexridegenova.wordpress.com/

www.facebook.com/Duplexride

 
Marmeria Studio
E’la base operativa di Wo land un’etichetta indipendente, il cui intento e’ quello di produrre musica sperimentale per i piu differenti contesti e scenari. Gli Artisti, ognuno con un forte e diverso background, sono uniti da una visione comune, mossa da una percezione ritualistica del suono ed un rispetto sacrale per le sue vibrazioni, le quali spingono l’uomo alla danza, vista come potentissima celebrazione collettiva in grado di portarci oltre, altrove. Forte e’ la componente narrativa e peculiare di ogni musicista, che attraverso sonorità astratte e sperimentali, produce musica destinata al contatto diretto con le orecchie o possibili accompagnamenti ad opere di video-arte, performance o in generale per base ed interazioni con altre realtà musicali ed artistiche.
 
www.facebook.com/marmeria.studio
www.facebook.com/wolandrechords

Programma:
 
Duplex Ride
 
18:00
STEFANO BERTOLI
presenta K-N
“real time audio visual manipulation micro pulses, digital electronic drones, bit reduced landscapes”
www.facebook.com/khnshs
 
Marmeria
 
19:00
Anto Milotta e Zlatolin Donchev
proiezione di “MONVMENTVM”
www.antomilotta.altervista.org/Monumentvm.html
 
19:30
Sea Feel
Sea Feel è il progetto solista di Matteo Traverso iniziato nel 2012 a Genova.
Ha prodotto due EP gemelli, “Water by day” e “Water by night”, scaricabili gratuitamente da Bandcamp e una serie di b-sides in continuo aggiornamento su Soundcloud.
www.facebook.com/SeaFeelMusic
www.seafeel.bandcamp.com
www.soundcloud.com/travve
 
20:00
Modus
live electronic con le musiche dell’album di debutto “QUATTRO”
www.soundcloud.com/modusperiod
www.facebook.com/modus.electronic
 
20:30
Massprod – Earquake
software and hardware live electronic
www.soundcloud.com/massprod

“CCBur Restyling” e “CCBur Call for ideas”:
azioni per valorizzare il Centro Civico Buranello di Genova Sampierdarena
 
Uno spazio dedicato alla creatività giovane e alla produzione culturale emergente
 
Il Comune di Genova – Direzione Cultura e Municipio II Centro Ovest – con Palazzo Ducale Fondazione per la Cultura sono promotori di azioni per la valorizzazione il Centro Civico Buranello di Genova Sampierdarena.
 
La prima è il bando “CCBur Restyling”, attuato in collaborazione e con il patrocinio del GAI – Associazione Circuito Giovani Artisti Italiani, finalizzato ad un restyling funzionale del Centro Civico per rinnovarne l’immagine e per caratterizzarlo come spazio dedicato alla creatività giovane e alla produzione culturale emergente.
Scadenza del bando 15 gennaio 2016.
 
Per saperne di più:
 ccbur_2015_restyling_allegato_3_planimetrie.pdf
 ccbur_2015_restyling_allegato_a.pdf
 ccbur_2015_restyling_allegato_b.doc
 ccbur_2015_restyling_allegato_c.doc
 ccbur_2015_restyling_bando.pdf
 ccbur_2015_restyling_proposta_determina_ge.pdf
 
La seconda, è la call senza scadenza “CCBur Call for ideas” che propone a giovani creativi l’utilizzo temporaneo e regolamentato di alcuni degli spazi del Centro Civico dove organizzare mostre, workshop, incontri, proiezioni, installazioni, spettacoli, performance; possono partecipare talenti e creativi di vario genere e natura, che hanno voglia di lavorare al cambiamento del CCBur, reti, collettivi, associazioni, singoli. Le proposte devono essere rivolte prevalentemente ad un’utenza giovane e coinvolgere in maniera diretta e attiva protagonisti giovani ed emergenti.
 
Per saperne di pù:
 ccbur_ideas_2015_condizioni_di_partecipazione.pdf
 ccbur_ideas_2015_modulo.doc
 ccbur_ideas_2015_partecipazione_call.pdf
 ccbur_ideas_2015_proposta_determina_ge.pdf

19 al 31 ottobre 2015
Sala Dogana
 
Orari: da martedì a domenica ore 15- 20, ingresso libero
inaugurazione: lunedì 19 ottobre 2015 ore 19
 
A pochi giorni dalla partenza per Milano città sede della 17° edizione della Biennale dei Giovani Artisti dell’Europa e del Mediterraneo – BJCEM, dal 22 al 26 ottobre presso La Fabbrica del Vapore, gli artisti liguri CARATTERIMOBILI, NUVOLA RAVERA, LEONARD SHERIFI, STE TIRASSO selezionati per l’evento internazionale presentano in Sala Dogana un assaggio delle loro produzioni.
 
“Restoryant”, 2015 di Caratterimobili
Antologia di short stories.
Progetto del collettivo Caratterimobili e a cura di Ester Armanino selezionato per Young Artists Biennale ‘No food’s land’ – Sezione Letteratura.
Restoryant è il primo ristorante che serve storie, con un’ampia scelta di capitoli inclusi in un menù personalizzabile: fino a 4096 combinazioni di storie per soddisfare tutti i gusti e palati!
Restoryant è anche una performance di Sara Sorrentino, con la partecipazione di Renato Carpi e le riprese di Alessandro Bellagamba.
Caratterimobili è un collettivo di scrittura e altre cose mobili formatosi nel 2015 all’interno della scuola di scrittura “Officina Letteraria” di Genova fondata da Emilia Marasco, autrice per Mondadori Editore e insegnante presso l’Accademia Ligustica di Belle Arti. Caratterimobili è attualmente composto da Michele De Negri, Irene Buselli e Tilahun Bertocci, con la supervisione di Ester Armanino, architetto e autrice per Giulio Einaudi Editore. Caratterimobili sperimenta varie forme di narrazione per trovare modi originali e divertenti di leggere e scrivere.
 
“Pink Elephant, un torrente da una pietra” di Nuvola Ravera
Pink Elephant, un torrente da una pietra è un esperimento, una mostra, un libro, un invito, un viaggio.
Il titolo scelto per questo progetto stravolge il senso tradizionale dell’espressione, facendo riferimento ad uno stato allucinatorio “lucido” non indotto da sostanze, ma raggiungibile dall’uomo in quel limbo che si trova tra il sonno e la veglia. Nuvola Ravera fa sua la volontà di totale immersione nel sogno come base dello studio dei meccanismi universali dell’animo umano e presenta in Sala Dogana un riassunto di reperti del progetto che raccoglierà nel tempo personali elaborazioni sul tema del mondo ipnagogico e i contributi di altri artisti di diverso genere stimolando ad una coraggiosa esplorazione in grado di combattere la paura di quello che realmente si sa e che spesso nemmeno si sospetta.
Nuvola Ravera è nata a Genova nel 1984. Il suo corso di studi, incentrato sulle arti visive, si intreccia con la sua vita costituita da lunghi periodi di viaggio in comuni anarchiche autogestite che nascondevano un forte spirito conservatore di superstizioni, tradizioni e narrazioni. Questo le ha permesso di sviluppare un vasto campo di interessi che passa attraverso la ricostruzione di cose dimenticate, il racconto di folclori e le abitudini di gruppi specifici di persone; da questo è nato il desiderio di trovare nuovi simboli da utilizzare in un presente condiviso attraverso il quale rimodellare la storia antica di tutti e di ciascuno.
 
“Overload” di Leonard Sherifi
Il diritto al cibo inserito nella dichiarazione Universale dei Diritti Umani pare più che mai una farsa. Milioni di persone continuano a morire di fame mentre i colossi dell’industria del cibo speculano su cosa, quanto e a che prezzo mangerà chi se lo può permettere.
Overload intende rappresentare l’industria del cibo spietata nel fare commercio anziché nello sfamare il mondo e farlo vivere in salute.
Un triste paradosso, un benessere fittizio acquisito senza il riguardo per l’ambiente in cui apparteniamo.
Leonard Sherifi
Nato a Kucove (Albania) nel 1984, è un multi-media artist. Il suo lavoro propone una riflessione sul rapporto tra la dimensione umana e quella artificiale.
Documenta il rapporto tra la visione organica del mondo naturale e biologico e la sintesi astratta della società post-moderna contemporanea.
 
World Wide Food di Ste Tirasso
Il bagaglio culturale di un popolo è composto da molti elementi diversi, e uno dei principali è certamente la cucina. WWF – World Wide Food esplora le tradizioni culinarie di ogni paese illustrandone una ricetta tipica, dalla preparazione al piatto concluso, fondendo elementi tradizionali e peculiarità visive della cultura autoctona assieme al cibo stesso, in tavole illustrate che mirano a cogliere l’identità del paese attraverso la sua tradizione gastronomica.
Ste Tirasso è un illustratore genovese di 23 anni. Dopo essersi diplomato a Torino in Illustrazione, ha iniziato a lavorare come freelance nel settore pubblicitario ed editoriale. Ha collaborato con diversi magazine e pubblica regolarmente storie a fumetti sul premiato sito di fumetti “Verticalismi”.
Ha esposto in mostre collettive e personali in tutta Italia, dipingendo dal vivo in performance artistiche.

Info
Comune di Genova Assessorato Cultura e Turismo
Progetto Sala Dogana. Giovani Idee in Transito
www.genovacreativa.it
saladogana@comune.genova.it
010 5573975 | 74806
FB Sala Dogana Genova

17 ottobre 2015, ore 14-20
Sala Dogana
 
Workshop + progetto europeo “Crossing the borders”
 
 Scarica il programma
 
Electropark è un festival di musica elettronica alla 4a edizione che si tiene a Genova i giorni 16 e 17 ottobre in diverse location del centro cittadino. In programma l’anteprima italiana di SUMS con il producer techno tedesco Kangding Ray e Barry Burns tastierista e chitarrista dei Mogwai, il dj newyorkese Joey Anderson, gli italiani Marvin & Guy, gli spagnoli Golden Bug e altri.
Live, concerto, dj set, workshop.
 
Tutte le info del festival su www.electropark.it e evento facebook
 

11 settembre – 11 ottobre 2015
 
Dopo Palazzo Verde con l’esposizione delle migliori opere ottenute da materiali plastici di scarto prodotte dagli artisti Tvrtko Buric, Leonard Sherifi, Ordinariamministrazione e l’installazione FLIP FLOP ORGAN di MaDG Studio, prosegue con ARACNOMACHIA e CAOS SWIM il programma di esposizioni, installazioni e attività artistiche previste da REUSE [re-use] _ Azioni per il riciclo creativo della plastica.
INAUGURAZIONE e presentazione alla Stampa: venerdì 11 settembre, ore 18
Sala Dogana, Palazzo Ducale
Ingressi da piazza Matteotti e Cortile Minore
 
REUSE [re-use] si inserisce nel progetto strategico MED-3R ‘Piattaforma strategica euro mediterranea per la corretta gestione dei rifiuti’, che riunisce 15 Partner provenienti da 5 Nazioni diverse più 7 partner associati e si colloca tra le azioni pilota che coinvolgono direttamente la città di Genova. Il suo obiettivo principale è quello di sviluppare una strategia innovativa di valorizzazione dei rifiuti plastici attraverso un approccio artistico che, con la realizzazione di esposizioni, installazioni e interventi urbani, sia anche capace di innescare un impatto forte in termini di sensibilizzazione alle tematiche legate al trattamento sostenibile e al riciclo dei rifiuti.
 
ARACNOMACHIA
Installazione urbana che da Palazzo Ducale arriva a Palazzo Verde, attraverso via San Lorenzo e via Turati; ragni in materiale plastico di scarto risaliranno le facciate degli edifici e non solo.
 
Dar vita a tutto ciò che può essere riciclabile è la caratteristica che governa le opere di Labadanzky u.a.m., collettivo di giovani artisti genovesi nato nel 2011. Toccando tematiche relative all’arte relazionale e unendo lo stile tipico della street art, i Labadanzky creano opere visionarie plasmandole al territorio urbano con lo scopo di catturare l’attenzione e la curiosità del passante, interrompendo così il continuum spaziale e concettuale del tessuto cittadino. Lo stile futuristico contraddistingue le loro opere portandoli in un’altra dimensione come nel progetto “Aracnomachia”.
 
In un mondo che si abbandona completamente ai propri consumi, inaspettati e misteriosi ospiti risalgono alla luce. Un’invasione di rifiuti genera un’invasione di ragni. L’ecosistema reagisce e l’uomo combatte una situazione che egli stesso ha creato.
L’umanità riuscirà a rimediare ai propri errori, o sarà “Aracnomachia”?
 
Documentazione video/fotografica dell’ installazione su: https://www.facebook.com/LABADANzky
labadanzky.unpoliteartmachine@gmail.com
 
CAOS SWIM
Ideata e realizzata dal giovane creative designer Walter Morselli per gli spazi di Dogana, l’installazione trasforma la Sala delle colonne in un mare multicolor di sacchetti di plastica.

“Incubi di plastica che ti accerchiano la mente, verità che rincorro ogni giorno…”
Caos Swim è un’installazione artistica capace di suscitare l’emozione di disagio e soffocamento che stiamo apportando al nostro pianeta. Un percorso in cui si dovrà “nuotare” nel Caos.

::: About Walter Morselli
“Esplorare, Sperimentare e Creare, questo è il mio processo”

Walter Morselli, esteta poliedrico, definito grande esploratore del mondo, sempre alla continua ricerca del “bello”.
In lui arte e vita si mescolano creando armonia tra la natura sensuale di un individuo veramente artista e la cruda realtà.
Avendo intrapreso numerosi viaggi e vissuto in stretto contatto con la verità, è stato fortemente segnato dalla vita umana, nettamente discordante da quella descritta dai media.
In lui, il valore assoluto è l’evasione da questa società artificiale ricercando i valori fondamentali dell’essere umano.
La sua personalità, infine, viene espressa durante le Esibizioni Artistiche, dove si diverte a provocare cercando l’attenzione del pubblico per divulgare una visione differente della vita.

CAOS SWIM è realizzato con la collaborazione di:
Bertuzzi, Color Service Snc, Volta la carta, Tipografia Grafica KC e Grafiche G7

Prosegue con FLIP FLOP ORGAN il programma di esposizioni, installazioni e attività artistiche previste da REUSE _ Azioni per il riciclo creativo della plastica, progetto nell’ambito del programma strategico MED-3R.

Venerdì 31 luglio inaugura l’installazione “Flip Flop Organ” realizzata e disegnata da MaDG Studio – Margherita Del Grosso, con Greta Solari, Andrea Silvestri, Emanuela Roascio – giovane studio internazionale di architettura con sede a Genova.

L’evento avrà inizio alle ore 17:30 con una presentazione al pubblico e alla stampa e alle 18:00 con la performance musicale di Olmo Andress Manzano Anorve e Marco Fossati – progetto “Ritmiciclando” del Laboratorio di Ripercussioni Sociali – che per primi sperimenteranno Flip Flop Organ.

Se la Piazza è il Luogo d’incontro, ecco che Piazza Matteotti rinasce nuovamente sotto la dicitura di Piazza Nuova. Non uno spazio inusitato, ma una dimensione riscoperta dagli stessi uomini che la rendono tale tramite un intervento puntuale e mirato finalizzato a catalizzare le situazioni di incontro. E’ in una cornice d’eccezione che si vuole riportare le persone ad appropriarsi dello spazio tramite il suo utilizzo come strumento di vitalità. L’interazione con l’utente è il cardine del progetto,poiché è attraverso i sensi e quindi l’udito e la vista che la piazza vede mutato il suo aspetto.

La musica come mezzo di unione, incontro e partecipazione; la musica come elemento insolito, caratterizzante e fonte di stimolo; la musica come regola del design.

Flip Flop Organ, un oggetto sonoro che combina la sua ambizione alla partecipazione con la semplicità del suo utilizzo e dei suoi materiali: ecco come dei comuni tubi in plastica tornano a nuova vita.

E’ il linguaggio classico a stabilire la stereometria del progetto che si sostituisce alle sculture dei Doria rispettandone gli ingombri.

Uno strumento musicale collettivo disegnato in relazione alle frequenze sonore della scala pentatonica e il cui suono viene prodotto dalla percussione di flip flops sulle estremità. Una griglia metallica leggera, elemento portante, scompare progressivamente fino a divenire semplice contorno ideale.

Un oggetto, un’istallazione, uno strumento musicale.

About MaDG Studio

MaDG è un giovane studio internazionale di architettura con sede a Genova fondato nel 2011 da Margherita Del Grosso. La relazione biunivoca tra l’aspetto teoretico e la componente pratica è il principio fondamentale dell’approccio al design interpretando la ricerca come presupposto per la progettazione e la progettazione come strumento di ricerca.

MaDG intende il progettare nel suo significato più ampio: “dal cucchiaio alla città” passando per la nuova costruzione, il restauro del patrimonio esistente, la progettazione d’interni fino al design dell’elemento d’arredo secondo il presupposto di una sostenibilità ambientale, economica e sociale.

MaDG investiga lo spazio facendosi promotore di un nuovo modo di viverlo e abitarlo. La ricerca incorpora la sensibilità e la virtù delle ecologie naturali dalle quali possono emergere nuovi effetti sociali e architettonici. Le tecnologie digitali come ambienti e modellazioni 3d sono al fondamento del processo di progettazione architettonica.

MaDG promuove l’architetto come figura essenziale per la regia del processo progettuale e di realizzazione ad ogni scala, interpreta la realtà lavorativa contestualizzandola alla situazione contemporanea, sostiene la professione come componente cruciale e sinonimo di qualità del risultato.

info@madgstudio.it - www.madgstudio.it

About musicisti

RITMICICLANDO è un progetto musicale sperimentale, che nasce come laboratorio per la costruzione e l’utilizzo di strumenti musicali con materiali di recupero e diventa uno spettacolo musicale vero e proprio.

Il progetto RITMICICLANDO nasce all’interno dell’associazione di promozione sociale “LABORATORIO RI-PERCUSSIONI SOCIALI”, una realtà esistente ed operante a Genova dal 2005, composta da una decina tra musicisti professionisti, educatori, operatori sociali, studenti e artigiani, accomunati da una passione per la musica intesa non solo come professione o come momento di svago e piacere personale, ma anche come elemento aggregativo dalle forti valenze sociali…le ripercussioni sociali appunto. I musicisti protagonisti di questo progetto sono: Marco Fossati, polistrumentista (Mau Mau, Olubatà, Voci Atroci); Olmo A. Manzano A., percussionista (Banda di Piazza Caricamento, Jo Choneca); Riccardo Lo Previte, cantante (Malacrianza, Radici a Sud); Marco Tosto, polistrumentista (Pasticcio Meticcio, Radici a Sud).

Flip Flop Organ è realizzato con la collaborazione di:

Dharma srl

Green Economy srl

A uno sicurezza srl

Info: Assessorato Cultura e Turismo – Ufficio Cultura e città

saladogana@comune.genova.it 010 5573975 | 74806

Trovi REUSE su:

www.genovacreativa.it ; ww.palazzoducale.genova.it

pagina facebook REUSE

17 – 23 luglio 2015
Sala Dogana
 
progetto di GRUPPO ACCA
a cura di Gianluca Anselmo
 
opening 17.07.2015, ore 18
fino al 23.07.2015
ingresso libero, dal martedì alla domenica ore 16.00 | 19.30
 
L’Associazione Culturale GRUPPO ACCA (Amici Cultura Ceramica Albisola), fondata nel 2011 da Gianluca Anselmo con il supporto morale di intellettuali del calibro di Gillo Dorfles, Philppe Daverio, Arturo Schwartz e Gino Di Maggio, dal 2012 organizza un programma di residenze ad Albisola, per giovani artisti e designers italiani interessati ad utilizzare la ceramica come mezzo espressivo innovativo nella loro ricerca. Durante la residenza gli artisti vivono nel territorio albisolese a stretto contatto con i maestri artigiani, dando vita a intense sessioni di lavoro volte alla realizzazione di prototipi e monotipi in ceramica. Il programma pubblico di residenze si svolge nella cornice istituzionale del Festival Internazionale della Maiolica, promosso dai Comuni di Genova, Savona, Albisola Superiore e Albissola Marina con il contributo della Camera di Commercio di Savona e della Fondazione A. De Mari Cassa di Risparmio di Savona.
 
Nel 2015 gli artisti selezionati sulla base di un bando di concorso pubblico patrocinato dal GAI Associazione per il Circuito Giovani Artisti Italiani, sono stati:
 
NERO/ALESSANDRO NERETTI | OTTAVIA PARABOSCHI | NINO ARMENIA
 
Artisti molto diversi tra loro, Nero / Alessandro Neretti (Faenza 1980) vanta ormai un curriculum internazionale che l’ha visto esporre in Musei e spazi pubblici italiani (come il Museo d’Arte della Città di Ravenna o il PAC di Milano) e ricevere premi internazionali per la scultura
 
ceramica in Giappone e a Faenza. In questa mostra presenta una selezione del suo progetto intitolato FACE/VASE: rivoluzione copernicana del concetto e dell’uso del tradizionale vaso, trasformato in visi, maschere, totem.
Ottavia Paraboschi (Genova 1990), diplomata di recente all’Accademia di Carrara, concentra la sua ricerca sulla scultura di grandi dimensioni legata a tematiche intime e profonde, come l’identità e la diversificazione sessuale. In questa occasione espone una grande scultura intitolata OVO SAPIENS: un’interpretazione poetica e artistica dell’ovo-genesi.
Nino Armenia (Ragusa 1991), studia presso l’Accademia Albertina di Torino ed è interessato alla produzione ceramica in tutti i suoi aspetti, tecnici ed espressivi. Durante la residenza albisolese ha realizzato due chitarre acustiche in ceramica, in scala 1:1, realizzate con le diverse tecniche del colaggio e della modellazione a lastre.
 
L’organizzazione delle residenze e della mostra è a cura di Gianluca Anselmo (GRUPPO ACCA), con il contributo critico e la curatela del catalogo di Luca Bochicchio (AdAC Università di Genova).
Il catalogo che documenta le prime quattro edizioni è edito da Vanilla Edizioni
www.vanillaedizioni.com/shop/arte/albisola-artists-in-residence

7 – 11 luglio 2015
 
un progetto di Accademia Ligustica di Belle Arti
 
Inaugurazione 7 luglio, ore 17.30
 
ingresso libero, ore 16.00 | 19.30
 
Dal 7 all’11 luglio 2015 gli spazi di Sala Dogana ospiteranno una serie di lavori che i giovani artisti dell’Accademia Ligustica di Belle Arti hanno elaborato in occasione della tesi finale.
Si tratta di opere particolarmente interessanti, che forniscono, per così dire, la temperatura della ricerca che si svolge all’interno dell’Accademia.
Alla mostra saranno presenti i lavori di Francesca Conte, Giorgio e Marco Donato, Aleksandra Nowak, Caterina Piccardo, Chiara Stefanacci; lavori che, dall’installazione al video, alla scenografia per il cinema, propongono linguaggi e ambiti di interesse estremamente diversificati, disegnando un percorso innovativo all’interno delle diverse discipline accademiche.
Ad essi si accompagneranno immagini dell’attività e delle sperimentazioni che avvengono quotidianamente negli spazi dell’Accademia e un evento performativo degli studenti del Corso di Tecniche Performative per le Arti Visive, che si ripeterà nei giorni di apertura.
 
La mostra, che si collega idealmente a quella ancora presente nella sala espositiva del Palazzo di Largo Pertini 4, segna il primo passo della collaborazione dell’Accademia Ligustica con Sala Dogana, che da poco si è avviata.
 

Programma luglio-dicembre 2015
 
Sala Dogana
giovani idee in transito
 
Scarica il pdf del programma luglio-dicembre 2015
 

19 giugno – 5 luglio 2015
Sala Dogana
 
progetto Art Web Gallery
a cura di Paola Zucchello
 
A R T WEB GALLERY @ SALA DOGANA | PALAZZO DUCALE
opening 19.06.2015, ore 18
fino al 05.07.2015
ingresso libero, dal martedì alla domenica ore 15.00 | 20.00
 
La Direzione dell’Art Web Gallery comunica che venerdì 19 Giugno alle ore 18, verrà inaugurata presso la Sala Dogana a Palazzo Ducale di Genova, la mostra “Fluidità del Mediale” con opere in Videoperformance e Arte Fotografica.
Le opere presentate in video, sono state realizzate utilizzando un multilinguaggio che si estende dall’azione del Performer alla sua progettazione della ripresa video, un’opera complessa e “immateriale” che non di rado, per queste sue caratteristiche tecnologiche, viene inserita nelle Reti Internet in rassegne organizzate da Centri d’arte specializzati come l’Art Web Gallery. Questa pionieristica Galleria on line, che da diversi anni divulga l’arte mediale facendola conoscere con scritti e teorie appropriate in Italia ed in molti altri Paesi Internazionali, è formata da un gruppo dirigente che sarà presente all’inaugurazione della mostra alla Sala Dogana, con l’Art Director Paola Zucchello, l’artista Giuliano Sturli e Gilda Da Pozzo che, nell’occasione espositiva, ha scritto un breve testo critico sull’arte mediale e sulle opere degli artisti presentati. Con le trasformazioni in corso delle nuove tecnologie di comunicazione, e una attuale generazione artistica ormai abituata a creare arte con i mezzi digitali divulgando l’opera via Internet, oggi sollecitati e incuriositi culturalmente dal luogo espositivo, ritornano a presentare le loro opere d’arte dentro uno Spazio non virtuale, come la Sala Dogana di Palazzo Ducale del Comune di Genova. Per questa particolare mostra gli artisti selezionati dai curatori dell’Art Web Gallery sono: Biljana Bosnjakovic, Giuseppe Di Cianni, Erique LaCorbeille, Sanja Lasić, Francesca Leoni, Francesca Lolli e Chiara Mazzocchi.
 
Art Director A-W-G
Paola Zucchello
visualgallery@ymail.com | https://www.facebook.com/pages/Art-Web-Gallery/184801641557901

29 maggio – 14 giugno 2015
Sala Dogana. Giovani idee in transito
 
un progetto di Alice Padovani
a cura di Mariacarla Auteri
 
Inaugurazione 29 maggio 2015, ore 18
 
ingresso libero, dal martedì alla domenica ore 15.00 | 20.00
 
Chi è l’altro, se non l’animale che cammina al nostro fianco fin dal principio?
 
Egli è il compagno silenzioso che osserva la nostra nudità, senza tuttavia percepirla,ignaro della nostra vergogna di “essere messi a nudo”.
La nudità non è un concetto comprensibile all’animale, poiché, come afferma Derrida, “non c’è nudità in natura”. L’atto della vestizione deriva da un sentimento di vergogna e di fragilità che ha portato l’uomo a riscattarsi per mezzo della tecnica della storia e dellafilosofia. L’animale rimane semplicemente l’altro, il diverso.
 
L’accuratezza illustrativa del Piccolo compendio di animali perduti è prima di tutto la traccia di tale conoscenza scientifica – come dimostra la serie degli Atlas, un archivio dove
le parti anatomiche, raggruppate per genere, sono abbozzate sulla pagina bianca – ricostruita dallo studio dei testi di osservazione sull’animale che noi seguiamo. Dotato della propria naturale curiosità l’uomo si è interessato allo studio scientifico delle “bestie” (Bichat parlerebbe di “vita animale”, la funzione corporea che regola e intesse il vissuto sociale,l’animale che vive al di fuori).
 
Il compendio racconta della diversità dell’essere “altro” in un senso non solo visibile, esteriore. È un flusso di immagini che scorrono nella piacevolezza di tracciare l’immagine del caro estinto. L’uomo, riconoscendovi una familiarità, è ora l’animale che ricorda l’altro,il compagno, come in Mnemosyne, un diario visivo dove la ricerca mnemonica si attacca al singolo particolare, o come nel Geronticus Eremita o nel Mascarinus Mascarinus, primi piani, riconducibili ai ritratti familiari appesi nelle pareti domestiche.
 
Nature morte, volti dimenticati, trittici come altari eretti alla memoria. Il compendio si tinge di sfumature più simili alla ricostruzione di un ricordo, come di un immagine vaga e impressa nella mente, rappresentata sempre dal tratto distinto e delicato dell’artista.
Segno nero su sfondo bianco. Sono immagini chiare, perfettamente visibili, impossibile confondersi.
L’altro non è più un estraneo, seppur diverso.
 
Non ci sentiamo più nudi di fronte ad esso.
 

Biblioteca Gallino
sabato 9 maggio 2015, ore 9-13
 

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Scarica le proposte
 
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Scarica la scheda progetto
 
Prosegue il percorso di partecipazione cittadina, avviato il 18 dicembre scorso, nell’ambito del progetto ‘Rigenerazioni urbane’ avviato con l’Associazione per il Circuito Giovani Artisti Italiani – GAI, che identifica nel Centro Civico Buranello la struttura al centro del progetto nazionale.
 
Dopo l’avvio con il tavolo pubblico “Centro Civico Buranello più spazio alla creatività dei giovani. Quale percorso per favorire lo sviluppo di idee e progettualità creative?” del 18 dicembre
2014, anche sulla base degli interventi raccolti in quella occasione, si propongono un modello di lavoro e alcuni appuntamenti con l’obiettivo di giungere alla definizione comune delle idee progettuali e del percorso realizzativo.
 

CCBur si presenta
 
VENERDI’ 12 GIUGNO 2015 alle ore 17.30
SALA OTTAGONALE – Centro Civico Buranello
 
Dopo l’incontro pubblico del 18 dicembre finalizzato all’individuazione condivisa di “un nuovo carattere” del Centro Civico Buranello con funzioni di luogo di espressività e creatività giovane, ha preso avvio il percorso di partecipazione con alcuni appuntamenti di lavoro e riflessione sul futuro del CCBur aperti alla partecipazione di artisti, collettivi, operatori culturali, enti, istituzioni, associazioni, dipartimenti universitari, imprese, cittadini.
 
L’appuntamento di chiusura di Venerdì 12 giugno rappresenta il momento pubblico di restituzione alla città con gli esiti del percorso di partecipazione che, attraverso la creazione di gruppi di lavoro e la raccolta di opinioni sul tema, ha definito in maniera condivisa le linee da seguire.
 
Confidiamo nella partecipazione di tutti!
 
www.genovacreativa.it

8 – 24 maggio 2015
SALA DOGANA – Palazzo Ducale – Genova
 
Inaugurazione venerdì 8 maggio, ore 18
 
Il progetto europeo
International Augmented Med (I AM) è prima di tutto un progetto di cooperazione internazionale guidato da Comune di Alghero che coinvolge 14 organizzazioni partner in 7 paesi nel bacino del Mar Mediterraneo (Italia, Egitto, Giordania, Libano, Palestina, Spagna e Tunisia).
E’ finanziato dal programma ENPI CBC Mediterranean Sea Basin Programme 2007-2013 (www.enpicbcmed.eu) ed è in corso di attuazione da ottobre 2012 a ottobre 2015. Il budget totale è di € 3.060.650 di cui il contributo del programma ENPI CBC MED costituisce il 90% (€ 2.754.5839).
L’area del Mediterraneo attira circa il 30% degli arrivi internazionali e dei proventi del turismo, ma la concorrenza internazionale sta minacciando la sua posizione di leader. L’innovazione può efficacemente contribuire a sostenere e migliorare l’attrattiva della destinazione Mediterraneo.
In questo contesto, I AM mira a sostenere il settore turistico nei territori coinvolti, proponendo tecnologie innovative in grado di migliorare la qualità delle località turistiche, diversificare l’offerta turistica, e incoraggiare una più ampia ripartizione geografica dei flussi, sostenendo, in particolare, il turismo rurale e culturale.
Il progetto promuove la cooperazione di esperti nel settore delle tecnologie multimediali e enti gestori di siti culturali e turistici con la finalità di sviluppare e promuovere applicazioni innovative per migliorare l’esperienza dei visitatori nei territori coinvolti. Il Progetto si concentra sull’uso della Realtà Aumentata (AR), video mapping, multimedia e tecniche interattive attraverso lo sviluppo di applicazioni mobili, ricostruzioni in 3D dei siti archeologici, spettacoli di proiezioni su edifici storici e videoinstallazioni interattive. Le attività includono seminari di formazione, festival di Realtà Aumentata (AR) e applicazioni pilota di AR per un sito di patrimonio naturale o culturale in ciascuno dei sette paesi partecipanti e la creazione di un network internazionale di esperti tecnici e professionisti interessati a fornire i propri servizi al settore culturale/turistico.
 
La mostra alla sala Dogana
In occasione del Progetto Europeo denominato I AM (International Augmented Med) il DIRAAS –Dipartimento dell’Università di Genova primo Partner italiano del Progetto Europeo – nell’ambito delle sue attività organizza una mostra che verrà presentata in Italia presso la Sala Dogana di Genova dall’8 al 24 maggio e ad Alghero, città capofila del Progetto, in occasione del Festival finale previsto per fine settembre 2015.
La mostra genovese, curata da Liliana Iadeluca per conto del DIRAAS, presenta opere che riflettono sul legame che l’arte e le nuove tecnologie hanno con la fisicità dei luoghi distorcendoli, trasformandoli in caleidoscopi mutevoli Angela Di Tomaso o costruendo dei corpi all’interno di parti architettoniche Roberta Orlando. Forme morbide o distorte che si intersecano con la pietra di edifici storici del croato Marko Bolkovich o di antichi ospedali degli spagnoli Alain Bauman e Rosa Sanchez dei Konic Thtr. Proiezioni di micromondi interattivi che ricostruiscono ambienti artificiali e sonori del duo artistico Alpha version – Francesco Calzona e Luca Serra si confrontano con il palestinese Dirar Kalash che crea effetti sonori prendendo spunto dal design delle piastrelle tradizionali islamiche. La zona di Expo 2015 serve da riflessione per un futuro intervento attraverso il video di Anna Positano e Matteo Casari e la videoinstallazione con un paesaggio in movimento filmato attraverso la finestra di un treno crea una riflessione sul concetto di casa Zlatolin Donchev, neo diplomato all’Accademia Ligustica di Belle Arti. Mentre tutte le opere sono ascoltabili in cuffia, Cesare Bignotti/Useless idea si esibisce in un Dj Set durante l’inaugurazione creando un legame tra i suoni di luoghi industriali, trasformandoli in musica elettronica e lasciandone poi traccia fino alla fine della mostra. L’esposizione prevede artisti affermati affiancati da giovani creativi per creare un panorama più vasto di linguaggi generazionali; saranno infatti presenti anche studenti dell’Accademia di Belle Arti di Sanremo che presentano un’interazione con immagini dei beni patrimoniali e naturali di Alghero. A completamento delle esperienze visual, Enzo Gentile e Paolo Servi, “technical experts” dello staff del Progetto Europeo, presentano il work in progress delle proiezioni in 3D che saranno visibili ad Alghero.
Una postazione sarà dedicata al lavoro dei giovani creativi ed esperti tecnici che hanno creato installazioni site specific nei 7 Paesi cooperanti con tecniche interattive e applicazioni pilota di Realtà Aumentata generate sul patrimonio naturale o culturale.
Durante il periodo della mostra sono previsti incontri con alcuni artisti e conferenze di esperti in Realtà Aumentata e visual art.
 
LINK E CONTATTI IAM
Project website: www.iam-project.eu

Modera LILIANA IADELUCA curatrice della mostra I AM- International Augmented Med

 Scarica esito sezione Shot
 Scarica esito sezione Street Plastic
 
 Scarica il programma
 
www.facebook.com
 
Sala Cuspide, Palazzo Verde
Via del Molo, 65 – Genova
 
Orario: lunedì-sabato, ore 15.30-19
 
Prende il via il programma di esposizioni, installazioni e attività artistiche previste da REUSE _ Azioni per il riciclo creativo della plastica, progetto nell’ambito del programma strategico MED-3R.

La cerimonia del mondo

sabato 28 marzo 2015
Sala Dogana, Palazzo Ducale
 

21-27 marzo
sabato 28 marzo, ore 15.00-20.00

La cerimonia del mondo

inaugurazione: venerdì 20 marzo, ore 18.00

orari 10.00-13.00—15.00-20.00
azioni per la città

Un percorso artistico interamente dedicato alla performance art. Un workshop intensivo della durata di sette giorni, scanditi da incontri teorici e momenti di confronto, in cui 10 artisti (under 35)–selezionati attraverso bando–avranno la possibilità di sviluppare lavori individuali da realizzare negli spazi di Sala Dogana e nel centro storico della città.

 Esiti della seconda e ultima selezione del concorso di idee QUARTO PIANETA
 Il curriculum del vincitore Stefano Boccardo
 
 Esiti della prima selezione del concorso di idee QUARTO PIANETA

Bando LA CERIMONIA DEL MONDO
workshop e performance art
@Sala Dogana Genova e Centro Storico
 
 Scarica il bando
 
Al via il bando per la selezione di giovani artisti che parteciperanno al workshop sulla performance art La Cerimonia del Mondo, dal 20 al 28 marzo 2015 in Sala Dogana a Palazzo Ducale.
Il bando e il workshop, a cura di Roberto Rossini e Margherita Merega, sono un percorso artistico interamente dedicato alla presentazione e all’indagine del linguaggio performativo.
 
Un workshop intensivo della durata di sette giorni in cui 10 artisti under 35, in seguito alla selezione attraverso il bando, avranno la possibilità di sviluppare lavori individuali da realizzare negli spazi di Sala Dogana a Palazzo Ducale e nel centro storico della città.
Azioni in situ, site e contest specific saranno presentate al termine di un percorso dal carattere laboratoriale scandito da incontri teorici e momenti di confronto.
 
DEADLINE 8 marzo 2015
 
INFO info@ontheground.it
fb La cerimonia del mondo-workshop
saladogana@comune.genova.it
fb Sala Dogana Genova
www.genovacreativa.it

Tutte le scadenze (TIMING):
 
Palazzo Verde
vista la complessità del tema proposto, si comunica che sono stati riaperti i termini di scadenza per quanto riguarda la sezione Palazzo Verde del bando di concorso nazionale REUSE [re-use]. Pertanto il termine per la presentazione dei progetti, inizialmente fissato al 20 febbraio 2015, è stato esteso al 2 marzo 2015.
Scadenza bando: 20 febbraio 2015 2 marzo 2015
Periodo espositivo: aprile/giugno
 
Basamenti
Scadenza bando: 19 marzo 2015
Produzione in residenza: (sala Dogana) luglio
Periodo espositivo: agosto/ottobre
 
SHOT
Street Plastic
Scadenza bando: 15 aprile 2015
Realizzazione in residenza: agosto (SHOT in Dogana – Street Plastic a Palazzo Ducale)
Periodo espositivo: settembre/ottobre
 
Esito del concorso REUSE
 

 

Il concorso REUSE [re-use] si inserisce nel progetto strategico MED-3R ‘Plateforme Stratégique euro-méditerranéenne pour une gestion adaptée des déchets’ (Piattaforma strategica euromediterranea per la corretta gestione dei rifiuti), che riunisce 15 Partner provenienti da 5 Nazioni diverse più 7 partner associati. Il progetto ha come capofila la Métropole Nice Côte d’Azur ed è realizzato in partnership tra: Chambre de Commerce et d’Industrie Nice Côte, Comune di Genova (Italia), Eco-Innovation (PRIDES, France), Office International de l’Eau (France), Système Euro-Méditerranéen d’Information sur les savoir-faire dans le Domaine de l’Eau (France), Ville de Hyères-les-Palmiers (France), Département de génie civil, chimie et environnement – Université de Gênes (Italie), Ville de Sousse (Tunisie), Ville de Sfax (Tunisie), Ville de Jbail-Byblos (Liban), Ville de Blat (Liban), Autorité de la Zone Economique Spéciale d’Aqaba (Jordanie), Agence Nationale pour la Gestion des Déchets (Tunisie), Institut Préparatoire aux Etudes d’Ingénieurs de Sfax (Tunisie). Macro obiettivo del progetto è quello di promuovere la cooperazione transfrontaliera al fine di contribuire alla messa in opera di un sistema di gestione dei rifiuti ecologicamente differenziati, individuando la prevenzione, il riutilizzo, il riciclaggio e il trattamento sostenibile. In tal senso, al fine di rinforzare le reti tra città/esperti con lo sviluppo di sinergie, ridurre la produzioni di rifiuti, contribuire all’applicazione di strategie nazionali, si intendono realizzare azioni pilota sui differenti flussi di rifiuti: ristorazione, organica, plastica, tossici.
 
In particolare, tra le azioni pilota che coinvolgono direttamente la città di Genova, si colloca REUSE [re-use], azione che intende sviluppare una strategia innovativa di valorizzazione dei rifiuti plastici attraverso un approccio artistico, capace di innescare un forte impatto in termini di sensibilizzazione attraverso la realizzazione di esposizioni, installazioni e interventi urbani tra aprile e ottobre 2015.
A partire dall’autunno 2014 e per tutta la durata del progetto, Palazzo Verde sarà sede di attività, laboratori didattici per scuole, famiglie e utenza libera, corsi finalizzati allo studio e allo sviluppo di azioni di divulgazione e approfondimento delle tematiche correlate al riciclo e in particolare alle potenzialità della plastica. Le attività saranno a cura di ‘Associazioni in rete per Palazzo Verde’.
 
Tutto il percorso sarà documentato attraverso la realizzazione di un documentario audio/video integrato a grafiche, testi, infografiche e collegamenti ipertestuali sul tema della rigenerazione della plastica da materiale di scarto a materiale per la produzione artistica. Il webdoc documenterà tutti i momenti salienti con attenzione costante al processo rigenerativo, dando modo di seguire e comprendere il processo creativo collegato al progetto.
 
FINALITÀ
Gli enti promotori, Comune di Genova – Direzione Cultura e Turismo – , Università di Genova – DICCA, AMIU e Genova Palazzo Ducale Fondazione per la Cultura in collaborazione e con il patrocinio del GAI – Associazione Circuito Giovani Artisti Italiani – intendono attuare un percorso di sensibilizzazione e di prevenzione circa i problemi legati ai rifiuti plastici, riconoscendo nel gesto creativo un potente alleato per dimostrare che il recupero e il riutilizzo dei rifiuti plastici e la loro trasformazione in oggetti e produzioni artistiche diventano strumento e risorsa per valorizzare gli spazi espositivi e urbani, per un forte impatto ambientale, lo sviluppo, il sostegno e l’affermazione della cultura e della creatività.
 
PARTECIPAZIONE
Il concorso è riservato a tutti gli artisti dai 18 e fino ai 35 anni alla data di scadenza del bando. E’ possibile partecipare anche in gruppo, nel cui caso andrà nominato un componente come “capogruppo” responsabile a rappresentarlo presso l’Ente Banditore. La delega alla rappresentanza deve essere espressa in apposita dichiarazione firmata dagli altri componenti del gruppo. Ogni singolo o gruppo è ammesso a partecipare con un solo progetto per ciascuna sezione.
 
TEMA
Tema cardine, trasversale a tutto il bando e riconoscibile in ogni idea, progetto e intervento richiesto, è il riuso creativo della plastica, proponendo progetti e oggetti da vivere, usare, sperimentare e di design pubblico inteso anche come strumento utile per facilitare e sviluppare spazi e situazioni di incontro, per la progettazione di soluzioni con spiccate qualità ambientali e con carattere dimostrativo di alternative sostenibili ai modi di fare correnti.
 
Le opere potranno essere realizzate in piena libertà concettuale e tecnica, avvalendosi anche di nuove tecnologie, suoni e/o luci.
 
Il bando, a valenza nazionale, è costituito da quattro sezioni denominate Palazzo Verde, Street Plastic, Basamenti, SHOT da realizzarsi in città, attraverso interventi diversificati, tra marzo e ottobre 2015.
 
Le sezioni SHOT e Palazzo Verde saranno aperte anche agli artisti provenienti dai paesi partner del progetto MED-3R (Francia, Giordania, Libano e Tunisia).
 
PER I DETTAGLI DELLE QUATTRO SEZIONI LEGGERE ATTENTAMENTE IL BANDO (versione inglese)
 
PRESENTAZIONE DEI PROGETTI
I progetti devono essere presentati come segue:
 
- esclusivamente in formato digitale, non saranno presi in considerazione lavori presentati con altre modalità, da inviare entro le date di scadenza indicate nel TIMING, all’indirizzo saladogana@comune.genova.it;
- il file in formato pdf dovrà essere nominato con il nome del partecipante o del capogruppo;
- eventuali video dovranno essere in formato Windows Media Player;
- per l’invio di file che superano l’estensione di 5 MB, servirsi di link per il trasferimento di file pesanti, quali WeTransfer. Non si accettano dossier cartacei.
 
Materiali richiesti
- curriculum degli artisti o collettivi nel quale siano specificati percorso formativo e principali esposizioni;
- descrizione del progetto, finalità e specifiche tecniche di realizzazione;
- visualizzazione del progetto (rendering, illustrazioni, immagini fotografiche a 300dpi);
- scheda tecnica del progetto e del rapporto dell’opera con il contesto urbano del luogo che dovrà chiarire alla Giuria, in modo semplice ed esaustivo, le modalità di esecuzione dell’opera, i materiali utilizzati, la collocazione, le dimensioni e tutto quello che può contribuire a far comprendere al meglio la proposta.
 
Il modulo di partecipazione al concorso (versione inglese), essenziale per la partecipazione al bando, compilato in ogni sua parte e firmato andrà spedito tramite raccomandata, entro e non oltre le date di scadenza indicate nel TIMING a:
 
Comune di Genova – Direzione Cultura e Turismo – Ufficio Cultura e Città
presso Archivio Generale – Piazza Dante 10, I° piano
16123 Genova
 
Sulla busta dovrà essere riportata la dicitura “Concorso REUSE”.
 
Il modulo di partecipazione potrà essere consegnato anche direttamente presso l’Archivio Generale sito in Piazza Dante 10, I° piano con il seguente orario:
 
Lunedì e Giovedì 8.30-12.30 e 14.00-16.30
Martedì e Mercoledì 8.30-16.30
Venerdì 8.30-14.00
 
In caso di invio a mezzo raccomandata si considerano prodotti in tempo utile i moduli inviati entro e non oltre le date di scadenza indicate nel TIMING del bando; in tal caso, la data e l’ora di invio è comprovata dal timbro dell’ufficio postale accettante.
Non saranno comunque presi in considerazione i moduli pervenuti via posta oltre il quarto giorno lavorativo dalla scadenza del termine di presentazione.
I promotori ed organizzatori del concorso non potranno in alcun modo essere ritenuti responsabili per ritardi o mancate consegne delle opere.
 
TIMING
 
Palazzo Verde
Scadenza bando: 20 febbraio 2015
Periodo espositivo: aprile/giugno
 
Basamenti
Scadenza bando: 19 marzo 2015
Produzione in residenza: (sala Dogana) luglio
Periodo espositivo: agosto/ottobre
 
SHOT
Street Plastic
Scadenza bando: 15 aprile 2015
Realizzazione in residenza: agosto (SHOT in Dogana – Street Plastic a Palazzo Ducale)
Periodo espositivo: settembre/ottobre
 
FORMATI E REQUISITI DELLE OPERE
Le opere dovranno essere realizzate totalmente o in misura prevalente con materiale plastico di recupero ed eventualmente anche con altro materiale di scarto, idoneo, non deperibile e non dannoso per le persone. Le dimensioni ed il peso dovranno essere compatibili con un agevole posizionamento ed ancoraggio.
 
PER I DETTAGLI TECNICI RELATIVI ALLE QUATTRO SEZIONI CONSULTARE IL BANDO E I VARI ALLEGATI
 
Allegati:
 reuse_bando.pdf
 reuse_modulo_partecipazione.pdf
 reuse_planimetria_basamenti.pdf
 reuse_plan_sala_cuspide.pdf
 reuse_plan_dogana.pdf
 reuse_mission_dogana.pdf
 reuse_equipment_dogana.pdf
 reuse_call.pdf
 reuse_contest_registration.pdf

 
INFO
Comune di Genova – Ufficio Cultura e città
Gianna Caviglia
+39010 5573975
gcaviglia@comune.genova.it
www.genovacreativa.it/iniziative/progetto-reuse-re-use

15/02 15h. Festa di chiusura

Programma gennaio-luglio 2015
 
Sala Dogana
giovani idee in transito
 
Scarica il pdf del programma gennaio-luglio 2015
 

28 e 29 novembre 2014
Centro Civico Buranello
 
Vi è mai capitato di ritrovare una cartolina in fondo ad un cassetto?
A noi è successo.
Abbiamo raccolto, collezionato, rielaborato con le nostre mani cartoline di ogni genere: così è nato Papel!
 
Una mostra e un laboratorio creativo, che apriranno le porte il 28 e 29 novembre all’interno del Festival Cresta 2014 presso il Centro Civico Buranello di Genova.
Ci auguriamo che parteciperete anche voi, inviandoci una cartolina della vostra raccolta o creandone una apposta per Papel!
 
Papel! immaginare in 10X15 nasce dall’idea che le cartoline, oggi quasi completamente scomparse e soppiantate dalle forme di comunicazione virtuale, hanno fatto da supporto a pensieri, emozioni e linguaggi di tutti noi attraverso messaggi, auguri, disegni e scarabocchi e hanno viaggiato per il mondo.
La carta è un materiale duttile, economico, organico, facile da manipolare, si può tagliare, colorare, strappare, incollare, riciclare con facilità e porta con sé memorie e storie che vogliamo provare a raccontare. Papel! immaginare in 10X15 sarà un po’ di tutto questo.
 
Per partecipare è sufficiente spedire, o imbucare a mano nei punti di raccolta, una cartolina della tua collezione, scelta per la sua immagine o per il messaggio scritto sul retro, oppure realizzarne una su un cartoncino nel formato 10X15. Non sono previsti temi o soggetti predeterminati, ciascuno è libero di esprimere la sua creatività o di condividere un messaggio, nel rispetto della sensibilità di tutti, del credo religioso, della provenienza etnica o sociale di ognuno.
 
Modalità di partecipazione:
- realizza la tua cartolina immaginaria con la tecnica che preferisci o scegline una per te significativa tra quelle che possiedi
- spediscila a Papel! immaginare in 10X15 c/o Via del Campo 9/16 – 16124 Genova
- oppure imbucala a mano nella cassetta Papel! c/o Palazzo Ducale – p.zza Matteotti, atrio vicino alla biglietteria mostre o Centro Civico Buranello – Via Nicolò Daste 8\A Sampierdarena.

Svelato l’atteso appuntamento autunnale del festival ELECTROPARK: Genova indossa nuovamente vesti europee ospitando artisti nazionali e internazionali di altissimo livello: ÂME, produttore e top-dj tedesco già headliner nei maggiori festival europei, che si esibirà in un live d’eccezione e ci farà ballare nella suggestiva cornice della Sala Modena al Teatro dell’Archivolto, accompagnato da OCOEUR, visionario producer francese di musica elettronica ed esperto di melodie e contrazioni sincopate; assisteremo poi all’attesissimo ritorno dei PORT-ROYAL storico gruppo genovese già noto in patria e all’estero da sempre dedito alle sperimentazioni a cavallo tra post-rock ed elettronica ambient, e alla live performance di ABSTRAXION, artista francese rivelazione reduce dal tour con Darkside e dalla partecipazione a Nuits Sonores che presenterà il suo nuovo progetto A/V LIVE! Tutto semplicemente impedibile! FOREVERGREEN.fm in collaborazione con Coop Liguria, Goethe-Institut Genua, Alliance Française Genes, Università di Genova, Sala Dogana, Comune di Genova e Fondazione Palazzo Ducale e Shazam, presenta la sessione autunnale di ELECTROPARK 2014, festival di musica elettronica e progetto culturale con sede a Genova. Giunta alla sua terza edizione, la kermesse ha lo scopo di promuovere la musica e lo spettacolo dal vivo tramite una serie di contenuti che vanno dai live di artisti internazionali, al sound design di performer emergenti, da un concorso per artisti emergenti a percorsi formativi per studenti.

GRAND OPENING! alla Birreria HB / Factory (Palazzo della Borsa), appuntamento dalle ore 23 che si ripeterà ogni 2 venerdì! Il giorno seguente Sabato 25 Ottobre a partire dalle ore 16, il festival entra nel vivo con una serie di WORKSHOP sulla progettazione culturale in ambito musicale (partner d’eccezione Shazam) e dalle ore 22 va in scena la finale del concorso MAKE YOUR SOUND! focalizzato su ambiti artistici/tecnici e con l’obiettivo di incentivare il talento di artisti emergenti italiani: a darsi battaglia in Sala Dogana i 3 produttori finalisti al concorso e in chiusura via alle danze fino alle ore 3 con i dj Xenum e Bayda.
A fine ottobre saliranno sui palchi dei teatri più prestigiosi della città come il Teatro dell’Archivolto (Sala Modena) e La Claque artisti di rilievo internazionale della scena musicale elettronica europea. Al Teatro dell’Archivolto (Sala Modena) Giovedì 30 Ottobre l’artista tedesco ÂME, top-dj europeo e secondo miglior ‘live act’ del 2013 secondo Resident Advisor e il compositore visionario francese OCOEUR, per uno spettacolo che si preannuncia unico. Balleremo a teatro!
A La Claque Venerdì 31 Ottobre va in scena il producer francese rivelazione ABSTRAXION, preceduto dai fondatori di Marmeria Studio con il progetto musicale WO-LAND e sempre a La Claque Sabato 1 Novembre il gran ritorno del gruppo genovese PORT-ROYAL anticipati dagli artisti del progetto DUAL. A chiusura dei live a La Claque, Forevergreen.fm propone il 31 Ottobre un Halloween Showcase con i suoi resident dj Randomplay e The Victor Ward Project e il 1° Novembre un Label Closing Party con Anie Tera e gli artisti prodotti sulle proprie etichette FM e LTD.

Sala Dogana

Il programma delle attività

Programma attività

settembre – dicembre 2014

Sala Dogana

Nei primi quattro anni di programmazione Sala Dogana ha ospitato 65 eventi, coinvolto 661 artisti e operatori culturali, registrato oltre 41.000 presenze. In its first four years of programme Sala Dogana has housed 65 events, involved 661 artists and cultural operators, recorded over 41.000 attendances.

 Scarica il programma settembre-dicembre 2014

Electropark 2014 Preview w/ roBOt Festival

venerdì 12 settembre 2014, ore 22
autumn session
Sala Munizioniere

Festival musicale

Electropark è una produzione Forevergreen.fm con la collaborazione di Institut Français, Alliançe Française Gênes, Suona Francese, Comune di Genova, Sala Dogana, Università di Genova, Teatro della Tosse, Goethe-Institut Genua.

Sala Dogana.
Giovani idee in transito
 

 Scarica sala_dogana_info_v5.pdf (agg. 10.6.2019)
 Scarica sala_dogana_accoglienza_v1.pdf (agg. 17.7.2018)
 Scarica modulo_richiesta.pdf (agg. 26.2.2016)
 Scarica condizioni_sala_dogana_v2.pdf (agg. 17.7.2018)
 Scarica dotazione_dogana.pdf (agg. 16.5.2017)
 Scarica sala_dogana_contatti_v1.pdf (agg. 10.6.2019)

Lo spazio per i giovani a Palazzo Ducale nasce per occuparsi e lavorare in maniera stabile sulla produzione culturale emergente, come luogo ideato per la sperimentazione, l’innovazione e lo sviluppo delle nuove tendenze e della creatività giovane, per promuovere forme di partecipazione positiva attraverso la realizzazione di progetti destinati all’espressione della creatività, lo sviluppo di abilità e talenti dei giovani, favorendo, nel contempo, lo scambio di esperienze e la creazione di reti.
 
DOGANA è un centro, una realtà energica e dinamica aperta a qualunque linguaggio estetico che il Comune di Genova – Assessorato Cultura e Turismo con Palazzo Ducale Fondazione per la Cultura mettono a disposizione dei giovani e delle forze artistiche della città, per le nuove produzioni culturali, per la sperimentazione e la rappresentazione delle nuove idee. È uno spazio multidisciplinare e uno strumento di coesione sociale che permette un ‘lavoro quotidiano’, nel quale si scontrano modi differenti di pensare e di interpretare l’arte e forze artistiche anche profondamente diverse. È a disposizione di chi vuole sviluppare le proprie idee, un’area di lavoro reale e attiva, una vetrina per le nuove realtà artistiche, un veicolo per far arrivare la propria voce a molti e per farsi conoscere, un vero cantiere che vive, e si sviluppa, dove ogni singolo individuo cresce e si evolve attraverso il confronto.
Si vuole così attuare un servizio per il territorio, per fare tesoro delle molte presenze di artisti e creatori che qui transitano o risiedono, per realizzare laboratori aperti al pubblico, incontri, backstage, conversazioni, progetti trasversali e di incontro tra le diverse culture dello spettacolo, creazioni tendenti alla mescolanza e alla contaminazione di più linguaggi espressivi.

Info

Comune di Genova
Assessorato Marketing territoriale, Cultura e Politiche per i Giovani
Ufficio Cultura e città
Gianna Caviglia 0105573975
saladogana@comune.genova.it
Facebook Sala Dogana Genova
Twitter Sala Dogana

Sala Dogana. New ideas in movement
 
 Download form.pdf
 Donwload conditions_sala_dogana_v2.pdf (agg. 17.07.2018)
 Download sala_dogana_visitor_services_v1.pdf (agg. 17.07.2018)
 Download equipement_dogana.pdf (update May 16th, 2017)
 
The space for young people at the Palazzo Ducale was created to deal with and work in a stable manner on the emerging cultural production, conceived as a place for experimentation, innovation and the development of new trends and creativity of the young, to promote positive forms of participation through realization of projects for the expression of creativity, the development of skills and talents of young people, encouraging at the same time, the exchange of experiences and networking.
 
DOGANA is a centre, an energetic and dynamic reality open to any aesthetic language that the Municipality of Genoa – Department of Culture and Tourism with the Palazzo Ducale Foundation for Culture provide young people and artistic forces of the city, for new cultural productions, for experimentation and presentation of new ideas. It is a multidisciplinary space, and a tool for social cohesion that allows a ‘daily work’, in which collide different ways of thinking and interpreting the art and artistic forces also profoundly different.
It is available to those who want to develop their own ideas, an area of real and active work, a showcase for new artistic realities, a vehicle to get its voice to many and to be known, a real construction site that lives, and it develops, where every single individual grows and evolves through confrontation.
If you want to implement a service for the area, to make the large amount of artists and creators which transit or reside, to realize workshops open to the public, meetings, backstage conversations, transversal projects and encounter between the different cultures of entertainment, creations that tend to the mixture and contamination of more expressive languages.
 
Info

Municipality of Genoa
Department of Department of Territorial Marketing, Culture and Youth
Policies – Office Culture and city
Gianna Caviglia 0105573975
saladogana@comune.genova.it
Facebook Sala Dogana Genova
Twitter Sala Dogana

3b

 
Nuova vita ai piedistalli di Piazza Matteotti.
Sono passati oltre duecento anni da quando le statue di Andrea e Gio-Andrea Doria, che campeggiavano con autorevolezza sui basamenti ai lati della scalinata che porta da Piazza Matteotti all’atrio di Palazzo Ducale, vennero “dal furor popolare abbattute” quando una sollevazione portò alla proclamazione della Repubblica Ligure.
 
Con BASAMENTI, concorso riservato ai creativi under 35 indetto da Comune di Genova – Assessorato Cultura e Turismo e Genova Palazzo Ducale Fondazione per la Cultura, in collaborazione con GAI – Associazione Circuito Giovani Artisti Italiani, i due piedistalli di marmo tornano al centro della vita culturale e sociale della città di Genova.
Una giuria di esperti ha selezionato tre opere, fra le 19 arrivate da tutta Italia, che dalla primavera scorsa hanno rivestito i basamenti di creatività giovane.
Da venerdì 11 ottobre sarà esposta al pubblico l’ultima, in ordine di tempo, delle tre opere selezionate SILENT/LISTEN, installazione realizzata dall’artista genovese Cri Eco, che rimarrà sui piedistalli fino al 29 dicembre 2013.
Silent/Listen è un’iniziativa del progetto ‘Sala Dogana. Giovani idee in transito’, realizzato nell’ambito dei Piani Locali Giovani – Città Metropolitane, promossi e sostenuti dal Dipartimento della Gioventù – Presidenza del Consiglio dei Ministri e dall’Anci – Associazione Nazionale Comuni Italiani
 
L’opera
Il percorso artistico/performativo di Cri Eco ha portato a ricercare, sempre più, la parola in ogni sua opera. SILENT/LISTEN vuole essere uno stimolo per ritornare a quel che è la scrittura: la rappresentazione grafica della lingua parlata, con l’aggiunta del gioco di parole che gli anagrammi creano, un momento di ritorno alla cultura della parola, alla cultura dell’ascolto.
La scrittura nasce per un desiderio di imprimere sulla carta quello che non vediamo, ma che sentiamo.
L’opera non è un ordine, bensì un invito: impariamo a far silenzio e ad ascoltar tutto quel che ci circonda, siano essi anche rumori. A chi sa ascoltar gli altri non arrivano solo parole, ma anche sensazioni. Viviamo in un mondo sempre più caotico che ci porta sempre più a correre.
Ebbene, “Silent, Listen” vuole fermare questa frenesia che da troppo tempo ormai pervade le nostre vite: fermarsi, tacere, ascoltare le persone che ci circondano.
Ascoltare. Ascoltarsi.
Si crea così un cortocircuito fra chi osserva e le parole, fra chi si sofferma e la luce riflessa sul marmo dei basamenti. La scrittura si manifesta come tecnica specializzata di altissimo prestigio, riporta ad un suono, e “Silent, Listen” ri-crea quel suono.
 
CRI ECO
1986 – Genova
 
Formazione:
2007/’08, Diploma di Laurea in Scenografia, Accademia Ligustica di Belle Arti di Genova
2010, semestre di studio “Scenografia per il cinema”, Accademia Albertina di Torino
2009/’10, Laurea Specialistica in Scenografia, Accademia Ligustica di Belle Arti di Genova
 
Esperienze artistiche:
FESTIVAL DELL’ECCELLENZA AL FEMMINILE 2012 – “ARTAUD ALLA RADIO” – Genova 2012
COL-MARE installazione-performativa per la mostra “Dal Mare” – Genova 2012
THE FINGER AND THE MOON #3 – Genova 2012
TRENOFF Fringe Festival _ ETERE #2 – Bologna 2012
HOLY DAY – Avellino 2012
ARTEXPO’ Fiera della Cultura – “Per farla finita col giudizio di Dio” – Frosinone 2012
CORTILISSIMA 2012 – CENTOMILA (Torino) Luglio 2012
CASSON’ART – Genova 2012
SHAKESPEARE ALLA MANIERA DEL FOOL – Roma 2012
ACQUA nell’ambito della manifestazione LIBERITUTTI – Pietra Ligure 2012
PECHAKUCHA NIGHT VOL. #01 – PER FARLA FINITA COL GIUDIZIO DI DIO – Genova 2012
DRAWING CONNECTIONS – Siena 2011

        

     

Un immaginario viaggio per l’Italia condotto attraverso il lavoro di sette giovani artisti italiani e stranieri. Come in un moderno Grand Tour, la mostra tocca le tappe di Roma, Milano, Sicilia, Sardegna, concludendosi con alcuni lavori inediti concepiti appositamente per la città di Genova e Sala Dogana.

www.genovacreativa.it

 

 
Con SHOT Sala Dogana Hands On Transformation, concorso riservato ai creativi under 35 indetto da Comune di Genova – Assessorato Cultura e Turismo e Genova Palazzo Ducale Fondazione per la Cultura, in collaborazione con GAI – Associazione Circuito Giovani Artisti Italiani e BJCEM – Biennale dei Giovani Artisti dell’Europa e del Mediterraneo, vengono reinterpretati e valorizzati i particolari spazi di Sala Dogana, creando un dialogo tra architettura e linguaggi contemporanei, tra interno ed esterno, città e spazio chiuso, arte e società, contemplazione e partecipazione.
 
LINE LIFE intende proporre una riflessione estetica sull’estensione tridimensionale dei valori lineari del disegno, strumento di conoscenza e principio dell’espressione artistica.
Un semplice disegno a inchiostro nero scorre da Piazza Matteotti sino all’interno di Sala Dogana. Con la modellazione plastica di spaghi e di un sottile strato di policarbonato, la linea, da fluida, si muove sul piano e si espande nello spazio condensandosi in un complesso corpo scultoreo che esplora il contesto urbano di Piazza Matteotti e l’architettura interna di Sala Dogana conquistando la terza dimensione.
 
Il soundscape dell’installazione è curato dal compositore di musica elettroacustica Emilio Pozzolini
 
Inaugurazione venerdì 6 settembre ore 18
 
Il Festival “Free. Q_La dimensione dell’ascolto”, dal 13 al 15 settembre al Museo di Villa Croce, racconterà l’installazione attraverso lo streeming radio web.
‘Line Life’ narrata come esperienza dello sguardo e dell’udito.
 
Line Life è un’iniziativa del progetto ‘Sala Dogana. Giovani idee in transito’, realizzato nell’ambito dei Piani Locali Giovani – Città Metropolitane, promossi e sostenuti dal Dipartimento della Gioventù – Presidenza del Consiglio dei Ministri e dall’Anci – Associazione Nazionale Comuni Italiani
 
L’opera
LINE LIFE è un disegno lineare a inchiostro nero che si estende sul piano e nello spazio e conquista la terza dimensione.
Segni, ripetizioni, pause, vuoti, incarnano una visione astratta di quello che è di più astratto nella realtà: l’ossatura geometrica del mondo naturale e le dinamiche e le variabili della vita contemporanea. Un sotterraneo fil rouge che lega i fatti dell’arte antica e moderna, dall’eleganza manierista, all’artificio barocco, alla dilatazione dello spazio contemporaneo. Un paesaggio in cui si fondono in un dialogo audace pittura e scultura, spogliato del reale per tornare al principio dell’arte e all’essenza delle cose, al fondamento stesso del pensiero e della conoscenza.
 
Tvrtko Buric
Nato in Croazia nel 1982, è un artista visivo. Dal 2007 prende parte a esposizioni personali e collettive internazionali. Il suo linguaggio figurativo è costruito sui valori lineari del disegno, principio mentale e fondamento della creazione artistica, esemplificazione grafica del complesso tessuto connettivo della multiculturalità attuale.
Vive e lavora in Italia e in Croazia.
www.tvrtkoburic.com
 
Formazione
2010 – Laura Specialistica in Product Design, Università di Genova, Facoltà di Architettura
2008 – Laura Triennale in Disegno industriale, Università di Genova, Facoltà di Architettura
 
Esposizioni
2013 – Installazione site- specific “Historical Landscape” – Genova, Palazzo Bianco, Musei di Strada Nuova
2013 – Installazione site-specific “Post Human” – Genova, Palazzo Ducale, Loggiato Minore
2013 – Esposizione collettiva “Portraits”, Genova, Galleria ABC–Arte
2012 – Esposizione collettiva “Mental Landscape” – Genova, Galleria Aboutness
2012 – Esposizione collettiva “Post Human” – Livorno, Museo Fattori – finalista al “Premio Combat”
2011/2012 – Esposizione personale “Product Human” – Genova, Palazzo Ducale, Sala Dogana
2011 – Installazione site- specific “Continuum” – Aquila, Centro commerciale Meridiana
 

Intrecci Urbani – yarn bombing a Genova

autunno 2013 – estate 2014
Sala Dogana

Il progetto prevede la creazione di alcuni eventi di yarn bombing sul territorio genovese da realizzarsi con il coinvolgimento dei Municipi cui spetterà il coordinamento del progetto a livello locale in quanto, per competenza, hanno il contatto diretto con il territorio e con i soggetti presenti: associazioni culturali, le realtà giovanili e di aggregazione per gli anziani, le scuole, le comunità straniere, i servizi culturali e socio-sanitari, i centri sociali etc.
L’Ufficio Cultura e Città, promotore del progetto, svolgerà un ruolo di tenuta complessiva delle attività attraverso la creazione di una rete di referenti, offrirà supporto progettuale e metodologico, si occuperà di reperire parte delle risorse necessarie per la realizzazione delle attività previste e della comunicazione interna ed esterna.

 Scarica il depliant

 
Sono passati oltre duecento anni da quando le statue di Andrea e Gio-Andrea Doria, che campeggiavano con autorevolezza sui basamenti ai lati della scalinata che porta da Piazza Matteotti all’atrio di Palazzo Ducale, vennero “dal furor popolare abbattute” quando una sollevazione portò alla proclamazione della Repubblica Ligure.
Con BASAMENTI, concorso riservato ai creativi under 35 indetto da Comune di Genova – Assessorato Cultura e Turismo e Genova Palazzo Ducale Fondazione per la Cultura, in collaborazione con GAI – Associazione Circuito Giovani Artisti Italiani, i due piedistalli di marmo tornano al centro della vita culturale e sociale della città di Genova.
Una giuria di esperti ha selezionato tre opere, fra le 19 arrivate da tutta Italia, che dalla primavera fino a dicembre 2013 rivestiranno i basamenti di creatività giovane.
Da venerdì 19 luglio sarà esposta al pubblico RIFLESSIONI IN PIAZZA che rimarrà sui piedistalli fino al 29 settembre.
Liberato Aliberti e Roberta Pacelli, hanno realizzato l’installazione RIFLESSIONI IN PIAZZA, settecentosessantotto compact disc in dialogo con l’ambiente circostante attraverso i molteplici colori e raggi solari che imprevedibilmente si riflettono.
Riflessioni in Piazza è un’iniziativa del progetto ‘Sala Dogana. Giovani idee in transito’, realizzato nell’ambito dei Piani Locali Giovani – Città Metropolitane, promossi e sostenuti dal Dipartimento della Gioventù – Presidenza del Consiglio dei Ministri e dall’Anci – Associazione Nazionale Comuni Italiani
La terza opera vincitrice del concorso Basamenti in ordine di ‘apparizione’ sui piedistalli è SILENT/LISTEN, di Cri Eco, artista di Genova, che sarà esposta dall’11 ottobre al 29 dicembre 2013.
 
L’opera
RIFLESSIONI IN PIAZZA sono due totem di cd riciclati; l’opera indaga le possibilità, molteplici, che la natura offre all’uomo.
Le condizioni fisico chimiche esistenti sulla superficie terrestre, nell’atmosfera e negli oceani – dice Lovelock – sono state e sono rese idonee alla vita dalla presenza stessa della vita; concetto questo che fortemente si scontra con la mente moderna addestrata a pensare a se stessa come ad un che di staccato dai processi organici del mondo naturale.
Fagocitando più risorse di quante la Terra riesca a rigenerarne, l’uomo sta distruggendo la natura come alterità e come elemento di continuità necessario a garantire la sopravvivenza dell’uomo stesso; un nuovo sistema evolutivo e di relazioni s’impone.
L’opera è un invito alla riscoperta delle potenzialità delle risorse ambientali: i due totem, attraverso un gioco cinetico di riflessioni, celebrano l’epifania della luce e dei colori, rendendo il sole compartecipe della vita della piazza. Al pari delle antiche cerimonie ecologiche della tribù Hopi, l’installazione si propone rito partecipatorio che sancisce la cittadinanza della natura come parte dell’ambiente umano.
 
Liberato Aliberti
1979 – Napoli
Formazione / Esperienze artistiche
Frequenta il corso di dottorato di ricerca in progettazione architettonica ed ambientale alla Facoltà di Architettura Federico II di Napoli. Associa l’attività di architetto a quella di artista. Come architetto matura diverse esperienze internazionali (Messico, Spagna ed India) con ricerche e progetti nell’ambito del sociale, della sostenibilità ambientale e dell’ecologia. Inoltre ha collaborato con lo studio Zè Design per allestimenti e scenografie di due edizioni di Napoli Comicon e di altre mostre di valenza nazionali ed internazionali. Come artista è noto con il nome d’arte Otarebill. Da diversi anni ha un’intensa attività nel campo dell’arte figurativa in particolare del disegno e dell’ illustrazione privilegiando la tecnica dell’acquaerello e dell’ inchiostro su carta di piccolo formato oltre a lavori su muro di grandi dimensioni. Ha all’attivo diverse mostre collettive e personali, alcune autoproduzioni con le associazioni ZART ed Ammagar, e una collaborazione continuativa per illustrazioni con la rivista di cronaca e disegni Napoli Monitor. Negli ultimi anni ha un forte interesse verso l’arte pubblica ed ambientale. Ha ideato e realizzato diversi progetti di opere site specific soprattutto per concorsi di idee. Alcune opere sono in fase di realizzazioni come l’orologio solare per la piazza civica di Montella (Av), una scultura solare per Auroville (india) ed una installazione artistica temporanea a Lugano.
 
Roberta Pacelli
1987 – Napoli
Formazione / Esperienze artistiche
Consegue la laurea triennale in Scienze dell’Architettura presso l’ Università Federico II di Napoli. Attualmente frequenta il corso di laurea specialistica in Progettazione Architettonica. Da diversi anni si interessa di arti visive, in particolare nel campo della fotografia ha prodotto un reportage sullo stato della periferia orientale napoletana che prevede di esporre in una prossima mostra personale negli spazi collettivi della facoltà di Architettura di Napoli.
 

    

    

Prima luce / First Light

28 giugno – 14 luglio 2013
Sala Dogana

orario: ore 15 – 20, dal martedì alla domenica

ingresso libero

www.genovacreativa.it

inaugurazione venerdì 28 giugno, ore 18

Seconda edizione del foto/festival, con un percorso fotografico in città e il concorso che diventa mostra per mettere in luce i giovani talenti della fotografia. PRIMA LUCE è una vetrina per la creatività emergente under 35, una collettiva nella prestigiosa cornice di Palazzo Ducale a Genova, un’immersione nella fotografia creativa e contemporanea nei suoi molteplici linguaggi, dall’analogico al digitale, con stampe e video installazioni. Obiettivo del concorso è premiare la creatività degli artisti, la contemporaneità dei progetti, l’innovazione e la ricerca fotografica, per valorizzare la sperimentazione e lo sviluppo di nuove tendenze artistiche. Una Commissione di esperti ha selezionato gli artisti in mostra e una Commissione di galleristi assegnerà una menzione speciale ai fotografi particolarmente interessanti per la scena artistica contemporanea. Undici gli artisti selezionati per la mostra: Andres Babic, Nicola Baldazzi, Fluido (Olga Cirone e Matteo Musi), Davide Iemmola, Tiziano Rossano Mainieri, Emmanuele Panzarini, Elisa Saggiomo, Marika Serena Saonari, Rossana Schiavo,
Lorenzo Taccioli, Viola Varotto.

progetto a cura di Angela Ferrari – Profondità di Campo
con la collaborazione di GenovaFotografia

Ritual of Unrestricted Work

8 – 23 giugno 2013
Sala Dogana

orario: ore 15 – 20, dal martedì alla domenica

ingresso libero

Inaugurazione, venerdì 7 giugno, ore 18

La mostra ‘Ritual of unrestricted work’ è un’iniziativa del progetto ‘Sala Dogana. Giovani idee in transito’, realizzato nell’ambito dei Piani Locali Giovani – Città Metropolitane, promossi e sostenuti dal Dipartimento della Gioventù – Presidenza del Consiglio dei Ministri e dall’Anci – Associazione Nazionale Comuni Italiani.

Il progetto presentato in Sala Dogana consiste nell’unione di diversi progetti realizzati nel corso di due anni. Diversi elementi costruiscono una molteplice rete di rapporti e riferimenti: video, frammenti di poesia concreta, fotografie analogiche legate a diversi progetti site-specific, calchi in resina e gesso, tracce sonore diffuse nello spazio composte dalla manipolazione elettronica di field recordings e di suoni generati.
Attraverso documentari e filmati d’archivio sugli animali predatori, rielaborati e inquadrati in uno sfondo a forma di stella a nove punte, le immagini estrapolate dagli stills video rimandano ad un preciso momento rituale nell’azione dei lupi. Il progetto si estende al calco di un cranio di lupo, realizzato in resina; il calco del teschio ridotto in frammenti aggiunge un successivo livello di astrazione. La stella a nove punte suggerisce l’’immagine del cristallo di neve, la fragile formazione naturale che nasce nelle atmosfere più fredde e sparisce con il calore terrestre.

Il progetto pone delle questioni riguardo all’idea di lavoro, gioco e condivisione, ma anche un riferimento alla legge europea che, dal medioevo, descrive i fuorilegge come ‘teste di lupo’, in uno stato di limbo tra uomo e l’animale, banditi dalla legge stessa.

Ritual of unrestricted work accenna ad argomenti quali la rappresentazione alternativa del problema entropico della vita/morte, animale/uomo, lavoro e rituale, in un aperto trans-possesso della creatività e del gioco come lavoro autonomo.

Ronny Faber Dahl è un artista norvegese residente in Norvegia e in Italia. Influenzato dal minimalismo, dalla teoria critica e dal sound art, è studente presso l’Accademia Ligustica di Belle Arti di Genova.

Ritual of Unrestricted Work consist of different works connected to regain significance in their reduced relations; a wolf-head’s skull, wood’ spears, wreck-scape of toy-boats, paintings abstracted from a video footage documentation and site-specific series of analog photographs. The work presented combine different projects developed over three years. Most of the works are objects casts in clay, plaster and epoxy and photography deriving from a series of field works.
The sonic piece is made up of electronic manipulation of pre-recorded, generated sound and soundscapes spread out in the space. The video is a juxtaposition of a science-documentary about the animal-predatory social structures, subsequently manipulated; while the nine-shaped star is the image of a snow crystal, the most fragile water that creates natural crystals and then disappears on earthly heat. Generated close to the cold upper atmosphere that barely protects us from dead space, they create a structure of minimal beauty but still cold, and temporary.

The concrete-poems depict a complexity in the use of a free language as a tool for poetically engaging the origin of contents.
The figurations reveal the animal’s collaborative gestures like play and hunt. The work opens up questions around work, play and syndicalism, but also echoes medieval European law, where outlaws are described as “wolf heads”, caught in a limbo between human and animal, banished by the law itself.
Where life is fragile to the point of ambiguity and real-myth, the key to how knowledge paradigms ever sucking the blood of alternative cultures becomes unveiled. The history that made possible this giant focus on the paradigm of human sciences, evolve as the past that brings obsessions for order of thing into new existential forms. We may have to look at how culture complexity embracing observability, but also profanations from real-society diverges from documented life and traditional views on creative labor.
It could just be entropic realizations of sensibility, where the economical sustainability opens up its Pandora’s potential.
(Real-society; is the unpredictable unknown factors of a whole society with its privacy and its publicity interaction)
(Real-myth: is the myths that not only is culturally visualized (mainstream western music, movies, comics, games ect. but hold real practical traces of human survival in “nature” similar to local religious myths of so-called “primitive” societies).
Ronny Faber Dahl is a Norwegian artist based in Norway and Italy. Influenced by minimalism, critical theory, sound art and poetry, his project reflects issues connected with youth culture, alternative religions in relation to society. ‘Ritual of unrestricted work’ hints to topics such as alternative representations of the entropic problem of life/death, animal/man, work and ritual beyond the idea of order into an open trans-possession of creativity and play, as autonomous work. Ronny Faber Dahl is also a student at the Academy of Fine Arts in Genova.

info
Comune di Genova, Assessorato Cultura e Turismo – Ufficio Cultura e città
progetto Sala Dogana _ Giovani idee in transito
t +39 010 5573975 | 74806 saladogana@comune.genova.it; www.genovacreativa.it/dogana; www.palazzoducale.genova.it

Premio “Sergio Fedriani” 2013

18 maggio – 2 giugno 2013
Sala Dogana

Orario: 16-19 dal martedì alla domenica

ingresso libero

Per ricordare il pittore, illustratore, incisore, scenografo e umorista genovese Sergio Fedriani (1949-2006), esponente emerito del disegno poetico e surreale, l’Associazione Culturale a lui intitolata propone annualmente un concorso per giovani artisti, volto a segnalare personalità emergenti nei campi della produzione figurativa fantastica.
Dopo le edizioni dedicate all’illustrazione, alla grafica incisoria, alla scenografia, alla pittura, alla grafica umoristica e al tema “Il cinema, la fabbrica dei sogni”, l’edizione 2013 è intitolata ”In viaggio: fantastiche istantanee”.

Il Concorso di opere figurative per giovani artisti “La vita è sogno”, settima edizione del Premio “Sergio Fedriani”, organizzato dall’omonima Associazione culturale in collaborazione con il Comune di Genova, Genova Palazzo Ducale Fondazione per la Cultura e lo studio professionale SFL di Genova, si è concluso dopo lo spoglio degli elaborati inviati da tutta Italia.
La Giuria, presieduta dall’illustratore Presidente dell’EIF-European Illustrators Forum Paolo Rui e composta dal docente di Storia delle esplorazioni geografiche Francesco Surdich, dalla direttrice della Libreria Finisterre in Genova Anna Tosi, dalla grafica Daria Pasolini, dal Presidente dell’associazione Chiara Fedriani e dai Soci Giorgia Ajmone Marsan e Simone Pedemonte, esaminando le opere selezionate (48 per 36 autori finalisti), ha così deliberato l’assegnazione dei riconoscimenti:

1° premio (Euro 1500) a MATTEO MORELLI di Milano con l’opera “Appunti di viaggio metropolitani”
2° premio (Euro 1000) a WILLIAM TARANTINO di Genova con l’opera “Il viaggio di Lulù”
3° premio (Euro 500) a LUCA CATTANEO di Cologno al Serio (BG) con l’opera “Viaggio in apnea”

I premi in denaro sono messi a disposizione dall’ Associazione culturale Sergio Fedriani.

La Giuria ha inoltre ritenuto di segnalare con tre menzioni d’onore le opere: “Coffee Trip” di MARTA CAVICCHIONI da Roma, “Crescita” di LAURA MANICARDI da Casinalbo di Formigine (MO), “L’esploratore” di MURIEL MESINI da Castelnuovo Calcea (AT).

In mostra e in catalogo saranno presenti opere di Sergio Fedriani, dei premiati, dei segnalati e dei finalisti Giacomo ALIPRANDI, Aura ASTE, Linda ANTONIETTI, Viviana BARONI, Giulia BOSCHETTO, Alice COPPINI, Giulia COPPOLA, Chiara D’AGOSTINO, Gianluca DE IORGI, Giulia FILIPPI, Tamara GARCEVIC, Fiammetta GILODI, Silvia GIUSEPPONE, Valeria GUARAGNO, Nataša ILINČIĆ, Christian IMBRIANI, Fulvio IOAN, Lisa LAURENTI, Clara LEONARDI, Stefano MAESTRELLI, Giorgia MARRAS, Irene MAZZA, Eleonora MILANESI, Fausto MONTANARI, Lara ORRICO, Giulia RAMBERTI, Laura RE, Federica SGAMBARO, Marika Rosa SORANGELO, Gianluca STURMANN.

Inaugurazione, venerdì 17 maggio, ore 18
Nel corso dell’inaugurazione si procederà alla presentazione del catalogo e alla premiazione dei vincitori.

Il Premio Sergio Fedriani è un’iniziativa del progetto ‘Sala Dogana. Giovani idee in transito’, realizzato nell’ambito dei Piani Locali Giovani – Città Metropolitane, promossi e sostenuti dal Dipartimento della Gioventù – Presidenza del Consiglio dei Ministri e dall’Anci – Associazione Nazionale Comuni Italiani.

Presentazione di Paolo Rui, Presidente della Giuria
Le opere partecipanti a questa edizione del Premio Fedriani che la Giuria ha avuto il piacere di visionare hanno offerto una ragguardevole varietà di proposte tra loro molto distinte per tecnica, gusto e approccio al tema; la cosa è stata di per sé positiva, contrastando con una certa tendenza all’omologazione che talvolta si riscontra in iniziative come questa.
A riprova di ciò c’è anche il fatto che la Giuria si è divisa spesso nelle valutazioni, dimostrando che l’illustrazione italiana, della quale i giovani partecipanti al concorso rappresentano parte del “nuovo che avanza”, è assai vivace e offre, com’è giusto che sia, spunti interessanti per persone diverse con gusti diversi.
Insomma complimenti ai vincitori e a tutti i partecipanti, che con le loro opere ci hanno permesso di lavorare serenamente, facendoci divertire nel godere il panorama.

Presentazione di Ferruccio Giromini, Segretario della Giuria
Il viaggio del Premio “Sergio Fedriani” è giunto così alla sua settima tappa. In tutti questi anni il concorso, sempre sotto il motto “La vita è sogno”, ha felicemente perseguito il compito che si era dato in partenza, ossia offrire a numerosi giovani artisti italiani, perlopiù non ancora affermati, la possibilità di esporre proprie opere e vederle pubblicate, e nei casi migliori intascare pure qualche interessante gruzzolo di incoraggiamento. Ma la soddisfazione, per l’Associazione riunitasi nel caloroso ricordo dell’artista Sergio Fedriani, è confermata e aumentata dal fatto che non pochi dei giovani segnalati o vincitori nelle precedenti edizioni si sono resi protagonisti nel frattempo di ulteriori affermazioni professionali. Difatti ci piace pensare di avere avuto, chissà, un qualche ruolo nello spronarli e nel rassicurarli sulle loro rispettive capacità artistiche. E non è contentezza da poco.
Inoltre, l’anno scorso sul tema del cinema e quest’anno con l’immagine di viaggio – ma sempre in un’ottica “fantastica”, per rispettare l’universo poetico fedrianeo che vogliamo continuare a omaggiare – la rassegna che ne consegue ha visibilmente guadagnato più varietà di risultati. Ne è testimone il presente catalogo, che al suo interno allinea prove svarianti su più pratiche figurative, anche lontane e quasi discordanti tra loro, come sottolinea l’introduttivo intervento del Presidente della Giuria di quest’anno: Paolo Rui, illustratore, ex-presidente dell’Associazione Illustratori Italiani e attuale presidente del Forum degli Illustratori Europei, che ci ha onorati della sua partecipazione insieme con altri illustri “esperti” di viaggi.
Sì, si nota che in questo immaginario ricorrono molti aerostati, paesaggi marini, pesci volanti, treni e metropolitane; ma sono i giusti ingredienti di viaggi reali e irreali, e ognuno per fortuna è trattato a modo suo. Appunto: la diversificazione è indice di vitalità, e sappiamo fin troppo bene quanto l’Italia in questi prolungati tempi di generale stanca, economica politica culturale, ne abbia davvero bisogno. Anche un “piccolo” concorso come questo, che invita a mettere in moto la fantasia, a viaggiare con l’intelligenza, magari pure a distribuire qualche sorriso affettuoso, può dunque per qualcuno rivelarsi importante e “grande”. Anche per questo motivo la nostra Associazione continuerà a promuoverlo finché potrà.
Infine, una sorpresa per i tanti estimatori dell’opera artistica di Sergio Fedriani: scoprendo qualche estratto dai suoi inediti taccuini di viaggio, qui potranno apprezzare la sua superba abilità nello schizzare paesaggi ad acquerello di grande immediatezza e seduzione estetica. Un lato poco noto della sua opera, una vera miniera di meraviglie su cui sarà più che opportuno tornare presto. E questa è una promessa…

Electropark 2013

10 maggio, presso Circolo Neo262 e
11 maggio, presso Sala Dogana e Teatro della Tosse

ingresso libero

www.genovacreativa.it

L’evento ELECTROPARK 2013 è un progetto musicale/culturale di musica elettronica a cura di Forevergreen.fm * in collaborazione con il Goethe-Institut Genua, selezionato nell’ambito di “Sala Dogana _Giovani idee in transito”.
L’evento prende il via a maggio e prosegue a ottobre e novembre sviluppandosi attorno alle diverse sfumature della musica elettronica in spazi cittadini nel cuore di Genova. Si arricchisce così il programma della 2a edizione con più appuntamenti, a partire da Venerdì 10 e Sabato 11 MAGGIO:

- VENERDÌ 10 MAGGIO | dalle ore 23
al Circolo Neo262, Closing Party! di Disc Over con il ritmato Dj-Set di KADEBOSTAN, artista eclettico che unisce musica elettronica a ritmi di orchestrazione classica orientale + altri ospiti;

- SABATO 11 MAGGIO | dalle ore 14 alle ore 19
in Sala Dogana a Palazzo Ducale, esibizioni live dei progetti in gara al concorso per artisti emergenti MAKE YOUR SOUND! – 2a edizione nelle 2 categorie “Music Production” e “Projects For Music & Culture”. Le iscrizioni sono aperte fino al 25 Maggio.
Info e bando di partecipazione scaricabile al sito www.forevergreen.fm
A chiudere il pomeriggio, il workshop formativo gratuito targato SAE Institute “Electronic Music Production – Tecniche di produzione e mixing” a cura di Stefano Puddighinu.

- SABATO 11 MAGGIO | dalle ore 21.30
al Teatro della Tosse Sala Aldo Trionfo, in esclusiva mondiale, il concerto “jazz-elettronico” LIVE di BUGGE WESSELTOFT e CHRISTIAN PROMMER: da una parte l’indiscusso pianista e guru
del NuJazz, dall’altra il multi-strumentista tedesco e amante delle percussioni, in un nuovo ed inedito progetto musicale d’avanguardia. Perfomance di apertura di MARCO SELVAGGIO in The
Hang Player. A chiudere, sulla facciata esterna del teatro, il nuovo spettacolo di visual mapping Living The Theater a cura di MAIVIDEO.
La regia ed il Lighting Design sono affidate ad Emiliano Morgia, professionista di fama internazionale, con all’attivo produzioni che vanno dalle cerimonie di apertura di America’s Cup
di Napoli e delle Olimpiadi di Torino, al tour di artisti quali Jovanotti, Renato Zero, Laura Pausini, Claudio Baglioni e molti altri.

* Forevergreen.fm è un’Associazione culturale musicale impegnata nella progettazione, produzione e direzione artistica di eventi, allestimento visual, gestione artisti e produzione
digitale. INFO: admin@forevergreen.fm / 3403380190

Apokalypse Back

26 aprile – 5 maggio 2013
Sala Dogana

www.genovacreativa.it

Progetto a cura di Fabio Negrino e della Classe 2N del Liceo artistico statale Klee-Barabino di Genova

inaugurazione venerdì 26 aprile, ore 18

ingresso libero

orario: dal martedì alla domenica, ore 15-20

Da più di una decina di anni assistiamo a una progressiva erosione di quei privilegi acquisiti dalla nostra società a partire dal dopoguerra: questa è per noi una
nuova e inesorabile apocalisse! Ma come vivono giovani e adulti questo momento? “Apokalypse back” vuole visualizzare, con immagini, video e installazioni, proprio questa difficile congiuntura
storica, vista e interpretata attraverso gli occhi di un gruppo di adolescenti.
Dopo aver letteralmente attraversato tre immagini simbolo, stampate su grandi supporti in tessuto bandiera, si arriva ad uno spazio video dove è proiettato un collage di interviste fatte
dai ragazzi. Si entra quindi nella sala delle colonne dove sono esposte, in due differenti percorsi, immagini in bianco e nero di persone “tristi”, viste di spalle, e immagini a colori
di persone “felici”, fotografate di fronte. I due tragitti terminano in corrispondenza di due grandi pannelli in plexiglass decorati con scritte e disegni.
La mostra ha un ampliamento presso la Douce Pâtisserie Café, in Piazza Matteotti; qui le immagini sono riproposte in piccolo formato e disposte sui tavoli. Immagini del backstage completano l’allestimento.
Progetto a cura di Fabio Negrino e della Classe 2N del Liceo artistico statale Klee-Barabino di Genova, con il coordinamento di CHAN Contemporary Art Association, il supporto delle fotografe
Anna Positano e Nuvola Ravera, la partecipazione di Douce Pâtisserie Café.
Si ringraziano inoltre Gioielleria Arduino 1870, Alimentari Priano e Libreria Antiquaria Borgolungo per le sponsorizzazioni.

From more than ten years we are witnesses of a gradual erosion of those privileges acquired by our society during thepostwar period: this is for us a new and relentless apocalypse! How do the youth and adults live in this moment? “Apokalypse back” wants to visualize, with images, video and installations, both the perception of a feared reflux to economical poverty situations and the will to leave behind us what is happening, looking to the future with optimism.

In between

18 – 21 aprile 2013
Sala Dogana

di Vera Comploj

www.genovacreativa.it

ingresso libero

orario: ore 9.30-20
la mostra continuerà a Villa Croce

a cura di Ilaria Bonacossa
nell’ambito di La Storia in Piazza. Identità sessuali

Trovarsi immersi all’improvviso in un mondo parallelo, in un ambiente in cui le distinzioni di genere e la rigida separazione tra realtà e immaginazione sembrano non esistere,
questo è l’effetto che produce la mostra di Vera Comploj, giovane fotografa che ha imparato dal mondo della moda a cogliere i momenti sospesi e al contempo a fotografare scomparendo,
diventando non voyeuse, ma confidente specchio umano delle emozioni dei personaggi che sceglie di ritrarre.
In Between, con la serie di fotografie in bianco e nero scattate in pellicola, evoca un momento di sospensione, un rito di trasformazione di passaggio, catturando una serie di drag queen della
scena underground americana nei momenti che preludono la loro entrata in scena, ritratte attraverso vertiginosi inquadramenti prospettici e inaspettati tagli compositivi, sospesi tra
l’identità maschile e quella femminile, tra la persona e il personaggio.

Finding oneself unexpectedly into a parallel dimension where the distinctions between genders are blurred and the strict separation between reality and imagination fades into the background.
This series of black and white photographs shot on film shows various drag queens from the American underground scene, captured from dizzying perspectives and unexpected angles: suspended between their male and female identities, between the person and the persona.

inoltre, nell’ambito della mostra, incontro:
“IN BETWEEN” in the Ghetto
sabato 20 aprile ore 17.30
‘Piazza Princesa’ (adiacenze via Lomellini)
Incontro con Vera Comploj e Rossella Bianchi, presidente Ass. Princesa per la difesa dei diritti dei Transgender Sex Worker; Ilaria Bonacossa; Tamar Pitch, Università di Perugia; Regina Satariano, Movimento d’identità Transessuale Toscana.
In collaborazione con Comunità San Benedetto al Porto

Grafica+Design=Comunicazione!

5 – 14 aprile 2013
Sala Dogana

progetto a cura di Mario Benvenuto

orario: dal martedì alla domenica ore 15-20

in collaborazione con Accademia Ligustica di Belle Arti di Genova

Inaugurazione venerdì 5 aprile, ore 21

www.genovacreativa.it

Come dal risveglio al sonno la nostra giornata è scandita da molteplici segni che ci accompagnano e cercano di convincerci all’uso di un prodotto o ci aiutano a muoverci nel mondo contemporaneo, la storia umana è stata segnata da immagini create per evocare, convincere e aiutare.

Our daily experience is punctuated by manifold signs that make us aware of our surroundings or may tempt us into using products: so human history has always been marked by images designed to evoke, persuade and support. The purpose of this exhibition is to show how a communication design project can be made effective and pleasing in a wide range of professional and cultural settings.